Author: Jean-Michel Serres

概要

ヨハン・セバスチャン・バッハ（1685–1750 ）は、音楽史において最も重要な作曲家の一人とされています。彼の作品はバロック時代の頂点を象徴し、西洋音楽の伝統に他に類を見ないほど大きな影響を与えました。

彼の生涯、仕事、そしてその重要性について簡潔にまとめると次のようになります。

1. 人生と段階

テューリンゲン州の大家族で音楽家として育ちました。生涯を通じて音楽の「職人」として、様々な役職を務めました。

幼少期: アイゼナハに生まれるが、早くに孤児となり、オールドルフで兄によって教育を受けた。

アルンシュタット＆ミュールハウゼン（1703年～ 1708年）：オルガニストとして初めて任命される。ここで彼は器楽演奏の名手としての名声を確立した。

ワイマール（1708年- 1717年）：宮廷オルガニスト兼コンサートマスターとして、多くの有名なオルガン作品を作曲した。

ケーテン（1717年- 1723年）：レオポルト公の宮廷楽長として、宮廷が改革され豪華な教会音楽が求められなかったため、器楽（ブランデンブルク協奏曲など）に専念した。

ライプツィヒ（1723–1750 ） ：トーマスカントルとして、市内の主要な教会の音楽を担当した。この時期に、彼の記念碑的な宗教音楽作品が数多く作曲された。

2. 音楽作品

バッハの作品は、当時のほぼすべてのジャンルを網羅していますが、オペラという大きな例外があります。彼の音楽は、信じられないほどの数学的な精密さ（対位法）と深い感情表現が融合していることが特徴です。

宗教音楽: 200 曲を超えるカンタータ、マタイ受難曲、ヨハネ受難曲、クリスマスオラトリオ、ロ短調ミサ曲。

鍵盤音楽: 平均律クラヴィーア曲集 (音楽理論の画期的な作品)、ゴールドベルク変奏曲、有名なニ短調のトッカータとフーガ。

管弦楽曲: 6 つのブランデンブルク協奏曲と管弦楽組曲 (有名な「エア」を含む)。

3. 意義と影響

バッハは生前、主に才能あるオルガン奏者として評価されていましたが、彼の作品は同時代の多くの人々から複雑すぎて「学術的」すぎると考えられていました。

再発見: 世界的な「バッハ ルネサンス」が始まったのは、19 世紀になってからで、主にフェリックス メンデルスゾーン バルトルディ ( 1829 年の「マタイ受難曲」の演奏) を通じてでした。

影響：モーツァルトやベートーベンといった作曲家は彼の作品を広く研究しました。ベートーベンは彼を「バッハではなく、ミーアと呼ばれるべきだ」と敬意を込めて呼びました。

革新性：フーガと対位法を完璧に完成させた。彼の音楽は普遍的であると考えられており、今日ではジャズ、ポップス、さらにはエレクトロニックミュージックにも取り入れられている。

ちょっとした余談

バッハはマリア・バルバラとアンナ・マグダレーナの2人の妻と2度結婚し、合計20人の子供をもうけましたが、成人したのはわずか10人でした。息子の何人か（カール・フィリップ・エマヌエルやヨハン・クリスティアンなど）は、後に著名な作曲家となりました。

歴史

ヨハン・セバスチャン・バッハの物語は、音楽を芸術としてだけでなく、神聖な技巧として理解した男の物語です。彼の人生は、深い信仰、想像を絶するほどの労働倫理、そして世俗の権力との絶え間ない闘争によって特徴づけられました。

時代の初期と損失

すべてはテューリンゲン州アイゼナハで始まりました。ヨハン・セバスチャンは1685年、町の音楽家と宮廷音楽家の家系に生まれました。彼の家族にとって音楽は日々の糧と同じくらい自然なものでした。しかし、牧歌的な生活は長くは続きませんでした。わずか10歳で孤児になったのです。彼はピアノを習った兄のもと、オールドルフに移り住みました。幼いヨハン・セバスチャンは、夜、月明かりの下でこっそりと音楽を写していたと言われています。兄は実は彼にそれを禁じていたのです。これは、彼の飽くなき知識欲の初期の兆候でした。

天才の探求

若い頃、バッハは北のリューネブルクに移り住み、そこで聖歌隊員として働き、ブクステフーデをはじめとする北ドイツの偉大なオルガン奏者たちと出会う機会を得ました。ブクステフーデの演奏を聴くためだけに、何百キロも歩いて彼の家まで戻ったと言われています。しかし、アルンシュタットでオルガン奏者として初めて着任した時は、苦労もありました。彼は頑固な性格で、 「異質な音」で聴衆を圧倒し、才能のないファゴット奏者と衝突することさえありました。

数年にわたる上昇と大きな打撃

バッハの道はミュールハウゼンを経てワイマールへと続き、そこで彼は宮廷オルガニスト兼コンサートマスターとして最初の大きな成功を収めました。ここで彼は、ドイツ音楽の数学的な厳密さとイタリア音楽の軽妙さ（例えばヴィヴァルディ）を融合させ始めました。

しかし、バッハは並外れた働き手だった。ワイマールでケーテンでのより良い地位に就くために辞職しようとした時、公爵は即座に彼を「頑固さ」を理由に4週間投獄した。ケーテンで、彼は音楽を愛する公爵の下でついに黄金時代を迎えた。ブランデンブルク協奏曲を作曲したのはこの地だった。しかし、運命は再び彼を襲った。旅行から戻ると、妻マリア・バルバラが亡くなり、すでに埋葬されていたのだ。この暗い闇の中で、彼は音楽に慰めを見出し、後に歌手アンナ・マグダレーナと結婚した。彼女は彼のパートナーであるだけでなく、芸術面での重要な支えでもあった。

ライプツィヒのトーマスカンター

生涯の最後、そして最も長い時期をライプツィヒで過ごしました。1723年からはトーマスカントル（管弦楽団長）を務めましたが、資金や歌手の質をめぐって市議会と絶えず議論を交わさなければならず、しばしばフラストレーションを感じていました。しかし、この時期は彼の記念碑的な創作活動の時期でもありました。毎週のように新しいカンタータを作曲し、壮大な「マタイ受難曲」と「ロ短調ミサ曲」を創作しました。

晩年、バッハはますます抽象的な音楽の世界に引きこもるようになった。まるで数学パズルのような複雑なフーガや対位法を試み、 1750年に目の手術の失敗でほぼ視力を失った状態で亡くなった時、彼の作風は既に時代遅れで複雑すぎると多くの人に考えられていた。彼は簡素な墓に埋葬され、長く忘れ去られた。

このテューリンゲンのカントルが単なる地元の教会音楽家ではなく、その作品が今でも西洋音楽の基礎と考えられている音の設計者であったことが世界によって認識されるようになったのは、それからほぼ80年後のことでした。

年表

幼少期と初期教育（1685–1703 ）

物語は1685年のアイゼナハから始まります。両親が若くして亡くなった後、10歳のヨハン・セバスチャンは1695年にオールドルフに移り住み、ピアノを習った兄のもとで暮らしました。15歳になると北方へと旅立ち、1700年から1702年にかけてリューネブルクのミヒャエル音楽学校に通い、聖歌隊で歌い、北ドイツのオルガン音楽に親しみました。

最初の任命: アルンシュタットとミュールハウゼン(1703–1708 )

ワイマールで短期間過ごした後、1703年にアルンシュタットでオルガニストとして最初の重要な地位に就きました。この時期は、1705年にブクステフーデを訪ねてリューベックまで歩いたことで有名です。その後まもなく、 1707年にミュールハウゼンに移り、同年に従妹のマリア・バルバラと結婚しました。しかし、すぐに彼はより大きな芸術的機会を求めるようになりました。

ワイマール時代（1708年～1717年）

ヴァイマルでは、バッハは宮廷オルガニストとして10年近く、後にコンサートマスターを務めました。ここで彼はオルガン演奏に磨きをかけ、カンタータを定期的に作曲し始めました。この時代の終わりは劇的なものでした。1717年、彼は数週間自宅軟禁状態に陥り、強制退去を試みましたが、ついに退去を許されました。

ケーテンにおける器楽音楽の開花（ 1717-1723年）

ケーテンでは、教会オルガンこそなかったものの、バッハはレオポルト公の宮廷楽長として理想的な環境を得ました。そのため、彼は主に世俗的な傑作を作曲しました。例えば、ブランデンブルク協奏曲（1721年）などが挙げられます。私生活では、この時期は波乱に満ちた時期でした。妻マリア・バルバラ（1720年）の突然の死と、その翌年、歌手アンナ・マグダレーナと結婚しました。

グランドフィナーレ：ライプツィヒ・トーマス管区（1723–1750 ）

1723年以降、ライプツィヒにおけるバッハの生涯は最終章を迎えた。トーマスカントルとして、彼は市内の教会音楽の責任者となり、前例のない努力で、教会カンタータの大規模な連作集や、記念碑的な『マタイ受難曲』（1727年）を作曲した。 1730年代には、コレギウム・ムジクムの指揮者も引き継ぎ、器楽音楽により深く関わるようになった。

バッハは晩年、1740年頃から音楽学問の世界に没頭し、 『フーガの技法』などの作品に取り組みました。しかし、目の手術に失敗した後、1750年7月28日にライプツィヒで亡くなりました。

音楽の様式、運動、時代

後期バロック音楽の中心人物です。彼の作風は他に類を見ない融合であり、最高の数学的秩序と人間の最も深い感情の融合と形容されるにふさわしいものです。

彼の音楽を時代精神、革新、伝統に関連して分類すると次のようになります。

時代とスタイル

バッハはバロック時代（1600年頃～1750年頃） 、より正確には盛期バロックと後期バロックに生き、活動しました。彼の作品は今日、この時代における最高峰とみなされています。

対位法：彼の最も重要な様式上の工夫はポリフォニー、すなわち複数の独立した旋律声部の対等な地位であった。彼ほどフーガの技巧を極め、対位法を「習得」した者は他にいない。

感情の教義：バロック時代に典型的であったように、音楽は聴き手に特定の感情状態（感情的状態）を呼び起こすことを目的としていました。バッハはこの目的のために、正確な象徴言語を用いました（例えば、悲しみを表す下降する上昇する旋律）。

国家の融合: 彼はドイツのポリフォニーの伝統とイタリアの軽妙さ (ヴィヴァルディ)、そしてフランスの装飾を融合しました。

彼の音楽は古いですか、それとも新しいですか？

答えは逆説的です。彼女は同時にその両方でした。

伝統的かつ「古風」 ：バッハの晩年（1740年から1750年頃）には、彼の音楽は同時代の多くの人々から時代遅れとみなされていました。啓蒙主義という新しい精神は、 「ガラント様式」、つまり音楽はシンプルで心地よく、理解しやすいものでなければならないという要求を突きつけました。しかし、バッハは厳格で複雑なポリフォニーを貫きました。ヨハン・アドルフ・シャイベのような批評家は、その膨大な複雑さゆえに、彼の音楽は「大げさ」で不自然すぎると非難しました。

革新的かつ急進的：形式的には古い構成に固執しながらも、アプローチにおいては反骨精神にあふれていた。彼の和声（和音の繋ぎ方）は時代をはるかに先取りしていた。半音階と不協和音を巧みに用いたが、その手法は19世紀まで完全には理解されなかった。彼の作品『平均律クラヴィーア曲集』は、あらゆる調性で同じように演奏できることを証明した、まさに技術的革命であり、近代西洋音楽の礎となった。

結論: 穏健派か急進派か?

（おそらく後のシェーンベルクのように）古い形式を「破壊する者」ではなく、むしろ完璧主義者でした。彼は、彼以前に存在していたすべてのものを取り入れ、それを完璧さの絶対的な頂点へと押し上げたのです。

彼の急進性は伝統を打ち破ることではなく、その深遠な精緻化にあった。他の作曲家が表面的な表現に終始する中、バッハは和声の法則を深く探求した。そのため、彼の音楽は今日でも現代的で「新鮮」に響く。一方、当時の「より現代的」な同時代人の多くは、長らく忘れ去られている。

音楽ジャンル

ヨハン・セバスチャン・バッハは、まさにその時代を代表する普遍的な芸術家でした。当時存在したほぼあらゆる音楽ジャンルを、その完璧さで自在に操り、その完成度は、しばしば音楽の時代の終焉と頂点を象徴するものとされています。彼は意図的にオペラを避け、教会音楽家や宮廷楽長として他の分野に注力しました。

彼の仕事は、大きく分けて3つの分野に分けられます。

1. 宗教的な声楽

ライプツィヒのトーマスカンターであったバッハにとって、これは日々の糧でした。バッハは、音を通して信仰を具体的な体験にすることを意図した教会礼拝用の音楽を創作しました。

カンタータ： 200曲以上が現存し、彼の作品の中核を成しています。彼はしばしば毎週、日曜礼拝のためにカンタータを作曲しました。

受難曲とオラトリオ: マタイ受難曲やクリスマス・オラトリオなど、聖書の物語を劇的かつ感情的に伝える記念碑的な作品。

ミサ曲とモテット: ロ短調のミサ曲は、人類の最も重要な宗教作品の 1 つと考えられており、厳格なラテン語のテキストをバロックの壮麗さで音楽に作曲しました。

2. 器楽と管弦楽

宮廷（特にケーテン）での数年間、アンサンブルと独奏楽器のための音楽に専念しました。

がオーケストラと競い合う協奏曲グロッソ（例：ブランデンブルク協奏曲）をさらに発展させました。また、現代のピアノ協奏曲の創始者とも考えられています。

組曲とパルティータ：これらのジャンルは、様式化された舞踏のリズム（アルマンド、クーラント、ジーグなど）に基づいています。バッハはこれらをオーケストラ用に作曲しましたが、チェロやヴァイオリンなどの独奏楽器用に作曲したものもあります。

室内楽:さまざまな楽器のためのソナタ。多くの場合、チェンバロまたは通奏低音の伴奏が付きます。

鍵盤楽器のための音楽

バッハは当時最高のオルガン奏者として知られていました。彼の鍵盤楽器の楽曲は、教育的訓練と芸術的な自己表現の両方に役立ちました。

オルガン曲：前奏曲、フーガ、トッカータ、コラール前奏曲。「楽器の女王」と呼ばれるオルガンを操る彼の卓越した技巧がここに明らかです。

ピアノ音楽：平均律クラヴィーア曲集やゴルトベルク変奏曲といった作品は、音楽史における重要な節目です。技術的な練習から高度に複雑で、ほとんど数学的な芸術まで、あらゆる範囲を網羅しています。

「学者」晩年の作品

バッハは晩年、ほぼ「純粋音楽学」とも言えるジャンルへと傾倒しました。 『フーガの技法』と『音楽の捧げ物』では、特定の楽器に縛られることなく、ポリフォニーと対位法の限界を探求しました。

音楽の特徴

ヨハン・セバスチャン・バッハの音楽は、音楽史における他のほとんどすべての音楽とは一線を画す、その複雑さと技術的完成度の高さを特徴としています。彼の作品を聴くと、厳密な論理と深い精神性を同時に兼ね備えた音の構造に出会うでしょう。

彼のスタイルを定義する主な特徴は次のとおりです。

1. ポリフォニーと対位法の芸術

バッハの最も特徴的な特徴はポリフォニーです。ホモフォニー（メロディーに和音が伴奏される）とは対照的に、バッハではソプラノ、アルト、テナー、バスなど、すべての声部が完全に平等です。

対位法：バッハは、異なるメロディーを互いに独立して意味を成しながらも全体として調和のとれたものに織り合わせる、紛れもなく名人でした。

フーガ：この形式でバッハの卓越した技巧は頂点に達した。主題はすべての声部を通して、彷徨い、反射し、あるいは引き伸ばされながら展開され、他の声部はそれを巧みに装飾する。

2. 倍音密度と色度

バッハはバロック音楽にしっかりと根ざしていましたが、彼のハーモニーは当時の慣習をはるかに超えていました。

彼は緊張と摩擦を生み出すために半音階主義（基本音階の外側の半音の使用）を頻繁に使用しました。

彼の音楽には、しばしば意外性のある和音変化や不協和音が含まれ、それらが解決の瞬間に初めて感情的なインパクトを最大限発揮します。これが彼の音楽に現代性を与え、ショパンやワーグナーといった後の作曲家に大きな影響を与えました。

3. 数学的精度と記号表現

バッハの音楽はしばしば数学と比較されます。彼は対称性、数遊び、そして記号を愛していました。

数の象徴: バッハは宗教的な意味を持つ数字の関係を音楽によく取り入れました(たとえば、数字の 3 は三位一体を表します) 。

音楽的修辞学：彼はテキストを解釈するために「図形」を用いた。楽譜中の十字の記号はキリストの苦しみを表し、下向きに落ちる線は死または埋葬を象徴していた。

建築: 彼の作品は大聖堂のように建てられており、すべての細部が全体を支えるように精密に計画されています。

4.リズミカルな活力（ 「ドライブ」 ）

バッハの作品の多くは知的な重みがあるにもかかわらず、彼の音楽は巨大なリズムのエネルギーを持っています。

作品の多くは、バロック時代のダンスのリズム（ジーグやサラバンドなど）に基づいています。

、脈動する連続的なリズム（ 「モータリック」とよく表現される）が流れており、作品に抗しがたい前進の勢いを与えている。

5. テクノロジーと感情の融合

バッハの音楽は「無味乾燥な数学」であるという誤解が広く信じられています。その真の秘密は、対位法の厳格な規則が決してそれ自体で目的化しないという事実にあります。

技法は常に感情表現（エフェクト）に作用します。マニフィカトの歓喜であれ、マタイ受難曲の深い絶望であれ、数学的な秩序は感情に枠組みを与え、それをより力強くします。

対立するものの統一
バッハの音楽は、実際には矛盾しているように見えるものを統合しています。それは、非常に複雑でありながら印象的で、厳密に構築されているにもかかわらず想像力に満ちており、深く宗教的でありながら普遍的に人間的です。

効果と影響

「創始者」あるいは「礎」と呼ばれることがよくあります。生前は画期的な作曲家というよりは、むしろ地方のオルガン奏者として知られていましたが、彼の遺産はその後の数世紀に深く影響を与えました。

1. 古典主義とロマン主義への影響

1750 年にバッハが亡くなった後、彼の作品は当初背景に消えていきましたが、その後の時代の大作曲家たちにとっては最も重要な研究資料であり続けました。

モーツァルトとベートーヴェン：二人ともバッハの対位法を熱心に研究しました。ベートーヴェンは敬意を込めてバッハを「和声の父」と呼び、その尽きることのない豊かさゆえに「バッハではなく、海（Meer） 」と呼ぶべきだと述べました。

バッハ・ルネサンス：1829年、フェリックス・メンデルスゾーン・バルトルディは、バッハの死後初めてベルリンでマタイ受難曲を演奏しました。この出来事は世界中に熱狂を呼び起こし、ついにバッハの音楽は忘れ去られることから救われました。

ブラームスとワーグナー：ブラームスにとって、バッハは日々の知的糧でした。彼はこう言いました。 「バッハを研究しなさい！そこにすべてが見つかる。 」

2. 音楽理論の基礎

バッハは音楽の「言語」を標準化しました。彼の作品『平均律クラヴィーア曲集』は、鍵盤楽器は特定の調律法を用いれば24の調性すべてで演奏できることを証明しました。これは、クラシックからジャズ、ポップスまで、ほぼすべての西洋音楽の基礎となっています。今日でも、プロの音楽家は皆、バッハのフーガやコラールを学ぶことで技巧を磨いています。

3. ジャズ、ロック、ポップスへの影響

バッハの音楽は、その数学的構造と和声的論理により時代を超越しており、アレンジに最適です。

ジャズ：固定された低音（通奏低音）を基盤とした即興的な自由さはジャズに見られます。ジャック・ルーシエやキース・ジャレットのようなミュージシャンは、バッハの音楽をジャズの文脈に直接取り入れています。

ポップ＆ロック：多くのヒット曲にバッハのハーモニーやメロディーが用いられています。有名な例としては、プロコル・ハルムの「 A Whiter Shade of Pale 」が挙げられます。この曲は「エア」に強い影響を受けており、ビートルズもバッハの複雑な声部構成をしばしば参考にしています。

映画音楽: 彼の音楽は感情の深さが非常に大きいため、映画の中で実存的な瞬間 (悲しみ、崇高さ、狂気) を強調するためによく使用されます。

4. 文化的・精神的な影響

バッハは「第五の福音記者」と称されています。複雑な神学的内容を音楽に翻訳する彼の才能により、彼の宗教作品（例えば受難曲）は今日、宗派を問わず世界中で人間の表現の頂点として高く評価されています。彼の音楽はしばしば「宇宙的」と捉えられており、だからこそ彼の作品は人類を象徴するものとしてボイジャー号のゴールデンレコードに収められ、宇宙に送られたのです。

バッハの影響は大きく、音楽史はしばしば「バッハ以前」と「バッハ以後」に分けられます。バッハはバロック音楽を終焉に導いただけでなく、今日に至るまで比類のない完成度へと高めました。

作曲以外の音楽活動

1. 名高い名手（オルガンとチェンバロ）

バッハは生涯を通じて、主に世界最高のオルガン奏者およびチェンバロ奏者の一人とみなされていました。

即興:与えられたテーマで複雑なフーガを即興的に展開する彼の能力は、同時代の人々を驚かせた。

コンサートツアー: 彼はオルガンの落成式や、他の偉大な音楽家たちとの音楽コンテストに出場するために頻繁に旅をしました (有名なのは、バッハの演奏から逃げ出したフランス人ルイ・マルシャンとの決闘の失敗です)。

2. オルガン製作の専門家および鑑定家

は18世紀の「音響技師」とも言えるでしょう。彼は鍵盤楽器の構造について深い技術的知識を持っていました。

オルガンの検査：都市や教会は、新設または修理されたオルガンの検査専門家として彼を定期的に雇用しました。彼は、管楽器の供給、機構、そして音色の配置（ストップの選択）を検査しました。

革新：彼は楽器のさらなる発展に関心を持ち、初期のフォルテピアノ（ピアノの前身）の機構の改良に尽力し、平均律の提唱者でもありました。

3. 音楽教育者と教師

バッハは多くの時間を教えることに費やした。

トーマス学校: ライプツィヒでは、トーマスに音楽だけでなく、ラテン語の理論も教えた(ただし、後者は通常、報酬を得て代理人に委託していた)。

個人指導：彼は多くの音楽家を指導し、その中には自身の息子たちやヨハン・ルートヴィヒ・クレブスといった著名な作曲家も含まれていました。彼の教育的著作（例えば『インヴェンション』）は、生徒たちに技術と「作曲の芸術」の両方を教えました。

