Author: Jean-Michel Serres

Posted on

Notizen über Studien über die Etüden von F. Chopin von Leopold Godowsky, Informationen, Analyse, Eigenschaften und Leistungen

Übersicht

Leopold Godowskys Studien zu Chopins Etüden (1894–1914) sind ein monumentaler Zyklus von 53 hochkomplexen und innovativen Klavierwerken, die auf den 27 Originaletüden von Frédéric Chopin (Op. 10 und Op. 25 sowie den Trois Nouvelles Études) basieren. Es handelt sich dabei nicht um einfache Bearbeitungen, sondern um transformative Neukonzeptionen – jede Étude ist eine „Studie über eine Studie“, die Chopins ohnehin schon anspruchsvolle Stücke in polyphone, kontrapunktische und technische Meisterwerke verwandelt.

🧩 Überblick

📚 Titel:
Studien über Chopins Études von Leopold Godowsky

🕰 Komponiert:
1894–1914

🎹 Gesamtzahl der Stücke:
53 Etüden, basierend auf 27 Etüden von Chopin

🔍 Arten von Etüden
Godowsky näherte sich Chopins Etüden mit verschiedenen kreativen Techniken:

Etüden für die linke Hand allein:

22 der 53 Etüden sind für die linke Hand allein.

Diese waren bahnbrechend, nicht als Spielerei, sondern um die Unabhängigkeit der Hände und die technische Fingerfertigkeit zu entwickeln.

Polyphone und kontrapunktische Etüden:

Godowsky bereichert die Texturen durch Kontrapunkte oder die Imitation von Bach-ähnlicher Polyphonie.

Rhythmische und strukturelle Veränderungen:

Einige Etüden sind rhythmisch neu gestaltet (z. B. durch Umwandlung einfacher Taktarten in zusammengesetzte).

Andere tauschen die Hände oder verteilen die Stimmen neu.

Etüden über mehrere Etüden:

Einige Stücke kombinieren zwei oder mehr Chopin-Etüden zu einem einzigen Werk (z. B. kombiniert Etüde Nr. 22 Op. 10 Nr. 5 und Op. 25 Nr. 9).

Reharmonisierungen und Ausarbeitungen:

Godowsky erweitert Chopins harmonische Sprache frei mit üppiger Chromatik und dichten Texturen.

🎯 Zweck

Godowsky bezeichnete sie als „Gedichte“ und „Super-Etüden“. Diese waren:

Nicht in erster Linie als Konzertwerke gedacht, obwohl einige aufgeführt werden.

Sollten die Grenzen der pianistischen Technik und Kunstfertigkeit erweitern.

Eine Hommage an Chopin, dessen Etüden Godowsky als „die perfektesten Etüden, die je geschrieben wurden“ verehrte.

🎼 Beispiele berühmter Etüden

Godowsky-Etüde Basierend auf Anmerkungen
Nr. 1 Op. 10 Nr. 1 Dichte Akkordbearbeitung mit zusätzlichen Stimmen
Nr. 3 Op. 10 Nr. 3 Verwandelt eine lyrische Etüde in eine kontrapunktische Meditation
Nr. 13 (LH) Op. 10 Nr. 6 Lyrische Transkription nur für die linke Hand
Nr. 22 Op. 10 Nr. 5 + Op. 25 Nr. 9 Kombiniert beide Etüden – polyphone Komplexität
Nr. 25 (LH) Op. 10 Nr. 2 Eine legendäre Herausforderung für die linke Hand allein
Nr. 44 (LH) Op. 25 Nr. 6 Eine der schwierigsten – chromatische Terzen in der linken Hand

⚠️ Technische Schwierigkeit

Dies sind einige der schwierigsten Klavierwerke, die je geschrieben wurden.

Sie erfordern außergewöhnliche Fingerunabhängigkeit, Voicing und Ausdauer der Hände.

Pianisten wie Marc-André Hamelin, Carlo Grante und Igor Levit haben komplette Zyklen aufgenommen.

🎧 Hörtipps

Marc-André Hamelin – Komplette Aufnahme, definitives und brillantes Spiel.

Carlo Grante – Wunderschöne Klarheit und Kontrolle.

Konstantin Scherbakov – Meisterhafte Tonkontrolle und Balance.

📝 Vermächtnis

Aufgrund ihrer technischen Anforderungen sind sie unter Pianisten nach wie vor bekannter als beim Publikum.

Sie gelten als Höhepunkt der romantischen Klaviertranskription und virtuosen Fantasie.

Godowskys Etüden haben Komponisten und Pianisten beeinflusst, die sich für Transkription als Kunstform interessieren, von Sorabji bis Ligeti.

Merkmale der Musik

Leopold Godowskys Etüden über Chopins Études sind eine virtuose Hommage, Transformation und Erweiterung von Chopins ursprünglichen 27 Etüden (Op. 10, Op. 25, Trois Nouvelles Études). Die musikalischen Merkmale der Sammlung zeichnen sich durch extreme technische Innovation, harmonische Komplexität, kontrapunktische Genialität und pianistische Fantasie aus.

Hier ist eine Aufschlüsselung der musikalischen Merkmale der gesamten Sammlung:

🎼 1. Struktureller und kompositorischer Ansatz

🧩 Modulares Format – keine Suite

Die Sammlung ist nicht als durchgehende Suite oder Zyklus (wie Chopins eigene Préludes) organisiert.

Stattdessen umfasst sie unabhängige Etüden (insgesamt 53), von denen jede eine einzigartige Transformation der zugrunde liegenden Étude darstellt.

Einige Etüden von Chopin inspirierten Godowsky zu mehreren Versionen (z. B. gibt es von Op. 10 Nr. 3 vier Varianten).

🛠 Transformative Kompositionen

Godowsky behandelt Chopins Etüden als Rohmaterial für eine kreative Neuinterpretation und verändert dabei:

Form – Umstrukturierung zu kontrapunktischeren oder entwicklungsreicheren Formen.

Textur – von einfacher Melodie und Begleitung zu dichter Polyphonie.

Stimmführung – mit komplexen inneren Linien und mehreren gleichzeitigen Melodien.

Verteilung – zwischen den Händen oder sogar auf eine Hand reduziert.

🎶 2. Technische Innovationen

🎹 Beherrschung der linken Hand

22 der 53 Etüden sind ausschließlich für die linke Hand geschrieben.

Dabei handelt es sich nicht um bloße technische Meisterleistungen, sondern um voll ausgearbeitete Musikstücke.

Fördern die Unabhängigkeit der Hände, die Ausdauer und die Klangprojektion.

🔀 Umverteilung des Materials

Melodielinien werden oft neu zugewiesen: z. B. Melodie in inneren Stimmen oder gespielt von der schwächeren Hand.

Beispiel: Op. 10 Nr. 2 wird zu einer Toccata für die linke Hand allein mit chromatischen Elementen.

🔄 Kombinierte Etüden

Mehrere Etüden verschmelzen zwei Chopin-Etüden zu einer (z. B. Etüde Nr. 22) und schaffen so überlagerte Texturen.

Dies führt zu dichtem Kontrapunkt und kreativem thematischem Zusammenspiel.

🎨 3. Texturale und kontrapunktische Komplexität

🎭 Polyphonie und Innenstimmen

Godowsky bringt fugale, kanonische oder imitative Techniken in Stücke ein, die in Chopins Original homophon waren.

Beispiel: Op. 10 Nr. 3 wird zu einer Quasi-Invention mit mehreren gleichzeitigen Linien.

🧶 Mehrschichtige Texturen

Verwendung mehrerer gleichzeitiger Stimmen, manchmal 3–5 Schichten.

Die Textur wird orchestral, oft über das hinaus, was Chopin ursprünglich vorgesehen hatte.

🎼 4. Harmonische Sprache

🌈 Romantische und postromantische Chromatik

Godowsky erweitert Chopins Harmonien durch verstärkte Chromatik, modulatorische Sequenzen und erweiterte Akkorde.

Das Ergebnis ist üppiger, gelegentlich Debussy-artig oder an den frühen Skrjabin angelehnt.

🔁 Tonale Fluidität

Godowsky verschiebt manchmal die tonalen Zentren freier.

Harmonisch gewagte Passagen stellen sowohl das Gehör als auch die Fingerfertigkeit auf die Probe.

⌛ 5. Rhythmische Neuinterpretation

⏱ Polyrhythmen und Polymeter

Einige Etüden führen polyrhythmische Komplexitäten ein, wie z. B. 3 gegen 4 oder 5 gegen 4.

Diese erfordern oft unterschiedliche rhythmische Gruppierungen zwischen den Händen oder Stimmen.

💃 Charakterverwandlungen

Rhythmische Neuinterpretationen können den Charakter eines Stückes verändern:

Eine lyrische Etüde kann zu einem Tanz werden (z. B. Mazurka oder Habanera).

Eine leichte Etüde kann zu einer Nocturne, Barcarolle oder Fantasie werden.

🧠 6. Interpretative Tiefe

🎭 Ausdrucksbreite

Diese Etüden sind nicht rein technisch: Viele sind emotional und dramatisch tiefgründig.

Godowsky sieht in Etüden poetische Möglichkeiten und bringt ihre verborgenen Stimmen zum Vorschein.

🎹 Pianistisches Klangdesign

Der Einsatz von Pedal, Voicing, Legato/Staccato-Schichtung und koloristischen Nuancen ist unerlässlich.

Erfordert vom Pianisten orchestrales Denken – klare Schichtung von Melodie, Harmonie und Gegenmelodie.

🗂️ 7. Klassifizierung der Etüden (nach Typ)

Typ Beschreibung Beispiel

Nur linke Hand Einhandversionen, oft von zweihändigen Etüden Op. 10 Nr. 2 (LH)
Polyphon Hinzufügen kontrapunktischer Linien Op. 10 Nr. 3
Kombinierte Etüden Verschmelzung zweier Etüden zu einer Op. 10 Nr. 5 + Op. 25 Nr. 9
Neuerlegung des Charakters Original in ein neues Genre umgewandelt (Nocturne, Walzer usw.) Op. 25 Nr. 1 als Barcarolle
Überarbeitung der Textur Dichtere Textur mit mehr Stimmen und verändertem Layout Op. 10 Nr. 4

📜 Fazit: Musikalische Identität

Die Etüden über Chopins Etüden sind:

Eine enzyklopädische Erweiterung von Chopins Technik und Vorstellungskraft.

Eine Kombination aus Transkription, Transformation und Transzendenz.

Ein musikalisches Labyrinth: hochintellektuell und dennoch poetisch und ausdrucksstark.

Sie repräsentieren nicht nur einen „schwierigeren Chopin“, sondern auch Godowskys philosophische und pianistische Hommage an Chopin – ein Versuch, die spirituellen und technischen Möglichkeiten zu beleuchten, die in dieser bereits großartigen Musik schlummern.

Analyse, Tutorial, Interpretation und wichtige Punkte zum Spielen

Leopold Godowskys Etüden über Chopins Études gehören zu den anspruchsvollsten und fantasievollsten Klavierwerken, die je komponiert wurden. Hier finden Sie einen umfassenden Leitfaden, der das gesamte Werk umfasst und wie folgt gegliedert ist:

🎼 Gesamtanalyse und Struktur

🎹 Tutorials und Techniken

🎧 Interpretation und Stil

⚠️ Wichtige Punkte für die Aufführung

📋 Höhepunkte der einzelnen Stücke

🎼 1. Gesamtanalyse und Struktur

📦 Kategorien der 53 Etüden:

Kategorie Beschreibung
Nur linke Hand 22 Etüden nur für die linke Hand, mit Schwerpunkt auf Unabhängigkeit und Stimmführung
Kontrapunktisch/polyphon Zusätzlicher Kontrapunkt, Fugato-Abschnitte und Imitation
Rhythmische Transformationen Wechsel von Taktart, Rhythmusgruppen oder Tempocharakter
Reharmonisierungen Üppige romantische/postromantische harmonische Erweiterungen
Charaktertransformationen Etüden, die zu Nocturnes, Tänzen oder Meditationen werden
Etüdenkombinationen 2 Chopin-Etüden in einer Godowsky-Etüde vereint

🎹 2. Tutorial und technischer Schwerpunkt

Godowskys Etüden gehen weit über Virtuosität hinaus. Hier sind die Anforderungen für jede Etüde:

🖐 Etüden für die linke Hand

Hauptschwierigkeiten: Balance zwischen Melodie und Begleitung, rhythmische Klarheit und Legato beibehalten.

Technik: Beherrschung der Drehbewegung des Handgelenks, Unabhängigkeit der Finger, Armgewicht und seitliche Handbewegung.

