Aperçu
Domenico Scarlatti (1685–1757) était un compositeur et claviériste virtuose italien, surtout connu pour ses sonates pour clavier innovantes et techniquement exigeantes. Il fut l’un des compositeurs les plus importants de la période baroque et une figure influente dans le développement de la musique pour clavier. Voici un aperçu de sa vie et de ses contributions :
Jeunesse et éducation
Naissance : Scarlatti est né à Naples le 26 octobre 1685. Il est le sixième des dix enfants d’Alessandro Scarlatti, compositeur d’opéra renommé et figure de proue de l’école napolitaine.
Formation : Scarlatti a probablement étudié auprès de son père, ainsi que d’autres musiciens éminents de l’époque, et a démontré un talent musical prodigieux dès son plus jeune âge.
Faits saillants de la carrière
Rendez-vous anticipés :
En 1701, à l’âge de 16 ans, Scarlatti devient organiste et compositeur à la chapelle royale de Naples.
Il travaille ensuite à Venise, à Rome et dans d’autres villes italiennes, se forgeant une réputation de musicien et de compositeur talentueux.
Déménager vers la péninsule Ibérique :
En 1719, il se rendit à Lisbonne pour servir de maître de musique à la princesse portugaise Maria Barbara. Ce fut un tournant dans sa carrière.
Lorsque Maria Barbara devint reine d’Espagne, Scarlatti la suivit à Madrid, où il passa le reste de sa vie.
Sonates pour clavier :
Scarlatti est surtout connu pour ses 555 sonates pour clavier, composées principalement pour le clavecin. Ces œuvres sont réputées pour leur utilisation inventive de l’harmonie, du rythme et des techniques de clavier.
Les sonates présentent souvent des influences de la musique folklorique espagnole et portugaise, mettant en valeur des rythmes de danse vivants et des motifs mélodiques colorés.
Innovation musicale :
Ses compositions ont repoussé les limites de l’interprétation au clavier avec des croisements de mains, des gammes rapides, des arpèges et des modulations non conventionnelles, influençant des compositeurs ultérieurs tels que Haydn, Mozart et Beethoven.
Vie personnelle
Scarlatti était un homme humble et pieux qui menait une vie relativement tranquille malgré son immense talent. Sa musique n’a acquis une plus grande renommée qu’après sa mort, lorsque ses sonates ont été publiées et admirées aux XVIIIe et XIXe siècles.
Héritage
Scarlatti est considéré comme une figure clé de la transition entre les périodes baroque et classique.
Ses sonates pour clavier font partie intégrante du répertoire, étudiées et jouées dans le monde entier pour leur brillance technique et leur profondeur expressive.
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Histoire
La vie de Domenico Scarlatti est une histoire de talent remarquable, d’innovation et de dévouement à la musique, qui se déroule dans certains des centres culturels les plus dynamiques de l’Europe du XVIIIe siècle. Né à Naples en 1685, la même année que Jean-Sébastien Bach et Georg Friedrich Haendel, Scarlatti grandit dans une famille de musiciens. Son père, Alessandro Scarlatti, était une figure marquante de l’opéra baroque, et le jeune Domenico fut immergé dans la musique dès son plus jeune âge.
Formé à la composition et au clavier, Domenico se distingue rapidement comme un prodige. À seulement 16 ans, il obtient un poste d’organiste et de compositeur à la chapelle royale de Naples. Mais ses ambitions et son talent ne tardent pas à le conduire au-delà de sa ville natale. À la recherche d’opportunités plus larges, Scarlatti se rend à Venise, où il côtoie l’élite musicale florissante de la ville, puis à Rome, où il acquiert une renommée pour ses talents de claveciniste et de compositeur.
À Rome, Scarlatti travaille dans la maison de la reine exilée Maria Casimira de Pologne et compose des opéras et de la musique sacrée. Pourtant, son talent au clavier le distingue des autres, lui vaut l’admiration et lui vaut de nombreux rivaux, dont une célèbre rencontre avec Haendel. Bien que leurs styles soient distincts, les deux hommes sont égaux en termes de talent et leur compétition amicale cimente la réputation de Scarlatti.