4. 音楽監督兼マネージャー（コレギウム・ムジクム）

バッハは教会での職務に加えて、1729年からライプツィヒのツィンメルマンのコレギウム・ムジクムを指揮した。

コーヒーハウスで毎週コンサートを開いていた学生アンサンブルでした。バッハはコンサートの企画者兼指揮者として活躍し、ブルジョワ階級の娯楽音楽を最高レベルで組織し、指揮しました。

5. 合唱団の指揮者とアンサンブルのコーディネーター

トーマスカントルとして、彼はライプツィヒ市の「音楽総監督」を務めました。

4つの主要教会の聖歌隊を調整し、演奏者を募集し、リハーサルを指揮し、毎週日曜日と祝日に音楽がスムーズに進行するようにしなければなりませんでした。才能のない歌手や市議会からの資金不足に悩まされることも少なくありませんでした。

まとめ

バッハがたとえ一音も書いていなかったとしても、彼はオルガンの技術者であり、卓越した鍵盤楽器の名手として歴史に名を残していたでしょう。彼の人生は、教会の椅子、オルガン製作者の工房、そして指揮台のあいだを絶えず行き来するものでした。

音楽以外の活動

1. 家族の長であり、大家族の「管理者」

バッハは二度の結婚で合計20人の子供をもうけました。これほどの大家族を養うには、膨大な労力が必要でした。

育成と教育：彼は子供たちの教育に熱心に取り組みました。音楽指導に加えて、学業の進捗状況を監視し、息子たちが大学に進学できるようにしました。

宿泊施設：ライプツィヒのトーマス学校にあった彼の家には、子供たちだけでなく、個人レッスンの生徒、親戚、旅回りの音楽家たちもしばしば滞在していました。バッハはホスト役を務め、彼らの食事と宿泊を担当していました。

2.行政官および教育者

トーマスカンターとしての職務において、バッハは多くの官僚的職務を担う市職員でした。

教育上の義務：彼はトーマス学校で教えなければなりませんでした。当初はラテン語を教える義務さえありました。しかし、彼はこれを負担に感じ、しばしば給与の一部を代用教員に支払うことでこの義務を逃れていました。

監督義務: 教師として、彼は寄宿学校の生徒(トーマナー) の規律と全般的な健康にも責任を負っており、それが学校管理者や市議会との論争の原因になることがよくありました。

3.権利を主張する論争的な擁護者（官僚主義）

バッハは、特権や給料に関しては非常に粘り強く、時には頑固な人物として知られていた。

申立人：彼はライプツィヒ市議会や選挙区に宛てた、結婚式や葬儀の費用の損失、あるいは学校給食の質の悪さなどに関する長文の正式な苦情書を書くのに、多大な時間を費やしました。

追加的な収入源を開拓したり、称号 (ドレスデンの「宮廷作曲家」の称号など) を獲得したりする際に、熟練した交渉者でした。

4. 社交性と楽しさ

非常に信仰深い人であったが、決して禁欲主義者ではなかった。

コーヒーハウス文化：ライプツィヒでは、彼はツィンメルマンのコーヒーハウスの常連でした。コーヒーは当時、新しく流行した高級飲料でした。彼のコーヒーへの情熱は、 （音楽的な）『コーヒー・カンタータ』をコーヒーに捧げるほどでした。

美食の喜び：バッハは美味しい料理とワインを好みました。彼の手紙や記録からは、ワインを注文し、友人や同僚と楽しい時間を過ごしたことが分かります。

5. 神学の研究

80冊を超える膨大な個人蔵書を所有しており、これは当時としては驚くべきコレクションであった。

読書：これらの書物のほとんどは楽譜ではなく、神学書、聖書注解、そしてマルティン・ルターの著作でした。彼はこれらの書物を熱心に研究し、余白に注釈を付け、自身の世界観の知的基盤として活用しました。

6. 小規模農業

当時の多くの都市住民と同様に、バッハの家にも菜園がありました。彼は大家族に新鮮な食料を供給するため、これらの菜園の収穫と耕作に気を配っていたと記録されています。

要約すると、バッハは物質的な生活にしっかりと根ざした人物でした。彼はお金のために苦労し、たくさんの子供を育て、コーヒーを飲むことを楽しみ、神学的な文献を読みました。

プレイヤーとして

「演奏家」として考えるとき、楽器、特にオルガンとチェンバロとの肉体的な繋がりがほとんど超人的なほどだった人物を思い浮かべざるを得ません。彼はただ机に座っているだけの理論家ではなく、実践家であり、演奏家であり、そして鍵盤楽器を操る真の「ハイパフォーマンス・アスリート」でした。

演奏家としてのバッハの肖像は次のとおりです。

1. オルガンの「征服者」

にとってオルガンは単なる楽器ではなく、絶対的な精度で制御できる機械でした。

足の技巧：同時代の人々は、バッハがペダルに足を乗せて、他の者が指ではほとんど達成できないほどの速さと正確さで旋律を演奏したと驚嘆しました。彼はペダルの上を単に「歩く」のではなく、まるで踊っているかのようでした。

機械の仕組みに関してほぼ本能的な感覚を持っていました。新しいオルガンを試すときは、 「まず、肺がしっかりしているかどうかを確認しなければならない」とよく言っていました。そして、あらゆる手段（いわゆるプレナム）を尽くして、楽器の限界まで押し上げました。

2. マジック・インプロバイザー

演奏家としてのバッハが最も印象的だったのは、即興で演奏したときだった。

彼は、まったく知らないテーマを聞いて、そのテーマに基づいて複雑な四部フーガを即興で演奏することができた。

にとって「演奏」とは知的な遊びであり、数学的なパズルをリアルタイムで音で解くことに挑戦した。最も有名な例は「音楽の捧げ物」で、これはフリードリヒ大王の前で、極めて難解な主題を6部構成のフーガへと即興的に変化させたことに基づいている。

3.フィジカルの強い選手：強さと正確さ

彼のプレースタイルは、当時の堅苦しい態度とは大きく異なっていた。

指を軽く曲げ、親指を積極的に使うという新しい技法を考案しました。これは当時としては全く異例なことでした。これにより、同時代の人々に「魔女のよう」と思わせるほどの流暢さとテンポを実現しました。

持久力：ライプツィヒの教会礼拝は何時間も続くことがありました。演奏家としてのバッハは、重厚な和音と複雑な連奏を疲労なく演奏し続けるために、並外れた体力を備えていなければなりませんでした。

4. マルチ楽器奏者

彼は「オルガン王」として知られていましたが、優れたヴァイオリニスト、ビオラ奏者でもありました。

彼はオーケストラの真ん中でビオラを演奏するのが特に好きだった。なぜなら、それが彼を「まさにハーモニーの中心」に立たせてくれるからだった。

彼の理解は、そのままハープシコードの演奏に反映され、彼は鍵盤楽器を「歌わせる」ことを試みましたが、これは実際にはハープシコードのような撥弦楽器では技術的に不可能なことでした。

5.遊び心のある競争者

バッハは自分の能力を認識しており、遊び心のある競争を楽しんだ。

町に別の名手がいると聞いて、彼は比較対象を探した。それはスポーツマンとしての野心とプロとしてのプライドが入り混じった感情だった。

彼の演奏は往々にして非常に複雑で、批評家からは「あまりに勤勉すぎる」と評された。これは、たとえ聴衆を圧倒しても、演奏家として彼がいかなる挑戦も恐れなかったことの表れである。

音楽一家

バッハ家は並大抵の家系ではありませんでした。それは世界史上類を見ない、正真正銘の音楽一族でした。何世代にもわたり、 「バッハ」という名は、テューリンゲン州とザクセン州において「音楽家」とほぼ同義でした。

この一族は、音楽の職人技が貴重な秘密のレシピのように受け継がれてきた広範囲にわたるネットワークであると想像できます。

テューリンゲンの森のルーツ

ヨハン・セバスチャンの何世代も前から、その家族はこの地域にしっかりと根付いていました。

ファイト・バッハ（高祖父）：ハンガリーから逃れてきたパン屋兼粉屋。「キトリンゲン」（小さなリュート）を粉屋に持ち込み、石臼の音に合わせて演奏していたとも伝えられています。

町の音楽家とオルガン奏者：ヨハン・セバスチャンの父、ヨハン・アンブロジウス・バッハはアイゼナハの町の音楽家でした。彼の叔父や従兄弟たちは、エアフルト、アルンシュタット、ゴータといった都市で、ほぼすべての重要な音楽職に就いていました。一家は年に一度、盛大な家族の集まりに集まり、共に音楽を奏で、盛大に祝賀しました。その際には、ユーモラスな即興歌（クォドリベット）が披露されることもよくありました。

2. 妻たち：精神的なパートナー

バッハは二度結婚しており、どちらの妻も彼の音楽活動に深く関わっていました。

マリア・バルバラ・バッハ（最初の妻）：彼女はバッハの又従妹で、自身も音楽家の家系に生まれました。彼女はバッハの技巧を隅々まで理解していました。

アンナ・マグダレーナ・バッハ（2番目の妻）：彼女は非常に才能のあるプロの歌手（ソプラノ）でした。バッハは彼女のために有名な「アンナ・マグダレーナ・バッハのための楽譜」を編纂しました。彼女はバッハの楽譜を清書することで、彼に計り知れない支援を提供しました。二人の筆跡は非常に似ているため、学者でさえ区別が難しい場合があります。

3. ザ・サンズ：次世代の「有名人」

バッハには20人の子供がいましたが、その多くは若くして亡くなりました。しかし、息子のうち4人は世界的な作曲家となり、中には生前父親よりも有名になった者もいました。

ヴィルヘルム・フリーデマン・バッハ（ 「ドレスデンのバッハ」 ）：彼は最も才能のある即興演奏家であり、寵児とみなされていたが、かなり不安定な人生を送りました。

カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ（ 「ベルリン・バッハ」または「ハンブルク・バッハ」 ）：彼は「エンプフィントザムカイト」様式の最も重要な作曲家の一人となり、フリードリヒ大王の宮廷に仕えました。彼は父の遺産を最も強く受け継いだ人物でした。

ヨハン・クリストフ・フリードリヒ・バッハ（ 「ビュッケブルク・バッハ」 ）：彼は楽長として働き、むしろ古典的なスタイルに忠実であり続けました。

ヨハン・クリスティアン・バッハ（ 「ミラノのバッハ」または「ロンドンのバッハ」 ）：カトリックに改宗し、イタリア、後にイギリスに移住した。彼は数々の名作オペラを作曲し、若きヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトに大きな影響を与えた。

4. 「バッハ・アーカイブ」

バッハ家は、その伝統を深く認識していました。ヨハン・セバスチャン自身が「音楽家バッハ家の起源」を編纂しました。これは手書きの記録で、53人の家族とその音楽家としての経歴を記録したものです。彼にとって、音楽は孤独な天才の作品ではなく、育み、受け継がれるべき家族の遺産でした。

バッハ一家は、いわば「音楽の生態系」でした。バッハという名を持つほぼ全員が楽器を演奏したり歌ったりすることができました。

作曲家との関係

ヨハン・セバスチャン・バッハは、生涯のほとんどを中央ドイツの比較的狭い範囲で過ごしましたが、孤立した泡の中で生きていたわけではありません。他の作曲家たちとの関係は、深い尊敬と専門的な交流によって特徴づけられていましたが、奇妙な偶然の出会いやライバル関係も見られました。

最も重要な直接接続は次のとおりです。

1. ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル：大いなる遭遇

音楽史における最も有名な逸話の一つです。バッハとヘンデルは同じ年（1685年）に生まれ、わずか130キロほどしか離れていません。バッハはヘンデルを深く尊敬しており、ヘンデルが故郷のハレを訪れていた際に、二度も直接会おうとしました。

最初は、彼らはたった一日だけ会えなかった。

二度目の訪問の際、バッハは既に病状が悪化し渡航が不可能だったため、息子のヴィルヘルム・フリーデマンを特使として派遣した。ヘンデルはバッハの関心にそれほど強く応えなかったようで（彼はロンドンで国際的なオペラ歌手として活躍していた）、バッハはライプツィヒでのコンサートのためにヘンデルの作品を自ら書き写した。

2. ゲオルグ・フィリップ・テレマン:尊敬する友人

生前、バッハよりもはるかに有名で成功していましたが、二人は互いに深い尊敬の念を抱いていました。

次男であるカール・フィリップ・エマヌエル（ 「フィリップ」という名前はここから来ている）の名付け親にもなった。

興味深いことに、ライプツィヒのトーマスカンターの職にテレマンが市議会の第一候補だったが、テレマンが辞退したため、バッハが「当面の解決策」として雇われた。

3. ディートリヒ・ブクステフーデ：偶像と指導者

1705年、若かったバッハは偉大なオルガン奏者ブクステフーデの演奏を聴くためにリューベックへの有名な旅に出ました。

バッハはブクステフーデの演奏と「夕べの音楽」に大変魅了されたため、当初4週間の滞在の予定が4か月に延びた。

ブクステフーデの後任として聖マリア教会のオルガニストの職に就くという申し出さえありましたが、ブクステフーデの娘と結婚するという条件付きでした。バッハは丁重に辞退し、 （長年の不在に非常に苛立ちながらも）元の職に戻りました。

4. アントニオ・ヴィヴァルディ：遠くからの影響

バッハはヴィヴァルディと直接会ったことはなかったが、楽譜の研究を通じてヴィヴァルディの音楽と「直接的」な関係を築いた。

ワイマールで、バッハはヴィヴァルディのヴァイオリン協奏曲を数多く受け取りました。彼はイタリアの新しい形式主義の厳格さと活力に非常に感銘を受け、これらの作品の多くをチェンバロやオルガン用に編曲しました。

「模倣」（当時最高の学問形態）を通じて、バッハは自らのスタイルを根本的に近代化したと言えるでしょう。

5. ヤン・ディスマス・ゼレンカ：ドレスデンの同僚

ドレスデンのカトリック宮廷で働いていたボヘミアの作曲家ゼレンカを高く評価していた。

バッハがドレスデンを訪れた際、二人は何度か会った。バッハはゼレンカの複雑で、しばしば半音階的な教会音楽に深く感銘を受けていた。それは、バッハ自身の深みと対位法の基準を満たしていたからだ。二人は専門的な意見を交換し、バッハはゼレンカを優れた模範として弟子たちに推薦した。

ルイ・マルシャンとのライバル関係

バッハとフランスのスター作曲家マルシャンの関係は、どちらかというと競争的なものでした。1717年、ドレスデンで二人の直接対決が行われました。

非常に傲慢だと思われていたマルシャンは、前夜、バッハの練習をこっそり聞いてしまった。バッハの技巧に圧倒され、翌朝日の出前に駅馬車で逃走し、抵抗することなくバッハに屈服した。

バッハのネットワークは、彼が研究したアイドル、彼の子供たちに洗礼を施した友人、そして彼の才能から逃れたライバルたちで構成されていました。彼は同時代の人々の影響を吸収し、それを全く新しいものへと変貌させる「スポンジ」のような存在でした。

類似の作曲家

1. ヤン・ディスマス・ゼレンカ (1679–1745 ) – 「ボヘミアン・バッハ」

ゼレンカは、おそらくバッハの音楽言語に最も類似した作曲家であろう。彼はドレスデンで活動し、バッハから高く評価されていた。

類似点：バッハと同様に、ゼレンカは極めて複雑なポリフォニック構造と、大胆な半音階的和声を好みました。彼の音楽はしばしば陰鬱で、高度に凝縮され、知的な要求を突きつけるように響きます。バッハのロ短調ミサ曲を愛する人は、ゼレンカのミサ曲にも同様の精神的な深みを見出すでしょう。

2. ディートリヒ・ブクステフーデ（1637–1707 ） –模範となる人物

、若きバッハが何百キロも歩いて歩いた人でした。

類似点：この直接的な関係は、特にオルガン音楽において顕著です。ブクステフーデの幻想曲、意外性のある旋律（いわゆるスタイラス・ファンタスティックス）を用いる勇気、そしてフーガの巧みな演奏は、バッハの礎となりました。

3. ゲオルグ・フィリップ・テレマン (1681–1767) –生産的な友人

テレマンの音はバッハよりも心地よく「現代的」に聞こえることが多いが、重なり合う部分も大きい。

類似点：テレマンは、壮大な宗教音楽と精緻な器楽協奏曲において、同等の技術的完成度を達成しています。対位法のスタイルを熟知していましたが、より軽やかで優雅な効果を求めることが多かったようです。

4. ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル（1685–1759） –荘厳な同時代の

よりオペラ的で劇的なスタイルで作曲しましたが、彼らは後期バロック時代の「精神的兄弟」です。

類似点：（ 『メサイア』のような）大規模な合唱には、同じ建築的な力強さと、巧みに声を織り交ぜる能力が見られます。バッハは深みに潜り込む傾向があり、ヘンデルは外に向かって構築していく傾向がありましたが、どちらもバロックの技法を完全に習得していました。

5. ハインリヒ・シュッツ(1585–1672 ) –知的祖先

シュッツはバッハよりちょうど100年も前に生きていたが、精神的な親近感は明白である。

類似点：シュッツはドイツ教会音楽の「父」と称されています。彼は音楽修辞学、すなわち音楽を通して聖書のテキストを解釈する芸術の基礎を築き、後にバッハがその頂点を極めました。バッハの受難曲を愛する人々は、シュッツの受難曲の中に純粋で凝縮されたエッセンスを見出すでしょう。

6. マックス・レーガー（1873–1916 ） –バッハの復活者

時代を遡ると、バッハの精神を現代に最も強く伝えた人物はマックス・レーガーです。

類似点：レーガーは対位法とフーガに執着し、バッハの数学的な厳密さと後期ロマン主義の極端な調和を融合させました。彼自身、自身の作品はすべてバッハとの直接的な対峙であると述べています。

7. フェリックス・メンデルスゾーン・バルトルディ（1809–1847 ） –ロマン派の継承者

メンデルスゾーンは19世紀にバッハを発見しただけでなく、バッハの作風の弟子でもありました。

類似点：オラトリオ（聖パウロ、エリヤ）とオルガンソナタでは、バッハの音楽があらゆる音符に響き渡る。メンデルスゾーンは、厳格なフーガ形式をロマン派時代に復活させ、当時の新しい旋律様式と融合させた。

聴く際のアドバイス：バッハの複雑さを探求したいなら、ヤン・ディスマス・ゼレンカのレスポンソリーを聴いてみてください。この音楽がいかに「バッハ的」でありながらも独特であるかに驚かれることでしょう。

人間関係

1. 機器メーカー：技術交流

バッハは音のメカニズムに執着し、当時の最高の職人と直接接触しようとしました。

ゴットフリート・ジルバーマン（オルガンとピアノ製作者）：ジルバーマンとの関係において最も重要な人物の一つ。バッハはジルバーマンにとって最も厳しい批評家であり、最も重要なアドバイザーでもありました。ジルバーマンが最初の「ハンマークラヴィア」（フォルテピアノ）を製作した際、バッハはアクションの重さと高音の弱さを批判しました。ジルバーマンは長年改良に取り組み、ついにバッハは全面的な承認を与え、販売にも協力しました。

ヨハン・クリスティアン・ホフマン（リュートとヴァイオリン製作者）：ライプツィヒ出身の親友。バッハは彼にヴィオラ・ポンポーザ（大型ヴィオラ）など、新しいタイプの楽器の製作を依頼した。ホフマンはバッハを遺言執行者に任命しており、音楽家と職人の間に深い信頼関係があったことを物語っている。

2. コレギウム・ムジクム：学生とアマチュア

バッハは長年にわたり、ライプツィヒのツィンメルマン率いるコレギウム・ムジクムを率いていました。これは現代的な意味でのプロのオーケストラではなく、ライプツィヒ大学の学生と才能あるアマチュア音楽家たちによって構成された集団でした。

コーヒーハウスのくつろいだ雰囲気の中で、彼は厳格なトーマス学校よりもはるかに直接的で気楽な関係をこれらの若者たちと築きました。彼の世俗協奏曲の多くは、これらの若い音楽家のために特別に作曲されました。

3. 貴族：パトロンと雇用主

バッハと貴族たちとの関係は、深い感謝と外交的な駆け引きが混ざり合ったものだった。

アンハルト＝ケーニヒスブルク公レオポルド：これはおそらく彼の職業人生で最も幸せな関係だったでしょう。公自身も才能ある音楽家であり（ヴァイオリン、ヴィオラ・ダ・ガンバ、チェンバロを演奏しました）、バッハをまるで友人のように扱い、旅に連れて行き、バッハの子供の一人の名付け親でもありました。

フリードリヒ大王（プロイセン王） : 両者の関係はむしろ冷淡で敬意に満ちていた。1747年、バッハがポツダムを訪れた際、王は老師に挑んだ。バッハは従順な召使ではなく、 「謙虚な専門家」として応じ、 『音楽の捧げ物』の中で王の音楽上の謎を巧みに解き明かした。

4. トーマナー：教師と「父親代わり」

とトーマス学校の生徒である歌手たちとの関係は困難な場合が多かった。

彼は、才能のない、あるいは規律のない少年たちから、極めて難解なカンタータを歌える合唱団を育成しなければならなかった。手紙の中で彼は「音楽的才能のない」生徒たちについて痛烈に批判した。しかし、才能のある生徒も数人おり、彼は彼らを支援して、後に写字生や助手として彼のために働くようになった。

5. ライプツィヒ市議会議員：継続中の対立

彼とライプツィヒ市議会（彼の直属の上司）との関係は、ほぼ常に緊張状態にあった。

評議員たちはバッハを、職務（例えばラテン語の教育）を怠る強情な役人だと考えていた。一方、バッハは評議員たちを、自分の音楽の質を理解していない無知な官僚だと考えていた。彼は手紙の中で、評議員たちを「奇妙で音楽的に憎めない権威者」と呼んでいた。

6. ゴットフリート・ツィンメルマン：コーヒーハウスのオーナー

ツィンメルマンは、バッハの世俗音楽が演奏されるコーヒーハウスの所有者でした。彼はバッハに店を提供しただけでなく、バッハのコンサートの成功を確実なものにするために、巨大なチェンバロなどの新しい楽器にも投資しました。ツィンメルマンは、教会の外にあるブルジョア社会におけるバッハの活動において重要なパートナーでした。

バッハの社会的なネットワークは、職人的な精密さ、貴族的な寵愛、そしてブルジョワ階級の起業家精神が融合したものでした。彼は孤独な芸術家ではなく、オルガン製作者と常に技術的な議論を交わし、王子たちと音楽を奏で、市議会議員と給与について議論を交わすような人物でした。

重要なピアノ独奏曲

「ピアノ作品」について語るとき、現代のピアノ（グランドピアノ）が彼の時代に発明されたばかりだったことを忘れてはなりません。彼はこれらの作品をチェンバロまたはクラヴィコードのために作曲しましたが、今日ではすべてのピアニストにとって欠かせない中心的なレパートリーとなっています。