Beispiele:

Etüde Nr. 13 (LH) aus Op. 10 Nr. 6 – lyrische Linien vollständig mit der linken Hand ausdrücken.

Etüde Nr. 25 (LH) aus Op. 10 Nr. 2 – schnelle chromatische Terzen nur mit der linken Hand.

🎶 Polyphone und kontrapunktische Etüden

Hauptschwierigkeiten: mehrere unabhängige Linien stimmen, melodische Klarheit bewahren.

Technik: Fingerkontrolle, legato Phrasierung zwischen nicht benachbarten Stimmen, zurückhaltender Pedaleinsatz.

Beispiele:

Etüde Nr. 3 aus Op. 10 Nr. 3 – wird zu einem 3-stimmigen Fugato.

Etüde Nr. 39 aus Op. 25 Nr. 2 – kontrapunktische Umwandlung einer spielerischen Etüde.

🎵 Rhythmische Transformationen

Hauptschwierigkeiten: Groove beibehalten, komplexe Polyrhythmen, metrische Verschiebungen.

Technik: präzise rhythmische Unterteilung, Koordination zwischen den Händen.

Beispiele:

Etüde Nr. 30 aus Op. 25 Nr. 4 – rhythmisch umgeschrieben als Mazurka.

🌈 Harmonische Erweiterung

Hauptschwierigkeiten: Dichte Harmonien sauber übereinanderlegen, lange Pedalstriche halten, Klangfarben formen.

Technik: Fortgeschrittenes Pedalspiel (Halb- und Flatterpedal), Akkordvoicings.

Beispiele:

Etüde Nr. 1 aus Op. 10 Nr. 1 – Kontrapunkt und reichhaltige harmonische Unterstützung hinzugefügt.

Etüde Nr. 36 aus Op. 25 Nr. 6 – verzierte Terzen mit chromatischen Reharmonisierungen.

🎧 3. Interpretation und Stil

Godowsky verleiht jeder Etüde ein anderes Ausdrucksuniversum. Ihre Interpretation sollte Folgendes widerspiegeln:

🎭 Charakterwandlung

Suchen Sie nach neuen Identitäten: Eine stürmische Etüde wird lyrisch, eine Fingerübung wird zu einer Nocturne.

Passen Sie Rubato, Voicing und Artikulation an Godowskys transformierte Absicht an.

🎨 Farbe und Voicing

Denken Sie orchestral – bringen Sie „instrumentale“ Stimmen zur Geltung (klarinettenähnliche Mittelstimme, celloähnlicher Bass).

Verwenden Sie das Softpedal und Halbpedal, um die Klangfarben hervorzuheben.

🕰 Tempo & Rubato

Die Tempi sind aufgrund der Komplexität flexibel.

Rubato ist stilistisch angemessen – entlehnt aus der Romantik.

⚠️ 4. Wichtige Punkte für Pianisten

✅ Tipps zur Vorbereitung

Beginnen Sie mit leichteren Etüden: z. B. Etüde Nr. 13 (LH auf Op. 10 Nr. 6) oder Nr. 11 (auf Op. 10 Nr. 5).

Lernen Sie parallel sowohl Chopins Originaletüde als auch Godowskys Version.

Üben Sie die Stimmführung mit spezifischen Dynamiken für jeden Finger.

Üben Sie langsam mit übertriebener Artikulation, um die Linien voneinander zu trennen.

🧠 Mentale Strategien

Das Auswendiglernen muss polyphone Schichten und dichte Texturen berücksichtigen.

Analysieren Sie die Stimmführung und die harmonischen Bewegungen.

Reduzieren Sie vorübergehend die Texturen (z. B. Melodie + Bass spielen), um die Rollen zu isolieren.

👐 Technische Meisterschaft

Achten Sie vor allem bei Stücken für die linke Hand auf Entspannung, um Verletzungen zu vermeiden.

Verwenden Sie bei wiederholten Noten oder dichten Texturen die Handgelenksrotation.

Arbeiten Sie in Mikroabschnitten (z. B. 1–2 Taktschläge) und erweitern Sie diese.

📋 5. Höhepunkte Stück für Stück (ausgewählte Beispiele)

Studie Nr. Chopin Quelle Godowsky Technik Anmerkungen

1 Op. 10 Nr. 1 Harmonische Erweiterung Fügt Arpeggios einen Kontrapunkt hinzu
3 Op. 10 Nr. 3 Kontrapunktisch Fugato-Behandlung der Melodie
13 (LH) Op. 10 Nr. 6 Nur linke Hand Singbare Melodie, wie eine Nocturne für die linke Hand
22 Op. 10 Nr. 5 + Op. 25 Nr. 9 Étude-Fusion Walzer und Schmetterling verschmolzen
25 (LH) Op. 10 Nr. 2 Nur linke Hand Chromatische Terzen – eine der schwierigsten Passagen, die je geschrieben wurden
36 Op. 25 Nr. 6 Doppelte Terzen Reharmonisiert, schillernd und farbenfroh
44 (LH) Op. 25 Nr. 6 Chromatische Terzen in der linken Hand Fast unspielbar – und doch spielbar!
49 Op. 25 Nr. 12 Orchestrale Textur Donnernde Coda, romantische Größe

🏁 Zusammenfassung

Godowskys Studien zu Chopins Etüden sind:

Mehr als Transkriptionen: Sie sind Neukompositionen.

Eine Meisterklasse in pianistischer Technik und Fantasie.

Am besten schrittweise, analytisch und poetisch angehen.

Eine Brücke zwischen romantischer Lyrik und moderner Virtuosität.

Geschichte

Leopold Godowskys Etüden über Chopins Etüden nehmen in der Klavierliteratur einen einzigartigen und fast mythischen Platz ein, nicht nur wegen ihrer atemberaubenden technischen Anforderungen, sondern auch wegen der Fantasie, mit der sie einige der am meisten verehrten Werke des romantischen Repertoires neu interpretieren.

Der Ursprung dieser Etüden liegt in Godowskys tiefer Verehrung für Frédéric Chopin, den er als den ultimativen Poeten des Klaviers betrachtete. Von den späten 1890er bis in die frühen 1910er Jahre begann Godowsky mit einigen ersten experimentellen Transkriptionen und Überarbeitungen von Chopins Etüden. Aus diesem Experiment entwickelte sich jedoch bald ein ehrgeiziges, gewaltiges Projekt: 53 originelle Etüden, die Chopins Originale nicht nur verzierten oder arrangierten, sondern völlig neu erfanden.

Im Zentrum des Projekts stand ein künstlerischer Widerspruch. Godowsky – selbst ein legendärer Virtuose – nahm Stücke, die bereits als schwierig galten, und machte sie noch komplexer, indem er oft Figuren der rechten Hand in solche der linken Hand umwandelte, komplizierte Kontrapunkte in ursprünglich einstimmige Texturen einflocht oder sogar zwei Etüden von Chopin zu einem kontrapunktischen Gesamtkunstwerk verband. Seine Absicht war jedoch nicht, zu prahlen, sondern die pianistischen Möglichkeiten zu erweitern und tiefere Ausdrucksdimensionen in Chopins Formen zu erforschen. Er bezeichnete sein Werk nicht als Verzerrung, sondern als Fortsetzung – als „polyphone Idealisierung“, wie er es einmal beschrieb.

Die Etüden wurden zwischen 1894 und 1914 nach und nach veröffentlicht, hauptsächlich von Schlesinger und anderen Verlagen in Europa, und oft von Godowsky selbst aufgeführt. Ihr voller Umfang wurde jedoch nicht immer sofort erkannt. Pianisten und Kritiker waren erstaunt – und eingeschüchtert. Die schiere Schwierigkeit der Werke, insbesondere derjenigen für die linke Hand allein, machte sie für die meisten Interpreten unerreichbar. Selbst heute wagen sich nur sehr wenige Pianisten daran, das gesamte Werk zu erlernen.

Obwohl sie anfangs als exzentrisch oder unspielbar galten, erlangten sie im Laufe des 20. Jahrhunderts Kultstatus. Legendäre Pianisten wie Vladimir Horowitz, Jorge Bolet und Marc-André Hamelin trugen dazu bei, sie in Konzertsäle und Aufnahmestudios zu bringen und zu zeigen, dass diese Etüden keineswegs akademische Übungen waren, sondern voller Poesie, Farbe und Einsicht steckten.

Godowsky sagte einmal: „Ich bin fest davon überzeugt, dass all diese Etüden Chopins Musik neues Leben eingehaucht haben.“ Diese Überzeugung wird heute von vielen geteilt. Während einige Pianisten den Zyklus nach wie vor als technischen Everest betrachten, sehen andere darin eine der kühnsten und kreativsten Neuinterpretationen der Klaviermusikgeschichte – weniger eine Hommage als vielmehr einen philosophischen Dialog zwischen zwei Giganten des Klaviers über die Zeit hinweg.

Heute werden die Etüden über Chopins Etüden nicht nur wegen ihrer historischen Bedeutung oder ihrer schieren Schwierigkeit verehrt, sondern auch wegen ihrer kühnen Kunstfertigkeit. Sie sind sowohl eine Hommage als auch eine Transformation und bleiben eine monumentale Leistung in der Verschmelzung von Virtuosität und musikalischer Vision.

Beliebtes Stück/Buch der Sammlung zu dieser Zeit?

Als Leopold Godowskys „Studien über Chopins Etüden“ zwischen Ende der 1890er und 1914 erschienen, waren sie im Mainstream nicht besonders beliebt – weder als Konzertstandard noch als meistverkaufte Noten. Zwar stießen sie bei professionellen Pianisten und Pädagogen auf großes Interesse, galten jedoch weitgehend als esoterisch, extrem schwierig und nur einer kleinen Elite zugänglich.

Hier ein differenziertes Bild ihrer Rezeption und ihrer Verkaufszahlen zu dieser Zeit:

🎼 Künstlerisches Interesse vs. populärer Erfolg

Bewunderung in elitären Kreisen: Unter Pianisten, Komponisten und Kritikern der Zeit galten Godowskys Etüden als genial und bahnbrechend, als Wunderwerk kontrapunktischer und pianistischer Genialität. Prominente Musiker wie Busoni und später Rachmaninow bewunderten seinen Intellekt und seine Technik.

Begrenzte Anziehungskraft für Amateure: Für das breite Publikum – insbesondere für Amateurpianisten, die einen großen Teil des Notenmarktes ausmachten – waren die Etüden jedoch einfach zu schwierig zu spielen. Vor allem die Etüden für die linke Hand allein galten als freakig anspruchsvolle Kuriositäten.

📚 Notenverkäufe

Bescheidener kommerzieller Erfolg: Die Etüden wurden veröffentlicht, jedoch nicht in großer Auflage. Verlage wie Schlesinger und später Universal Edition nahmen das Projekt in Angriff, aber sie verkauften sich nicht besonders gut – jedenfalls nicht in dem Umfang wie Werke von Liszt, Chopin oder sogar Czerny und Moszkowski, die für fortgeschrittene Schüler praktischer waren.

Ruf statt Einnahmen: Die Werke dienten eher dazu, Godowskys Ruf als „Pianist der Pianisten“ und intellektueller Innovator zu festigen, als Geld zu verdienen. Sie wurden hauptsächlich in professionellen Konservatorien oder unter hochbegabten Pianisten verbreitet, aber aufgrund ihrer extremen Schwierigkeit nur selten öffentlich aufgeführt.

🎹 Aufführungen und öffentliche Wahrnehmung

Godowsky spielte sie nur selektiv: Er nahm einige der Etüden in seine Konzerte auf, wagte sich jedoch selten an die schwierigsten Stücke in der Öffentlichkeit. Aufgrund der hohen technischen und interpretatorischen Anforderungen trauten sich zu seinen Lebzeiten nur sehr wenige andere Pianisten, sie zu spielen.

Der Aufstieg kam später: Die Etüden wurden Mitte bis Ende des 20. Jahrhunderts dank Aufnahmen von Pianisten wie Carlo Grante, Marc-André Hamelin, Geoffrey Douglas Madge und Frederic Chiu bekannter. Diese Pianisten trugen dazu bei, die Werke aus der technischen Obskurität zu Kultmeisterwerken des Repertoires zu erheben.

🧾 Zusammenfassung:

Waren die Etüden zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung beliebt?
Nein – sie wurden in elitären Musikkreisen bewundert, waren aber viel zu schwierig und esoterisch, um sich einer breiten Popularität zu erfreuen.

Verkauften sich die Noten gut?
Nur mäßig. Die Werke wurden veröffentlicht und verbreitet, hatten aber aufgrund ihrer Unpraktikabilität für die meisten Pianisten keine große kommerzielle Anziehungskraft.