Un tournant dans la vie de Scarlatti se produit en 1719 lorsqu’il s’installe à Lisbonne. Il devient alors le professeur de musique de Maria Barbara, l’infante portugaise, qui restera une figure centrale de sa vie. Sous son patronage, Scarlatti prospère et lorsque Maria Barbara épouse le futur roi Ferdinand VI d’Espagne, il la suit à Madrid. C’est en Espagne que Scarlatti entre dans la phase la plus productive de sa carrière.
En vivant en Ibérie, Scarlatti s’est immergé dans les traditions musicales vibrantes de la région, s’inspirant de la musique folklorique espagnole et portugaise. Ses compositions ont commencé à refléter les rythmes vifs, les harmonies audacieuses et les gammes exotiques de ces traditions. Il s’est consacré à l’écriture de sonates pour clavier, créant plus de 550 pièces qui restent ses œuvres les plus célèbres. Ces sonates, écrites principalement pour le clavecin, ont mis en valeur son extraordinaire ingéniosité et repoussé les limites techniques de l’instrument. Des arpèges rapides aux croisements de mains complexes, sa musique était à la fois un plaisir à écouter et un défi à jouer.
Scarlatti a vécu une vie relativement calme et privée, dévoué à sa musique et à ses mécènes. Bien qu’il ait composé d’autres œuvres, notamment des opéras et de la musique sacrée, ce sont ses sonates pour clavier qui ont assuré son héritage. Il est décédé à Madrid en 1757, laissant derrière lui une œuvre qui a influencé des générations de compositeurs. La musique de Scarlatti a fait le pont entre les styles baroque et classique, mêlant clarté structurelle et expressivité émotionnelle, et lui a assuré une place parmi les grands compositeurs de la musique occidentale.
Caractéristiques de la musique
The music of Domenico Scarlatti is known for its originality, virtuosity, and innovative approach to composition, particularly in his keyboard works. Here are the key characteristics that define his style:
1. Keyboard Focus
Scarlatti’s legacy lies overwhelmingly in his 555 keyboard sonatas, primarily written for the harpsichord.
His sonatas are often compact, single-movement works structured in binary form, where two contrasting sections are developed and then balanced symmetrically.
2. Technical Innovation
Scarlatti’s sonatas are famous for their technical demands, including:
Rapid scales and arpeggios: Showcasing agility and precision.
Hand crossings: Frequent and dramatic, requiring the performer’s hands to leap across one another.
Extended leaps: Large intervals that test a performer’s dexterity.
Repetition of notes: Creating rhythmic intensity and vibrancy.
These techniques not only challenged performers of his time but also expanded the expressive potential of the keyboard.
3. Harmonic Boldness
Scarlatti often employed unexpected modulations and dissonances, creating surprises within his harmonic progressions.
He explored remote keys and bold harmonic shifts that were unusual for his era, providing a fresh, modern sound.
4. Rhythmic Vitality
His music often includes syncopations and rhythmic contrasts, adding energy and unpredictability.
Scarlatti was influenced by Iberian dance rhythms, which infused his sonatas with the spirit of folk dances like the jota and fandango.
5. Folk and National Influences
Living in Spain and Portugal for much of his career, Scarlatti absorbed elements of Iberian folk music:
Guitar-like strumming patterns are evoked in some sonatas.
Exotic scales, such as Phrygian modes, give his music a distinctive regional flavor.
Melodic ornamentation reminiscent of flamenco can be heard.
6. Clarity and Economy
Unlike the elaborate counterpoint of his Baroque contemporaries, Scarlatti often used simple, clear textures that focused on melody and accompaniment.
His music is highly expressive despite its relative brevity and structural simplicity.
7. Dynamic Expressiveness
Scarlatti made inventive use of the keyboard’s dynamic capabilities, even within the limited range of the harpsichord.
His music frequently contrasts playful, exuberant passages with lyrical, reflective moments.
8. Contrast and Drama
Scarlatti’s sonatas often juxtapose virtuosic brilliance with introspective charm within a single work.
He uses dramatic contrasts in texture, rhythm, and harmony to maintain interest and emotional depth.
9. Baroque to Classical Transition
While rooted in the Baroque idiom, Scarlatti’s sonatas anticipate elements of the Classical style:
They emphasize balance and clarity.
His exploration of form and expression foreshadows the works of later composers like Haydn and Mozart.