永遠に変えた鍵盤楽器による最も重要なソロ作品は次のとおりです。

1. 平均律クラヴィーア曲集（パートIとパートII）

これは、鍵盤音楽の歴史全体を通して、おそらく最も影響力のある作品と言えるでしょう。2つのコレクションから構成され、それぞれに長調と短調それぞれに1曲ずつ、計24曲のプレリュードとフーガが収録されています。

重要性: バッハは、新しいタイプの調律法 ( 「平均律」 ) により、すべてのキーで演奏しても音程が外れないことが証明されました。

「旧約聖書」とよく称される。瞑想的な静けさから数学的な厳密さまで、人間のあらゆる感情がここに表現されている。

2. ゴールドベルク変奏曲

もともとは眠れないカイザーリンク伯爵の夜を短くするために書かれたものですが、今ではソリストにとって最も難しい作品の一つとなっています。

構成: この作品は繊細な「アリア」で始まり、メロディーではなくベースの基礎を通して展開する 30 の変奏曲が続きます。

特別な特徴：バッハは3つの変奏曲すべてにカノンを組み込んでおり、各声部間の距離がどんどん大きくなっています。これは建築的な傑作であると同時に、高度な技巧を凝らした作品でもあります。

3. イタリア協奏曲

この作品でバッハは奇跡を成し遂げました。たった一つの鍵盤楽器でオーケストラ全体の音を模倣したのです。

様式：イタリア様式（ヴィヴァルディ）へのオマージュ。二段鍵盤のチェンバロで異なる音域を切り替えることで、バッハはソリストとフルオーケストラ（トゥッティ）の対比を生み出した。

4. イギリス組曲とフランス組曲

これらのコレクションは基本的に様式化されたダンスのシーケンスです(アレマンド、クーラント、サラバンド、ジーグ)。

フランス組曲: むしろ勇敢で叙情的で、やや明るい調子です。

イギリス組曲: より壮大で、通常は長い前奏曲で始まり、演奏者により高い技術的要求を課します。

5. 半音階的幻想曲とフーガ

これはバッハの「最もワイルドな」ピアノ作品です。まるでバロックのルールを一瞬でも無視したかのようです。

特徴：この幻想曲は、ドラマチックな連打、大胆なハーモニー、そしてまるでオペラの一場面を思わせるレチタティーヴォに満ちている。不協和音を恐れなかったバッハの偉大な即興演奏家ぶりを示している。

6. パルティータ（クラヴィーア練習曲第1部）

バッハはこれらの6つの組曲を「作品1 」として出版しました。これらはバロック舞曲組曲の最高峰と言えるでしょう。それぞれのパルティータは異なる形式（プレリュード、シンフォニア、トッカータなど）で始まり、深い憂鬱から溢れんばかりの生きる喜びまで、彼の表現力の幅広い範囲を示しています。

これらの作品がなぜ特別なのか

バッハのピアノ作品は、 「ジムと祈りが同時に行われている」ようなものです。指の独立性を訓練する（多くの場合、それぞれの手は同時に複数のパートを演奏する必要があるため）と同時に、複雑な構造を理解するための精神を刺激します。

重要な室内楽

バッハの室内楽作品には、個人的な献身と最高峰のヴィルトゥオーゾ演奏が魅惑的に融合しています。バッハ自身も優れたヴァイオリニストであり、ヴィオラ奏者でもあったため、彼はこれらの作品を「練習の積み重ね」で作曲することが多かったのです。才能豊かな息子たちのために、ヴィルトゥオーゾの友人たちのために、あるいはケーテン宮廷での自身の仕事のために。

以下は、今でもそのジャンルの金字塔とみなされている最も重要な室内楽作品です。

無伴奏ヴァイオリンのための6つのソナタとパルティータ（BWV 1001–1006 ）

これらの作品は、すべてのヴァイオリニストにとって「エベレスト」とも言えるでしょう。バッハはここで、実際にはメロディーしか演奏できない楽器に完全なポリフォニーを生み出すという、技術的奇跡を成し遂げました。

シャコンヌ：第2パルティータの中心となるのは、 15分以上に及ぶ変奏曲集で、音楽史において最も深遠な作品の一つとされています。ヨハネス・ブラームスはかつて、バッハはこの曲において、最も深い思考と最も力強い感情の世界全体を、たった一つのヴァイオリンに凝縮していると述べました。

2. 無伴奏チェロ組曲6曲（BWV 1007 –1012）

ヴァイオリン独奏曲がヴァイオリンにとってそうであるように、これらの組曲はチェロにとってそうである。長い間、これらは単なる「練習曲」とみなされていたが、20世紀になって（主にパブロ・カザルスによって）傑作として発見された。

特徴：各組曲は前奏曲で始まり、一連の舞曲が続きます。瞑想的な雰囲気を持つト長調の第1組曲から、元々は5弦楽器のために書かれた、極めて技術的に要求の厳しい第6組曲まで、幅広い楽曲が収録されています。

ヴァイオリンとチェンバロのためのソナタ（BWV 1014 –1019）

これら6つのソナタは当時としては革命的なものでした。通常、チェンバロはヴァイオリンに単純な和音（通奏低音）で伴奏するのみでした。

革新性：バッハはチェンバロの右手のパートを完全に書き下ろし、ヴァイオリンと完全に対等なパートナーとして演奏できるようにしました。演奏者がたった2人であるにもかかわらず、真のトリオ感覚が生み出されます。

4. ガンバ・ソナタ（BWV 1027 –1029）

バッハの時代には、ヴィオラ・ダ・ガンバは繊細でメランコリックな音色を持つ、既にやや時代遅れの楽器でした。バッハはこの音色を愛し、ガンバのカンタービレ（歌うような）性質と複雑なポリフォニーを完璧に融合させた3つのソナタを作曲しました。

5. 音楽の捧げ物（BWV 1079） –室内楽パート

この晩年の作品は、バッハがフリードリヒ大王を訪ねた後に作曲されました。フルート、ヴァイオリン、通奏低音のための大規模なトリオ・ソナタが含まれています。

背景：王自身が熱心なフルート奏者であったため、バッハはフルートを非常に洗練された方法で取り入れました。この作品は、プロイセン宮廷の勇敢なスタイルとバッハの厳格な学識が融合しています。

6.フルート・ソナタ

フルートのためのソナタを数多く残しました（チェンバロ付きや通奏低音付きなど）。ロ短調ソナタ（BWV 1030）は、その膨大な長さとほぼ交響曲的な密度から、バロック時代全体を通してこのジャンルで最も重要な作品とされています。

これらの作品に共通するもの

バッハの室内楽は決して単なる娯楽ではない。たとえ小規模なアンサンブルであっても、彼は建築者であり続ける。それぞれの声が互いに追いかけ合い、反射し合い、網を織り成すその音色は、聴き手がたった一人か二人の演奏家しか演奏していないことをしばしば忘れさせる。

重要な管弦楽曲

1. ブランデンブルク協奏曲（BWV 1046–1051 ）

、バロック管弦楽の最高峰とされています。バッハは1721年にブランデンブルク辺境伯に献呈しました。

これらの協奏曲の特別な点は、6曲それぞれが全く異なる楽器編成で演奏されていることです。バッハはここで、複数のソリストによる「コンチェルト・グロッソ」から純粋な弦楽アンサンブルまで、様々なソリストの編成で実験的な演奏を行っています。

ハイライト: 非常に高いジャズトランペットによる第 2 協奏曲、2 本のリコーダーによる第 4 協奏曲、そしてハープシコードが壮大なソロ カデンツァを演奏するため、史上初の本格的なピアノ協奏曲とみなされている第 5 協奏曲。

2. 4つの管弦楽組曲（BWV 1066 –1069）

当初これらの作品を「序曲」と呼んでいました。それぞれの作品は、壮大な導入楽章と一連のフランス舞曲（ガヴォット、ブーレ、ジーグなど）で構成されています。

組曲第2番ロ短調: フルートのための勇壮な曲で、有名な速い楽章「バディネリ」で終わります。

組曲第3番ニ長調：トランペットとティンパニによる祝祭的な作品。世界で最もよく知られ、平和な音楽の一つである「エア」が収録されています。

3. ヴァイオリン協奏曲（BWV 1041–1043 ）

バッハ自身も卓越したヴァイオリニストであり、それはこれらの作品にも顕著に表れています。イタリア調律とドイツの深みが融合しています。

ヴァイオリン協奏曲イ短調とホ長調: 明確な構成と叙情的なフレーズが印象的な、レパートリーの 2 つの古典曲。

のための二重協奏曲ニ短調：2つのソロヴァイオリンが、濃密で感情豊かな対話を繰り広げます。特に第2楽章は、バロック旋律作品の中でも最も美しい瞬間の一つとされています。

4. チェンバロ協奏曲（BWV 1052–1065 ）

、チェンバロ（ピアノの前身）をオーケストラの前に独奏楽器として配置した先駆者でした。

ヴァイオリン協奏曲またはオーボエ協奏曲の編曲です。ニ短調協奏曲（BWV 1052）は、その中でも最も力強く、技巧的な演奏が特徴です。

複数の協奏曲: バッハは、 2台、3台、さらには4台のチェンバロのための協奏曲も同時に作曲しました。これは、ライプツィヒのコーヒーハウスで才能ある息子たちと一緒に演奏するためだったことが多いです。

5. 三重協奏曲（BWV 1044）

フルート、ヴァイオリン、チェンバロという異例のソリスト陣による、後期作曲の壮大な協奏曲。極めて複雑で、バッハが様々な音色を緻密なタペストリーに織り交ぜる才能を如実に示している。

その他の重要な作品

器楽作品に加え、声楽曲とオルガン作品という広大な世界を創造し、それらが彼の作品の中核を成しています。これらの作品において、彼は深い宗教心と、今日まで比類のない作曲の記念碑的性質を融合させています。

これらの分野における最も重要な作品は次のとおりです。

1. 大いなる情熱

これらの記念碑的な作品は、福音書に基づくイエスの受難の物語を語り、ライプツィヒの聖金曜日の礼拝のために作曲されました。

マタイ受難曲：人類史上最高傑作の一つとされています。2つの合唱団と2つのオーケストラを擁するバッハは、通常の教会礼拝をはるかに超える、ドラマチックで感情豊かな音世界を創り出しています。

ヨハネ受難曲：この作品は、より短く、より劇的で、ほとんどオペラ的で攻撃的な構成をしています。圧倒的なリズムのエネルギーと心を掴む合唱で、観客を魅了します。

2. クリスマス・オラトリオ

これは実際には、クリスマスから公現祭までの祝祭のために書かれた6曲のカンタータ・シリーズです。冒頭の陽気なティンパニのロールと輝かしいトランペット（「喜びなさい、楽しもう！」）が特徴で、多くの人々にとってクリスマス音楽の真髄となっています。

3. ロ短調ミサ曲

これはバッハの音楽的遺産です。彼は数十年をかけてこの作品に取り組み、死の直前にようやく完成しました。バッハはルター派でしたが、カトリックのミサのラテン語テキスト全体をここに作曲しました。この作品はあまりにも包括的で複雑なため、バッハの生前に全曲演奏されることはありませんでした。多声合唱音楽の最高峰とされています。

4. カンタータ作品

バッハは200曲以上の教会カンタータを作曲しました（元々はおそらく300曲以上あったでしょう）。彼は毎週、日曜礼拝のために新しい作品を演奏しなければなりませんでした。

最も有名なのは、 「Wachet auf, ruft uns die Stimme」（有名なテノールコラール付き）と、世界的に有名なコラール「Jesus bleibet meine Freude」を含む「Herz und Mund und Tat und Leben」です。

彼はまた、当時流行していたコーヒーを飲む習慣を扱ったユーモラスな「コーヒー・カンタータ」や「農民カンタータ」などの世俗的なカンタータも作曲しました。

5. 素晴らしいオルガン作品

オルガンはバッハにとってまさに「家庭の楽器」でした。ここで彼は比類なき音の建築家としての才能を発揮しています。

トッカータとフーガ ニ短調:ドラマチックな始まりから、おそらく世界で最も有名なオルガン曲です。

ペダルで繰り返されるテーマの独創的な変奏曲。

楽譜」などのコレクションでは、バッハは有名な賛美歌を巧みに音楽に作曲し、メロディーを対声部の密なネットワークに織り込んでいます。

6. マニフィカト

音楽化した、聖歌隊と管弦楽のためのニ長調の輝かしく祝祭的な作品。バッハの数少ないラテン語作品の一つであり、その簡潔さと圧倒的な輝きで魅了します。

7. モテット

これらの作品は主に声楽曲で構成されており（「主よ、我が喜びよ」など）、バッハが伴奏楽器を伴わない声楽作品の作曲において卓越した才能を発揮したことを示しています。合唱団が歌える楽曲の中でも最も難しい作品の一つです。

これらの作品は「精神的なバッハ」を体現しています。彼の器楽作品は遊び心があり数学的な側面が多いのに対し、これらの声楽作品とオルガン作品は、言葉では言い表せない神聖な響きを表現しています。

逸話と興味深い事実

刑務所での滞在

バッハはただの雇われ人ではありませんでした。1717年、ワイマールの職を辞してケーテン侯爵に服従しようとした際、ザクセン＝ワイマール公爵は釈放を拒否しました。バッハは執拗かつ頑固に抗議したため、公爵は4週間の禁固刑に処しました。しかし、バッハは獄中での時間を有意義に過ごし、そこで『オルガン小譜』の一部を執筆したと言われています。

起こらなかった決闘

「音楽の頂上決戦」が開かれることになりました。バッハとフランスのスター作曲家ルイ・マルシャンが対決するのです。この対決のニュースは瞬く間に広まりました。しかし、決闘前夜、マルシャンはバッハの練習を密かに聞き、バッハの卓越した技術に感銘を受け、翌朝の日の出とともに駅馬車で逃亡しました。バッハは独奏で、聴衆を熱狂させました。

音楽のための行進

若きバッハは、偉大なオルガン奏者ディートリヒ・ブクステフーデの演奏に熱中し、 1705年の冬にはアルンシュタットからリューベックまで約400キロメートルを徒歩で旅しました。この旅のために4週間の休暇を取っていたにもかかわらず、4ヶ月間滞在しました。アルンシュタットの雇い主は、帰国後の休暇延長という異例の事態に全く満足しませんでした。

バッハとコーヒー

バッハは当時流行していたコーヒーの大ファンでした。ライプツィヒでは、ツィンメルマンのコーヒーハウスで多くの時間を過ごしました。当時、コーヒーは健康に良くない、あるいは女性にはふさわしくないという批判が多かったため、バッハはコーヒーを擁護するためにユーモラスな「コーヒー・カンタータ」を作曲しました。その中で、若い女性がこう歌います。 「ああ！コーヒーのなんと甘い味でしょう。千のキスよりも美しく、マスカットワインよりもまろやかに。 」

好戦的なカンター

ライプツィヒでは、バッハは市議会や校長と絶えず衝突していました。ある時、才能のない生徒を監督（副合唱指揮者）に任命することをバッハが拒否したため、校庭で乱闘騒ぎになりかけたことがありました。バッハは、音程を外して演奏する音楽家に怒りのあまりかつらを脱ぎ捨て、 「笛吹きかフルート吹き」と罵倒することで知られていました。

（この記事は、Googleの大規模言語モデル（LLM）であるGeminiの協力を得て執筆されました。この記事は、まだ知らない音楽を発見するのに役立つ参考資料として作成されています。この記事の内容は完全に正確であることを保証するものではありません。信頼できる情報源で情報をご確認の上、ご参照ください。）

Best Classical Recordings
on YouTube

Best Classical Recordings
on Spotify

Översikt

Johann Sebastian Bach (1685–1750 ) anses vara en av musikhistoriens viktigaste kompositörer. Hans verk representerar barockens höjdpunkt och har påverkat västerländsk musiktradition som nästan ingen annan.

Här är en kortfattad översikt över hans liv, hans arbete och hans betydelse:

1. Liv och stadier

Bach kom från en stor, utökad musikerfamilj i Thüringen . Under hela sitt liv var han en musikalisk “hantverkare” och innehade olika positioner :

Tidiga år: Han föddes i Eisenach, blev tidigt föräldralös och utbildades av sin bror i Ohrdruf.

Arnstadt & Mühlhausen (1703–1708 ) : Första utnämningarna som organist. Här etablerade han sig som en virtuos instrumentalist.

Weimar (1708 – 1717): Som hovorganist och konsertmästare skrev han många av sina berömda orgelverk .

Köthen (1717–1723 ) : Som kapellmästare vid prins Leopolds hov koncentrerade han sig på instrumentalmusik (t.ex. Brandenburgkonserterna), eftersom hovet reformerades och inte längre behövde överdådig kyrkomusik.

Leipzig (1723–1750 ) : Som Thomaskantor var han ansvarig för musiken i stadens största kyrkor. Hans monumentala religiösa verk skapades under denna tid .

2. Det musikaliska verket

Bachs verk omfattar nästan alla genrer från sin tid – med ett framträdande undantag: opera. Hans musik kännetecknas av otrolig matematisk precision ( kontrapunkt) i kombination med djup känslomässighet .

Sakral musik: Över 200 kantater, Matteuspassionen , Johannespassionen, Juloratoriet och Mässan i h-moll.

Klavermusik: Det vältempererade klavieret (en milstolpe inom musikteori), Goldbergvariationerna och den berömda Toccatan och fugan i d-moll.

Orkestermusik: De sex Brandenburgkonserterna och orkestersviterna (inklusive den berömda ” Air”).

3. Betydelse och konsekvenser

Under sin livstid värderades Bach främst som en begåvad orgelvirtuos ; hans kompositioner ansågs av många samtida vara alltför komplexa och “inlärda”.

Återupptäckt: Det var först på 1800-talet, till stor del genom Felix Mendelssohn Bartholdy ( uppförandet av Matteuspassionen 1829), som den världsomspännande “Bachrenässansen” började .

Inflytande: Kompositörer som Mozart och Beethoven studerade hans verk utförligt. Beethoven kallade honom vördnadsfullt : “Han borde kallas inte Bach, utan Meer .”

Innovation: Han fulländade fugan och kontrapunkten. Hans musik anses vara universell – den används idag inom jazz, pop och till och med elektronisk musik.

En liten sidoanteckning

Bach var gift två gånger (med Maria Barbara och Anna Magdalena) och hade totalt 20 barn, av vilka endast tio nådde vuxen ålder. Flera av hans söner ( som Carl Philipp Emanuel och Johann Christian) blev själva berömda kompositörer .

Historik

Berättelsen om Johann Sebastian Bach är berättelsen om en man som förstod musik inte bara som konst, utan som ett gudomligt hantverk . Hans liv präglades av djup tro, en nästan ofattbar arbetsmoral och en ständig kamp med sekulära auktoriteter .

De första lärlingsåren och förluster

Allt började i Eisenach, Thüringen , där Johann Sebastian föddes 1685 in i en dynasti av stadsmusikanter och hovmusikanter. Musik var lika naturligt för hans familj som dagligt bröd . Men det idylliska livet varade inte länge: vid bara tio års ålder blev han föräldralös. Han flyttade till Ohrdruf för att bo med sin äldre bror, som lärde honom spela piano. Det sägs att den unge Johann Sebastian i hemlighet kopierade musik i månskenet på natten, musik som hans bror faktiskt hade förbjudit honom att göra – ett tidigt tecken på hans omättliga kunskapstörst .

Jakten på ett geni

Som ung man flyttade Bach norrut till Lüneburg , där han arbetade som körsångare och tog tillfället i akt att träffa de stora nordtyska orgelmästarna som Buxtehude. Det sägs att han gick hundratals kilometer tillbaka till Buxtehudes hem bara för att höra honom spela . Hans första position som organist i Arnstadt var dock inte utan utmaningar: han var egensinnig, överväldigade församlingen med sina ” främmande klanger ” och hamnade till och med i ett fysiskt bråk med en obegåvad fagottist.

År av uppgång och hårda slag

Bachs väg ledde honom via Mühlhausen till Weimar, där han firade sina första stora framgångar som hovorganist och konsertmästare. Här började han sammansmälta den matematiska stringensen i tysk musik med den italienska lättheten (till exempel hos Vivaldi) .

Men Bach var ingen vanlig anställd. När han ville säga upp sig i Weimar för att ta en bättre position i Köthen , lät hertigen summariskt fängsla honom i fyra veckor för ” envishet ” . I Köthen upplevde han äntligen en guldålder under en musikälskande prins . Det var här han komponerade Brandenburgkonserterna. Men ödet slog till igen: när han återvände från en resa fann han sin fru, Maria Barbara, död och redan begravd. I detta mörker fann han tröst i sin musik och gifte sig senare med sångerskan Anna Magdalena , som inte bara blev hans partner utan också ett viktigt konstnärligt stöd .

Thomaskantor i Leipzig

den sista och längsta fasen av sitt liv i Leipzig. Från 1723 var han Thomaskantor – en position som ofta frustrerade honom, eftersom han ständigt var tvungen att argumentera med stadsfullmäktige om finansiering och kvaliteten på sina sångare . Ändå var detta tiden för hans monumentala skapelser : vecka efter vecka komponerade han en ny kantat, skapade den monumentala Matteuspassionen och mässan i h-moll.

Under sina senare år drog sig Bach alltmer tillbaka till en abstrakt musikvärld . Han experimenterade med komplexa fugor och kontrapunkt som nästan verkade som matematiska pussel . När han dog nästan blind år 1750 efter en misslyckad ögonoperation ansågs hans stil redan vara föråldrad och alltför komplicerad av många. Han begravdes i en enkel grav som länge var bortglömd.

Det var först nästan 80 år senare som världen skulle inse att denne thüringer kantor inte bara var en lokal kyrkomusiker, utan en ljudarkitekt vars verk fortfarande anses vara grunden för västerländsk musik.

Kronologisk historia

Barndom och tidig utbildning (1685–1703 )

Berättelsen börjar i Eisenach år 1685. Efter sina föräldrars tidiga död flyttade den tioårige Johann Sebastian till Ohrdruf år 1695 för att bo med sin äldre bror, som lärde honom spela piano. Vid 15 års ålder vågade han sig norrut: Från 1700 till 1702 gick han på Michaelisschule i Lüneburg , där han sjöng i kören och blev bekant med nordtysk orgelmusik.

Första utnämningar: Arnstadt och Mühlhausen (1703–1708 )

Efter ett kort uppehåll i Weimar tillträdde han sin första betydande tjänst som organist i Arnstadt år 1703. Denna period blev känd för hans vandring till Lübeck för att besöka Buxtehude år 1705. Kort därefter , år 1707, flyttade han till Mühlhausen och gifte sig med sin kusin Maria Barbara samma år. Han började dock snart söka större konstnärliga möjligheter .