Warum sind sie heute wichtig?
Weil sie einen Höhepunkt der pianistischen Fantasie und technischen Erfindungsgabe darstellen und zum Symbol für die ultimative Herausforderung für fortgeschrittene Pianisten geworden sind – ähnlich wie Liszts Transzendentale Études oder Alkans Concerto für Solo-Klavier.

Episoden & Wissenswertes

Hier sind einige faszinierende Episoden und Wissenswertes über Leopold Godowskys Etüden über Chopins Etüden, die Einblicke in die Geschichte und das Vermächtnis dieser legendären Sammlung geben:

🎭 1. Godowskys „zufällige Entstehung“ des Projekts

Godowsky begann seine Überarbeitungen von Chopins Etüden angeblich als eine Art privates Experiment, ohne die Absicht, sie zu veröffentlichen. Die erste Etüde für die linke Hand (zu Chopins Op. 10, Nr. 6) entstand, als er beim Klavierspielen herumimprovisierte und das Potenzial der linken Hand auslotete. Ein Freund, der ihn hörte, drängte ihn, die Etüde aufzuschreiben – und so begann die Serie auf ganz natürliche Weise zu entstehen.

🖐️ 2. Godowsky schrieb viele Etüden nur für die linke Hand

Von den 53 Etüden sind 22 ausschließlich für die linke Hand geschrieben, was Godowsky zum produktivsten Komponisten solcher Musik in der Geschichte macht. Er schrieb diese Stücke nicht als Neuheiten, sondern als ernsthafte Musik. Er argumentierte, dass die linke Hand ebenso schön polyphone und lyrische Texturen ausführen könne wie die rechte – eine radikale Idee zu dieser Zeit.

„Es gibt keine schwache Hand“, sagte er einmal, „nur eine unentwickelte.“

🧠 3. Er komponierte die meisten Etüden im Kopf – fern vom Klavier

Godowsky besaß die erstaunliche Fähigkeit, komplexe Musik vollständig in seinem Kopf zu komponieren. Viele der kompliziertesten Etüden – darunter die kontrapunktischen Etüden und Stücke für die linke Hand – entstanden nicht am Klavier, sondern wurden direkt aus seiner Vorstellung auf das Notenpapier geschrieben.

🤯 4. Selbst Rachmaninow fand sie „unspielbar“

Sergei Rachmaninoff, selbst ein Titan der Klaviertechnik, gab einmal zu, dass er die Godowsky-Etüden „unspielbar“ fand. Dieses Zitat – möglicherweise apokryph, aber vielfach wiederholt – hat zu der Aura beigetragen, die diese Werke als einige der furchterregendsten umgibt, die je für dieses Instrument geschrieben wurden.

🎹 5. Eine kontrapunktische Meisterleistung: zwei Etüden gleichzeitig gespielt

In einer der erstaunlichsten Leistungen der Sammlung kombiniert Godowsky zwei verschiedene Etüden von Chopin (Op. 10, Nr. 5 „Schwarze Tasten“ und Op. 25, Nr. 9 „Schmetterling“) zu einer einzigen kontrapunktischen Etüde, die mit beiden Händen gleichzeitig gespielt wird. Das Ergebnis ist ein Werk von schillernder Komplexität und überraschend klarer Musikalität.

🖤 6. Die Etüden wurden von den sowjetischen Behörden verboten

In der frühen Sowjetzeit wurden Godowskys Werke – darunter auch seine Chopin-Etüden – als bourgeoise Dekadenz bezeichnet und praktisch verboten. Erst Mitte des 20. Jahrhunderts wurden sie in Osteuropa wieder studiert und geschätzt.

🎤 7. Marc-André Hamelin hat sie für die Moderne wiederbelebt

Der brillante kanadische Pianist Marc-André Hamelin brachte Godowskys Etüden mit seiner bahnbrechenden Aufnahme aus dem Jahr 2000 in den Mainstream. Es war die erste vollständige, im Handel erhältliche Aufnahme, die sie als musikalische Kunstwerke und nicht nur als technische Kunststücke behandelte. Hamelin selbst hatte sie in seiner Jugend heimlich studiert und betrachtete sie als heilige Werke.

📜 8. Godowsky fügte seine eigene Originaletüde hinzu

Unter den 53 Etüden gibt es eine, die überhaupt nicht auf Chopin basiert: Etüde Nr. 44, manchmal auch als „Original-Etüde“ bezeichnet. Es handelt sich um ein rein Godowsky-Werk, das in den Zyklus eingefügt wurde, um ihm die Möglichkeit zu geben, seinen ganz persönlichen pianistischen Stil auf ebenso großartige Weise zu demonstrieren.

😵 9. Der gesamte Zyklus galt einst als unspielbar

Jahrzehntelang glaubten Pianisten, dass kein Mensch jemals alle 53 Etüden spielen könnte. Geoffrey Douglas Madge war der erste Pianist, der in den 1980er Jahren den gesamten Zyklus aufnahm und damit diesen Mythos widerlegte. Doch auch heute noch ist eine vollständige Live-Aufführung des gesamten Zyklus äußerst selten – nur eine Handvoll Pianisten haben sich jemals daran gewagt.

📚 10. Godowsky nannte sie „Studien zum Studium der Studien“

Godowsky betrachtete die Werke nicht als Neuinterpretationen, sondern als Weiterentwicklungen – analytische Meditationen über Chopins Musik. Er bezeichnete sie oft als „polyphone und polyrhythmische Transformationen“, die den Verstand des Pianisten ebenso herausfordern sollten wie seine Finger.

Ähnliche Kompositionen / Suiten / Sammlungen

Hier finden Sie eine kuratierte Liste ähnlicher Kompositionen, Suiten oder Sammlungen, die wie Leopold Godowskys „Studies on Chopin’s Études“ bereits bestehendes Material mit einer Mischung aus extremer Virtuosität, kontrapunktischer Genialität und künstlerischer Transformation neu interpretieren oder veredeln. Diese Werke verwischen oft die Grenze zwischen Transkription, Variation und Originalkomposition.

🎹 Ähnlich in Geist und Komplexität wie Godowskys Chopin-Etüden

🧠 1. Franz Liszt – Paganini-Etüden (S.140) und Transzendentale Etüden (S.139)

Liszt tat für Paganini, was Godowsky für Chopin tat – er nahm Violinetüden und interpretierte sie für das Klavier neu, wobei er oft ihre ursprüngliche Virtuosität noch übertraf.

Beide Zyklen sind gewaltige Prüfungen für Klaviertechnik und Kunstfertigkeit.

Insbesondere die Transzendentalen Etüden spiegeln nicht nur athletische Fähigkeiten, sondern auch philosophische und poetische Tiefe wider.

🧬 2. Ferruccio Busoni – Transkriptionen und Paraphrasen von Bach und Liszt

Busanis Transkriptionen (wie die Chaconne in d-Moll oder die Orgelpräludien und Fugen) erheben die Originale zu symphonischen Klavierwerken, wobei er oft wie Godowsky fortgeschrittenen Kontrapunkt und Überlagerungen verwendet.

Seine Fantasia nach J.S. Bach und Liszt-Paraphrasen sind ebenfalls zutiefst intellektuell und pianistisch einfallsreich.

🌓 3. Kaikhosru Shapurji Sorabji – Transzendentale Etüden (100 Études)

Sorabjis Etüden treiben Godowskys Dichte noch weiter auf die Spitze und kombinieren Hypervirtuosität, erweiterte Polyrhythmen und dichte kontrapunktische Texturen.

Diese oft unspielbaren Etüden wurden teilweise von Godowskys kühner Neuinterpretation des Klaviers inspiriert.

🎭 4. Marc-André Hamelin – Études in All the Minor Keys

Dies sind zeitgenössische Etüden in der Tradition Godowskys – extrem virtuos, clever und oft auf pianistischen oder historischen Referenzen aufgebaut.

Einige sind humorvoll oder eine Hommage an andere Komponisten (z. B. Godowsky, Alkan, Skrjabin).

🐉 5. Charles-Valentin Alkan – 12 Études in den Moll-Tonarten, Op. 39

Diese monumentalen Werke umfassen ein Konzert für Soloklavier, eine Sinfonie für Soloklavier und andere groß angelegte Formen.

Alkan verlangte wie Godowsky extreme Unabhängigkeit der Hände und komplexe Polyphonie.

🎼 6. Brahms – Variationen über ein Thema von Paganini, Op. 35

Diese Variationen, die oft als „Albtraum der Pianisten“ bezeichnet werden, bringen die Variationstechnik an die Grenzen des physikalisch Möglichen.

Brahms erforscht verschiedene Artikulationen, Texturen und Kontrapunkte, ähnlich wie Godowsky bei Chopin.

🖋️ 7. Rachmaninow – Études-Tableaux, Opp. 33 & 39

Es handelt sich um Originaletüden, die jedoch komplexe poetische Bilder, emotionale Dichte und eine beeindruckende Technik vermitteln – Eigenschaften, die auch Godowskys Ethos auszeichnen.

Rachmaninows Verwendung von sich überlagernden Texturen und reichhaltigen Voicings ist spirituell mit Godowsky verwandt.

🎮 8. Leopold Godowsky – Java Suite (1925) und Passacaglia (1927)

Über seine Chopin-Studien hinaus komponierte Godowsky weitere monumentale Werke:

Die Java Suite ist eine interkulturelle Tondichtung mit exotischen Harmonien und vielschichtigen Texturen.

Die Passacaglia, die auf einem Thema von Schubert basiert, besteht aus 44 Variationen, einer Kadenz und einer Fuge – eine wahre Meisterleistung der Komposition und des Klavierspiels.

👁️‍🗨️ 9. Vladimir Horowitz – Carmen-Variationen (nach Bizet)

Obwohl kurz, verkörpert diese legendäre Paraphrase das transzendente Flair und die Bravour der Godowsky-Tradition und verwandelt bekannte Themen in brillante Paradestücke.

🎨 10. Earl Wild – Virtuoso Études nach Gershwin

Wild greift Godowskys Ästhetik der Neuerfindung durch virtuose Fantasie auf und verwandelt Gershwin-Lieder in komplexe orchestrale Klavieretüden.

(Dieser Artikel wurde von ChatGPT generiert. Und er ist nur ein Referenzdokument, um Musik zu entdecken, die Sie noch nicht kennen.)

Best Classical Recordings
on YouTube

Best Classical Recordings
on Spotify

Jean-Michel Serres Apfel Cafe Apfelsaft Cinema Music QR-Kodes Mitte Deutsch 2024.

Posted on

Mémoires sur Études d’après Chopin de Leopold Godowsky, information, analyse et interprétations

Vue d’ensemble

Les Études sur les Études de Chopin (1894-1914) de Leopold Godowsky constituent un ensemble monumental de 53 œuvres pour piano extrêmement complexes et novatrices, basées sur les 27 Études originales de Frédéric Chopin (opus 10 et opus 25, plus les Trois Nouvelles Études). Il ne s’agit pas de simples arrangements mais de réimaginations transformatrices – chaque étude est une « étude sur une étude », transformant les pièces déjà exigeantes de Chopin en merveilles polyphoniques, contrapuntiques et techniques.

🧩 Aperçu

📚 Titre :
Études sur les Études de Chopin par Leopold Godowsky

🕰 Composé :
1894-1914

🎹 Total Pieces :
53 études, basées sur 27 études de Chopin

🔍 Types d’études
Godowsky a abordé les études de Chopin avec de multiples techniques créatives :

Études pour la main gauche seule :

22 des 53 études sont pour la main gauche seule.

Ces études étaient révolutionnaires, non pas en tant que gadgets, mais pour développer l’indépendance de la main et la dextérité technique.

Études polyphoniques et contrapuntiques :

Godowsky enrichit les textures en ajoutant du contrepoint ou en imitant la polyphonie de Bach.

Altérations rythmiques et structurelles :

Certaines études sont réimaginées sur le plan rythmique (par exemple, en transformant un mètre simple en un mètre composé).

D’autres changent de main ou redistribuent les voix.

Études sur des études multiples :

Certaines pièces combinent deux ou plusieurs études de Chopin en une seule œuvre (par exemple, l’étude no 22 combine l’opus 10 no 5 et l’opus 25 no 9).

Réharmonisations et élaborations :

Godowsky élargit librement le langage harmonique de Chopin avec un chromatisme luxuriant et des textures denses.

🎯 But

Godowsky les appelait « poèmes » et « super-études ». C’étaient :

N’ont pas été conçues principalement comme des œuvres de concert, bien que certaines soient interprétées.

Elles visent à repousser les limites de la technique pianistique et de l’art.

Un hommage à Chopin, dont Godowsky vénérait les études comme « les plus parfaites jamais écrites ».