Conclusion
Domenico Scarlatti’s music combines technical mastery with emotional depth, blending the Baroque’s intricacies with forward-looking innovation. His sonatas remain a cornerstone of the keyboard repertoire, admired for their inventiveness, charm, and brilliance.
Relations to Other Composers
1. Alessandro Scarlatti (Father)
Relationship: Alessandro was Domenico’s father and a towering figure in Baroque opera. He was Domenico’s first music teacher and a major influence on his early development.
Impact: Alessandro’s focus on vocal music and his mastery of counterpoint and harmony likely shaped Domenico’s compositional foundation, even though Domenico ultimately chose a different path by focusing on keyboard music.
2. Arcangelo Corelli
Connection: While in Rome, Domenico worked in environments influenced by Corelli, who was active there earlier. Corelli’s emphasis on melody and harmonic clarity may have subtly influenced Scarlatti, but there is no evidence of direct interaction.
Overlap: Both contributed to the evolution of Baroque music in Rome, though Scarlatti’s fame grew more after Corelli’s time.
3. George Frideric Handel
Relationship: Scarlatti and Handel famously competed in a keyboard contest in Rome around 1708. According to accounts, Scarlatti was deemed superior on the harpsichord, while Handel excelled on the organ.
Mutual Respect: Scarlatti reportedly admired Handel greatly, even once exclaiming, “Handel is the greatest composer of all.” Despite their competition, the encounter reflects mutual recognition rather than rivalry.
4. Johann Sebastian Bach
Relationship: Scarlatti and Bach were contemporaries but there is no evidence they ever met. However, their birth in the same year (1685) has often invited comparisons.
Stylistic Differences: While both contributed significantly to keyboard music, Scarlatti’s focus was more on idiomatic harpsichord writing and Iberian influences, whereas Bach was rooted in German counterpoint and Lutheran traditions.
5. Maria Barbara of Portugal
Connection to Composers: Though not a composer, Maria Barbara, Scarlatti’s patron and student, played a pivotal role in his life. Through her, Scarlatti was introduced to the Spanish and Portuguese courts, where he absorbed the regional folk influences that define much of his music.
Indirect Influence: Scarlatti’s environment at the Spanish court would have exposed him to the works of other court composers, though their names are less prominent in the historical record.
6. Other Neapolitan Composers
Francesco Durante et Leonardo Leo : Scarlatti partageait un lien culturel avec ces compositeurs napolitains, car ils ont tous contribué à l’essor de la musique dans le sud de l’Italie. Cependant, il n’existe aucune preuve documentée de collaborations ou d’interactions directes.
7. Antonio Soler
Relation : Soler, compositeur et moine espagnol, a été directement influencé par Scarlatti. Bien que leurs époques ne se soient pas vraiment recoupées, Soler a étudié les sonates de Scarlatti et a adopté des techniques similaires dans ses propres œuvres, perpétuant ainsi l’héritage de Scarlatti dans la musique pour clavier ibérique.
Résumé
Les liens étroits de Scarlatti avec des compositeurs comme Alessandro Scarlatti et Haendel reflètent une vie façonnée par le mentorat familial et des rencontres prestigieuses. Si sa musique s’écarte de celle de ses contemporains comme Bach et Haendel, son style novateur a jeté les bases des générations futures, influençant des compositeurs comme Antonio Soler et même des maîtres de l’ère classique.
En tant que joueur de clavier
Domenico Scarlatti n’était pas seulement un compositeur révolutionnaire, mais aussi un claviériste virtuose, réputé pour son extraordinaire talent et sa technique inventive. Ses talents au clavier ont fait partie intégrante de son héritage, façonnant ses compositions et influençant l’évolution de l’interprétation au clavier.
Maîtrise et Virtuosité
Prouesses techniques :
Scarlatti était célèbre pour ses compétences techniques inégalées. Il a repoussé les limites du jeu au clavier avec des techniques révolutionnaires pour son époque. Ses sonates comprennent souvent des gammes rapides, des arpèges, des croisements de mains et de grands sauts, qui reflètent tous ses propres capacités d’interprète.
Les récits contemporains soulignent sa fluidité et sa précision, qui étaient essentielles pour exécuter ses œuvres pour clavier complexes et très idiomatiques.