Weimaråren (1708–1717 )

I Weimar tjänstgjorde Bach som hovorganist i nästan ett decennium och senare som konsertmästare. Här finslipade han sitt orgelspel och började regelbundet komponera kantater. Slutet på denna epok blev dramatiskt: År 1717 tillbringade han flera veckor i husarrest och försökte tvinga fram sin avfärd, innan han slutligen fick tillstånd att lämna.

Instrumentalmusikens blomning i Köthen ( 1717–1723 )

I Köthen fann Bach ideala förhållanden som kapellmästare vid prins Leopolds hov, även om det inte fanns någon kyrkorgel. Därför komponerade han främst sekulära mästerverk där, såsom Brandenburgkonserterna (1721). Privat präglades denna period av ytterligheter : hans fru Maria Barbaras plötsliga död (1720) följdes ett år senare av hans äktenskap med sångerskan Anna Magdalena.

Den stora finalen: Thomaskantoratet i Leipzig (1723–1750 )

Från och med 1723 gick Bachs liv i Leipzig in i sitt sista kapitel. Som Thomaskantor ansvarade han för musiken i stadens kyrkor och skapade, i en exempellös ansträngning, sina stora cykler av kyrkokantater samt den monumentala Matteuspassionen ( 1727). På 1730 – talet tog han också över ledningen av Collegium Musicum och riktade sin uppmärksamhet mer intensivt mot instrumentalmusik.

Under sina sista år, från omkring 1740 och framåt, drog sig Bach tillbaka in i musikalisk forskning och arbetade med verk som Fugans konst. Efter en misslyckad ögonoperation dog han slutligen den 28 juli 1750 i Leipzig.

Stil(er), rörelse ( r) och musikperiod(er)

Johann Sebastian Bach är den sena barockens centrala figur. Hans stil är en unik syntes, bäst beskriven som en blandning av den högsta matematiska ordningen och de djupaste mänskliga känslorna .

Här är en klassificering av hans musik i relation till tidsanda, innovation och tradition:

Eran och stilen

Bach levde och verkade under barockperioden (ca 1600–1750 ) , närmare bestämt under hög- och senbarocken . Hans verk anses idag vara den absoluta höjdpunkten av denna era.

Kontrapunkt: Hans viktigaste stilistiska grepp var polyfoni, det vill säga den lika statusen för flera oberoende melodiska röster. Ingen behärskade fugans konst och ” lärde sig” kontrapunkt som han.

Läran om tillgivenhet: Som var typiskt för barockperioden var musik avsedd att framkalla specifika känslotillstånd ( affekter ) hos lyssnaren . Bach använde ett precist symbolspråk för detta ändamål (t.ex. fallande stigande linjer för sorg ).

En sammansmältning av nationer: Han kombinerade den tyska polyfoniska traditionen med den italienska lättheten (Vivaldi) och den franska ornamentiken .

Var hans musik gammal eller ny?

Svaret är en paradox: hon var båda samtidigt.

Traditionell och ” gammaldags ” : Mot slutet av sitt liv (runt 1740/50) ansågs Bachs musik vara föråldrad av många av hans samtida. Upplysningstidens nya anda krävde den ” galanta stilen” – musiken skulle vara enkel, behaglig och lättförståelig . Bach förblev dock trogen den strikta, komplexa polyfonin. Kritiker som Johann Adolph Scheibe anklagade honom för att göra sin musik för ” bombastisk ” och onaturlig på grund av dess enorma komplexitet .

Innovativ och radikal: Även om han formellt höll fast vid gamla strukturer, var han en rebell i sitt tillvägagångssätt. Hans harmonilära (sättet han kopplade ihop ackord) var långt före sin tid. Han använde kromatik och dissonans på ett sätt som inte förstods helt igen förrän på 1800-talet. Hans verk, Det vältempererade klavieret, var en teknisk revolution, eftersom det bevisade att man kunde spela lika bra i alla tonarter – en hörnsten i modern västerländsk musik.

Slutsats: Måttlig eller radikal?

Bach var inte en ” förstörare ” av gamla former (som kanske Schönberg senare ) , utan en fulländare. Han tog allt som existerade före honom och drev det till den absoluta höjdpunkten av perfektion.

Hans radikalism låg inte i att bryta med traditionen, utan i djupet av hans utarbetning. Medan andra kompositörer polerade ytan, fördjupade Bach sig så djupt i harmonins lagar att hans musik fortfarande låter modern och “fräsch” idag , medan många av hans då ” mer moderna ” samtida sedan länge har glömts bort.

Musikgenrer

Johann Sebastian Bach var en sann universalkonstnär för sin tid. Han behärskade nästan alla musikgenrer som existerade vid den tiden med en perfektion som ofta betraktas som både slutet och höjdpunkten av en musikalisk era . Han undvek medvetet opera – ett medvetet beslut, eftersom han fokuserade på andra områden som kyrkomusiker och hovkapellmästare.

Hans arbete kan grovt sett delas in i tre huvudområden:

1. Sakral vokalmusik

Som Thomaskantor i Leipzig var detta hans dagliga bröd . Bach skapade musik för gudstjänster som var avsedd att göra tron till en påtaglig upplevelse genom ljud.

Kantater: Med över 200 bevarade verk utgör de kärnan i hans konstnärskap. Han skrev dem ofta varje vecka till söndagsgudstjänster .

Passioner och oratorier: Monumentala verk som Matteuspassionen eller Juloratoriet, som berättar bibliska berättelser dramatiskt och känslomässigt .

Mässor och motetter: Hans mässa i h-moll anses vara ett av mänsklighetens viktigaste sakrala verk, där han tonsatte de strikta latinska texterna med barockprakt.

2. Instrumental- och orkestermusik

Under sina år vid hoven ( särskilt i Köthen ) koncentrerade sig Bach på musik för ensembler och soloinstrument.

Konserter: Han vidareutvecklade concerto grosso, där en grupp solister tävlar mot orkestern (t.ex. Brandenburgkonserterna). Han anses också vara uppfinnaren av den moderna pianokonserten .

Sviter och partitor: Dessa genrer är baserade på stiliserade dansrytmer (som allemande, courante eller gigue). Bach skrev dem för orkester , men även för soloinstrument som cello eller violin.

Kammarmusik: Sonater för olika instrument, ofta ackompanjerade av cembalo eller basso continuo.

3. Musik för klaverinstrument

Bach var känd som sin tids bästa organist. Hans klavermusik tjänade både som pedagogisk utbildning och som konstnärligt uttryck .

Orgelmusik: Preludier , fugor, toccator och koralpreludier. Här är hans mästerskap av “instrumentens drottning ” tydlig.

Pianomusik: Verk som Det vältempererade klavieret eller Goldbergvariationerna är milstolpar i musikhistorien. De täcker hela spektrumet från tekniska övningar till mycket komplex , nästan matematisk konst.

“De lärdes” sena verken

Mot slutet av sitt liv vände sig Bach till genrer som nästan kunde beskrivas som “ren musikvetenskap” . I Fugans konst och Det musikaliska offer utforskade han gränserna för polyfoni och kontrapunkt utan att vara bunden till ett specifikt instrument.

Musikens egenskaper

Johann Sebastian Bachs musik kännetecknas av en komplexitet och teknisk perfektion som skiljer den från nästan allt annat i musikhistorien. När man lyssnar på hans verk möter man en ljudarkitektur som samtidigt är rigoröst logisk och djupt andlig.

Här är de viktigaste dragen som definierar hans stil:

1. Polyfonins och kontrapunktens konst

Bachs mest utmärkande drag är polyfoni. Till skillnad från homofoni (där en melodi ackompanjeras av ackord) är alla röster – oavsett om de är sopran, alt, tenor eller bas – absolut lika hos Bach.

Kontrapunkten: Bach var den obestridda mästaren på att väva samman olika melodier på ett sådant sätt att de blir meningsfulla oberoende av varandra, men tillsammans bildar en harmonisk helhet .

Fugan: I denna form nådde Bachs mästerskap sin höjdpunkt . Ett tema bärs genom alla röster , vandrande, speglad eller utsträckt, medan de andra rösterna konstfullt förskönar det.

2. Harmonisk densitet och kromaticitet

Även om Bach var djupt rotad i barockmusiken, gick hans harmonilära långt utöver vad som var brukligt på den tiden.

Han använde ofta kromatik (användningen av halvtoner utanför grundskalan) för att skapa spänning och friktion.

Hans musik innehåller ofta överraskande ackordbyten och dissonanser som först får sin fulla känslomässiga effekt i upplösningsögonblicket . Detta ger hans musik en modernitet som i hög grad påverkade senare kompositörer som Chopin och Wagner.

3. Matematisk precision och symbolik

Bachs musik jämförs ofta med matematik. Han älskade symmetrier, talspel och symboler.

Talsymbolik: Bach införlivade ofta numeriska samband i sin musik som hade religiösa betydelser (t.ex. siffran 3 för treenigheten ) .

Musikalisk retorik: Han använde ” figurer ” för att tolka texter. En korssymbol i musiknotationen stod för Kristi lidande, en nedåtgående linje för död eller begravning.

Arkitektur: Hans verk är byggda som katedraler – varje detalj är noggrant planerad för att stödja helheten.

rytmiska vitaliteten ( ” Drift ” )

Trots den intellektuella tyngden i många av Bachs verk, besitter hans musik en enorm rytmisk energi.

Många av hans verk är baserade på barocka dansrytmer (som gigue eller sarabande).

En kontinuerlig, pulserande rytm (ofta beskriven som ” motorisk”) löper genom hans instrumentala verk, vilket ger dem en oemotståndlig framåtriktad fart.

5. Kombinera teknologi och känsla

Det är en utbredd missuppfattning att Bachs musik är ” torr matematik ” . Dess verkliga hemlighet ligger i det faktum att kontrapunktens strikta regler aldrig blir ett mål i sig.

Tekniken tjänar alltid affekten (uttrycket av en känsla ) . Vare sig det är den jublande glädjen i Magnificat eller den djupa förtvivlan i Matteuspassionen – ger den matematiska ordningen känslan ett ramverk som gör den desto kraftfullare.

egenskap : Motsatsernas enhet
Bachs musik förenar det som faktiskt verkar motsägelsefullt : den är mycket komplex men ändå fängslande , rigoröst konstruerad men full av fantasi, djupt religiös men ändå universellt mänsklig.

Effekter och influenser

Johann Sebastian Bachs inverkan på musikhistorien är så fundamental att han ofta kallas för “grundläggaren ” eller ” grunden ” för västerländsk musik. Även om han under sin livstid ansågs vara mer en lokal orgelvirtuos än en banbrytande kompositör, formade hans arv djupt de följande århundradena.

1. Inflytande på klassicism och romantik

Efter Bachs död 1750 hamnade hans verk inledningsvis i bakgrunden, men för de stora mästarna under den följande perioden förblev det den viktigaste studiekällan:

Mozart och Beethoven: Båda studerade Bachs kontrapunkt intensivt. Beethoven kallade honom vördnadsfullt för ” harmonins fader ” och sa: ” Han borde inte kallas Bach, utan Meer ” ( Ocean ) , på grund av hans outtömliga rikedom.

Bachrenässansen: År 1829 framförde Felix Mendelssohn Bartholdy Matteuspassionen i Berlin för första gången sedan Bachs död. Denna händelse väckte entusiasm världen över och räddade slutligen Bachs musik från glömska.

Brahms och Wagner: För Brahms var Bach hans dagliga intellektuella näring; han sade: ” Studera Bach! Där finner du allt. ”

2. Grunden för musikteori

Bach standardiserade musikens ” språk”. Hans verk, Das wohltemperierte Klavier, bevisade att klaverinstrument kunde spelas i alla 24 tonarter om de stämdes på ett specifikt sätt. Detta är grunden för nästan all västerländsk musik – från klassisk till jazz till pop. Varje professionell musiker idag lär sig fortfarande sitt hantverk genom att studera Bachs fugor och koraler .

3. Inflytande på jazz, rock och pop

Bachs musik är, tack vare sin matematiska struktur och harmoniska logik, tidlös och lämpar sig perfekt för bearbetning:

Jazz: Improvisationsfriheten över en fast basgrund (basso continuo) finns i jazzen. Musiker som Jacques Loussier eller Keith Jarrett har översatt Bach direkt till jazzkontexten .

Pop & Rock: Många hits använder Bachs harmonier eller melodier. Ett känt exempel är låten ” A Whiter Shade of Pale ” av Procol Harum, som är starkt inspirerad av “The Air “, eller Beatles, som ofta hämtade inspiration från Bachs komplexa sång .

Filmmusik: På grund av sitt enorma känslomässiga djup används hans musik ofta i filmer för att understryka existentiella ögonblick (sorg, sublimitet, galenskap).

4. Kulturell och andlig påverkan

Bach anses vara den ” femte evangelisten ” . Hans förmåga att översätta komplext teologiskt innehåll till musik har lett till att hans heliga verk (som Passionsorden) värderas världen över idag – oavsett konfession – som höjdpunkter av mänskligt uttryck . Hans musik uppfattas ofta som ” kosmisk” , vilket är anledningen till att hans verk skickades ut i rymden på Voyager Golden Records för att representera mänskligheten .

Bachs inflytande är så stort att musikhistorien ofta delas in i perioderna ” före Bach” och ” efter Bach”. Han avslutade inte bara barockmusiken, utan höjde den också till en nivå av perfektion som fortfarande är oöverträffad än idag.

Andra musikaliska aktiviteter än komponerande

1. Den berömda virtuosen (orgel och cembalo)

Under sin livstid ansågs Bach främst vara en av de bästa organisterna och cembalisterna i världen.

Improvisation: Hans förmåga att spontant utveckla komplexa fugor över ett givet tema förvånade hans samtida.

Konsertturnéer: Han reste ofta för att inviga orglar eller för att tävla i musiktävlingar med andra storheter (känd är den misslyckade duellen med fransmannen Louis Marchand, som flydde från Bachs spel).

och värderingsman inom orgelbyggnad

Bach skulle nästan kunna beskrivas som 1700-talets ” ljudtekniker “. Han hade en djupgående teknisk förståelse för konstruktionen av klaviaturinstrument .

Orgelinspektioner: Städer och kyrkor anlitade honom regelbundet som expert för att inspektera nybyggda eller reparerade orglar . Han undersökte blåsaggregatet, mekaniken och tondispositionen (valet av register).

Innovationer: Han var intresserad av vidareutveckling av instrument. Han gav drivkraften för att förbättra mekaniken hos det tidiga fortepianot (föregångaren till pianot) och var en förespråkare för vältempererad stämning.

3. Musikpedagoger och lärare

Bach tillbringade en stor del av sin tid med att undervisa.

Thomasschule: I Leipzig undervisade han Thomanern inte bara i musik, utan även i latin i teorin (även om han vanligtvis delegerade det senare till suppleanter mot betalning).

Privatstudent : Han utbildade ett flertal musiker, inklusive sina egna söner och berömda kompositörer som Johann Ludwig Krebs. Hans pedagogiska verk (som Inventions) tjänade till att lära eleverna både teknik och ” kompositionskonst ” .

4. Musikalisk ledare och chef (Collegium Musicum)

Förutom sina kyrkliga plikter dirigerade Bach Zimmermanns Collegium Musicum i Leipzig från 1729.

Detta var en studentensemble som gav veckovisa konserter på ett kafé. Bach agerade konsertorganisatör och dirigent, och organiserade och ledde borgerlig underhållningsmusik på högsta nivå.

5. Körledare och ensemblekoordinator

Som Thomaskantor var han ”musikalisk ledare ” för staden Leipzig.

Han var tvungen att samordna körerna för de fyra huvudkyrkorna, rekrytera musiker, leda repetitioner och se till att musiken flöt på smidigt varje söndag och helgdag. Han var ofta tvungen att brottas med obegåvade sångare eller otillräcklig finansiering från stadsfullmäktige.

Sammanfattning

Om Bach aldrig hade skrivit en enda not, skulle han fortfarande ha gått till historien som en teknisk expert på orgel och en enastående klavervirtuos. Hans liv var en ständig pendling mellan kyrkbänken, orgelbyggarens verkstad och dirigentpodiet.

Aktiviteter utöver musik

1. Familjeöverhuvud och “chef” för ett stort hushåll

Bach var far till totalt 20 barn från två äktenskap. Ett hushåll av denna storlek krävde enorma logistiska ansträngningar.

Uppfostran och utbildning: Han ägnade sig intensivt åt sina barns utbildning. Förutom musikundervisning övervakade han deras akademiska framsteg och såg till att hans söner gick på universitet .

Boende: Hans hus på Thomasschule i Leipzig inhyste inte bara hans barn, utan ofta även privata elever , släktingar och resande musiker. Bach agerade som värd och ansvarade för deras mat och logi .

2. Administrativ tjänsteman och utbildare

I sin roll som Thomaskantor var Bach en kommunanställd med många byråkratiska uppgifter:

Undervisningsuppgifter: Han var tvungen att undervisa på Thomasschule. Ursprungligen var han till och med skyldig att undervisa i latin. Han tyckte dock att detta var betungande och köpte sig ofta undan genom att betala en del av sin lön till en vikarie.

Tillsynsplikt: Som lärare var han även ansvarig för internatskoleelevernas (Thomaner) disciplin och allmänna välbefinnande , vilket ofta ledde till tvister med skolledningen och stadsfullmäktige .

3. Stridslysten förespråkare för rättigheter ( byråkrati )

Bach var känd för att vara extremt ihärdig och ibland envis när det gällde hans privilegier eller lön.

Klaganden : Han lade ner mycket tid på att skriva långa, formella klagomålsbrev till Leipzigs stadsfullmäktige eller kurfursten . Dessa gällde förlorade avgifter för bröllop , begravningar eller skolmåltidernas dåliga kvalitet .

Förhandlingar: Han var en skicklig förhandlare när det gällde att öppna upp ytterligare inkomstkällor eller erhålla titlar (som titeln “Hovkomponist” i Dresden) för att stärka sin sociala ställning i Leipzig .

4. Sällskaplighet och njutning

Även om han var en djupt religiös man var Bach allt annat än en asket.

Kaffehuskultur: I Leipzig var han stamgäst på Zimmermanns kafé. Kaffe var en ny, trendig lyxdryck på den tiden . Hans entusiasm för det gick så långt att han till och med tillägnade (musikaliska) Kaffekantaten åt drycken .

Kulinariska läckerheter: Bach uppskattade god mat och vin. Hans brev och berättelser visar att han tyckte om att beställa vin och upprätthöll ett gemytligt liv med vänner och kollegor.

5. Teologistudier

Bach ägde ett omfattande privatbibliotek bestående av över 80 volymer – en anmärkningsvärd samling för den tiden .

Läsning : De flesta av dessa böcker var inte partitur, utan teologiska verk, kommentarer till Bibeln och skrifter av Martin Luther. Han studerade dessa texter intensivt, kommenterade dem i marginalerna och använde dem som den intellektuella grunden för sin världsbild.

6. Småskaligt jordbruk

Liksom många stadsbor på hans tid ägde Bachs hushåll även en trädgårdsland. Det sägs att han skötte om skördarna och odlingen av dessa täpplor för att säkerställa att den stora familjen hade tillgång till färsk mat .

Sammanfattningsvis var Bach en man som var fast förankrad i det materiella livet: han kämpade för pengarna, uppfostrade ett stort antal barn, tyckte om att dricka kaffe och läsa teologisk litteratur.

Som spelare

När man betraktar Johann Sebastian Bach som en ” musiker” måste man föreställa sig en man vars fysiska koppling till sina instrument – särskilt orgeln och cembalo – verkade nästan övermänsklig . Han var inte en teoretiker som bara satt vid sitt skrivbord; han var en utövare, en artist och en veritabel ” högpresterande atlet” vid keyboarden.

Här är ett porträtt av Bach som musiker:

1. Orgelns “erövrare”

För Bach var orgeln inte bara ett instrument, utan en maskin som han kontrollerade med absolut precision.

Fötternas virtuositet : Samtida personer rapporterade med förvåning att Bach spelade melodier med fötterna på pedalerna med en hastighet och precision som andra knappt kunde uppnå med fingrarna. Han ” gick ” inte bara över pedalerna, han dansade praktiskt taget på dem.

Ljudregistrering: Han hade en nästan instinktiv känsla för mekaniken . När han provade en ny orgel sa han ofta: ” Först måste jag veta om den har bra lungor” – och gjorde allt för att pressa instrumentet till dess yttersta gränser.

2. Den magiska improvisatören

Bach som spelare var som mest imponerande när han spelade extemporan.

Han kunde höra ett tema som han inte kände till alls och omedelbart improvisera en komplex, fyrstämmig fuga över det .

För honom var ” spelandet ” ett intellektuellt spel: han utmanade sig själv att lösa matematiska pussel ljudmässigt i realtid . Det mest kända exemplet är Musikaliska offergåvan, som bygger på hans spontana förvandling av ett extremt svårt tema till en sexstämmig fuga inför Fredrik den store.

3. Den fysiska spelaren: styrka och precision

Hans spelstil skilde sig massivt från den ofta stela attityden på den tiden.

böjde fingrarna och aktivt använde tummen – något helt ovanligt på den tiden . Detta gav honom en flyt och ett tempo som verkade ” häxlikt” för hans samtida .

Uthållighet: En gudstjänst i Leipzig kunde vara i timmar. Bach, som musiker, var tvungen att ha en enorm fysisk uthållighet för att kunna upprätthålla de massiva ackorden och komplexa löpningarna utan att bli utmattad .

4. Multiinstrumentalisten

Även om han var känd som ” Orgelkungen ” var han också en utmärkt violinist och altviolinist .

Han gillade särskilt att spela viola mitt i orkestern eftersom det placerade honom ” mitt i harmonin” .

Hans förståelse som stråkspelare flödade direkt in i hans spelande av cembalo: han försökte få klaviaturinstrumenten att “sjunga “, vilket faktiskt är tekniskt omöjligt med ett plockat instrument som cembalo .

5. Den lekfulla tävlaren

Bach var medveten om sina förmågor och njöt av den lekfulla tävlingen.

När han hörde att ytterligare en virtuos var i stan sökte han jämförelse. Det var en blandning av sportslig ambition och yrkesstolthet.

Hans spel var ofta så komplext att kritiker beskrev det som ” för flitigt ” – ett tecken på att han som spelare inte skyggade för någon utmaning, även om den överväldigade publiken .

Musikalisk familj

Familjen Bach var ingen vanlig familj; det var en veritabel musikalisk dynasti vars like världshistorien aldrig skådat. I generationer var namnet ” Bach ” nästan synonymt med ordet ” musiker ” i Thüringen och Sachsen .

Man kan föreställa sig denna klan som ett långtgående nätverk där musikaliskt hantverk har förts vidare som ett värdefullt hemligt recept.

1. Förfäderna: Rötterna i Thüringer Wald

Redan generationer före Johann Sebastian var familjen djupt rotad i regionen.