🎼 Exemples d’études célèbres

Étude de Godowsky basée sur des notes
No. 1 Op. 10 No. 1 Reprise dense des accords avec ajout de voix
No 3 Op. 10 No 3 Transformation d’une étude lyrique en méditation contrapuntique
N° 13 (LH) Op. 10 N° 6 Transcription lyrique pour la main gauche
No. 22 Op. 10 No. 5 + Op. 25 No. 9 Combine les deux études – complexité polyphonique
No. 25 (LH) Op. 10 No. 2 Un défi légendaire pour la main gauche seule
No. 44 (LH) Op. 25 No. 6 Une des plus difficiles tierces chromatiques à la main gauche

⚠️ Difficulté technique

Ces œuvres pour piano sont parmi les plus difficiles jamais écrites.

Elles exigent une indépendance des doigts, une harmonisation et une endurance de la main extraordinaires.

Des pianistes tels que Marc-André Hamelin, Carlo Grante et Igor Levit ont enregistré des cycles complets.

🎧 Recommandations d’écoute

Marc-André Hamelin – Série complète, définitive et éblouissante.

Carlo Grante – Une clarté et un contrôle magnifiques.

Konstantin Scherbakov – Maîtrise de la tonalité et de l’équilibre.

📝 L’héritage

Ils restent plus célèbres parmi les pianistes que parmi le public, en raison de leurs exigences techniques.

Elles sont considérées comme l’apogée de la transcription pianistique romantique et de l’imagination virtuose.

Les études de Godowsky ont influencé les compositeurs et les pianistes intéressés par la transcription en tant qu’art, de Sorabji à Ligeti.

Caractéristiques de la musique

Les Études sur les études de Chopin de Leopold Godowsky sont un hommage virtuose, une transformation et une expansion des 27 études originales de Chopin (Op. 10, Op. 25, Trois Nouvelles Études). Les caractéristiques musicales de la collection mettent en évidence l’extrême innovation technique, la complexité harmonique, l’ingéniosité contrapuntique et l’imagination pianistique.

Voici une ventilation des caractéristiques musicales de l’ensemble du recueil :

🎼 1. Approche structurelle et compositionnelle

🧩 Format modulaire – pas une suite

Le recueil n’est pas organisé comme une suite ou un cycle continu (comme les Préludes de Chopin).

Il comprend plutôt des études indépendantes (53 au total), chacune avec une transformation unique de son étude source.

Certaines études de Chopin inspirent plusieurs versions de Godowsky (par exemple, l’opus 10 n° 3 comporte 4 variantes).

🛠 Compositions transformatrices

Godowsky traite les études de Chopin comme des matières premières pour une réinterprétation inventive, en les modifiant :

La forme – restructurée en formes plus contrapuntiques ou développementales.

Texture – de la simple mélodie et de l’accompagnement à la polyphonie dense.

Voix – avec des lignes intérieures complexes et de multiples mélodies simultanées.

Distribution – entre les mains ou même réduite à une seule main.

🎶 2. Innovations techniques

🎹 Maîtrise de la main gauche seule

22 des 53 études sont entièrement écrites pour la main gauche seule.

Il ne s’agit pas de simples prouesses techniques, mais de pièces musicales bien étoffées.

Elles favorisent l’indépendance de la main, l’endurance et la projection du son.

🔀 Redistribution du matériel

Les lignes mélodiques sont souvent réaffectées : par exemple, la mélodie se trouve dans les voix intérieures ou est jouée par la main la plus faible.

Exemple : L’opus 10 n° 2 devient une toccata de chromatisme à la main gauche.

🔄 Études combinées

Plusieurs études fusionnent deux études de Chopin en une seule (par exemple, l’étude n° 22), créant ainsi des textures superposées.

Cela donne lieu à un contrepoint dense et à une interaction thématique créative.

🎨 3. Complexité texturale et contrapuntique

Polyphonie et voix intérieures

Godowsky introduit des techniques fuguées, canoniques ou imitatives dans des pièces qui étaient homophoniques dans la version originale de Chopin.

Exemple : L’opus 10 n° 3 devient une quasi-invention, avec de multiples lignes simultanées.

🧶 Textures superposées

Utilisation de plusieurs voix simultanées, parfois de 3 à 5 couches.

La texture devient orchestrale, souvent au-delà de ce que Chopin avait conçu à l’origine.

🎼 4. Langage harmonique

🌈 Chromatisme romantique et post-romantique

Godowsky développe les harmonies de Chopin avec un chromatisme accru, des séquences modulatoires et des accords étendus.

Le résultat est plus luxuriant, parfois proche de Debussy ou des débuts de Scriabine.

Fluidité tonale

Godowsky change parfois de centre tonal plus librement.

Des passages harmoniquement aventureux mettent à l’épreuve à la fois l’oreille et la touche.

⌛ 5. Réinterprétation rythmique

⏱ Polyrythmes et Polymètres

Certaines études introduisent des complexités polyrythmiques, telles que 3-contre-4 ou 5-contre-4.

Celles-ci nécessitent souvent des groupements rythmiques différents entre les mains ou les voix.

💃 Transmutations de caractères

La réinterprétation rythmique peut modifier le caractère d’une pièce :

Une étude lyrique peut devenir une danse (par exemple, une mazurka ou une habanera).

Une étude légère peut devenir un nocturne, une barcarolle ou une fantaisie.

🧠 6. Profondeur d’interprétation

🎭 Gamme expressive

Ces études ne sont pas purement techniques : nombre d’entre elles sont émotionnellement et dramatiquement profondes.

Godowsky voit dans les études des possibilités poétiques et fait ressortir leurs voix cachées.

🎹 Conception sonore pianistique

L’utilisation de la pédale, de l’harmonisation, de la superposition legato/staccato et de la nuance coloristique est essentielle.

Exige du pianiste une pensée orchestrale – superposition claire de la mélodie, de l’harmonie et de la contre-mélodie.

🗂️ 7. Classification des études (par type)

Type Description Exemple

Gauche Seule Versions à une main, souvent des études à deux mains Op. 10 n° 2 (LH)
Polyphonique Ajout de lignes contrapuntiques Op. 10 n° 3
Études combinées Fusion de deux études en une seule Op. 10 n° 5 + Op. 25 n° 9
Réinterprétation du caractère Original transformé en un nouveau genre (nocturne, valse, etc.) Op. 25 no 1 en barcarolle
Remaniement de la texture Texture plus dense avec plus de voix et une disposition modifiée Op. 10 no 4

Conclusion : Identité musicale

Les Études sur les Études de Chopin sont :

Une extension encyclopédique de la technique et de l’imagination de Chopin.

Une combinaison de transcription, de transformation et de transcendance.

Un labyrinthe musical : hautement intellectuel, mais toujours poétique et expressif.

Il ne s’agit pas seulement d’un « Chopin plus dur », mais de l’hommage philosophique et pianistique de Godowsky à Chopin – une tentative d’illuminer les possibilités spirituelles et techniques qui sommeillent dans une musique déjà grandiose.

Analyse, Tutoriel, Interprétation & Points importants à jouer

Les Études sur les Études de Chopin de Leopold Godowsky comptent parmi les œuvres pour piano les plus difficiles et les plus imaginatives jamais composées. Voici un guide complet couvrant l’ensemble des études, organisé en :

🎼 Analyse et structure générales

🎹 Tutoriels et techniques

🎧 Interprétation et style

⚠️ Points de performance importants

📋 Points forts pièce par pièce

🎼 1. Analyse et structure générales

📦 Catégories des 53 études :

Description des catégories
Main gauche seule 22 études pour main gauche seule, mettant l’accent sur l’indépendance et l’harmonisation.
Contrapuntique/polyphonique Contrepoint ajouté, sections fugato et imitation.
Transformations rythmiques Changement de mètre, de groupements rythmiques ou de tempo
Réharmonisations Développements harmoniques luxuriants de style romantique/post-romantique
Transformations de caractère Études transformées en nocturnes, danses, méditations
Combinaisons d’études 2 études de Chopin fusionnées en une étude de Godowsky

🎹 2. Tutoriel et orientation technique

Les études de Godowsky vont bien au-delà de la virtuosité. Voici ce que chacune exige :

🖐 Études pour la main gauche seule

Principaux défis : équilibre entre la mélodie et l’accompagnement, clarté rythmique et legato.

Technique : maîtrise des mouvements de rotation du poignet, de l’indépendance des doigts, du poids du bras et des mouvements latéraux de la main.

Exemples :

Étude n° 13 (LH) sur l’opus 10 n° 6 – exprimer des lignes lyriques entièrement avec la main gauche.

Étude n° 25 (LH) sur l’opus 10 n° 2 – tierces chromatiques rapides avec la main gauche seule.

🎶 Études polyphoniques et contrapuntiques

Principaux défis : harmonisation de plusieurs lignes indépendantes, maintien de la clarté mélodique.

Technique : contrôle des doigts, phrasé legato entre voix non adjacentes, retenue de la pédale.

Exemples :

Étude n° 3 sur l’opus 10 n° 3 – devient un fugato à trois voix.

Étude n° 39 de l’opus 25 n° 2 – transformation contrapuntique d’une étude enjouée.

🎵 Transformations rythmiques

Principaux défis : maintien du groove, polyrythmes complexes, déplacement métrique.

Technique : subdivision rythmique précise, coordination entre les mains.

Exemples :

Étude n° 30 sur l’opus 25 n° 4 – refondue rythmiquement en mazurka.

🌈 Expansion harmonique

Principaux défis : superposer proprement des harmonies denses, soutenir de longues lignes de pédale, modeler la couleur.

Technique : pédalage avancé (demi et flottement), harmonisation des accords.

Exemples :

Étude n° 1 sur l’opus 10 n° 1 – ajoute un contrepoint et un riche soutien harmonique.

Étude n° 36 sur l’opus 25 n° 6 – tierces embellies avec réharmonisations chromatiques.

🎧 3. Interprétation et style

Godowsky insuffle à chaque étude un univers expressif différent. Votre interprétation doit refléter :

🎭 Transformation du personnage

Cherchez de nouvelles identités : une étude orageuse devient lyrique ; un exercice de doigté devient un nocturne.

Adaptez le rubato, le voicing, l’articulation à l’intention transformée de Godowsky.

Couleur et harmonisation

Pensez en termes d’orchestre – faites ressortir les voix « instrumentales » (voix médiane comme la clarinette, basse comme le violoncelle).

Utiliser la pédale douce et la demi-pédale pour mettre en valeur les couleurs de la voix.

Tempo et rubato

Les tempos sont flexibles en raison de la complexité.

Le rubato est stylistiquement approprié – emprunté aux traditions romantiques.

⚠️ 4. Points importants pour les pianistes

Conseils de préparation

Commencez par des études plus faciles : par exemple, l’étude n° 13 (LH sur l’opus 10 n° 6) ou n° 11 (sur l’opus 10 n° 5).

Apprenez en parallèle l’étude originale de Chopin et la version de Godowsky.

Pratiquez l’harmonisation avec des dynamiques spécifiques pour chaque doigt.

Pratiquez la lenteur avec une articulation exagérée pour séparer les lignes.

🧠 Stratégies mentales

La mémorisation doit tenir compte des couches polyphoniques et des textures denses.

Analyser la conduite de la voix et le mouvement harmonique.

Réduire temporairement les textures (par exemple, jouer la mélodie + la basse) pour isoler les rôles.

Maîtrise technique

Privilégier la détente pour éviter les blessures, surtout dans les œuvres pour gaucher.

Utiliser la rotation du poignet pour les notes répétées ou les textures épaisses.

Travailler par microsections (par exemple, 1 à 2 temps) et développer.

📋 5. Points forts pièce par pièce (exemples choisis)

Étude n° Chopin Source Godowsky Technique Notes

1 Op. 10 n° 1 Expansion harmonique Ajoute un contrepoint aux arpèges
3 Op. 10 n° 3 Contrapuntique Traitement fugato de la mélodie
13 (LH) Op. 10 n° 6 Main gauche seule Mélodie chantante, comme un nocturne de la main gauche
22 Op. 10 n° 5 + Op. 25 n° 9 Étude fusion valse et papillon fusionnés
25 (LH) Op. 10 n° 2 Main gauche seule Tierces chromatiques – l’une des plus difficiles jamais écrites
36 Op. 25 n° 6 Double tierce réharmonisée, éblouissante et colorée
44 (MG) Op. 25 n° 6 Tierces chromatiques à gauche Presque injouable – et pourtant jouable !
49 Op. 25 n° 12 Texture orchestrale Coda tonitruante, grandeur romantique

🏁 Résumé

Les Études de Godowsky sur les Études de Chopin sont :

Plus que des transcriptions : des recompositions.