Croisements de main :
L’une des techniques de prédilection de Scarlatti était l’utilisation spectaculaire de croisements de mains, où une main saute par-dessus l’autre pour jouer des notes de l’autre côté du clavier. Cela mettait non seulement en valeur sa dextérité, mais créait également des textures et des effets uniques.
Ludique, rythmique et dynamique :
Son jeu est marqué par une vitalité rythmique et une utilisation expressive de la dynamique, apportant énergie et couleur à ses performances. Bien que le clavecin ait une gamme dynamique limitée, Scarlatti a exploité ses capacités à créer des contrastes et des nuances.
Innovations dans la technique du clavier
Doigté non conventionnel :
Les sonates de Scarlatti ont souvent obligé les interprètes à adopter des doigtés innovants pour répondre aux exigences techniques. Cela a encouragé les musiciens à repenser les techniques de clavier standard.
Large gamme de claviers :
Scarlatti a su exploiter pleinement la gamme du clavecin, explorant les registres aigus et graves plus largement que beaucoup de ses contemporains.
Imitation d’autres instruments :
Scarlatti’s keyboard playing often mimicked the sounds of other instruments, especially the Spanish guitar. His use of rapid repeated notes, trills, and strumming-like patterns reflected his immersion in Iberian musical traditions.
Recognition by Contemporaries
Competition with Handel:
The famous contest between Scarlatti and George Frideric Handel in Rome around 1708 demonstrated his reputation as a formidable keyboardist. While Handel was deemed superior on the organ, Scarlatti was considered unmatched on the harpsichord.
Admiration from Students and Patrons:
Maria Barbara of Portugal, later Queen of Spain, was not only his patron but also his devoted student. Her enthusiasm for his playing and teaching underscores his ability to captivate and inspire.
Performance Style
Expressive Freedom:
Scarlatti’s performances were likely characterized by an improvisatory flair, a quality mirrored in the spontaneous and inventive nature of his sonatas.
Connection to Dance:
His playing often reflected the lively rhythms and character of dances, especially those of Spanish origin, lending a unique vibrancy to his performances.
Legacy as a Performer
Scarlatti’s keyboard artistry left a lasting mark on the development of keyboard technique and composition. His emphasis on virtuosity and innovation influenced subsequent composers and performers, setting new standards for what was possible on the harpsichord and, later, the fortepiano.
Chronology
1685–1700 : Jeunesse à Naples
1685 : Né le 26 octobre à Naples, en Italie, sixième enfant d’Alessandro Scarlatti, éminent compositeur d’opéra, et d’Antonia Anzalone.
Années 1690 : A probablement reçu sa première formation musicale de son père et d’autres musiciens napolitains notables.
1701 : À 16 ans, nommé organiste et compositeur à la chapelle royale de Naples.
1701–1714 : Début de carrière en Italie
1702 : A voyagé avec son père à Florence et peut-être dans d’autres villes italiennes, où il a été exposé à divers styles musicaux.
1705 : S’est installé à Venise, où il aurait étudié et perfectionné ses compétences de claviériste.
1708 : Devient maestro di cappella (directeur musical) de la reine Maria Casimira de Pologne, qui vivait en exil à Rome. Pendant cette période, il compose des opéras et de la musique sacrée.
1708 (ou avant) : Participe à un célèbre concours de clavier à Rome avec Georg Friedrich Haendel, gagnant une reconnaissance en tant que virtuose du clavecin.
1710-1714 : Compose des opéras tels que Tetide in Sciro (1712) et Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714) pendant son mandat à Rome.
1714-1719 : Transition et réputation croissante
1714 : Nommé maître de chapelle de la basilique Saint-Pierre de Rome. Il écrit davantage de musique sacrée et d’opéras pendant cette période.
1715 : Se rend brièvement à Londres, où l’un de ses opéras, Narciso, est joué.
1719 : Quitte Rome pour Lisbonne, au Portugal, où il devient maître de musique de Maria Barbara, l’infante portugaise.
1719–1733 : Période de Lisbonne
1719–1729 : A vécu et travaillé à la cour du Portugal, enseignant et composant. Il s’est de plus en plus concentré sur la musique pour clavier pendant cette période.
1728 : Maria Barbara a épousé Ferdinand, prince héritier d’Espagne, s’assurant le mécénat continu de Scarlatti.
1729 : A accompagné Maria Barbara et son mari à Séville pendant une brève période.