Veit Bach (farfars farfar): Han var bagare och mjölnare som var tvungen att fly från Ungern. Det sägs att han till och med tog med sig sin ” Cithringen ” (en liten luta) till kvarnen och spelade på den till ljudet av kvarnstenar.

Stadsmusikanter och organister: Johann Sebastians far, Johann Ambrosius Bach, var stadsmusikant i Eisenach. Hans farbröder och kusiner innehade nästan alla viktiga musikaliska positioner i städer som Erfurt, Arnstadt och Gotha. Familjen träffades en gång om året för stora familjesammankomster, där de musicerade tillsammans och firade flitigt – ofta med humoristiska, improviserade sånger (quodlibets).

2. Hustrurna: Partners i anden

Bach var gift två gånger, och båda fruarna var djupt engagerade i hans musikaliska arbete:

Maria Barbara Bach (första fru): Hon var hans syssling och kom själv från en musikerfamilj. Hon förstod hans hantverk utan och innan.

Anna Magdalena Bach (andra hustru): Hon var en mycket begåvad professionell sångerska (sopran). Bach sammanställde den berömda anteckningsboken för Anna Magdalena Bach specifikt för henne . Hon gav honom betydande stöd genom att transkribera hans musik till rena kopior – deras handstil är så lika att forskare ibland har svårt att skilja mellan dem .

3. Sönerna : De “berömda ” i nästa generation

Bach hade totalt 20 barn, av vilka många dog unga . Fyra av hans söner blev dock själva kompositörer i världsklass, av vilka några var mer berömda under sin livstid än sin far.

Wilhelm Friedemann Bach ( ” Dresden-Bachen ” ): Han ansågs vara den mest begåvade improvisatören och favoritsonen, men levde ett ganska oroligt liv.

Carl Philipp Emanuel Bach ( ” Berlin-” eller ” Hamburg-Bachen ” ): Han blev en av de viktigaste kompositörerna inom Empfindsamkeit-stilen och tjänstgjorde vid Fredrik den stores hov. Han var den som starkast odlade sin fars arv .

Johann Christoph Friedrich Bach ( ” Bückeburg-Bachen ” ): Han arbetade som kapellmästare och förblev trogen den ganska klassiska stilen.

Johann Christian Bach ( ” milanesaren ” eller “london-bachen ” ): Han konverterade till katolicismen, flyttade till Italien och senare till England . Han skrev framgångsrika operor och hade ett enormt inflytande på den unge Wolfgang Amadeus Mozart.

4. “Bach-arkivet”

Familjen var mycket medveten om sitt arv. Johann Sebastian sammanställde själv ” Den musikaliska Bach-familjens ursprung”, en handskriven krönika där han dokumenterade 53 familjemedlemmar och deras musikaliska karriärer . För honom var musik inte ett ensamt genis verk, utan ett familjearv som måste vårdas och föras vidare.

Bachs familj var därför ett slags ” musikaliskt ekosystem ” . Nästan alla som bar namnet Bach kunde spela ett instrument eller sjunga.

Relationer med kompositörer

Johann Sebastian Bach levde inte i en isolerad bubbla, trots att han tillbringade nästan hela sitt liv inom en relativt liten radie i centrala Tyskland. Hans relationer med andra tonsättare präglades av djup beundran, professionellt utbyte, men också av märkliga närmöten och rivaliteter .

Här är de viktigaste direkta kopplingarna:

1. George Frideric Handel : Det stora nästan-mötet

Detta är en av de mest berömda anekdoterna i musikhistorien. Bach och Händel föddes samma år (1685), bara cirka 130 kilometer ifrån varandra. Bach beundrade Händel djupt och försökte två gånger träffa honom personligen när Händel besökte sin hemstad Halle.

Första gången missade de varandra med bara en dag.

Andra gången var Bach redan för sjuk för att resa och skickade sin son Wilhelm Friedemann som sitt sändebud. Händel verkar ha återgäldat intresset mindre starkt (han var en internationell operastjärna i London), medan Bach personligen kopierade Händels verk till sina konserter i Leipzig .

2. Georg Philipp Telemann: Den uppskattade vännen

berömd och framgångsrik än Bach under sin livstid , men de två hade stor professionell respekt för varandra.

Telemann blev till och med gudfar till Bachs näst äldste son, Carl Philipp Emanuel (därav namnet “Philipp ” ).

Intressant nog var Telemann kommunfullmäktiges förstahandsval för tjänsten som Thomaskantor i Leipzig – det var först när Telemann tackade nej som Bach anställdes som en ” no- prob ”.

3. Dietrich Buxtehude: Idolen och mentorn

Som ung man år 1705 företog Bach sin berömda resa till Lübeck för att lyssna till den store orgelmästaren Buxtehude .

Det som var planerat som en fyra veckor lång vistelse blev fyra månader, eftersom Bach var så fascinerad av Buxtehudes spel och hans ” kvällsmusik” .

erbjöds till och med tjänsten som organist i St. Mary’s kyrka, där han efterträdde Buxtehude – men bara på villkor att han gifte sig med Buxtehudes dotter. Bach avböjde artigt och återvände till sin post (mycket irriterad över sin långa frånvaro ) .

4. Antonio Vivaldi: Inflytandet från fjärran

Även om Bach aldrig träffade Vivaldi personligen , var hans relation till sin musik “direkt ” genom studiet av partituret.

I Weimar mottog Bach många av Vivaldis violinkonserter . Han var så entusiastisk över den nya italienska formella stringensen och energin att han transkriberade många av dessa verk för cembalo eller orgel.

Man skulle kunna säga att Bach genom denna ” kopiering” (som var den högsta studieformen vid den tiden ) radikalt moderniserade sin egen stil.

5. Jan Dismas Zelenka: Dresden-kollegan

Bach hade en hög uppfattning om den böhmiske kompositören Zelenka, som arbetade vid det katolska hovet i Dresden.

De två träffades flera gånger när Bach reste till Dresden. Bach beundrade Zelenkas komplexa, ofta kromatiska kyrkomusik mycket, eftersom den uppfyllde hans egna krav på djup och kontrapunkt. De utbytte professionella insikter, och Bach rekommenderade Zelenka till sina elever som en utmärkt förebild.

6. Rivaliteten med Louis Marchand

Bachs förhållande med den franske stjärnkompositören Marchand var mer av tävlingsinriktad karaktär. År 1717 skulle en direkt musikalisk tävling mellan de två äga rum i Dresden.

Marchand, som ansågs mycket arrogant, hörde i hemlighet Bach öva kvällen innan . Han blev så skrämd av Bachs virtuositet att han flydde med diligens före soluppgången nästa morgon och kapitulerade för Bach utan strid .

Bachs nätverk bestod således av idoler han studerade, vänner som döpte hans barn och rivaler som flydde från hans geni. Han var en ” svamp ” som absorberade influenser från sina samtida och förvandlade dem till något helt nytt .

Liknande kompositörer

1. Jan Dismas Zelenka (1679–1745 ) – Den ” bohemiske Bach ”

Zelenka är förmodligen den kompositör vars musikaliska språk är mest likt Bachs . Han verkade i Dresden och var högt ansedd av Bach .

Likhet : Liksom Bach älskade Zelenka extremt komplexa, polyfoniska strukturer och en mycket djärv, kromatisk harmoni. Hans musik låter ofta dyster , mycket koncentrerad och intellektuellt krävande. De som älskar Bachs mässa i h-moll kommer att finna ett liknande andligt djup i Zelenkas mässor .

2. Dietrich Buxtehude (1637–1707 ) – Förebilden

Buxtehude var mannen för vilken den unge Bach gick hundratals kilometer till fots.

Likhet : Det direkta förhållandet är särskilt tydligt inom orgelmusiken . Buxtehudes fantasi, hans mod att använda överraskande vändningar (den så kallade stylus phantasticus) och hans behärskning av fugan var grunden som Bach byggde på.

3. Georg Philipp Telemann (1681–1767) – Den produktive vännen

Även om Telemann ofta lät mer tilltalande och ” modern” än Bach, finns det stora överlappningar .

Likhet : I sina stora sakrala verk och sina utarbetade instrumentalkonserter uppnår Telemann en liknande nivå av teknisk perfektion. Han behärskade den kontrapunktiska stilen, men valde ofta en lättare, mer elegant effekt.

4. Georg Friedrich Händel (1685–1759) – Den majestätiska samtida

Även om Händel skrev i en betydligt mer operamässig och dramatisk stil, är de “bröder i anden” från den sena barockperioden .

Likhet : I de stora körerna ( som i Messias) finner man samma arkitektoniska kraft och förmåga att konstfullt sammanväva röster. Medan Bach tenderade att gå på djupet, byggde Händel utåt – men båda behärskade absolut barockhantverket.

5. Heinrich Schütz (1585–1672 ) – Den intellektuella förfadern

Schütz levde exakt 100 år före Bach, men det andliga släktskapet är påtagligt .

Likhet : Schütz anses vara den tyska kyrkomusikens ” fader”. Han lade grunden för musikalisk retorik – det vill säga konsten att tolka bibliska texter genom musik – som Bach senare kulminerade i . De som älskar Bachs passioner kommer att finna den rena, koncentrerade essensen i Schützs passioner .

6. Max Reger (1873–1916 ) – Bach-återupplivaren

Om vi hoppar till en senare period är Max Reger den som starkast förde Bachs anda in i modern tid.

Likhet : Reger var besatt av kontrapunkt och fugor. Han kombinerade Bachs matematiska stringens med den extrema harmonin i senromantiken . Han sa själv att vart och ett av hans verk var ett direkt engagemang med Bach.

7. Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847 ) – Den romantiske arvtagaren

Mendelssohn var inte bara Bachs upptäckare på 1800-talet, utan också hans stilistiska elev .

Likhet : I sina oratorier (Paulus, Elias) och sina orgelsonater kan Bach höras i varje ton. Mendelssohn räddade den strikta fugalformen för romantiken och kombinerade den med sin tids nya melodiska stil.

Mitt tips för lyssnandet : Om du söker efter Bachs komplexitet , lyssna på Jan Dismas Zelenkas responsorier. Du kommer att bli förvånad över hur ” bachsk” och ändå unik den här musiken låter.

Relationer

1. Instrumenttillverkarna: Tekniskt utbyte

Bach var besatt av ljudets mekanik. Han sökte direkt kontakt med sin tids bästa hantverkare:

Gottfried Silbermann (orgel- och pianobyggare): En av de viktigaste relationerna. Bach var Silbermanns hårdaste kritiker och viktigaste rådgivare. När Silbermann byggde sina första ” hammarklavier” (fortepianon) kritiserade Bach den tunga mekaniken och den svaga diskanten. Silbermann arbetade i åratal för att förbättra dem tills Bach slutligen gav sitt fulla godkännande och till och med hjälpte till att sälja instrumenten.

Johann Christian Hoffmann (lut- och violinbyggare): En nära vän från Leipzig. Bach beställde nya typer av instrument från honom, såsom viola pomposa (en stor viola). Hoffmann utsåg till och med Bach till testamentsexekutor, vilket visar det djupa förtroendet mellan musikern och hantverkaren.

2. Collegium Musicum: Studenter och amatörer

Under många år ledde Bach Zimmermanns Collegium Musicum i Leipzig. Detta var inte en professionell orkester i modern bemärkelse, utan en grupp studenter från Leipzigs universitet och begåvade amatörer.

kaféets avslappnade atmosfär odlade han en mycket mer direkt, mindre formell relation med dessa unga människor än i den strikta Thomasskolan. Många av hans sekulära konserter skrevs specifikt för dessa unga musiker.

3. Adelsmännen: Mecenater och arbetsgivare

Bachs förhållande till adeln var en blandning av djup tacksamhet och diplomatisk manövrering:

Prins Leopold av Anhalt-Königsbourg : Detta var förmodligen det lyckligaste förhållandet i hans yrkesliv. Prinsen var själv en begåvad musiker (han spelade violin, viola da gamba och cembalo). Han behandlade Bach nästan som en vän, tog honom med på hans resor och var gudfar till ett av sina barn.

Fredrik den store (kung av Preussen ) : Relationen var ganska avlägsen och respektfull. Under Bachs besök i Potsdam 1747 utmanade kungen den gamle mästaren. Bach reagerade inte som en undergiven tjänare , utan som en ” blygsam expert ” , och löste mästerligt kungens musikaliska gåtor i det musikaliska offergåtan .

4. Thomaner: Lärare och “ställföreträdande fäder”

Bachs relation med sina sångare , eleverna vid Thomasschule, var ofta svår.

Han var tvungen att forma en kör som kunde sjunga hans extremt svåra kantater från obegåvade eller odisciplinerade pojkar. I sina brev klagade han bittert över de ” omusikaliska” eleverna . Ändå fanns det några begåvade elever som han stödde och som senare arbetade för honom som kopister eller assistenter .

5. Leipzigs rådsledamöter: Pågående konflikt

Hans förhållande till Leipzigs stadsfullmäktige (hans direkta överordnade) präglades nästan ständigt av spänningar .

Rådsmedlemmarna såg Bach som en envis tjänsteman som försummade sina plikter (som att undervisa i latin). Bach såg dem i sin tur som okunniga byråkrater som inte hade någon förståelse för kvaliteten på hans musik. I brev kallade han dem en ” konstig och musikaliskt oälskvärd auktoritet ” .

6. Gottfried Zimmermann: Kaffehusägaren

Zimmermann ägde kaféet där Bachs profana musik framfördes. Han försåg inte bara Bach med lokalerna utan investerade också i nya instrument (som ett enormt cembalo) för att säkerställa Bachs konserters framgång. Zimmermann var en viktig partner i Bachs arbete inom den borgerliga offentligheten utanför kyrkan .

Bachs sociala nätverk var således en blandning av hantverksmässig precision , aristokratisk ynnest och borgerligt entreprenörskap. Han var inte en ensam konstnär , utan en man som ständigt diskuterade tekniska frågor med orgelbyggare, musicerade med prinsar och grälade med stadsfullmäktigeledamöter om sin lön.

Viktiga soloverk för piano

När vi talar om Bachs ” pianoverk ” måste vi komma ihåg att det moderna pianot (flygeln ) bara hade uppfunnits på hans tid. Han skrev dessa verk för cembalo eller klavikord, men idag tillhör de den oumbärliga kärnrepertoaren för varje pianist.

Här är de viktigaste soloverken för klaverinstrument som har förändrat musikhistorien för alltid :

1. Det vältempererade klavieret (del I och II)

Detta är utan tvekan det mest inflytelserika verket i hela klavermusikens historia. Det består av två samlingar, vardera innehållande 24 preludier och fugor – en för varje dur- och molltonart.

Betydelsen: Bach bevisade att en ny typ av stämning (den ” vältempererade ” ) möjliggör spel i alla tonarter utan att det låter felaktigt.

Karaktären: Den beskrivs ofta som pianisternas ” Gamla testamente”. Från meditativ lugn till matematisk noggrannhet representeras varje mänsklig känsla här.

2. Goldbergvariationerna

Ursprungligen skrivna för att förkorta den sömnlösa greve Keyserlings nätter , är de nu ett av de mest krävande verken för solister.

Struktur: Verket börjar med en delikat ”aria ” , följt av 30 variationer som utvecklas inte via melodin, utan via basfundamentet.

Ett särdrag: Bach införlivar en kanon i alla tre variationer, där avståndet mellan rösterna blir allt större – ett arkitektoniskt mästerverk som också är mycket virtuost .

3. De italienska konserterna

I detta verk åstadkommer Bach ett mirakel: han imiterar ljudet av en hel orkester på bara ett enda klaviaturinstrument.

Stil: Det är en hyllning till den italienska stilen (Vivaldi). Genom att växla mellan olika register på den tvåmanuella cembalon skapade Bach kontrasten mellan en solist och en full orkester (tutti).

4. De engelska och franska sviterna

Dessa samlingar är i grunden sekvenser av stiliserade danser ( Allemande, Courante, Sarabande, Gigue).

Franska sviter : De är ganska galanta, lyriska och något lättare i tonen.

Engelska sviter: De är mer monumentala, börjar vanligtvis med ett stort preludium och kräver mycket mer tekniskt av musikern.

5. Kromatisk fantasi och fuga

Detta är Bachs ” vildaste” pianoverk. Det verkar nästan som om han för ett ögonblick hade åsidosatt barockens regler .

Karaktär: Fantasin är full av dramatiska sekvenser , djärva harmonier och recitativ som nästan låter som en operascen. Den visar Bach som den store improvisatören som inte var rädd för dissonans.

6. Partitorna (Klavierübung del I)

Bach publicerade dessa sex sviter som sitt “Opus 1 ” . De representerar den absoluta höjdpunkten av barockdanssviten. Varje partita börjar med en annan form (preludium , sinfonia, toccata, etc.) och demonstrerar den enorma bredden av hans uttryckskraft – från djup melankoli till sprudlande livsglädje .

Varför dessa verk är så speciella

Bachs pianoverk är som ” ett gym och en bön på samma gång ” : de tränar fingrarnas självständighet (eftersom varje hand ofta måste spela flera stämmor samtidigt) och utmanar samtidigt sinnet att se igenom den komplexa strukturen.

Viktig kammarmusik

I Bachs kammarmusik möter vi en fascinerande blandning av privat hängivenhet och det yppersta virtuosa spelandet. Eftersom Bach själv var en utmärkt violinist och altviolinist skrev han ofta dessa verk ” från övning till övning ” – antingen för sina högt begåvade söner , för virtuosa vänner eller för sitt eget arbete vid Köthens hov .

Här är de viktigaste kammarmusikverken som fortfarande anses vara milstolpar inom sin genre:

1. Sex sonater och partitor för soloviolin (BWV 1001–1006 )

Dessa verk är ” Mount Everest ” för varje violinist. Bach åstadkommer här det tekniska miraklet att skapa fullständig polyfoni på ett instrument som egentligen bara kan spela en melodi .

Chaconnen: Kärnan i den andra partitan är en uppsättning variationer som varar över 15 minuter och anses vara ett av de mest djupsinniga verken i musikhistorien. Johannes Brahms sa en gång att Bach, i detta stycke , omfattar en hel värld av de djupaste tankarna och de mest kraftfulla känslorna på en enda violin .

2. Sex sviter för cello solo (BWV 1007–1012 )

Vad violinsolostyckena är för fiolen , är dessa sviter för cellon . Länge betraktades de bara som “övningsstycken ” tills de upptäcktes som mästerverk under 1900-talet (till stor del genom Pablo Casals).

Karaktär: Varje svit inleds med ett preludium , följt av en serie danser . De sträcker sig från den nästan meditativa första sviten i G-dur till den tekniskt extremt krävande sjätte sviten, som ursprungligen skrevs för ett femsträngat instrument .

3. Sonater för violin och cembalo (BWV 1014–1019 )

Dessa sex sonater var revolutionerande för sin tid . Normalt ackompanjerade cembalo fiolen endast med enkla ackord (bas continuo).

Innovation: Bach skrev ut högerhandsstämman på cembalo helt, så att instrumentet står som en absolut jämbördig partner till fiolen . En sann triokänsla skapas , trots att bara två musiker spelar.

4. Gambasonaterna (BWV 1027–1029 )

Viola da gamba var redan ett något gammalmodigt instrument på Bachs tid, med ett delikat, melankoliskt ljud. Bach älskade detta ljud och skrev tre sonater som perfekt kombinerar gambans cantabile (sångliga) kvalitet med komplex polyfoni .

5. Musikalisk offergåva (BWV 1079) – Kammarmusikstämmor

Detta sena verk komponerades efter Bachs besök hos Fredrik den store. Det innehåller en storskalig triosonat för flöjt , violin och basso continuo.

Bakgrund: Eftersom kungen själv var en passionerad flöjtist , integrerade Bach flöjten på ett mycket sofistikerat sätt. Verket kombinerar det preussiska hovets galanta stil med Bachs rigorösa vetenskap.

6. Flöjtsonater​

Bach lämnade efter sig ett antal sonater för flöjt ( några med cembalo, några med basso continuo) . Sonaten i h-moll (BWV 1030) anses vara det viktigaste verket inom denna genre under hela barockperioden, på grund av sin enorma längd och nästan symfoniska täthet.

Vad dessa verk har gemensamt

Bachs kammarmusik är aldrig bara underhållning. Även i små ensembler förblir han arkitekten: rösterna jagar varandra, speglar varandra och väver ett nät som ofta får lyssnaren att glömma att bara en eller två musiker är i arbete.

Viktiga orkesterverk

1. Brandenburgkonserterna (BWV 1046–1051 )

Dessa sex konserter anses vara höjdpunkterna inom barockens orkestermusik. Bach tillägnade dem markgreven av Brandenburg år 1721.

Det speciella med dem är att var och en av de sex konserterna har en helt annan instrumentation. Bach experimenterar här med olika grupper av solister (från ” Concerto Grosso ” med flera solister till rena stråkensembler).

Höjdpunkter: Den andra konserten med den extremt höga jazztrumpeten, den fjärde konserten med två blockflöjter och den femte konserten, som anses vara historiens första riktiga pianokonsert eftersom cembalo spelar en enorm solokadens.

2. De fyra orkestersviterna (BWV 1066–1069 )

kallade ursprungligen dessa verk för ” ouvertyrer ” . De består vart och ett av en magnifik inledande sats och en serie franska danser ( som Gavotte, Bourrée eller Gigue) .

Svit nr 2 i h-moll: Ett bravurstycke för flöjt , som avslutas med den berömda , snabba satsen ” Badinerie ” .

– dur: Ett festligt verk med trumpeter och pukor. Den innehåller den världsberömda ” Air ” , ett av de mest kända och fridfulla musikstyckena i världen.

3. Violinkonserterna (BWV 1041–1043 )

Bach själv var en framstående violinist, och detta är tydligt i dessa verk. De kombinerar italienskt temperament med tyskt djup.

Konsert för violin i a-moll och E-dur: Två klassiker i repertoaren, som imponerar med sin tydliga struktur och lyriska fraser .

Dubbelkonsert för två violiner i d-moll: Här flätas två solovioliner samman i en tät, mycket känslosam dialog. Särskilt andra satsen anses vara ett av de vackraste ögonblicken i barockens melodiska komponerande .

4. Cembalokonserterna (BWV 1052–1065 )

Bach var en pionjär när det gällde att placera cembalo (pianots föregångare) som soloinstrument framför orkestern .

Innovation: De flesta av dessa konserter är arrangemang av tidigare violin- eller oboekonserter. Konserten i d-moll (BWV 1052) är den mest kraftfulla och virtuosa bland dem.

Flera konserter: Bach skrev även konserter för två , tre eller till och med fyra cembalo samtidigt – ofta för att framföra dem tillsammans med sina begåvade söner på kaféer i Leipzig .