Un cours magistral de technique pianistique et d’imagination.

Il est préférable de les aborder progressivement, de manière analytique et poétique.

Un pont entre le lyrisme romantique et la virtuosité moderne.

Histoire

Les Études sur les Études de Chopin de Leopold Godowsky occupent une place unique et presque mythique dans la littérature pianistique, non seulement en raison de leurs exigences techniques stupéfiantes, mais aussi pour l’imagination avec laquelle elles réimaginent certaines des œuvres les plus vénérées du répertoire romantique.

Ces études trouvent leur origine dans la profonde vénération de Godowsky pour Frédéric Chopin, qu’il considérait comme le poète ultime du piano. De la fin des années 1890 au début des années 1910, Godowsky a commencé à écrire ce qui n’était au départ que quelques transcriptions et remaniements exploratoires des Études de Chopin. Mais cette expérience s’est rapidement transformée en un projet ambitieux et gigantesque : 53 études originales qui ne se contentent pas de décorer ou d’arranger les œuvres originales de Chopin, mais les réinventent complètement.

Au cœur de ce projet se trouvait un paradoxe artistique. Godowsky, lui-même virtuose légendaire, a pris des pièces déjà considérées comme difficiles et les a rendues encore plus complexes, transformant souvent des figures de la main droite en figures de la main gauche, tissant un contrepoint complexe dans des textures originellement monophoniques, ou combinant même deux études de Chopin en une seule tapisserie contrapuntique. Pourtant, son intention n’était pas de faire de l’esbroufe ; il tentait plutôt d’élargir les possibilités pianistiques et d’explorer des dimensions expressives plus profondes dans les formes de Chopin. Il n’appelait pas son travail une distorsion, mais une continuation – une « idéalisation polyphonique », comme il l’a décrit un jour.

Les études ont été publiées progressivement entre 1894 et 1914, principalement par Schlesinger et d’autres éditeurs en Europe, et ont souvent été interprétées par Godowsky lui-même. Mais leur portée n’a pas toujours été immédiatement reconnue. Les pianistes et les critiques étaient étonnés – et intimidés. La difficulté même des œuvres, en particulier celles écrites pour la main gauche seule, les mettait hors de portée de la plupart des interprètes. Aujourd’hui encore, très peu de pianistes osent apprendre la série complète.

Bien qu’elles aient d’abord été considérées comme excentriques ou injouables, elles ont acquis une sorte de statut de culte au cours du XXe siècle. Des pianistes légendaires comme Vladimir Horowitz, Jorge Bolet et Marc-André Hamelin ont contribué à les faire entrer dans les salles de concert et les studios d’enregistrement, démontrant que ces études, loin d’être des exercices académiques, étaient pleines de poésie, de couleur et de perspicacité.

Godowsky a déclaré un jour : “Je crois sincèrement que toutes ces études ont insufflé une nouvelle vie à la musique de Chopin. Cette conviction est aujourd’hui largement partagée. Si certains pianistes considèrent encore ce coffret comme un Everest technique, d’autres y voient l’une des réimaginations les plus audacieuses et les plus créatives de l’histoire de la musique pour piano – moins un hommage qu’une conversation philosophique à travers le temps entre deux géants de l’instrument.

Aujourd’hui, les Études sur les Études de Chopin sont vénérées non seulement pour leur importance historique ou leur difficulté, mais aussi pour leur audace artistique. Elles sont à la fois un hommage et une transformation, et restent une réalisation monumentale dans la fusion de la virtuosité et de la vision musicale.

La pièce ou le livre le plus populaire de la collection à cette époque?

Lorsque les Études sur les Études de Chopin de Leopold Godowsky ont été publiées entre la fin des années 1890 et 1914, elles n’étaient pas très populaires au sens courant du terme – ni comme pièces de concert, ni comme partitions à succès. Bien qu’elles aient suscité un vif intérêt chez les pianistes professionnels et les pédagogues, elles étaient largement considérées comme ésotériques, extrêmement difficiles et accessibles uniquement à une élite.

Voici un tableau nuancé de leur réception et de leurs ventes à l’époque :

🎼 Intérêt artistique vs. succès populaire

Admiré dans les cercles d’élite : Parmi les pianistes, les compositeurs et les critiques de l’époque, les études de Godowsky étaient reconnues comme ingénieuses et révolutionnaires, une merveille d’ingéniosité contrapuntique et pianistique. D’éminents musiciens tels que Busoni et plus tard Rachmaninov admirent son intelligence et sa technique.

Un attrait limité pour les amateurs : Cependant, pour le grand public – en particulier les pianistes amateurs qui représentaient une grande partie du marché de la musique en feuilles – les études étaient tout simplement trop difficiles à jouer. Les études pour main gauche, en particulier, étaient considérées comme des curiosités étrangement exigeantes.

📚 Vente de partitions

Succès commercial modeste : Les études ont été publiées, mais pas en grand nombre. Des éditeurs comme Schlesinger et plus tard Universal Edition se chargèrent du projet, mais elles ne se vendirent pas beaucoup – certainement pas à l’échelle des œuvres de Liszt, Chopin, ou même Czerny et Moszkowski, qui étaient plus pratiques pour les étudiants avancés.

La réputation l’emporte sur les revenus : Les œuvres ont davantage servi à asseoir la réputation de Godowsky en tant que « pianiste du pianiste » et innovateur intellectuel qu’à gagner de l’argent. Elles ont circulé principalement dans les conservatoires professionnels ou parmi les pianistes très avancés, mais n’ont pas été jouées publiquement très souvent en raison de leur extrême difficulté.

🎹 Exécution et sensibilisation du public

Godowsky les a interprétées de manière sélective : Il a inclus certaines études dans des récitals, mais a rarement abordé les plus difficiles en public. Les exigences techniques et d’interprétation ont fait que très peu d’autres pianistes ont osé les jouer de son vivant.

Leur popularité ne s’est accrue que plus tard : Les études ont été mieux connues au milieu et à la fin du XXe siècle grâce aux enregistrements de pianistes tels que Carlo Grante, Marc-André Hamelin, Geoffrey Douglas Madge et Frederic Chiu. Ces pianistes ont contribué à élever les œuvres de l’obscurité technique à des chefs-d’œuvre cultes du répertoire.

🧾 En résumé :

Les études étaient-elles populaires à l’époque de leur parution ?
Non – elles étaient admirées dans les cercles musicaux d’élite, mais elles étaient beaucoup trop difficiles et ésotériques pour une large popularité.

Les partitions se sont-elles bien vendues ?
Modestement. Les œuvres ont été publiées et diffusées, mais elles n’ont pas eu un grand attrait commercial en raison de leur caractère peu pratique pour la plupart des pianistes.

Pourquoi ces œuvres sont-elles importantes aujourd’hui ?
Parce qu’elles représentent le summum de l’imagination pianistique et de l’invention technique, et en sont venues à symboliser le défi ultime pour les pianistes avancés, un peu comme les Études transcendantales de Liszt ou le Concerto pour piano seul d’Alkan.

Épisodes et anecdotes

Voici plusieurs épisodes fascinants et des anecdotes sur les Études sur les Études de Chopin de Leopold Godowsky, offrant un aperçu de la tradition et de l’héritage de cette collection légendaire :

🎭 1. La « genèse accidentelle » du projet par Godowsky

Godowsky aurait commencé à retravailler les Études de Chopin comme une sorte d’expérience privée, sans avoir l’intention de les publier. La première étude pour la main gauche (sur l’opus 10, n° 6 de Chopin) est née alors qu’il improvisait au piano, explorant le potentiel de la voix de la main gauche. Un ami l’a entendue et l’a incité à l’écrire, et c’est ainsi que la série a commencé à se développer organiquement.

🖐️ 2. Godowsky a écrit de nombreuses études pour la main gauche seule

Sur les 53 études, 22 sont entièrement écrites pour la main gauche seule, ce qui fait de Godowsky le compositeur le plus prolifique de l’histoire pour ce type de musique. Il n’a pas écrit ces études comme des nouveautés, mais comme de la musique sérieuse. Il soutenait que la main gauche était capable d’exécuter des textures polyphoniques et lyriques aussi bien que la main droite – une idée radicale à l’époque.

“Il n’y a pas de main faible, a-t-il dit un jour, mais une main non développée.

🧠 3. Il composait la plupart des études mentalement – loin du piano

Godowsky possédait une étonnante capacité à composer de la musique complexe entièrement dans son esprit. La plupart des études les plus complexes – y compris les études contrapuntiques et les pièces pour la main gauche – n’ont pas été travaillées au piano mais écrites directement sur du papier manuscrit à partir d’une conception mentale.

🤯 4. Même Rachmaninov les trouvait « impossibles »

Sergei Rachmaninoff, lui-même titan de la technique pianistique, a admis un jour qu’il trouvait les études de Godowsky « impossibles à jouer ». Cette citation – peut-être apocryphe mais largement répétée – a contribué à l’aura qui entoure ces œuvres, considérées comme les plus redoutables jamais écrites pour l’instrument.

🎹 5. Un exploit contrapuntique : deux études jouées simultanément

Dans l’une des réalisations les plus étonnantes du recueil, Godowsky combine deux études différentes de Chopin (Op. 10, n° 5 « Black Key » et Op. 25, n° 9 « Butterfly ») en une seule étude contrapuntique jouée par les deux mains à la fois. Le résultat est une œuvre d’une complexité éblouissante et d’une musicalité étonnamment lucide.

🖤 6. Les études ont été interdites par les autorités soviétiques

Au début de l’ère soviétique, les œuvres de Godowsky – y compris les études de Chopin – ont été qualifiées de décadence bourgeoise et ont été interdites d’exécution publique. Ce n’est qu’au milieu du XXe siècle qu’elles ont recommencé à être étudiées et appréciées en Europe de l’Est.

🎤 7. Marc-André Hamelin les fait revivre à l’ère moderne

Le brillant pianiste canadien Marc-André Hamelin a fait entrer les études de Godowsky dans le courant dominant avec son enregistrement historique de 2000. Il s’agit du premier enregistrement commercial complet qui traite ces études comme un art musical, et non comme de simples acrobaties techniques. Hamelin lui-même les avait étudiées en secret dans sa jeunesse, les considérant comme des œuvres sacrées.

📜 8. Godowsky a inclus sa propre étude originale

Parmi les 53 études, l’une d’entre elles n’est pas du tout basée sur Chopin : L’étude n° 44, parfois appelée « étude originale ». Il s’agit d’une œuvre entièrement godowskienne insérée dans l’ensemble, qui lui permet de démontrer sa voix pianistique purement personnelle de la même manière grandiose.

😵 9. L’ensemble était autrefois considéré comme injouable

Pendant des décennies, les pianistes ont cru qu’aucun être humain ne pourrait jamais jouer les 53 études. Geoffrey Douglas Madge a été le premier pianiste à enregistrer l’ensemble complet dans les années 1980, brisant ainsi ce mythe. Aujourd’hui encore, cependant, une interprétation complète en direct de l’ensemble reste extraordinairement rare – seule une poignée de pianistes s’y sont essayés.

📚 10. Godowsky les appelait « études dans l’étude des études »

Godowsky considérait les œuvres non pas comme des réinterprétations mais comme des élévations – des méditations analytiques sur la musique de Chopin. Il les appelait souvent « transformations polyphoniques et polyrythmiques », destinées à stimuler l’esprit du pianiste autant que ses doigts.

Compositions similaires / Suites / Collections

Voici une liste de compositions, suites ou recueils similaires qui, comme les Études sur les Études de Chopin de Leopold Godowsky, réimaginent ou rehaussent un matériau préexistant avec un mélange de virtuosité extrême, d’ingéniosité contrapuntique et de transformation artistique. Ces œuvres brouillent souvent la frontière entre la transcription, la variation et la composition originale.

🎹 Similaire dans l’esprit et la complexité aux études Chopin de Godowsky

🧠 1. Franz Liszt – Études Paganini (S.140) et Études transcendantales (S.139)

Liszt a fait pour Paganini ce que Godowsky a fait pour Chopin – il a pris des études de violon et les a réimaginées pour le piano, dépassant souvent leur virtuosité originale.

Les deux ensembles sont des tests impressionnants de la technique et de l’art pianistiques.

Les Études transcendantales, en particulier, reflètent une profondeur philosophique et poétique, et pas seulement des qualités athlétiques.

🧬 2. Ferruccio Busoni – Transcriptions et paraphrases de Bach et Liszt

Les transcriptions de Busoni (comme la Chaconne en ré mineur ou les Préludes et fugues pour orgue) élèvent les originaux au rang d’œuvres symphoniques pour piano, utilisant souvent un contrepoint avancé et des superpositions comme Godowsky.