1733–1757 : Période de Madrid et œuvres de maturité
1733 : S’est installé à Madrid, en Espagne, où il est resté pour le reste de sa vie comme compositeur de cour de Maria Barbara, désormais reine d’Espagne.
1738 : Le premier recueil de ses sonates pour clavier a été publié à Londres sous le titre Essercizi per gravicembalo.
Années 1730–1750 : A composé la majorité de ses 555 sonates pour clavier, mettant en valeur ses innovations dans la technique du clavier et incorporant des influences de la musique populaire ibérique.
1746 : Ferdinand devient roi d’Espagne, renforçant encore davantage le rôle de Scarlatti à la cour.
1754 : Il est fait chevalier par le pape Benoît XIV, un honneur rare pour un compositeur.
1757 : Décès et héritage
1757 : Décès le 23 juillet à Madrid, en Espagne, à l’âge de 71 ans. Enterré à Madrid, bien que l’emplacement exact de sa tombe reste inconnu.
Reconnaissance posthume : Si ses sonates pour clavier étaient appréciées de son vivant, sa renommée s’est considérablement accrue aux XIXe et XXe siècles, consolidant son statut de figure centrale de la musique pour clavier.
Les phases clés en résumé
Débuts napolitains (1685-1714) : formation précoce, opéras italiens et ascension comme virtuose du clavier.
Période portugaise (1719-1733) : concentration sur l’enseignement, la musique de cour et le développement de son style de clavier.
Période espagnole (1733-1757) : production prolifique de sonates et assimilation d’influences musicales ibériques.
Œuvres remarquables pour clavecin solo
Les sonates pour clavier de Domenico Scarlatti constituent le cœur de ses contributions au répertoire du clavecin, avec 555 sonates mettant en valeur son style innovant et sa virtuosité. Ces sonates sont des œuvres en un seul mouvement, le plus souvent sous forme binaire. Voici quelques-unes de ses sonates les plus remarquables et les plus fréquemment jouées, classées par leur numéro Kirkpatrick (K) :
1. Sonate en ré mineur, K. 1
Caractéristiques : Pièce lyrique et mélancolique à l’ornementation élégante.
Importance : Souvent jouée comme introduction au style de Scarlatti, mettant en valeur son utilisation expressive du clavecin.
2. Sonate en ré majeur, K. 96
Caractéristiques : Une œuvre lumineuse et festive avec des gammes rapides et des croisements de mains ludiques.
Importance : Une vitrine de l’innovation technique de Scarlatti et de son énergie rythmique d’inspiration ibérique.
3. Sonate en do majeur, K. 159 (« La Caccia »)
Caractéristiques : Connu pour ses motifs de chasse animés, imitant le son des cors et le galop.
Importance : Démontre le talent de Scarlatti en écriture programmatique et sa capacité à évoquer des images à travers la musique.
4. Sonate en fa mineur, K. 466
Caractéristiques : Sombre et introspectif, avec des textures complexes et des harmonies poignantes.
Importance : Illustre sa maîtrise de la profondeur expressive dans les limites du clavecin.
5. Sonate en mi majeur, K. 380
Caractéristiques : Sonate populaire et élégante aux mélodies lyriques et à la structure équilibrée.
Importance : Souvent utilisée comme pièce de récital en raison de son charme et de son accessibilité technique.
6. Sonate en sol majeur, K. 427
Caractéristiques : Notes répétées rapides et rythmes énergiques, évoquant les traditions de danse espagnole.
Importance : Met en valeur les influences ibériques et l’inventivité rythmique de Scarlatti.
7. Sonate en si mineur, K. 27
Caractéristiques : Mystérieux et introspectif, avec des arpèges fluides et des changements harmoniques subtils.
Importance : Un favori parmi les interprètes pour sa profondeur émotionnelle et sa beauté.
8. Sonate en ut majeur, K. 513
Caractéristiques : Incorpore des effets de grattage qui imitent la guitare espagnole.
Importance : Un exemple typique de l’intégration d’éléments folkloriques dans les œuvres pour clavier de Scarlatti.
9. Sonate en mi mineur, K. 98
Caractéristiques : Une œuvre dramatique, rythmiquement complexe, qui alterne entre passages lyriques et virtuoses.