5. Trippelkonserten (BWV 1044)

En stor , sent komponerad konsert för den ovanliga gruppen solister: flöjt , violin och cembalo. Den är extremt komplex och visar Bachs förmåga att blanda olika klangfärger till en tät väv.

Andra viktiga verk

Förutom sina instrumentala verk skapade Bach ett brett universum av vokalmusik och orgelverk, vilka utgör kärnan i hans konstnärskap. I dessa verk kombinerar han sin djupa religiositet med en kompositorisk monumentalitet som fortfarande saknar motstycke än idag.

Här är de viktigaste verken från dessa områden:

1. De stora passionerna

Dessa monumentala verk berättar historien om Jesu lidande enligt evangelierna och komponerades för långfredagsgudstjänsterna i Leipzig.

Matteuspassionen : Den anses vara ett av de största mästerverken i mänsklighetens historia. Med två körer och två orkestrar skapar Bach en dramatisk och mycket känslosam ljudvärld som går långt bortom en vanlig gudstjänst .

Johannespassionen: Detta verk är kortare , mer dramatiskt och nästan operatiskt och aggressivt i sin struktur. Det fängslar med sin enorma rytmiska energi och gripande körer .

2. Juloratoriet

Det är egentligen en serie på sex kantater skrivna för högtiderna mellan jul och trettondagen. Med sitt jublande pukorull och sina lysande trumpeter i början (“Gläd er, var glada!”) förblir den för många själva sinnebilden av julmusik.

3. Mässan i h-moll

Detta är Bachs musikaliska arv . Han arbetade med det i årtionden och slutförde det bara kort före sin död. Trots att Bach var lutheran tonsatte han här hela den katolska mässans latinska text. Verket är så omfattande och komplext att det aldrig framfördes i sin helhet under Bachs livstid ; det anses vara höjdpunkten inom polyfonisk körmusik.

4. Kantatverket

Bach komponerade över 200 bevarade kyrkokantater (ursprungligen fanns det förmodligen över 300). Varje vecka var han tvungen att framföra ett nytt verk till söndagens gudstjänster.

Bland de mest kända är “Wachet auf, ruft uns die Stimme” (med den välkända tenorkoralen) och “Herz und Mund und Tat und Leben”, som innehåller den världsberömda koralen “Jesus bleibet meine Freude” .

Han skrev också sekulära kantater, såsom den humoristiska Kaffekantaten, som handlar om den då moderna sedvänjan att dricka kaffe, eller Bondekantaten.

5. De stora orgelverken

Orgeln var Bachs sanna “hemmainstrument”. Här visar han sig som en oöverträffad ljudarkitekt.

Toccata och fuga i d-moll: Förmodligen det mest berömda orgelstycket i världen med sin dramatiska början.

Passacaglia i c-moll: En sinnrik uppsättning variationer över ett återkommande tema i pedalen.

Koralpreludier: I samlingar som “Orgelb üchlein ” tonsatte Bach välkända hymner på ett så konstfullt sätt att melodin vävs in i ett tätt nätverk av motstämmor.

6. Magnificat

Ett strålande, festligt verk i D-dur för kör och orkester, som tonsätter Marias lovsång . Det är ett av Bachs få latinska verk och fängslar med sin koncisa korthet och enorma briljans.

7. Motetterna

Dessa mestadels rent vokala verk (som “Jesu, meine Freude”) visar Bachs absoluta mästerskap i vokalskrivande utan stödinstrument . De är bland de svåraste styckena en kör kan sjunga.

Dessa verk representerar den “andliga Bach”. Medan hans instrumentala musik ofta är lekfull och matematisk, tjänar dessa vokal- och orgelverk till att uttrycka det outsägliga och gudomliga i ljud .

Anekdoter och intressanta fakta

Fängelsevistelsen​​

Bach var ingen vanlig anställd. När han ville avgå från sin tjänst i Weimar 1717 för att ansluta sig till prinsen av Köthen, vägrade hertigen av Sachsen-Weimar att släppa honom. Bach protesterade så ihärdigt och envist att hertigen helt enkelt fängslade honom i fyra veckor . Bach använde dock sin tid i fängelset produktivt: det sägs att han skrev ut delar av sin ” Orgelbüchlein ” (lilla orgelboken ) där .

Duellen som aldrig ägde rum

” musikaliskt toppmöte” äga rum i Dresden : Bach mot den franske stjärnkompositören Louis Marchand. Nyheten om tävlingen spred sig som en löpeld. Men när Marchand i hemlighet hörde Bach öva inför duellen blev han så imponerad av Bachs tekniska överlägsenhet att han flydde med diligens i soluppgången nästa morgon . Bach uppträdde ensam och hänförde publiken.

Marschen för musiken

I sin ungdom var Bach så besatt av att höra den store organisten Dietrich Buxtehude spela att han vintern 1705 gick från Arnstadt till Lübeck – en sträcka på cirka 400 kilometer. Han hade tagit fyra veckors ledighet för resan men stannade i fyra månader. Hans arbetsgivare i Arnstadt var allt annat än nöjd med denna ovanliga förlängning av hans semester när han återvände .

Bach och kaffe

Bach var ett stort fan av den då trendiga drycken kaffe. I Leipzig tillbringade han mycket tid på Zimmermanns kafé. För att försvara drycken mot kritiker (många ansåg vid den tiden att kaffe var ohälsosamt eller oanständigt för kvinnor) skrev han den humoristiska Kaffekantaten. I den sjunger en ung kvinna: ” Åh! Vad sött kaffe smakar, ljuvligare än tusen kyssar , mildare än muskatvin. ”

En krigisk kantor

I Leipzig drabbade Bach ständigt samman med stadsfullmäktige och skolrektorerna. En gång höll ett bråk på att utbryta på skolgården eftersom Bach vägrade att acceptera en obegåvad elev som prefekt ( biträdande körledare). Bach var känd för att ilsket ta av sig sin peruk och kasta den på musiker som spelade olämpligt, och förolämpa dem som ” flöjt- eller pipspelare ” .

(Skrivandet av denna artikel har assisterats och utförts av Gemini, en stor språkmodell (LLM) från Google. Detta är endast ett referensdokument för att upptäcka musik som du inte känner till ännu. Innehållet i denna artikel garanteras inte vara helt korrekt. Vänligen verifiera informationen via pålitliga källor.)

Best Classical Recordings
on YouTube

Best Classical Recordings
on Spotify

Overzicht

Johann Sebastian Bach (1685-1750 ) wordt beschouwd als een van de belangrijkste componisten in de muziekgeschiedenis. Zijn werk vertegenwoordigt het hoogtepunt van het baroktijdperk en heeft de westerse muziektraditie als geen ander beïnvloed.

Hier volgt een beknopt overzicht van zijn leven, zijn werk en zijn betekenis:

1. Leven en levensfasen

Bach kwam uit een grote, uitgebreide familie van musici in Thüringen . Zijn hele leven lang was hij een “vakman” in de muziek en bekleedde hij verschillende functies :

Vroege jaren: Geboren in Eisenach, werd hij al vroeg wees en kreeg hij onderwijs van zijn broer in Ohrdruf.

Arnstadt & Mühlhausen (1703 – 1708): Eerste aanstellingen als organist. Hier verwierf hij een reputatie als virtuoos instrumentalist.

Weimar ( 1708-1717 ): Als hoforganist en concertmeester schreef hij veel van zijn beroemde orgelwerken .

Köthen (1717-1723 ) : Als kapelmeester aan het hof van prins Leopold concentreerde hij zich op instrumentale muziek (bijv. Brandenburgse Concerten), aangezien het hof hervormd was en geen behoefte meer had aan weelderige kerkmuziek.

Leipzig (1723-1750 ) : Als Thomaskantor was hij verantwoordelijk voor de muziek in de belangrijkste kerken van de stad. Zijn monumentale religieuze werken ontstonden in deze periode .

2. Het muzikale werk

Het oeuvre van Bach omvat vrijwel alle genres van zijn tijd – met één opvallende uitzondering: opera. Zijn muziek wordt gekenmerkt door een ongelooflijke wiskundige precisie ( contrapunt) gecombineerd met een diepe emotionaliteit .

Geestelijke muziek: meer dan 200 cantates, de Matthäus Passion , de Johannes Passion, het Kerstoratorium en de Mis in b-mineur.

Pianomuziek: Das Wohltemperierte Klavier (een mijlpaal in de muziektheorie), de Goldbergvariaties en de beroemde Toccata en Fuga in D mineur.

Orkestmuziek: De zes Brandenburgse Concerten en de Orkestsuites (waaronder de beroemde ” Air”).

3. Betekenis en gevolgen

Tijdens zijn leven werd Bach vooral gewaardeerd als een begenadigd orgelvirtuoos ; zijn composities werden door veel tijdgenoten als te complex en “geleerd” beschouwd.

Herontdekking: Pas in de 19e eeuw, grotendeels dankzij Felix Mendelssohn Bartholdy ( met zijn uitvoering van de Matthäus Passion in 1829), begon de wereldwijde “Bach-renaissance”.

Invloed: Componisten als Mozart en Beethoven bestudeerden zijn werken uitvoerig. Beethoven noemde hem vol respect : “Hij zou niet Bach, maar Meer genoemd moeten worden .”

Innovatie: Hij perfectioneerde de fuga en het contrapunt. Zijn muziek wordt als universeel beschouwd – ze wordt tegenwoordig toegepast in jazz, pop en zelfs elektronische muziek.

Een kleine kanttekening

Bach was tweemaal getrouwd (met Maria Barbara en Anna Magdalena) en had in totaal 20 kinderen, van wie er slechts tien de volwassen leeftijd bereikten. Verschillende van zijn zonen ( zoals Carl Philipp Emanuel en Johann Christian) werden zelf beroemde componisten .

Geschiedenis

Het verhaal van Johann Sebastian Bach is het verhaal van een man die muziek niet alleen als kunst beschouwde, maar als een goddelijk ambacht . Zijn leven werd gekenmerkt door een diep geloof, een bijna onvoorstelbare werkethiek en een voortdurende strijd met wereldlijke autoriteiten .

De beginjaren van het leerlingschap en de verliezen

Het begon allemaal in Eisenach, Thüringen , waar Johann Sebastian in 1685 werd geboren in een dynastie van stadsmuzikanten en hofmuzikanten. Muziek was voor zijn familie net zo vanzelfsprekend als het dagelijkse brood . Maar het idyllische leven duurde niet lang: op slechts tienjarige leeftijd werd hij wees. Hij verhuisde naar Ohrdruf om bij zijn oudere broer te wonen, die hem piano leerde spelen. Er wordt gezegd dat de jonge Johann Sebastian ‘s nachts in het geheim muziekstukken naspeelde bij maanlicht, muziek die zijn broer hem eigenlijk had verboden – een vroeg teken van zijn onverzadigbare dorst naar kennis.

De zoektocht naar een genie

Als jonge man verhuisde Bach naar Lüneburg in het noorden , waar hij als koorzanger werkte en de kans greep om de grote Noord-Duitse orgelmeesters zoals Buxtehude te ontmoeten. Naar verluidt liep hij honderden kilometers terug naar Buxtehudes huis , alleen maar om hem te horen spelen . Zijn eerste baan als organist in Arnstadt verliep echter niet zonder problemen: hij was eigenwijs, overrompelde de gemeente met zijn ” vreemde klanken ” en raakte zelfs betrokken bij een fysieke ruzie met een ongetalenteerde fagottist.

Jaren van opmars en zware tegenslagen

Bachs pad leidde hem via Mühlhausen naar Weimar, waar hij zijn eerste grote successen vierde als hoforganist en concertmeester. Daar begon hij de wiskundige strengheid van de Duitse muziek te combineren met de Italiaanse lichtheid (bijvoorbeeld die van Vivaldi) .

Maar Bach was geen gewone werknemer. Toen hij in Weimar ontslag wilde nemen om een betere positie in Köthen te aanvaarden , liet de hertog hem zonder pardon vier weken gevangenzetten wegens ” koppigheid ” . In Köthen beleefde hij eindelijk een gouden tijdperk onder een muzieklievende prins . Het was hier dat hij de Brandenburgse Concerten componeerde. Maar het noodlot sloeg opnieuw toe: bij terugkomst van een reis trof hij zijn vrouw, Maria Barbara, dood en reeds begraven aan. In deze duisternis vond hij troost in zijn muziek en trouwde later met de zangeres Anna Magdalena, die niet alleen zijn partner werd , maar ook een belangrijke artistieke steun .

De Thomaskantor in Leipzig

de laatste en langste periode van zijn leven door in Leipzig. Vanaf 1723 was hij Thomaskantor – een functie die hem vaak frustreerde, omdat hij voortdurend met de gemeenteraad moest discussiëren over de financiën en de kwaliteit van zijn zangers . Niettemin was dit de tijd van zijn monumentale werken : week na week componeerde hij een nieuwe cantate, creëerde hij de monumentale Matthäus Passion en de Mis in b-mineur.

In zijn latere jaren trok Bach zich steeds meer terug in een abstracte wereld van muziek . Hij experimenteerde met complexe fuga’s en contrapunt die bijna aan wiskundige puzzels deden denken . Toen hij in 1750 bijna blind stierf na een mislukte oogoperatie , werd zijn stijl door velen al als ouderwets en te gecompliceerd beschouwd. Hij werd begraven in een eenvoudig graf dat al snel in de vergetelheid raakte.

Pas bijna tachtig jaar later besefte de wereld dat deze Thüringse cantor niet zomaar een plaatselijke kerkmuzikant was, maar een architect van klanken wiens werk nog steeds wordt beschouwd als de basis van de westerse muziek.

Chronologische geschiedenis

Kindertijd en vroeg onderwijs (1685-1703 )

Het verhaal begint in Eisenach in 1685. Na het vroege overlijden van zijn ouders verhuisde de tienjarige Johann Sebastian in 1695 naar Ohrdruf om bij zijn oudere broer te wonen, die hem piano leerde spelen. Op vijftienjarige leeftijd trok hij naar het noorden: van 1700 tot 1702 bezocht hij de Michaelisschule in Lüneburg , waar hij in het koor zong en kennismaakte met Noord-Duitse orgelmuziek.

Eerste benoemingen: Arnstadt en Mühlhausen (1703-1708 )

Na een kort verblijf in Weimar bekleedde hij in 1703 zijn eerste belangrijke functie als organist in Arnstadt. Deze periode werd beroemd vanwege zijn wandeling naar Lübeck in 1705 om Buxtehude te bezoeken. Kort daarna , in 1707, verhuisde hij naar Mühlhausen en trouwde datzelfde jaar met zijn nicht Maria Barbara. Al snel begon hij echter te zoeken naar grotere artistieke mogelijkheden .

De Weimar-jaren (1708-1717 )

In Weimar was Bach bijna tien jaar lang hoforganist en later concertmeester . Daar perfectioneerde hij zijn orgelspel en begon hij regelmatig cantates te componeren. Het einde van deze periode was dramatisch: in 1717 bracht hij enkele weken onder huisarrest door, in een poging zijn vertrek af te dwingen, voordat hij uiteindelijk toestemming kreeg om te vertrekken.

De bloei van instrumentale muziek in Köthen (1717-1723 )

In Köthen vond Bach ideale omstandigheden als kapelmeester aan het hof van prins Leopold, hoewel er geen kerkorgel was. Daarom componeerde hij er voornamelijk wereldlijke meesterwerken, zoals de Brandenburgse Concerten (1721). Privé werd deze periode gekenmerkt door extreme gebeurtenissen : de plotselinge dood van zijn vrouw Maria Barbara (1720) werd een jaar later gevolgd door zijn huwelijk met de zangeres Anna Magdalena.

De grote finale: Het Thomaskantoraat van Leipzig (1723-1750 )

Vanaf 1723 brak er een laatste hoofdstuk aan in Bachs leven in Leipzig. Als Thomaskantor was hij verantwoordelijk voor de kerkmuziek van de stad en componeerde hij, in een ongekende inspanning, zijn omvangrijke cycli van kerkcantates en de monumentale Matthäus Passion (1727). In de jaren 1730 nam hij ook de leiding van het Collegium Musicum over en wijdde hij zich intensiever aan instrumentale muziek.

In de laatste jaren van zijn leven, vanaf ongeveer 1740, trok Bach zich terug in de wereld van de muziekwetenschap en werkte hij aan werken zoals Die Kunst der Fuge. Na een mislukte oogoperatie overleed hij uiteindelijk op 28 juli 1750 in Leipzig.

Stijl(en), beweging ( en) en periode(s) van de muziek

Johann Sebastian Bach is de centrale figuur van de late barokperiode. Zijn stijl is een unieke synthese, die het best omschreven kan worden als een mengeling van de hoogste wiskundige orde en de diepste menselijke emotie .

Hieronder volgt een classificatie van zijn muziek in relatie tot de tijdgeest, vernieuwing en traditie:

Het tijdperk en de stijl

Bach leefde en werkte tijdens de barokperiode (ca. 1600-1750 ) , meer precies tijdens de hoog- en laatbarok . Zijn werk wordt tegenwoordig beschouwd als het absolute hoogtepunt van dit tijdperk.

Contrapunt: Zijn belangrijkste stijlfiguur was polyfonie, dat wil zeggen de gelijke status van meerdere onafhankelijke melodiestemmen . Niemand beheerste de kunst van de fuga en het contrapunt zo goed als hij.

De affectieve leer: Zoals typerend was voor de barokperiode, was muziek bedoeld om specifieke emotionele toestanden ( affecten ) bij de luisteraar op te roepen. Bach gebruikte hiervoor een precieze symbolische taal (bijvoorbeeld dalende en stijgende lijnen voor verdriet ).

Een versmelting van culturen: hij combineerde de Duitse polyfone traditie met de Italiaanse lichtheid (Vivaldi) en de Franse ornamentiek .

Was zijn muziek oud of nieuw?

Het antwoord is een paradox: ze was beide tegelijk.

Traditioneel en ” ouderwets ” : Tegen het einde van zijn leven (rond 1740/50) werd Bachs muziek door veel van zijn tijdgenoten als ouderwets beschouwd. De nieuwe geest van de Verlichting eiste de ” galante stijl”—muziek moest eenvoudig, aangenaam en gemakkelijk te begrijpen zijn . Bach bleef echter trouw aan strikte, complexe polyfonie. Critici zoals Johann Adolf Scheibe beschuldigden hem ervan zijn muziek te ” bombastisch ” en onnatuurlijk te maken vanwege de enorme complexiteit ervan .

Vernieuwend en radicaal: Hoewel hij zich formeel aan oude structuren hield, was hij een rebel in zijn aanpak. Zijn harmonie (de manier waarop hij akkoorden verbond) was zijn tijd ver vooruit. Hij gebruikte chromaticisme en dissonantie op een manier die pas in de 19e eeuw weer volledig begrepen werd. Zijn werk, Das Wohltemperierte Klavier, was een technische revolutie, omdat het bewees dat men in alle toonsoorten even goed kon spelen – een hoeksteen van de moderne westerse muziek.

Conclusie: gematigd of radicaal?

Bach was geen ” vernietiger ” van oude vormen (zoals Schönberg later misschien wel was ) , maar een perfectionist. Hij nam alles wat vóór hem bestond en bracht het naar het absolute hoogtepunt van perfectie.

Zijn radicalisme lag niet in het breken met de traditie, maar in de diepgang van zijn uitwerking. Terwijl andere componisten de oppervlakte verfijnden, verdiepte Bach zich zozeer in de wetten van de harmonie dat zijn muziek vandaag de dag nog steeds modern en “fris” klinkt , terwijl veel van zijn destijds ” modernere ” tijdgenoten allang vergeten zijn.

Muziekgenres

Johann Sebastian Bach was een waar universeel kunstenaar van zijn tijd. Hij beheerste vrijwel elk bestaand muziekgenre met een perfectie die vaak wordt beschouwd als zowel het einde als het hoogtepunt van een muzikaal tijdperk . Hij vermeed bewust opera – een weloverwogen beslissing, aangezien hij zich op andere gebieden richtte als kerkmuzikant en hofkapelmeester.

Zijn werk kan grofweg in drie hoofdgebieden worden verdeeld:

1. Sacrale vocale muziek

Als Thomaskantor in Leipzig was dit zijn dagelijkse kost . Bach componeerde muziek voor kerkdiensten die bedoeld was om het geloof door middel van klank tastbaar te maken.

Cantates: Met meer dan 200 bewaard gebleven werken vormen ze de kern van zijn oeuvre. Hij schreef ze vaak wekelijks voor de zondagsdiensten .

Passies en oratoria: Monumentale werken zoals de Matthäus Passion of het Kerstoratorium, die Bijbelse verhalen op dramatische en emotionele wijze vertellen .

Missen en motetten: Zijn Mis in b-mineur wordt beschouwd als een van de belangrijkste religieuze werken van de mensheid, waarin hij de strikte Latijnse teksten met barokke pracht op muziek zette.

2. Instrumentale en orkestrale muziek

Tijdens zijn jaren aan het hof ( met name in Köthen ) concentreerde Bach zich op muziek voor ensembles en solo-instrumenten.

Concerten: Hij ontwikkelde het concerto grosso verder, waarin een groep solisten het opneemt tegen het orkest (bijvoorbeeld de Brandenburgse Concerten). Hij wordt ook beschouwd als de uitvinder van het moderne pianoconcert .

Suites en partita’s: Deze genres zijn gebaseerd op gestileerde dansritmes (zoals de allemande, courante of gigue). Bach schreef ze voor orkest , maar ook voor solo- instrumenten zoals de cello of viool.

Kamermuziek: Sonates voor diverse instrumenten, vaak begeleid door klavecimbel of basso continuo.

3. Muziek voor toetsinstrumenten

Bach stond bekend als de beste organist van zijn tijd. Zijn klaviermuziek diende zowel als pedagogische opleiding als artistieke zelfexpressie .

Orgelmuziek: preludes , fuga’s, toccata’s en koraalpreludes. Hier komt zijn meesterschap over de “koningin der instrumenten” duidelijk naar voren.

Pianomuziek: Werken zoals Das Wohltemperierte Klavier of de Goldbergvariaties zijn mijlpalen in de muziekgeschiedenis. Ze bestrijken het hele spectrum, van technische oefeningen tot zeer complexe , bijna wiskundige kunst.

latere werken van de “geleerden”

Tegen het einde van zijn leven wendde Bach zich tot genres die bijna als ‘pure musicologie’ beschreven kunnen worden . In Die Kunst der Fuge en Die Muzikale Offerande verkende hij de grenzen van polyfonie en contrapunt zonder gebonden te zijn aan een specifiek instrument.

Kenmerken van muziek

De muziek van Johann Sebastian Bach kenmerkt zich door een complexiteit en technische perfectie die haar onderscheidt van vrijwel al het andere in de muziekgeschiedenis. Luisterend naar zijn werken stuit men op een klankarchitectuur die tegelijkertijd strikt logisch en diep spiritueel is.