Ses Fantasia nach J.S. Bach et ses paraphrases de Liszt sont également profondément intellectuelles et pianistiquement inventives.

🌓 3. Kaikhosru Shapurji Sorabji – Études transcendantales (100 Études)

Les études de Sorabji poussent la densité de Godowsky à des extrêmes encore plus grands, combinant hyper-virtuosité, polyrythmies étendues et textures contrapuntiques épaisses.

Souvent injouables, ces études ont été inspirées en partie par la réimagination audacieuse du piano par Godowsky.

🎭 4. Marc-André Hamelin – Études dans toutes les tonalités mineures

Il s’agit d’études contemporaines dans la tradition de Godowsky – extrêmement virtuoses, intelligentes et souvent construites sur des références pianistiques ou historiques.

Plusieurs sont humoristiques ou rendent hommage à d’autres compositeurs (par exemple Godowsky, Alkan, Scriabine).

🐉 5. Charles-Valentin Alkan – 12 Études dans les tons mineurs, op. 39

D’une portée monumentale, elles comprennent un Concerto pour piano seul, une Symphonie pour piano seul et d’autres formes massives.

Alkan, comme Godowsky, exigeait une indépendance extrême des mains et une polyphonie complexe.

🎼 6. Brahms – Variations sur un thème de Paganini, op. 35

Souvent appelées « le cauchemar des pianistes », ces variations poussent la technique de variation à la limite des possibilités physiques.

Brahms explore différentes articulations, textures et contrepoints, tout comme Godowsky le fait avec Chopin.

🖋️ 7. Rachmaninov – Études-Tableaux, Opp. 33 & 39

Il s’agit d’études originales, mais elles véhiculent une imagerie poétique complexe, une densité émotionnelle et une technique redoutable – des qualités qui définissent également l’éthique de Godowsky.

L’utilisation par Rachmaninov de textures superposées et d’un riche voicing est spirituellement proche de Godowsky.

🎮 8. Leopold Godowsky – Suite Java (1925) et Passacaille (1927)

Au-delà de ses études sur Chopin, Godowsky a composé d’autres œuvres monumentales :

La Java Suite est un poème sonore interculturel aux harmonies exotiques et aux textures superposées.

La Passacaille, basée sur un thème de Schubert, se compose de 44 variations, d’une cadence et d’une fugue – un véritable exploit de composition et de maîtrise pianistique.

👁️‍🗨️ 9. Vladimir Horowitz – Variations sur Carmen (d’après Bizet)

Bien que brève, cette paraphrase légendaire illustre le flair transcendant et la bravoure de la tradition Godowsky, transformant des thèmes connus en brillants chefs-d’œuvre.

🎨 10. Earl Wild – Virtuoso Études after Gershwin

Wild canalise l’esthétique de réinvention de Godowsky par le biais d’une imagination virtuose, transformant les chansons de Gershwin en études complexes et orchestrales pour piano.

(Cet article est généré par ChatGPT. Et ce n’est qu’un document de référence pour découvrir des musiques que vous ne connaissez pas encore.)

Best Classical Recordings
on YouTube

Best Classical Recordings
on Spotify

Jean-Michel Serres Apfel Café Apfelsaft Cinema Music QR Codes Centre Français 2024.

Posted on

Appunti su 12 études dans toutes les tons mineurs en deux suites Op.39 di Charles-Valentin Alkan, informazioni, analisi e interpretazioni

Panoramica

I Dodici studi in tutte le tonalità minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan, costituiscono un ciclo monumentale per pianoforte solo, composto tra il 1846 e il 1847. Si tratta di una delle opere più ambiziose del XIX secolo per pianoforte, sia per l’estrema difficoltà tecnica che per la ricchezza musicale e l’audacia concettuale. Questi studi sono organizzati in due suite, ciascuna contenente sei studi, che coprono successivamente le dodici tonalità minori (da cui il titolo).

🌑 Panoramica dell’opera: Dodici studi in tutte le tonalità minori, Op. 39
Data di composizione: 1846–1847

Pubblicazione: 1857

Numero di brani: 12

Durata totale: circa 90 minuti

Difficoltà: Virtuosismo estremo (livello Liszt, Godowsky, Rachmaninov)

Struttura: Due suite di sei studi ciascuna

Scopo: Studi tecnici, musicali, espressivi, che coprono ogni tonalità minore del ciclo delle quinte

🧩 Struttura delle due suite

🎴 Suite I (Esercizi dal n. 1 al n. 6)

Questa prima suite pone l’accento sulla tecnica, con una varietà di stili che vanno dall’energia motoria al contrappunto.

N. 1 – Come il vento (Do minore)

Virtuosismo vorticoso, paragonabile a Chopin o Liszt.

Il titolo evoca un soffio o un vortice irresistibile.

Utilizza motivi rapidi e agitati in sedicesimi.

N. 2 – En rythme molossique (Do♯ minore)

Ritmo ostinato e martellante.

Imponente e severo, evoca un antico rituale o una marcia guerriera.

N. 3 – Scherzo diabolico (Re minore)

Una sorta di “Scherzo” demoniaco, molto veloce e beffardo.

Ricorda i passaggi sardonici di Liszt o Prokofiev.

N. 4 – Les quatre âges (Mi♭ minore)

Una mini-suite in quattro sezioni, che rappresenta:

L’infanzia

La giovinezza

L’età matura

La vecchiaia

Ambizioso, quasi una narrazione musicale.

N. 5 – Prometeo incatenato (Mi minore)

Tragico, eroico e cupo.

Rappresenta la sofferenza e la ribellione del titano greco Prometeo.

Scrittura densa, accordi potenti, cromatismo drammatico.

N. 6 – La ferrovia (fa minore)

Una delle opere più famose di Alkan.

Evoca il movimento rapido e ripetitivo di un treno a vapore.

Brano precursore del “futurismo musicale”, tipicamente meccanizzato.

🎴 Suite II (Studi n. 7-12)

Questa suite propone un’ascesa verso la vetta: contiene una sonata, un concerto per pianoforte solo e una sinfonia per pianoforte solo.

N. 7-9 – Sinfonia per pianoforte solo (Fa♯ minore a Si minore)

Raggruppa tre studi in forma sinfonica:

Allegro moderato (Fa♯ minore) – Introduzione solenne.

Marcia funebre (La minore) – Funebre e nobile.

Minuetto (Sol♯ minore) – Elegante ma teso.

Finale (Si minore) – Tempesta finale, intensità crescente.

Un’impresa unica nella storia del pianoforte.

N. 10-12 – Concerto per pianoforte solo (Do minore a La minore)

Tre studi che formano un concerto immaginario:

I. Allegro assai (Do minore) – Toccata monumentale.

II. Adagio (Fa minore) – Meditativo, lirico.

III. Allegretto alla barbaresca (La minore) – Colore orientale, selvaggio.

Questo “concerto senza orchestra” sfrutta al massimo le texture pianistiche per simulare tutti e dialoghi.

🎼 Osservazioni generali

Esplorazione di tutti i colori del pianoforte, dai tratti più veloci alle texture orchestrali.

Alkan combina forma, contrappunto, virtuosismo, narrazione, spingendo al limite le possibilità fisiche dello strumento.

Paragonabili a Liszt, Beethoven e Bach per ambizione e densità.

Molto raramente eseguiti nella loro interezza, ma regolarmente studiati dai più grandi pianisti.

🎹 Alcuni pianisti di rilievo associati a questi studi

Raymond Lewenthal

Marc-André Hamelin

Jack Gibbons

Laurent Martin

Ronald Smith

Caratteristiche della musica

La raccolta Dodici studi in tutte le tonalità minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan è un’opera ciclica eccezionale, che combina un’ambizione musicale, tecnica e intellettuale raramente raggiunta nella storia del pianoforte. Al di là della sua estrema virtuosità, presenta una visione unitaria che trascende la semplice sequenza di studi per formare un insieme coerente e potente espressivo.

Ecco le principali caratteristiche musicali di questa raccolta, affrontando prima la raccolta nel suo insieme, poi ogni suite (I e II) e infine le composizioni interne come la Sinfonia e il Concerto per pianoforte solo.

🧩 1. Caratteristiche generali della raccolta Op. 39

🎼 a. Esplorazione delle dodici tonalità minori

Ogni studio è scritto in una tonalità minore diversa, seguendo un ciclo cromatico discendente (da do minore a la minore).

Questo ricorda Bach (Il clavicembalo ben temperato) o Chopin (Preludi), ma applicato qui a forme lunghe e a uno stile romantico esacerbato.

🧠 b. Ciclo tematico e formale

Si tratta meno di una raccolta che di un ciclo unificato, i cui brani dialogano per contrasto e progressione drammatica.

Ogni studio funziona come un’opera indipendente, ma le sequenze sono accuratamente calcolate.

🔥 c. Virtuosismo trascendente

Alkan supera i limiti del gioco pianistico:

Tratti rapidi e ininterrotti

Salti giganteschi

Scrittura in doppie note, terze, ottave, accordi massicci

Uso del pianoforte come orchestra

Ma questa virtuosità non è mai gratuita: è al servizio di un contenuto espressivo, drammatico, intellettuale.

🎭 d. Caratteri molto vari

Umorismo (Scherzo diabolico, Chemin de fer)

Tragedia (Prométhée, Symphonie)

Nostalgia e filosofia (Les quatre âges)

Epopea (Concerto, Symphonie)

🎻 e. Orchestralizzazione del pianoforte

Alkan ricrea le trame orchestrali con il solo pianoforte:

Contrabbassi e timpani nei bassi

Corde divise o fiati nei medi e negli acuti

Forme ampie e sviluppo contrappuntistico

🎴 2. Caratteristiche della Prima suite (Studi da 1 a 6)

Questa suite pone l’accento sull’esplorazione tecnica, pur conservando una grande espressività. Può essere vista come una galleria di caratteri:

N° Titolo Tonalità Caratteristica principale

1 Come il vento ut minore Virtuosismo rapido e fluido, stile moto perpetuo
2 In ritmo molosso do♯ minore Ostinato ritmico, pesante e grave
3 Scherzo diabolico re minore Ironia, risata, tempo presto infernale
4 Le quattro età mi♭ minore Struttura programmatica in quattro quadri
5 Prometeo incatenato mi minore Tragedia, accordi pesanti, cromatismo, figurazione eroica
6 Il treno fa minore Imitazione meccanica del treno, studio di ripetizione e resistenza

Questa suite potrebbe essere considerata uno studio della forma breve, anche se alcuni brani sono estesi e quasi narrativi.

🎴 3. Caratteristiche della Seconda suite (Studi 7-12)

La seconda suite assume una dimensione monumentale, raggruppando due cicli interni: una sinfonia e un concerto per pianoforte solo. Ciò la rende un’innovazione senza precedenti nella musica romantica per pianoforte.

🏛️ a. Studi dal 7 al 10 – “Sinfonia per pianoforte solo”

Alkan indica esplicitamente questo sottotitolo. Si tratta di una trasposizione delle forme orchestrali in un linguaggio pianistico.

I. Allegro moderato (fa♯ minore): slancio drammatico, scrittura densa, struttura sonata.

II. Marcia funebre (la minore): tragica ma nobile, marcia alla Beethoven.

III. Minuetto (sol♯ minore): eleganza tesa, ricca di modulazioni.

IV. Finale (si minore): virtuosismo fiammeggiante, tensione crescente.

💡 Questa sinfonia è una dimostrazione del modo in cui Alkan concepisce il pianoforte come un’orchestra a sé stante.

🎹 b. Studi 10-12 – “Concerto per pianoforte solo”

Un’altra innovazione importante: un concerto senza orchestra, ma concepito con tutte le caratteristiche di un concerto romantico.

I. Allegro assai (do minore): lungo movimento espositivo, sviluppo denso, tutti simulati.

II. Adagio (fa minore): lirismo introspettivo, voci interiori ed espressività intima.

III. Allegretto alla barbaresca (la minore): colori orientali, selvaggietà ritmica, intensità rapsodica.

🎯 Il pianoforte diventa qui il proprio orchestra e il proprio solista allo stesso tempo.

🧠 4. Visione filosofica e artistica

L’Op. 39 non si limita a degli studi: è un viaggio attraverso l’anima umana, i contrasti del destino, la solitudine eroica, la modernità.

Anticipa Mahler nell’ampiezza formale, Liszt nella trascendenza e persino Debussy in alcune audacie armoniche.

🎬 Conclusione

L’Op. 39 di Charles-Valentin Alkan è un’opera visionaria, una sorta di apice romantico del pianoforte, che unisce la tecnica più esigente a un’ambizione artistica smisurata.