Importance : Démontre la capacité de Scarlatti à combiner brillance technique et expressivité émotionnelle.
10. Sonate en la majeur, K. 208
Caractéristiques : Pièce gracieuse et méditative, au tempo plus lent et aux ornementations élégantes.
Importance : Connue pour sa beauté sereine, elle contraste avec les sonates plus exigeantes techniquement de Scarlatti.
Notes générales sur les sonates
Les sonates de Scarlatti présentent souvent des effets de grattage de guitare, des rythmes inspirés de la danse et des modulations inattendues.
Elles reflètent la virtuosité, le sens de l’improvisation et une intégration des traditions musicales ibériques.
Ces œuvres sont célébrées à la fois comme des études techniques pour les joueurs de clavier et comme des chefs-d’œuvre indépendants du répertoire pour clavecin. Souhaitez-vous des recommandations sur les enregistrements ou l’analyse d’une sonate spécifique ?
Œuvres remarquables
Opéras
La production lyrique de Scarlatti, en grande partie issue de ses débuts en Italie, démontre son talent en composition vocale et son héritage du style lyrique de son père Alessandro.
Ottavia restituita al trono (1703)
Détails : L’un des premiers opéras de Scarlatti, joué à Naples.
Importance : Il met en valeur ses premières explorations de l’expression dramatique et de l’orchestration.
Tétide à Sciro (1712)
Détails : Un opéra seria composé pendant son séjour à Rome.
Importance : Représente sa capacité à créer des lignes vocales convaincantes et à s’engager dans les traditions lyriques de son époque.
Amour d’un ombre et gelée d’un aura (1714)
Détails : Un opéra léger (souvent classé dans la catégorie des intermezzos) qui démontre son talent pour la caractérisation comique.
Importance : Met en valeur sa polyvalence et son esprit en tant que compositeur d’opéra.
Musique sacrée
La musique sacrée de Scarlatti comprend des compositions chorales et instrumentales écrites pendant son séjour à Rome et plus tard.
Stabat Mater en do mineur (vers 1715)
Détails : Œuvre pour dix voix et basse continue.
Importance : Connue pour sa profondeur émotionnelle et sa polyphonie complexe, elle est l’une des œuvres sacrées les plus célèbres de Scarlatti.
Missa quatuor vocum (Messe à quatre voix)
Détails : Un arrangement concis et élégant de la messe.
Importance : Démontre sa maîtrise de l’écriture vocale et du contrepoint.
Salve Regina (différents arrangements)
Détails : Plusieurs versions de cet hymne marial ont survécu, mettant en valeur la dévotion de Scarlatti et son talent en composition sacrée.
Importance : Combine l’expressivité lyrique avec la clarté structurelle.
Œuvres de chambre et instrumentales
Symphonies
Détails : Scarlatti a composé plusieurs symphonies, de courtes œuvres orchestrales généralement utilisées comme introductions à des opéras ou comme pièces de concert autonomes.
Importance : Ces œuvres reflètent le style de transition entre l’écriture orchestrale baroque et classique.
Sonate pour violon et basse continue en ré mineur
Détails : L’une des rares pièces instrumentales de chambre conservées.
Importance : Elle met en évidence son intérêt pour la mélodie et l’accompagnement au-delà du clavier.
Œuvres vocales
Cantates
Détails : Scarlatti a composé de nombreuses cantates pour voix soliste et basse continue, explorant souvent des thèmes profanes d’amour et de désir.
Exemples notables : Clori, che m’ami et Bella dama di nome Santa.
Importance : Ces œuvres illustrent son don lyrique et son affinité pour la musique vocale.
Motets
Détails : Les motets de Scarlatti sont des compositions sacrées de petite taille pour voix solistes et basse continue.
Importance : Ils démontrent son habileté à associer l’écriture expressive en solo à des thèmes spirituels.
Contribution globale au-delà de la musique pour clavier
Si les œuvres pour clavier de Scarlatti sont moins célèbres que ses sonates, elles offrent néanmoins un aperçu précieux de sa palette de compositions plus large. Ses opéras et sa musique sacrée révèlent une profonde compréhension de la voix humaine, tandis que ses œuvres instrumentales et orchestrales reflètent les innovations stylistiques de son époque.
(Cet article a été écrit par ChatGPT.)
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