Dit zijn de belangrijkste kenmerken die zijn stijl definiëren:

1. De kunst van polyfonie en contrapunt

Het meest kenmerkende aspect van Bach is de polyfonie. In tegenstelling tot homofonie (waarbij een melodie door akkoorden wordt begeleid), zijn bij Bach alle stemmen – of het nu sopraan, alt, tenor of bas is – volkomen gelijkwaardig.

Het tegenargument: Bach was de onbetwiste meester in het samenweven van verschillende melodieën op zo’n manier dat ze afzonderlijk betekenis hebben, maar samen een harmonieus geheel vormen .

De fuga: In deze vorm bereikte Bach zijn meesterschap zijn hoogtepunt . Een thema wordt door alle stemmen heen gedragen , zwervend, weerspiegeld of uitgerekt, terwijl de andere stemmen het op kunstzinnige wijze verfraaien.

2. Harmonische dichtheid en chromaticiteit

Hoewel Bach stevig geworteld was in de barokmuziek, ging zijn harmonie veel verder dan wat destijds gebruikelijk was.

Hij maakte vaak gebruik van chromaticisme (het gebruik van halve tonen buiten de grondtoonladder) om spanning en wrijving te creëren.

Zijn muziek bevat vaak verrassende akkoordwisselingen en dissonanten die hun volle emotionele impact pas op het moment van de ontknoping onthullen . Dit verleent zijn muziek een moderniteit die latere componisten zoals Chopin en Wagner aanzienlijk heeft beïnvloed.

3. Wiskundige precisie en symboliek

De muziek van Bach wordt vaak vergeleken met wiskunde. Hij hield van symmetrieën, getallenspelletjes en symbolen.

Getallensymboliek: Bach verwerkte vaak getallenrelaties in zijn muziek die een religieuze betekenis hadden (bijvoorbeeld het getal 3 voor de Drievuldigheid ).

Muzikale retoriek: Hij gebruikte ‘ figuren ‘ om teksten te interpreteren. Een kruissymbool in de muzieknotatie stond voor het lijden van Christus, een neerwaartse lijn voor de dood of begrafenis.

Architectuur: Zijn werken zijn gebouwd als kathedralen – elk detail is nauwkeurig gepland om het geheel te ondersteunen.

4. De ritmische vitaliteit ( De “ Drive ” )

Ondanks de intellectuele diepgang van veel van Bachs werken, bezit zijn muziek een enorme ritmische energie.

Veel van zijn stukken zijn gebaseerd op barokke dansritmes (zoals de gigue of de sarabande).

Een continu, pulserend ritme (vaak omschreven als ” motorisch”) loopt als een rode draad door zijn instrumentale werken, waardoor ze een onweerstaanbare voorwaartse beweging krijgen.

5. Technologie en emotie combineren

Het is een wijdverbreide misvatting dat Bachs muziek ” droge wiskunde ” is . Het ware geheim ervan schuilt in het feit dat de strikte regels van het contrapunt nooit een doel op zich worden.

Techniek staat altijd in dienst van het affect (de uitdrukking van een gevoel ) . Of het nu de uitbundige vreugde in het Magnificat is of de diepe wanhoop in de Matthäus Passion – wiskundige ordening geeft de emotie een kader dat haar des te krachtiger maakt.

Samenvattend kenmerk: De eenheid van tegenstellingen
De muziek van Bach verenigt wat op het eerste gezicht tegenstrijdig lijkt : ze is zeer complex maar toch pakkend , rigoureus geconstrueerd maar vol verbeelding, diep religieus maar toch universeel menselijk.

Effecten en invloeden

De invloed van Johann Sebastian Bach op de muziekgeschiedenis is zo fundamenteel dat hij vaak wordt aangeduid als de “grondlegger ” of het ” fundament ” van de westerse muziek. Hoewel hij tijdens zijn leven meer werd beschouwd als een lokale orgelvirtuoos dan als een baanbrekende componist, heeft zijn nalatenschap de eeuwen die volgden diepgaand gevormd .

1. Invloed op het classicisme en de romantiek

Na Bachs dood in 1750 raakte zijn werk aanvankelijk op de achtergrond, maar voor de grote meesters van de daaropvolgende periode bleef het de belangrijkste bron van studie:

Mozart en Beethoven: Beiden bestudeerden Bachs contrapunt intensief. Beethoven noemde hem eerbiedig de ” vader van de harmonie” en zei: ” Hij zou niet Bach genoemd moeten worden, maar Meer ” ( Oceaan ) , vanwege zijn onuitputtelijke rijkdom.

De Bach-renaissance: In 1829 voerde Felix Mendelssohn Bartholdy de Matthäus Passion voor het eerst sinds Bachs dood in Berlijn uit. Deze gebeurtenis wekte wereldwijd enthousiasme op en redde Bachs muziek uiteindelijk van de vergetelheid.

Brahms en Wagner: Voor Brahms was Bach zijn dagelijkse intellectuele voeding; hij zei: ” Bestudeer Bach! Daar vind je alles. ”

2. De grondslagen van de muziektheorie

Bach standaardiseerde de ” taal” van de muziek. Zijn werk, Das Wohltemperierte Klavier, bewees dat klavierinstrumenten in alle 24 toonsoorten bespeeld konden worden als ze op een specifieke manier gestemd waren. Dit vormt de basis voor vrijwel alle westerse muziek – van klassiek tot jazz tot pop. Elke professionele muzikant leert zijn of haar vak nog steeds door Bachs fuga’s en koralen te bestuderen .

3. Invloed op jazz, rock en pop

De muziek van Bach is, dankzij haar wiskundige structuur en harmonische logica, tijdloos en leent zich perfect voor bewerkingen:

Jazz: De improvisatievrijheid, los van een vaste baslijn (basso continuo), is kenmerkend voor jazz. Musici als Jacques Loussier en Keith Jarrett hebben Bach rechtstreeks naar de jazzcontext vertaald .

Pop & Rock: Veel hits maken gebruik van Bachs harmonieën of melodieën. Een bekend voorbeeld is het nummer ” A Whiter Shade of Pale ” van Procol Harum, dat sterk geïnspireerd is door “The Air “, of door de Beatles, die vaak gebruik maakten van Bachs complexe stemvoering .

Filmmuziek: Vanwege de enorme emotionele diepgang wordt zijn muziek vaak in films gebruikt om existentiële momenten (verdriet, verhevenheid, waanzin) te benadrukken.

4. Culturele en spirituele impact

Bach wordt beschouwd als de ” vijfde evangelist ” . Zijn vermogen om complexe theologische inhoud in muziek te vertalen heeft ertoe geleid dat zijn sacrale werken (zoals de Passies) vandaag de dag wereldwijd – ongeacht de denominatie – worden gewaardeerd als hoogtepunten van menselijke expressie . Zijn muziek wordt vaak als ” kosmisch” ervaren, en daarom werden zijn stukken de ruimte in gestuurd met de Voyager Golden Records om de mensheid te vertegenwoordigen .

De invloed van Bach is zo groot dat de muziekgeschiedenis vaak wordt onderverdeeld in de periodes ” vóór Bach” en ” na Bach”. Hij maakte niet alleen een einde aan de barokmuziek, maar verhief deze ook tot een niveau van perfectie dat tot op de dag van vandaag ongeëvenaard is.

Muzikale activiteiten anders dan componeren

1. De gevierde virtuoos (orgel en klavecimbel)

Tijdens zijn leven werd Bach vooral beschouwd als een van de beste organisten en klavecinisten ter wereld.

Improvisatie: Zijn vermogen om spontaan complexe fuga’s te ontwikkelen op basis van een gegeven thema verbaasde zijn tijdgenoten.

Concertreizen: Hij reisde vaak rond om orgels in te wijden of om deel te nemen aan muzikale wedstrijden met andere grootheden (beroemd is het mislukte duel met de Fransman Louis Marchand, die vluchtte voor Bachs spel).

en taxateur op het gebied van orgelbouw

” geluidstechnicus ” van de 18e eeuw kunnen noemen . Hij bezat een diepgaand technisch inzicht in de constructie van klavierinstrumenten.

Orgelinspecties: Steden en kerken schakelden hem regelmatig in als expert voor de inspectie van nieuw gebouwde of gerepareerde orgels . Hij onderzocht de windtoevoer, de mechaniek en de klankafstemming (de keuze van registers).

Innovaties: Hij was geïnteresseerd in de verdere ontwikkeling van instrumenten. Hij gaf een impuls aan de verbetering van de mechaniek van de vroege fortepiano (de voorloper van de piano) en was een voorstander van gelijkzwevende stemming.

3. Muziekpedagogen en -leraren

Bach besteedde een groot deel van zijn tijd aan lesgeven.

Thomasschule: In Leipzig gaf hij de Thomaner niet alleen muziekles, maar ook theoretisch Latijn (hoewel hij dat laatste meestal tegen betaling aan adjuncten uitbesteedde).

Privéleerling : Hij leidde talloze musici op, waaronder zijn eigen zonen en beroemde componisten zoals Johann Ludwig Krebs. Zijn pedagogische werken (zoals de Inventionen) dienden om studenten zowel techniek als de ‘ kunst van het componeren’ bij te brengen .

4. Muziekdirecteur en -manager (Collegium Musicum)

Naast zijn kerkelijke taken gaf Bach vanaf 1729 leiding aan Zimmermanns Collegium Musicum in Leipzig.

Dit was een studentenensemble dat wekelijks concerten gaf in een koffiehuis. Bach fungeerde als concertorganisator en dirigent, en organiseerde en leidde burgerlijke amusementsmuziek op het hoogste niveau.

5. Koordirigent en ensemblecoördinator

Als Thomaskantor was hij de “algemeen muziekdirecteur ” van de stad Leipzig.

Hij moest de koren van de vier belangrijkste kerken coördineren, muzikanten werven, repetities leiden en ervoor zorgen dat de muziek elke zondag en feestdag vlekkeloos verliep. Hij had vaak te maken met ongetalenteerde zangers of ontoereikende financiering van de gemeenteraad.

Samenvatting

Zelfs als Bach nooit een noot had geschreven, zou hij nog steeds de geschiedenis zijn ingegaan als een technisch expert op het gebied van orgels en een uitmuntend klaviervirtuoos. Zijn leven was een voortdurende afwisseling tussen de kerkbank, de werkplaats van de orgelbouwer en het dirigentenpodium.

Activiteiten naast muziek

1. Hoofd van het gezin en “manager” van een groot huishouden

Bach was de vader van in totaal 20 kinderen uit twee huwelijken. Een huishouden van die omvang vergde enorme logistieke inspanningen.

Opvoeding en onderwijs: Hij wijdde zich intensief aan de opvoeding van zijn kinderen. Naast muzieklessen hield hij hun schoolprestaties in de gaten en zorgde hij ervoor dat zijn zonen naar de universiteit gingen .

Accommodatie: Zijn huis in de Thomasschule in Leipzig bood niet alleen onderdak aan zijn kinderen, maar vaak ook aan privéleerlingen , familieleden en reizende musici. Bach fungeerde als gastheer en zorgde voor hun eten en onderdak .

2. Administratief medewerker en onderwijzer

In zijn rol als Thomaskantor was Bach een gemeenteambtenaar met veel bureaucratische taken:

Lesgevende taken: Hij moest lesgeven aan de Thomasschule. Aanvankelijk was hij zelfs verplicht Latijn te onderwijzen. Hij vond dit echter een te zware last en kocht zich vaak vrij van deze verplichting door een deel van zijn salaris aan een vervanger te betalen.

Toezichtstaak: Als leraar was hij ook verantwoordelijk voor de discipline en het algemeen welzijn van de kostschoolleerlingen ( Thomaner), wat vaak leidde tot conflicten met de schoolleiding en de gemeenteraad .

3. Strijdlustige voorvechter van rechten ( bureaucratie )

Bach stond erom bekend dat hij buitengewoon volhardend en soms koppig was als het om zijn privileges of salaris ging.

Klager : Hij besteedde veel tijd aan het schrijven van lange, formele klachtenbrieven aan de gemeenteraad van Leipzig of de kiezer . Deze brieven gingen over gemiste inkomsten uit bruiloften , begrafenissen of de slechte kwaliteit van schoolmaaltijden .

Onderhandelingen: Hij was een bedreven onderhandelaar als het ging om het aanboren van extra inkomstenbronnen of het verkrijgen van titels (zoals de titel “Hofcomponist” in Dresden) om zijn sociale positie in Leipzig te versterken .

4. Gezelligheid en plezier

Hoewel Bach een zeer religieus man was , was hij allesbehalve een asceet.

Koffiehuiscultuur: In Leipzig was hij een vaste klant bij koffiehuis Zimmermann. Koffie was destijds een nieuwe, modieuze luxedrank . Zijn enthousiasme ervoor ging zo ver dat hij er zelfs de (muzikale) Koffiecantate aan opdroeg .

Culinaire geneugten: Bach waardeerde lekker eten en goede wijn. Uit zijn brieven en verslagen blijkt dat hij graag wijn bestelde en een gezellig leven leidde met vrienden en collega’s.

5. Studie van de theologie

Bach bezat een omvangrijke privébibliotheek met meer dan 80 boeken – een opmerkelijke verzameling voor die tijd .

Lezen : De meeste van deze boeken waren geen muziekpartituren, maar theologische werken, bijbelcommentaren en geschriften van Maarten Luther. Hij bestudeerde deze teksten intensief, maakte aantekeningen in de kantlijn en gebruikte ze als intellectuele basis voor zijn wereldbeeld.

6. Kleinschalige landbouw

Net als veel stadsbewoners uit zijn tijd, bezat ook Bachs gezin een moestuin. Er wordt vermeld dat hij de oogst en de teelt van deze percelen verzorgde om ervoor te zorgen dat het grote gezin over voldoende vers voedsel beschikte .

Samenvattend was Bach een man die stevig geworteld was in het materiële leven: hij worstelde om geld te verdienen, voedde een groot aantal kinderen op, genoot van koffie en las theologische literatuur.

Als speler

Wie Johann Sebastian Bach als ” speler” beschouwt, moet zich een man voorstellen wiens fysieke verbondenheid met zijn instrumenten – met name het orgel en het klavecimbel – bijna bovenmenselijk leek . Hij was geen theoreticus die louter aan zijn bureau zat; hij was een beoefenaar, een uitvoerder en een ware ” topsporter” op de piano.

Hier is een portret van Bach als speler:

1. De “Veroveraar” van het Orgel

Voor Bach was het orgel niet zomaar een instrument, maar een machine die hij met absolute precisie bestuurde.

Voetvirtuositeit : Tijdgenoten meldden vol verbazing dat Bach melodieën met zijn voeten op de pedalen speelde met een snelheid en precisie die anderen met hun vingers nauwelijks konden bereiken. Hij ” liep ” niet zomaar over de pedalen, hij danste er praktisch op .

Klankregistratie: Hij had een bijna instinctief gevoel voor de mechanica . Wanneer hij een nieuw orgel uitprobeerde, zei hij vaak: ” Eerst moet ik weten of het goede longen heeft” – en trok alle registers (het zogenaamde plenum) open om het instrument tot het uiterste te drijven.

2. De magische improvisator

Bach was als speler het meest indrukwekkend wanneer hij improviseerde.

Hij hoorde een voor hem volkomen onbekend thema en improviseerde er onmiddellijk een complexe, vierstemmige fuga overheen .

Voor hem was ” spelen ” een intellectueel spel: hij daagde zichzelf uit om wiskundige puzzels in realtime op te lossen door middel van geluid . Het bekendste voorbeeld is het Muzikale Offer, dat gebaseerd is op zijn spontane transformatie van een extreem moeilijk thema in een zesstemmige fuga voor Frederik de Grote.

3. De fysieke speler: kracht en precisie

Zijn speelstijl verschilde enorm van de vaak stijve houding die in die tijd heerste.

zijn vingers lichtjes krulde en zijn duim actief gebruikte – iets wat destijds volstrekt ongebruikelijk was . Dit gaf hem een vloeiendheid en tempo dat door zijn tijdgenoten als ” heksenachtig” werd beschouwd .

Uithoudingsvermogen: Een kerkdienst in Leipzig kon uren duren. Bach moest als speler over een enorm fysiek uithoudingsvermogen beschikken om de massieve akkoorden en complexe loopjes zonder vermoeidheid vol te houden .

4. De multi-instrumentalist

Hoewel hij bekend stond als de ” Orgelkoning “, was hij ook een uitstekende violist en altviolist.

Hij speelde met name graag altviool midden in het orkest, omdat hij zich dan ” precies in het centrum van de harmonie” bevond .

Zijn inzicht als strijker kwam direct tot uiting in zijn klavecimbelspel: hij probeerde de toetsinstrumenten te laten “zingen “, wat technisch gezien onmogelijk is met een snaarinstrument zoals het klavecimbel .

5. De speelse concurrent

Bach was zich bewust van zijn vaardigheden en genoot van de speelse competitie.

Toen hij hoorde dat er nog een virtuoos in de stad was, zocht hij naar een vergelijking. Het was een mengeling van sportieve ambitie en professionele trots.

Zijn spel was vaak zo complex dat critici het omschreven als ” te veeleisend ” – een teken dat hij als speler geen enkele uitdaging uit de weg ging, zelfs niet als die het publiek overweldigde .

Muzikale Familie

De familie Bach was geen gewone familie; het was een ware muzikale dynastie, zoals de wereldgeschiedenis nog nooit heeft gezien. Generaties lang was de naam ” Bach ” in Thüringen en Saksen vrijwel synoniem met het woord ” muzikant ” .

Men kan zich deze clan voorstellen als een wijdverspreid netwerk waarin muzikaal vakmanschap is doorgegeven als een waardevol geheim recept.

1. De voorouders: De wortels in het Thüringer Woud

Zelfs generaties vóór Johann Sebastian was de familie stevig geworteld in de regio.

Veit Bach (de betovergrootvader): Hij was een bakker en molenaar die Hongarije moest ontvluchten. Er wordt gezegd dat hij zelfs zijn ” Cithringen ” (een kleine luit) meenam naar de molen en erop speelde, terwijl de molenstenen rammelden.

De stadsmuzikanten en organisten: Johann Sebastians vader, Johann Ambrosius Bach, was stadsmuzikant in Eisenach. Zijn ooms en neven bekleedden bijna alle belangrijke muzikale functies in steden als Erfurt, Arnstadt en Gotha. De familie kwam eens per jaar samen voor een grote familiebijeenkomst, waar ze samen muziek maakten en uitbundig feestvierden – vaak met humoristische, geïmproviseerde liedjes (quodlibets).

2. De echtgenotes: Partners in de geest

Bach was tweemaal getrouwd en beide echtgenotes waren nauw betrokken bij zijn muzikale werk:

Maria Barbara Bach (eerste echtgenote): Ze was zijn achternicht en kwam zelf uit een familie van muzikanten. Ze begreep zijn vak door en door.

Anna Magdalena Bach (tweede echtgenote): Zij was een zeer begaafde professionele zangeres (sopraan). Bach stelde het beroemde Notitieboek voor Anna Magdalena Bach speciaal voor haar samen . Zij bood hem aanzienlijke steun door zijn muziek in nette kopieën te transcriberen – hun handschrift is zo vergelijkbaar dat onderzoekers het soms moeilijk vinden om ze van elkaar te onderscheiden .

3. De zonen : De “beroemdheden ” van de volgende generatie

Bach had in totaal twintig kinderen, van wie velen jong stierven. Vier van zijn zonen werden echter zelf componisten van wereldklasse, van wie sommigen tijdens hun leven beroemder waren dan hun vader.

Wilhelm Friedemann Bach (de ” Bach van Dresden ” ): Hij werd beschouwd als de meest begenadigde improvisator en geliefde zoon, maar leidde een nogal onrustig leven.

Carl Philipp Emanuel Bach (de ” Berlijnse” of ” Hamburgse Bach ” ): Hij werd een van de belangrijkste componisten van de Empfindsamkeit-stijl en diende aan het hof van Frederik de Grote. Hij was degene die de erfenis van zijn vader het meest actief cultiveerde .

Johann Christoph Friedrich Bach (de ” Bückeburgse Bach ” ): Hij werkte als kapelmeester en bleef trouw aan de tamelijk klassieke stijl.

Johann Christian Bach (de ” Milaans ” of “Londense Bach ” ): Hij bekeerde zich tot het katholicisme, verhuisde naar Italië en later naar Engeland . Hij schreef succesvolle opera’s en had een enorme invloed op de jonge Wolfgang Amadeus Mozart.

4. Het “Bach-archief”

De familie was zich zeer bewust van haar erfgoed. Johann Sebastian stelde zelf ” De oorsprong van de muzikale familie Bach” samen, een handgeschreven kroniek waarin hij 53 familieleden en hun muzikale carrières vastlegde . Voor hem was muziek niet het werk van een eenzame genie, maar een familie-erfgoed dat gekoesterd en doorgegeven moest worden.

De familie Bach was dus een soort ” muzikaal ecosysteem ” . Bijna iedereen met de naam Bach kon een instrument bespelen of zingen.

Relaties met componisten

Johann Sebastian Bach leefde niet in een geïsoleerde bubbel, ook al bracht hij bijna zijn hele leven door in een relatief kleine omgeving in Midden-Duitsland. Zijn relaties met andere componisten werden gekenmerkt door diepe bewondering, professionele uitwisseling, maar ook door merkwaardige toevallige ontmoetingen en rivaliteiten .

Hieronder vindt u de belangrijkste directe verbindingen:

1. George Frideric Handel : De Grote Bijna-Ontmoeting

Dit is een van de beroemdste anekdotes uit de muziekgeschiedenis. Bach en Händel werden in hetzelfde jaar (1685) geboren, op slechts zo’n 130 kilometer afstand van elkaar. Bach bewonderde Händel ten zeerste en probeerde hem tweemaal persoonlijk te ontmoeten toen Händel zijn geboortestad Halle bezocht .

De eerste keer misten ze elkaar op slechts één dag.

De tweede keer was Bach al te ziek om te reizen en stuurde hij zijn zoon Wilhelm Friedemann als zijn afgezant. Handel schijnt de interesse minder sterk te hebben beantwoord (hij was een internationale operaster in Londen), terwijl Bach zelf werken van Handel kopieerde voor zijn concerten in Leipzig .

2. Georg Philipp Telemann: De gewaardeerde vriend

tijdens zijn leven veel beroemder en succesvoller dan Bach , maar de twee hadden groot professioneel respect voor elkaar.

Telemann werd zelfs de peetvader van Bachs op één na oudste zoon, Carl Philipp Emanuel (vandaar de naam “Philipp ” ).

Opmerkelijk is dat Telemann de eerste keus van de gemeenteraad was voor de functie van Thomaskantor in Leipzig – pas toen Telemann weigerde , werd Bach aangesteld als een ” noodoplossing “.