Incarna:

Una sintesi delle forme classiche (sinfonia, concerto, suite),

Un’esplorazione dei limiti fisici del pianoforte,

Una ricerca espressiva, drammatica, tragica, spesso ironica,

Una modernità sorprendente per l’epoca.

Analisi, tutorial, interpretazione e punti importanti per l’esecuzione

Ecco un’analisi completa, un tutorial interpretativo e i punti importanti per l’esecuzione pianistica dell’integrale dei Dodici studi in tutte le tonalità minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan. L’opera si divide in due grandi suite: la prima contiene brani di carattere, la seconda contiene una Sinfonia e un Concerto per pianoforte solo, formando un trittico magistrale. L’insieme richiede una tecnica trascendentale, un’intelligenza strutturale e un’estrema immaginazione sonora.

🎴 Prima Suite – Studi da 1 a 6: Caratteri, contrasti, ritratti

🎼 Studio n°1 – Come il vento (Do minore)

Analisi:

Un moto perpetuo in sedicesimi, che evoca il vento, lo slancio della natura.

Forma A-B-A’, con contrasti armonici e modulazioni intense.

Interpretazione e tutorial:

Suono leggero, non percussivo, alla Liszt: immaginate una brezza.

Controllo delle dita: uniformità, leggerezza, rilassatezza.

Lavoro a mani separate, lento all’inizio, con metronomo.

Punti tecnici:

Resistenza digitale.

Staccato veloce.

Staccato aereo delle dita.

🥁 Studio n°2 – En rythme molossique (Do♯ minore)

Analisi:

Accentuazione pesante, ritmo triplo (lungo-lungo-breve).

Un ostinato quasi marziale, struttura ripetitiva e opprimente.

Interpretazione:

Insistenza ritmica, ma senza rigidità.

Cercare una veemenza nobile, quasi beethoveniana.

Da lavorare:

Resistenza negli accordi.

Gioco regolare nelle articolazioni pesanti.

Contrasto dinamico in una struttura uniforme.

🤡 Studio n. 3 – Scherzo diabolico (Re minore)

Analisi:

Scherzo nella tradizione del “diavolo che ride”, vicino a Liszt o Berlioz.

Alternanza di figure veloci e sincopate, armonia stridente.

Interpretazione:

Tempo veloce, ma sempre controllato.

Accentuare i contrasti dinamici improvvisi.

Da tenere d’occhio:

Chiarezza nei passaggi veloci.

Precisione ritmica negli spostamenti.

Non affrettarsi: suonare in avanti senza perdere la linea.

👴 Studio n. 4 – Les quatre âges (Mi♭ minore)

Analisi:

Brano programmatico: infanzia, giovinezza, maturità, vecchiaia.

Quasi una sonata in quattro movimenti.

Interpretazione:

Ogni sezione ha un proprio carattere: pensate a un ruolo teatrale.

Variate l’articolazione, il tocco, il pedale.

Punti chiave:

Transizioni tra le sezioni.

Narrazione continua.

Coerenza espressiva.

🔥 Studio n°5 – Prometeo incatenato (Mi minore)

Analisi:

Tragedia mitologica, vicina a Beethoven o Liszt.

Accordi massicci, linea melodica espressiva al centro.

Interpretazione:

Grande respiro eroico.

Suonare le tensioni armoniche, non solo le note.

Consigli:

Lavoro armonico (voci interne!).

Dosaggio delle ottave e degli accordi (evitare la durezza).

Usare il pedale come elemento di coesione drammatica, non per sfumare.

🚂 Studio n. 6 – Il treno (fa minore)

Analisi:

Una spettacolare imitazione di un treno: ostinato, ripetizioni, accelerazioni.

Forma semplice ma forte impressione ritmica.

Interpretazione:

Tempo fluido, meccanico ma mai rigido.

Giocare con l’accelerazione (come un treno che parte).

Consigli tecnici:

Indipendenza delle mani (basso ostinato).

Articolazione netta.

Sincronizzazione e resistenza.

🏛 Seconda Suite – Studi dal 7 al 12: Grandi forme orchestrali

🎻 Studi dal 7 al 10 – Sinfonia per pianoforte solo

N°7 – Allegro Moderato (Fa♯ minore)
Struttura: forma sonata.

Temi fortemente contrastanti.

Sviluppo orchestrale.

Consigli:

Articolare i temi come sezioni orchestrali.

Lavorare sulla polifonia delle voci secondarie.

N. 8 – Marcia funebre (La minore)

Solennità, gravità, contrappunto denso.

Affine a Chopin, ma più architettonica.

Interpretazione:

Non suonare lentamente, ma maestosamente.

Voci gravi profonde, tocco pieno, ma mai secco.

N°9 – Minuetto (Sol♯ minore)

Elegante ma armonicamente contorto.

Trio contrastato, ritmo sottile.

Lavoro:

Eleganza degli ornamenti.

Regolarità metrica.

Gestione flessibile del rubato in un contesto classico.

N°10 – Finale (Si minore)

Virtuosismo abbagliante, con una dinamica continua.

Tema ciclico nella coda.

Chiavi di interpretazione:

Chiarezza nella densità.

Sfumature ben pianificate.

Lavoro lento + per segmenti.

🎹 Studi 11-13 – Concerto per pianoforte solo

N°11 – Allegro Assai (Do minore)

Vasto movimento concertante (~30 min!).

Alternanza di tutti e soli ricreati dal solo pianoforte.

Tecnicamente:

Molto impegnativo: resistenza, leggibilità, struttura.

Prevedere le frasi come dialoghi orchestra/solista.

N°12 – Adagio (fa minore)

Lirico, intimo, velato.

Armonia modulante e ambigua.

Interpretazione:

Canto interiore.

Voce mediana espressiva.

Pedale sottile, mai pesante.

N°13 – Allegretto alla barbaresca (La minore)

Rapsodico, selvaggio, colori esotici.

Miscuglio di stili: orientalismo, danza, improvvisazione.

Da lavorare:

Ritmo: metrica irregolare, barbarica ma controllata.

Colori armonici e accenti irregolari.

Uso espressivo delle pause e delle sincopi.

🎹 Consigli generali per suonare l’Op. 39

✅ Tecnica
Lavorare molto lentamente con il metronomo all’inizio.

Isolare le mani separate.

Studio delle voci interne e delle trame armoniche.

Gestire la resistenza (brano lungo).

✅ Pedale
Usare con sottigliezza: evitare l’eccesso nei passaggi complessi.

Si consiglia il pedale parziale e il pedale armonico (per pianoforte moderno).

✅ Interpretazione
Narrazione costante: anche gli studi più astratti raccontano qualcosa.

Pensare in strati sonori come un direttore d’orchestra.

Cercare di caratterizzare ogni brano: non suonarli tutti nello stesso stile.

Storia

La storia dei Dodici studi in tutte le tonalità minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan è profondamente legata alla figura misteriosa, marginale, ma straordinariamente innovativa del compositore stesso. Pubblicati nel 1857 a Parigi, questi studi costituiscono uno dei capolavori della musica romantica per pianoforte. Tuttavia, sono rimasti a lungo nell’ombra, ignorati dal grande pubblico, prima di essere riscoperti nel XX secolo da pianisti avventurosi come Raymond Lewenthal, Ronald Smith o Marc-André Hamelin.

Alkan, pianista virtuoso e compositore eccentrico, visse a Parigi nello stesso periodo di Chopin e Liszt, ai quali era molto legato. Ma a differenza di loro, si ritirò dalla vita pubblica per lunghi periodi. Durante questi anni di silenzio, si dedicò a un’opera radicalmente ambiziosa: costruire un ciclo di studi che non solo coprisse le dodici tonalità minori, ma spingesse anche i limiti dello strumento solista. L’Opus 39 fu la risposta a questa ambizione.

Non si tratta di una semplice raccolta di studi: è un monumento pianistico, allo stesso tempo enciclopedia degli stili romantici, laboratorio di forme e cattedrale sonora per pianoforte solo. Alkan sviluppa tre grandi idee:

La miniatura espressiva (come in “Comme le vent”, “Scherzo diabolico”, “Le chemin de fer”),

La grande forma orchestrale (Sinfonia per pianoforte, n. 7-10),

La forma concertante solitaria (Concerto per pianoforte solo, n. 11-13).

Questo progetto di coprire tutti i toni minori rispondeva a un’idea di ordine e completezza: una sorta di cosmologia musicale che avrebbe fatto eco al Clavier bien tempéré di Bach o alle grandi serie di studi di Chopin, ma con una tensione romantica drammatica e un’ambizione formale ancora più estrema.

L’idea di comporre una sinfonia e un concerto per pianoforte solo, senza orchestra, è forse l’aspetto più rivoluzionario del ciclo. Alkan tenta qui l’impossibile: simulare l’intera orchestrazione all’interno delle dieci dita del pianista, inventando una scrittura polifonica, massiccia, ma sempre leggibile, a condizione di avere la tecnica per padroneggiarla.

Ma perché queste opere sono rimaste così a lungo ignorate? Innanzitutto, la loro difficoltà tecnica è sovrumana, anche per i virtuosi. Inoltre, la personalità stessa di Alkan, solitaria, a volte misantropa, ha contribuito a relegarle ai margini. Non suonava quasi più in pubblico. Pubblicava poco. La sua opera era considerata strana, troppo complessa, troppo avanti per i suoi tempi.

È solo nella seconda metà del XX secolo, con l’emergere di una generazione di pianisti-curatori, che il ciclo Op. 39 inizia a essere riscoperto. Si comincia allora a misurarne l’originalità, l’audacia, la raffinatezza. Non era solo un esercizio tecnico. Era una dichiarazione d’amore assoluto per il pianoforte, un trattato di composizione, una visione utopica di ciò che potrebbe essere uno strumento solista in grado di contenere un intero mondo.

Oggi l’Opus 39 è riconosciuto come uno dei capolavori del repertorio romantico, al pari degli Studi di Chopin, dei Trascendenti di Liszt o delle opere tardive di Scriabin. Ma conserva un’aura speciale: quella di un segreto svelato troppo tardi, di un capolavoro che il mondo non era ancora pronto ad ascoltare. E quando un pianista si cimenta con questi brani, non si limita a suonare una musica: entra in un dialogo profondo con un genio dimenticato, che sognava che il solo pianoforte potesse far tremare un’intera orchestra, un intero dramma, un intero mondo.

Impatti e influenze

I Dodici studi in tutti i toni minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan hanno avuto un impatto singolare ma fondamentale nella storia della musica per pianoforte. A lungo emarginati, sono oggi riconosciuti come un’opera visionaria, le cui influenze si sono fatte sentire in modo tardivo e indiretto, ma con una potenza che non smette di crescere.

💥 Uno shock estetico in anticipo sui tempi

Quando l’opera apparve nel 1857, il mondo musicale non era pronto ad accogliere un ciclo così denso e radicale. In un’epoca in cui il pubblico acclamava l’eleganza lirica di Chopin e la brillantezza teatrale di Liszt, Alkan proponeva una musica introspettiva, cerebrale, ma anche di una violenza sonora senza precedenti. Non imita l’orchestra: la assorbe nella tastiera. Questo sconcerta. Lo shock estetico è troppo in anticipo sui tempi. L’impatto immediato è quindi quasi nullo sui suoi contemporanei. Ma come molti geni marginali, l’eco della sua opera arriverà molto più tardi, come un’onda d’urto ritardata.

🎹 L’elevazione della scrittura pianistica

Uno dei contributi più importanti di Alkan con l’Op. 39 è quello di aver ridefinito ciò che un pianoforte può fare da solo. Spinge lo strumento ai suoi limiti fisici ed espressivi:

Polifonia densa con più voci indipendenti,

Giochi di imitazione o sovrapposizione di registri orchestrali,

uso simultaneo dei registri più acuti e più gravi,

fusione della forma sinfonica o concertante con la scrittura pianistica.

Queste innovazioni influenzeranno in seguito il virtuosismo di Busoni, la polifonia drammatica di Medtner, il pianoforte-orchestra di Rachmaninov o ancora la scrittura ciclica e densa di Sorabji.

🎼 Un’influenza sotterranea ma feconda

Nel XX secolo, quando i pianisti riscoprirono Alkan, lo considerarono improvvisamente come un anello mancante tra Liszt, Brahms e i modernisti:

Ronald Smith, nei suoi scritti e nelle sue registrazioni, descrive Alkan come un genio isolato, ma fondamentale per comprendere l’evoluzione della tecnica pianistica.

Ferruccio Busoni, che conosceva le opere di Alkan, si ispira alla sua idea di «pianoforte-orchestra» nella sua Fantasia contrappuntistica e nelle sue trascrizioni.

Kaikhosru Sorabji, nelle sue opere di mostruosa complessità, vedeva Alkan come un pioniere della forma pianistica smisurata.

🎧 La riabilitazione nel XX secolo: una nuova scuola di pianisti

Con la riabilitazione del repertorio romantico dimenticato a partire dagli anni ’60, gli Studi Op. 39 diventano un rito di passaggio per i grandi pianisti esploratori. L’opera diventa un terreno di sfida ma anche di riflessione sulle possibilità della tastiera. Vi si intravede un’anticipazione di:

La sinfonia per pianoforte di Scriabine (Sonata n. 5),

L’idea di un pianoforte solista totale, cara a Sorabji, Godowsky o Hamelin,

Una scrittura architettonica, a volte quasi matematica, che preannuncia Messiaen o Ligeti.

🎭 Impatto sulla visione del pianoforte come teatro interiore

Infine, l’impatto di Alkan non è solo tecnico. È filosofico e drammatico. Le sue opere – e l’Op. 39 in particolare – conferiscono al pianoforte una dimensione tragica e metafisica. La tastiera diventa uno spazio in cui si scontrano le passioni umane, i cataclismi, le illusioni, la solitudine, la fede, la follia – il tutto senza parole, senza orchestra, senza artifici.

📌 In sintesi

L’influenza dell’Opus 39 è quella di un lievito discreto ma decisivo. L’opera non ha cambiato la musica del suo tempo, ma ha aperto strade che altri hanno percorso, spesso senza nemmeno conoscere Alkan. Appartiene a quei monumenti musicali che aspettano che il tempo li raggiunga. Oggi ispira pianisti, compositori e teorici, perché offre una visione assoluta, smisurata, totale del pianoforte: un’arte in cui lo strumento diventa orchestratore, narratore, demiurgo.

Brano o raccolta di successo all’epoca?

No, i Dodici studi in tutti i toni minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan non hanno avuto successo all’epoca, né presso il pubblico né commercialmente. La loro accoglienza fu quasi inesistente quando furono pubblicati nel 1857. Ecco perché:

🎭 1. Un’opera troppo complessa per il pubblico dell’epoca

All’epoca del Romanticismo, il pubblico, anche quello colto, preferiva opere più immediatamente accessibili, più cantabili ed emotive, come quelle di Chopin, Mendelssohn o Liszt. L’Op. 39 di Alkan è invece un’opera di estremo intellettualismo e virtuosismo, la cui forma, sinfonia e concerto per pianoforte solo, sconcertava completamente gli ascoltatori.

Persino i pianisti di alto livello ne erano intimiditi. Questi studi sono tra i più difficili del repertorio pianistico, non solo dal punto di vista tecnico, ma anche strutturale. Richiedevano una visione orchestrale, una resistenza fisica e un’intelligenza architettonica raramente riunite in un unico interprete.

📉 2. Una diffusione molto limitata

Alkan non suonò quasi mai le sue opere in pubblico. Si era ritirato dalla scena musicale intorno al 1853. A differenza di Liszt o Chopin, che promuovevano attivamente la loro musica in concerto, Alkan era solitario, discreto, persino recluso. Di conseguenza, senza esibizioni pubbliche regolari, l’Opus 39 rimase invisibile al grande pubblico.

Di conseguenza, non c’era una forte domanda per la partitura, che non vendette bene. Gli editori ne stamparono poche copie e molte opere di Alkan rimasero esaurite o difficili da trovare fino alla seconda metà del XX secolo.

📰 3. Poche recensioni, poco riconoscimento

La stampa musicale parigina dell’epoca, che spesso elogiava Liszt o Chopin, ignorò ampiamente Alkan. Non era una figura mondana. Non partecipava più ai salotti. Il suo isolamento volontario lo allontanò dalle reti di influenza. A parte alcune recensioni elogiative sporadiche (spesso da parte di amici come Liszt), l’Op. 39 non fece parlare di sé.

📚 4. Un successo… postumo

Fu solo negli anni ’60-’80 che Alkan fu riscoperto grazie a pianisti come:

Raymond Lewenthal

Ronald Smith

Marc-André Hamelin

Questi musicisti iniziarono a interpretare, registrare e pubblicare l’Op. 39, che divenne progressivamente un capolavoro del repertorio romantico dimenticato. Oggi, sebbene ancora poco conosciuto dal grande pubblico, l’Opus 39 è considerato un’opera di assoluto genio da musicisti, analisti e pianisti di alto livello.

✅ Conclusione

No, Dodici studi in tutte le tonalità minori, Op. 39 non ebbe successo al momento della sua uscita. Era un’opera troppo difficile, troppo avanguardistica, troppo isolata per incontrare il suo pubblico nel 1857. Ma oggi è stata riabilitata come uno dei vertici più audaci della scrittura pianistica, un capolavoro a lungo ignorato, riscoperto in un’epoca in grado di coglierne tutta la grandezza.

Episodi e aneddoti

Ecco alcuni episodi e aneddoti affascinanti sui Dodici studi in tutti i toni minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan, che chiariscono il mistero della loro creazione, la loro accoglienza e la loro riscoperta molto più tardi.

🎩 1. Un compositore all’ombra della sinagoga

All’epoca della pubblicazione dell’Op. 39 (1857), Alkan era praticamente scomparso dalla vita musicale pubblica. Sebbene fosse stato uno dei pianisti più acclamati della sua generazione negli anni ’30 dell’Ottocento, si era volontariamente ritirato dalle scene. Secondo alcune testimonianze, avrebbe trascorso questo periodo studiando il Talmud, ed è probabile che sia stato per un breve periodo organista sostituto nella grande sinagoga di Parigi.

È quindi in questa solitudine quasi monastica che sono nate queste opere monumentali, come se un monaco della tastiera avesse composto, in segreto, una sinfonia interiore per un mondo che non era ancora pronto ad ascoltarla.

🎼 2. Una sinfonia… senza orchestra, un concerto… senza orchestra

L’Op. 39 contiene una Sinfonia per pianoforte solo (nn. 4-7) e un Concerto per pianoforte solo (nn. 8-10). Ciò aveva di che sorprendere (se non addirittura scandalizzare) i musicisti dell’epoca: come si poteva immaginare un concerto senza orchestra?

Eppure Alkan riuscì in questa impresa. Attraverso l’illusione sonora, fa credere alla presenza di un’intera orchestra. Nel manoscritto, a volte inserisce indicazioni come «tutti» o «solo», come se scrivesse davvero per un pianoforte accompagnato… da se stesso. Questo gesto simboleggia bene l’intensità del suo isolamento e la sua ambizione artistica solitaria.

🖋️ 3. Il Concerto dell’impossibile: un aneddoto di Liszt?

Secondo testimonianze tardive (in particolare quella di Hans von Bülow), Franz Liszt, pur essendo egli stesso un virtuoso leggendario, avrebbe visto la partitura del Concerto per pianoforte solo (n. 8-10) e avrebbe dichiarato che “è musica che non potrà mai essere suonata”. Non è certo che la citazione sia autentica, ma riflette bene la reputazione di ineseguibilità che queste pagine hanno acquisito.

Oggi pianisti come Marc-André Hamelin o Jack Gibbons dimostrano il contrario, ma il mito rimane.

📚 4. Una riscoperta grazie a eccentrici appassionati

Fino agli anni ’60, le partiture dell’Op. 39 erano quasi introvabili. Fu Raymond Lewenthal, eccentrico pianista americano appassionato di repertorio dimenticato, a mettersi alla ricerca di manoscritti e edizioni originali nelle biblioteche di tutta Europa per ricostruire l’opera.

Al suo ritorno, tenne un recital dedicato ad Alkan a New York che fu un evento musicale di grande rilievo, dando il via a una “rinascita di Alkan”. Bisogna immaginare che per più di un secolo questi studi erano quasi delle leggende che si sussurravano tra specialisti, fino a quando alcuni pianisti temerari non li riportarono in vita.

🧤 5. Uno studio soprannominato “La macchina da cucire di Dio”

Lo Studio n. 8 (Concerto per pianoforte solo, 1° movimento) è così veloce, così regolare, così meccanico in alcune sezioni che un critico lo ha soprannominato “La macchina da cucire di Dio”, con umorismo, ma anche con ammirazione per la precisione e la forza bruta richieste.

Questo soprannome illustra bene il mix di ironia e riverenza che Alkan suscita: è allo stesso tempo sovrumano, meccanico, astratto eppure profondamente espressivo.

🧘‍♂️ 6. Un messaggio filosofico nel ciclo?

Alcuni musicisti, come Ronald Smith, vedono nella struttura complessiva dell’Op. 39 una sorta di dramma interiore, quasi una confessione metafisica:

Il ciclo inizia con visioni cupe (Comme le vent, En rythme molossique),

cresce di intensità fino a una sinfonia grandiosa,

per poi culminare in un concerto titanico,

Per finire nel silenzio e nella solitudine con lo Studio n. 12: Il banchetto di Esopo, una serie di variazioni grottesche, animalesche e talvolta stridenti, come una festa di fine del mondo.

Questa narrazione suggerisce una visione ciclica della condizione umana, e alcuni vi leggono un’allegoria mistica, persino spirituale.

🎬 Conclusione

I Dodici studi in tutti i toni minori, Op. 39, non sono solo brani difficili. Sono circondati da aneddoti misteriosi, leggende pianistiche, drammi artistici silenziosi. Incarna la figura del genio incompreso, del creatore solitario in anticipo sui tempi, e continua ancora oggi ad alimentare il fascino, l’ammirazione e la sfida di tutti coloro che si avvicinano ad esso.

Composizioni simili

Ecco alcune composizioni o cicli simili ai Dodici studi in tutti i toni minori, Op. 39 di Charles-Valentin Alkan, per la loro ambizione pianistica, la forma ciclica, l’esplorazione delle tonalità o la loro natura sinfonica e sperimentale:

Franz Liszt – Studi di esecuzione trascendentale, S.139
Un ciclo di dodici studi di estrema difficoltà, dalle ambizioni poetiche e sinfoniche, che rappresentano l’elevazione dello studio a forma d’arte autonoma.

Frédéric Chopin – Studi, Op. 10 e Op. 25
Sebbene più concisi, questi studi combinano rigore tecnico e profondità musicale. Chopin stabilisce qui un modello di studio artistico che influenzerà Alkan.

Leopold Godowsky – Studi sugli studi di Chopin
Una reinvenzione vertiginosa degli studi di Chopin, spesso in versioni per mano sinistra sola o in complesse polifonie. Questa raccolta rivaleggia con Alkan in termini di difficoltà e inventiva.

Kaikhosru Sorabji – Studi trascendentali
Sulla scia di Alkan e Busoni, Sorabji propone un mondo pianistico ricco, esuberante, a volte eccessivo, con un linguaggio molto personale.

Claude Debussy – Dodici studi, CD 143
Una serie di studi tardivi e moderni che esplorano ogni aspetto tecnico del pianoforte in modo analitico e spesso sperimentale, pur rimanendo musicali.

Leopold Godowsky – Passacaglia (44 variazioni, cadenza e fuga)
Opera monumentale, intellettuale e virtuosistica che, come alcuni studi di Alkan, utilizza una forma antica (la passacaglia) in un contesto altamente romantico.

Sergei Rachmaninoff – Studi-Quadri, Op. 33 e Op. 39
Queste opere combinano poesia, drammaticità e virtuosismo, con una ricchezza orchestrale nella scrittura pianistica che ricorda quella di Alkan.

Ferruccio Busoni – Fantasia contrappuntistica
Sebbene non si tratti di un ciclo di studi, quest’opera monumentale, densa, polifonica e architettonica può evocare, per la sua portata, il ciclo di Alkan.

Julius Reubke – Sonata sul Salmo 94
Sebbene non si tratti di uno studio, questa sonata unica, dalla potenza lisztiana e dal respiro quasi sinfonico, evoca la densità e il dramma di Alkan.

Dmitri Shostakovich – 24 Preludi e Fughe, Op. 87
Ispirato al Clavier bien tempéré di Bach, questo ciclo copre tutte le tonalità (maggiori e minori), con un’elevata esigenza contrappuntistica ed espressiva.

Queste opere, ognuna a modo suo, partecipano a una tradizione pianistica totale, in cui la tastiera diventa un’orchestra, un palcoscenico drammatico, un laboratorio tecnico e uno specchio dell’anima. Alkan occupa un posto a sé stante, singolare, ma dialoga con tutti i grandi nomi della tastiera.

(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

Best Classical Recordings
on YouTube

Best Classical Recordings
on Spotify

Jean-Michel Serres Apfel Café Apfelsaft Cinema Music Codici QR Centro Italiano Italia Svizzera 2024.