3. Dietrich Buxtehude: Het idool en de mentor

Als jonge man ondernam Bach in 1705 zijn beroemde reis naar Lübeck om de grote orgelmeester Buxtehude te horen spelen .

Wat gepland was als een verblijf van vier weken, werd uiteindelijk vier maanden, omdat Bach zo gefascineerd was door Buxtehudes spel en zijn ‘ avondmuziek’ .

kreeg zelfs de positie van organist aangeboden in de St. Mary’s Church, als opvolger van Buxtehude – maar alleen op voorwaarde dat hij met Buxtehudes dochter zou trouwen. Bach weigerde beleefd en keerde terug naar zijn post (erg geërgerd door zijn lange afwezigheid ) .

4. Antonio Vivaldi: De invloed van ver

Hoewel Bach Vivaldi nooit persoonlijk heeft ontmoet , was zijn relatie met diens muziek “direct ” door de bestudering van de partituren.

In Weimar ontving Bach partituren van Vivaldi’s vioolconcerten . Hij was zo enthousiast over de nieuwe Italiaanse formele strengheid en levendigheid dat hij veel van deze werken bewerkte voor klavecimbel of orgel.

Men zou kunnen zeggen dat Bach door dit ‘ kopiëren’ (wat destijds de hoogste vorm van studie was ) zijn eigen stijl radicaal moderniseerde.

5. Jan Dismas Zelenka: De Dresdense collega

Bach had een hoge dunk van de Boheemse componist Zelenka, die werkzaam was aan het katholieke hof in Dresden.

De twee ontmoetten elkaar verschillende keren toen Bach naar Dresden reisde. Bach bewonderde Zelenka’s complexe, vaak chromatische kerkmuziek zeer, omdat deze voldeed aan zijn eigen normen van diepgang en contrapunt. Ze wisselden professionele inzichten uit en Bach beval Zelenka aan bij zijn studenten als een uitstekend rolmodel.

6. De rivaliteit met Louis Marchand

De relatie tussen Bach en de Franse stercomponist Marchand was eerder competitief van aard. In 1717 zou er een rechtstreeks muzikaal duel tussen de twee plaatsvinden in Dresden.

Marchand, die als zeer arrogant werd beschouwd, had Bach de avond ervoor in het geheim horen oefenen . Hij was zo geïntimideerd door Bachs virtuositeit dat hij de volgende ochtend voor zonsopgang per postkoets vluchtte en zich zonder verzet aan Bach overgaf .

Bachs netwerk bestond dus uit idolen die hij bestudeerde, vrienden die zijn kinderen doopten en rivalen die voor zijn genialiteit vluchtten. Hij was een ” spons ” die de invloeden van zijn tijdgenoten absorbeerde en ze omvormde tot iets volkomen nieuws .

Vergelijkbare componisten

1. Jan Dismas Zelenka (1679–1745 ) – De “ Boheemse Bach ”

Zelenka is waarschijnlijk de componist wiens muzikale taal het meest op die van Bach lijkt . Hij werkte in Dresden en werd door Bach zeer gewaardeerd .

Overeenkomst : Net als Bach hield Zelenka van extreem complexe, polyfone structuren en een zeer gedurfde, chromatische harmonie. Zijn muziek klinkt vaak somber , zeer geconcentreerd en intellectueel veeleisend. Wie Bachs Mis in b-mineur waardeert, zal een vergelijkbare spirituele diepte vinden in Zelenka’s missen .

2. Dietrich Buxtehude (1637–1707 ) – Het rolmodel

Buxtehude was de man voor wie de jonge Bach honderden kilometers te voet aflegde.

Overeenkomst : De directe relatie is met name duidelijk in orgelmuziek . Buxtehudes fantasie, zijn lef om verrassende wendingen te gebruiken (de zogenaamde stylus phantasticus) en zijn meesterschap over de fuga vormden de basis waarop Bach voortbouwde.

3. Georg Philipp Telemann (1681–1767) – De productieve vriend

Hoewel Telemann vaak aangenamer en ” moderner” klonk dan Bach, zijn er grote overeenkomsten .

Overeenkomst : In zijn grote religieuze werken en zijn complexe instrumentale concerten bereikt Telemann een vergelijkbaar niveau van technische perfectie. Hij beheerste de contrapuntische stijl, maar koos vaak voor een lichtere, elegantere uitwerking.

4. George Frideric Handel (1685–1759) – De majestueuze tijdgenoot

Hoewel Handel in een veel meer opera-achtige en dramatische stijl schreef , zijn ze ” geestelijke broers” uit de late barokperiode .

Overeenkomst : In de grote koren ( zoals in Messiah) vindt men dezelfde architectonische kracht en het vermogen om stemmen op kunstzinnige wijze met elkaar te verweven. Terwijl Bach de neiging had om de diepte in te gaan, bouwde Händel van buiten naar buiten op – maar beiden beheersten de barokkunst tot in de perfectie.

5. Heinrich Schütz (1585–1672 ) – De intellectuele voorouder

Schütz leefde precies 100 jaar vóór Bach, maar de geestelijke verwantschap is voelbaar .

Overeenkomst : Schütz wordt beschouwd als de ” vader” van de Duitse kerkmuziek. Hij legde de basis voor de muzikale retoriek – dat wil zeggen, de kunst van het interpreteren van bijbelse teksten door middel van muziek – die Bach later tot een hoogtepunt bracht. Wie Bachs Passies waardeert, zal de pure, geconcentreerde essentie ervan terugvinden in Schütz ‘ Passies .

6. Max Reger (1873–1916 ) – De Bach-vernieuwer

In een latere periode was Max Reger degene die de geest van Bach het meest krachtig naar de moderne tijd heeft overgebracht.

Overeenkomst : Reger was geobsedeerd door contrapunt en fuga’s. Hij combineerde Bachs wiskundige precisie met de extreme harmonie van de late romantiek . Hijzelf zei dat elk van zijn werken een directe confrontatie met Bach was.

7. Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847 ) – De romantische erfgenaam

Mendelssohn ontdekte Bach niet alleen in de 19e eeuw, maar was ook zijn stilistische leerling .

Overeenkomst : In zijn oratoria (St. Paul, Elias) en orgelsonates is Bach in elke noot te horen. Mendelssohn redde de strikte fugavorm voor het romantische tijdperk en combineerde deze met de nieuwe melodische stijl van zijn tijd.

Mijn luistertip : als je de complexiteit van Bach wilt ervaren , luister dan naar de responsoria van Jan Dismas Zelenka. Je zult verbaasd zijn hoe ” Bachiaans” en tegelijkertijd uniek deze muziek klinkt.

Relaties

1. De instrumentenmakers: Technische uitwisseling

Bach was geobsedeerd door de mechanica van geluid. Hij zocht direct contact met de beste vakmensen van zijn tijd:

Gottfried Silbermann (orgel- en pianobouwer): Een van de belangrijkste relaties. Bach was Silbermanns strengste criticus en belangrijkste adviseur. Toen Silbermann zijn eerste ” hamerklaviers” (fortepiano’s) bouwde, bekritiseerde Bach de zware mechaniek en de zwakke hoge tonen . Silbermann werkte jarenlang aan verbeteringen totdat Bach uiteindelijk zijn volledige goedkeuring gaf en zelfs hielp bij de verkoop van de instrumenten.

Johann Christian Hoffmann (luit- en vioolbouwer): Een goede vriend uit Leipzig. Bach gaf hem de opdracht nieuwe instrumenten te bouwen, zoals de viola pomposa (een grote altviool). Hoffmann benoemde Bach zelfs tot executeur-testamentair, wat het diepe vertrouwen tussen de musicus en de vakman aantoont.

2. Het Collegium Musicum: Studenten en amateurs

Bach leidde jarenlang het Collegium Musicum van Zimmermann in Leipzig. Dit was geen professioneel orkest in de moderne zin van het woord, maar een groep studenten van de Universiteit van Leipzig en getalenteerde amateurs.

Bach fungeerde hier als mentor en leider. In de ontspannen sfeer van het koffiehuis cultiveerde hij een veel directere, minder formele relatie met deze jongeren dan in de strenge Thomasschule. Veel van zijn seculiere concerten werden speciaal voor deze jonge musici geschreven.

3. De adel: beschermheren en werkgevers

De relatie van Bach met de adel was een mengeling van diepe dankbaarheid en diplomatieke manoeuvres:

Prins Leopold van Anhalt-Koenigsbourg : Dit was waarschijnlijk de gelukkigste relatie uit zijn professionele leven. De prins was zelf een begenadigd musicus (hij speelde viool, viola da gamba en klavecimbel). Hij beschouwde Bach bijna als een vriend, nam hem mee op zijn reizen en was peetvader van een van zijn kinderen.

Frederik de Grote (koning van Pruisen ) : De relatie was eerder afstandelijk en respectvol. Tijdens Bachs bezoek aan Potsdam in 1747 daagde de koning de oude meester uit. Bach reageerde niet als een onderdanige dienaar , maar als een ” bescheiden expert ” , die de muzikale raadsels van de koning meesterlijk oploste in het Muzikale Offer .

4. De Thomaner: Leraren en “vervangende vaders”

De relatie van Bach met zijn zangers , de leerlingen van de Thomasschule, was vaak moeizaam.

Hij moest een koor vormen dat zijn uiterst moeilijke cantates kon zingen, bestaande uit ongetalenteerde of ongedisciplineerde jongens. In zijn brieven klaagde hij bitter over de ” onmuzikale” leerlingen . Desondanks waren er enkele begaafde leerlingen die hij steunde en die later voor hem werkten als kopiisten of assistenten .

5. De raadsleden van Leipzig: Voortdurend conflict

Zijn relatie met de gemeenteraad van Leipzig (zijn directe meerderen) werd vrijwel constant gekenmerkt door spanning .

De raadsleden zagen Bach als een eigenzinnige ambtenaar die zijn plichten verwaarloosde (zoals het lesgeven in Latijn) . Bach zag hen op zijn beurt als onwetende bureaucraten die geen enkel begrip hadden voor de kwaliteit van zijn muziek. In brieven noemde hij hen een ” vreemde en muzikaal onbeminnelijke autoriteit ” .

6. Gottfried Zimmermann: De eigenaar van het koffiehuis

Zimmermann was de eigenaar van het koffiehuis waar Bachs wereldlijke muziek werd uitgevoerd. Hij stelde Bach niet alleen de ruimte ter beschikking , maar investeerde ook in nieuwe instrumenten (zoals een enorm klavecimbel) om het succes van Bachs concerten te garanderen. Zimmermann was een belangrijke partner in Bachs werk binnen de burgerlijke publieke sfeer buiten de kerk.

Bachs sociale netwerk was dus een mengeling van ambachtelijke precisie , aristocratische gunsten en burgerlijk ondernemerschap. Hij was geen eenzame kunstenaar , maar een man die voortdurend technische zaken besprak met orgelbouwers, muziek maakte met prinsen en met gemeenteraadsleden discussieerde over zijn salaris.

Belangrijke solowerken voor piano

Wanneer we spreken over Bachs ” pianowerken “, moeten we bedenken dat de moderne piano (de vleugel ) pas in zijn tijd was uitgevonden. Hij schreef deze werken voor klavecimbel of clavichord, maar tegenwoordig behoren ze tot het onmisbare kernrepertoire van elke pianist.

Hieronder vind je de belangrijkste solowerken voor klavierinstrumenten die de muziekgeschiedenis voorgoed hebben veranderd :

1. Het Wohltemperierte Klavier (Deel I & II)

Dit is wellicht het meest invloedrijke werk in de hele geschiedenis van de klaviermuziek. Het bestaat uit twee collecties, elk met 24 preludes en fuga’s – één voor elke majeur- en mineurtoonaard.

De betekenis: Bach bewees dat een nieuw type stemming (de ” gelijkzwevende stemming ” ) het mogelijk maakt om in alle toonsoorten te spelen zonder dat het vals klinkt.

Het karakter: Het wordt vaak omschreven als het ” Oude Testament” onder de pianisten. Van meditatieve kalmte tot wiskundige precisie, elke menselijke emotie is erin vertegenwoordigd.

2. De Goldbergvariaties

Oorspronkelijk geschreven om de slapeloze nachten van de slapeloze graaf Keyserling te verkorten , behoren ze nu tot de meest veeleisende werken voor solisten.

Structuur: Het werk begint met een delicate “Aria ” , gevolgd door 30 variaties die zich niet via de melodie, maar via de baslijn ontwikkelen.

Een bijzonder kenmerk: Bach verwerkt een canon in alle drie de variaties, waarbij de afstand tussen de stemmen steeds groter wordt – een architectonisch meesterwerk dat tevens zeer virtuoos is .

3. De Italiaanse Concerten

In dit werk verricht Bach een wonder: hij imiteert het geluid van een heel orkest op slechts één klavierinstrument.

Stijl: Het is een eerbetoon aan de Italiaanse stijl (Vivaldi). Door te wisselen tussen verschillende registers op het tweemanualige klavecimbel creëerde Bach het contrast tussen een solist en een volledig orkest (tutti).

4. De Engelse en Franse suites

Deze collecties zijn in feite reeksen van gestileerde dansen ( Allemande, Courante, Sarabande, Gigue).

Franse suites : Deze zijn eerder galant, lyrisch en wat lichter van toon.

Engelse suites: Deze zijn monumentaler, beginnen meestal met een groot prelude en stellen veel hogere eisen aan de technische vaardigheden van de speler.

5. Chromatische fantasie en fuga

Dit is Bachs ” wildste” pianowerk. Het lijkt bijna alsof hij de regels van de barok even aan de kant heeft geschoven .

Karakteristiek: De Fantasie zit vol dramatische loopjes , gedurfde harmonieën en recitatieven die bijna als een operascène klinken. Het toont Bach als de grote improvisator die niet bang was voor dissonantie.

6. De Partitas (Clavier übung Deel I)

Bach publiceerde deze zes suites als zijn “Opus 1 ” . Ze vertegenwoordigen het absolute hoogtepunt van de barokke danssuite. Elke partita begint met een andere vorm (prelude , sinfonia, toccata, enz.) en demonstreert de enorme reikwijdte van zijn expressieve vermogen – van diepe melancholie tot uitbundige levensvreugde .

Waarom deze werken zo bijzonder zijn

Bachs pianowerken zijn als ” een sportschool en een gebed tegelijk ” : ze trainen de onafhankelijkheid van de vingers (aangezien elke hand vaak meerdere partijen tegelijk moet spelen) en dagen tegelijkertijd de geest uit om de complexe structuur te doorgronden.

Belangrijke kamermuziek

In Bachs kamermuziek treffen we een fascinerende mix aan van persoonlijke toewijding en virtuoos spel van het hoogste niveau . Omdat Bach zelf een uitstekende violist en altviolist was, schreef hij deze werken vaak ” uit de praktijk voor de praktijk “—voor zijn hoogbegaafde zonen , voor virtuoze vrienden of voor zijn eigen werk aan het hof van Köthen .

Hieronder vindt u de belangrijkste kamermuziekwerken die nog steeds als mijlpalen binnen hun genre worden beschouwd:

1. Zes sonates en partita’s voor soloviool (BWV 1001–1006 )

Deze werken zijn de ” Mount Everest ” voor elke violist. Bach volbrengt hier het technische wonder van het creëren van volledige polyfonie op een instrument dat in werkelijkheid alleen een melodie kan spelen .

De Chaconne: Het hoogtepunt van de tweede Partita is een reeks variaties van meer dan 15 minuten , die wordt beschouwd als een van de meest diepgaande stukken in de muziekgeschiedenis. Johannes Brahms zei ooit dat Bach in dit stuk een hele wereld van de diepste gedachten en krachtigste emoties op één enkele viool weet te vangen .

2. Zes suites voor cello solo (BWV 1007 –1012)

Wat de vioolsolo ‘s voor de viool zijn, zijn deze suites voor de cello. Lange tijd werden ze beschouwd als louter ‘oefenstukken ‘ totdat ze in de 20e eeuw (voornamelijk dankzij Pablo Casals) als meesterwerken werden ontdekt.

Karakteristieken: Elke suite begint met een prelude , gevolgd door een reeks dansen . Ze variëren van de bijna meditatieve 1e Suite in G majeur tot de technisch zeer veeleisende 6e Suite, die oorspronkelijk geschreven is voor een vijfsnarig instrument .

3. Sonates voor viool en klavecimbel (BWV 1014 –1019)

Deze zes sonates waren revolutionair voor hun tijd . Normaal gesproken begeleidde het klavecimbel de viool alleen met eenvoudige akkoorden (bas continuo).

Innovatie: Bach schreef de rechterhandpartij voor het klavecimbel volledig uit, waardoor het instrument een volwaardige partner van de viool vormt . Er ontstaat een echt triogevoel , ook al spelen er maar twee muzikanten.

4. De gamba-sonates (BWV 1027 –1029)

De viola da gamba was in Bachs tijd al een enigszins ouderwets instrument, met een delicate, melancholische klank. Bach was dol op deze klank en schreef drie sonates die de cantabile (zingende) kwaliteit van de gamba perfect combineren met complexe polyfonie .

5. Muzikale Offerande (BWV 1079) – Kamermuziekpartijen

Dit late werk werd gecomponeerd na Bachs bezoek aan Frederik de Grote. Het bevat een grootschalige triosonate voor fluit , viool en basso continuo.

Achtergrond: Omdat de koning zelf een fervent fluitist was , integreerde Bach de fluit op een zeer verfijnde manier in het werk. Het combineert de galante stijl van het Pruisische hof met Bachs gedegen geleerdheid.

6. Fluitsonates​

Bach liet een aantal sonates voor fluit na ( sommige met klavecimbel, andere met basso continuo). De Sonate in b mineur (BWV 1030) wordt beschouwd als het belangrijkste werk in dit genre uit de gehele barokperiode, vanwege de enorme lengte en de bijna symfonische complexiteit.

Wat deze werken gemeen hebben

Bachs kamermuziek is nooit louter vermaak. Zelfs in kleine ensembles blijft hij de architect: de stemmen jagen elkaar na, weerspiegelen elkaar en weven een web dat de luisteraar vaak doet vergeten dat er slechts één of twee musici aan het werk zijn.

Belangrijke orkestwerken

1. De Brandenburgse Concerten (BWV 1046–1051 )

Deze zes concerten worden beschouwd als het hoogtepunt van de barokke orkestmuziek. Bach droeg ze in 1721 op aan de markgraaf van Brandenburg.

Wat deze concerten zo bijzonder maakt, is dat elk van de zes een compleet andere instrumentatie heeft. Bach experimenteert hier met verschillende groepen solisten (van het ” Concerto Grosso ” met meerdere solisten tot pure strijkensembles).

Hoogtepunten: Het tweede concerto met de extreem hoge jazztrompet, het vierde concerto met twee blokfluiten en het vijfde concerto, dat wordt beschouwd als het eerste echte pianoconcerto in de geschiedenis omdat het klavecimbel een enorme solocadenza speelt.

2. De vier orkestsuites (BWV 1066 –1069)

noemde deze werken oorspronkelijk ” ouvertures ” . Ze bestaan elk uit een prachtig inleidend deel en een reeks Franse dansen ( zoals de gavotte, bourrée of gigue) .

Suite nr . 2 in b mineur: Een virtuoos stuk voor fluit , dat eindigt met het beroemde , snelle deel ” Badinerie ” .

Suite nr. 3 in D majeur: Een feestelijk werk met trompetten en pauken. Het bevat de wereldberoemde ” Air ” , een van de bekendste en meest vredige muziekstukken ter wereld.

3. De vioolconcerten (BWV 1041–1043 )

Bach zelf was een uitmuntend violist, en dat is duidelijk te horen in deze werken. Ze combineren Italiaans temperament met Duitse diepgang.

Vioolconcert in A mineur en E majeur: Twee klassiekers uit het repertoire, die indruk maken met hun heldere structuur en lyrische frasen .

Dubbelconcert voor twee violen in d mineur: hier verstrengelen twee soloviolen zich in een dichte, zeer emotionele dialoog. Vooral het tweede deel wordt beschouwd als een van de mooiste momenten uit de barokke melodische literatuur .

4. De klavecimbelconcerten (BWV 1052–1065 )

Bach was een pionier in het plaatsen van het klavecimbel (de voorloper van de piano) als solo-instrument vóór het orkest .

Innovatie: De meeste van deze concerten zijn bewerkingen van eerdere viool- of hoboconcerten. Het concert in D mineur (BWV 1052) is het krachtigste en meest virtuoze werk.

Meerdere concerten: Bach schreef ook concerten voor twee , drie of zelfs vier klavecimbels tegelijk – vaak om ze samen met zijn getalenteerde zoons in de koffiehuizen van Leipzig uit te voeren .

5. Het Triple Concerto (BWV 1044)

Een groot , laat gecomponeerd concerto voor de ongebruikelijke groep solisten: fluit , viool en klavecimbel. Het is buitengewoon complex en demonstreert Bachs vermogen om verschillende klankkleuren tot een dicht tapijt te vermengen.

Andere belangrijke werken

Naast zijn instrumentale stukken creëerde Bach een omvangrijk universum aan vocale muziek en orgelwerken, die de kern van zijn oeuvre vormen. In deze werken combineert hij zijn diepe religiositeit met een compositorische monumentaliteit die tot op de dag van vandaag ongeëvenaard is.

Hieronder vindt u de belangrijkste werken uit deze gebieden:

1. De grote passies

Deze monumentale werken vertellen het verhaal van Jezus’ lijden volgens de evangeliën en werden gecomponeerd voor de Goede Vrijdagdiensten in Leipzig.

De Matthäus Passion: Het wordt beschouwd als een van de grootste meesterwerken uit de menselijke geschiedenis. Met twee koren en twee orkesten creëert Bach een dramatische en zeer emotionele klankwereld die veel verder gaat dan een gewone kerkdienst.

Johannespassie: Dit werk is korter , dramatischer en bijna opera-achtig en agressief van structuur. Het boeit met zijn enorme ritmische energie en meeslepende koren .

2. Het Kerstoratorium

Het is eigenlijk een reeks van zes cantates, geschreven voor de feestdagen tussen Kerstmis en Driekoningen. Met zijn jubelende paukenroffel en schitterende trompetten aan het begin (“Verheug je, wees blij!”) blijft het voor velen het toonbeeld van kerstmuziek.

3. De Mis in b-mineur

Dit is Bachs muzikale nalatenschap . Hij werkte er decennia aan en voltooide het pas kort voor zijn dood. Hoewel Bach lutheraan was, zette hij hier de volledige Latijnse tekst van de katholieke mis op muziek . Het werk is zo omvangrijk en complex dat het tijdens Bachs leven nooit in zijn geheel is uitgevoerd ; het wordt beschouwd als het hoogtepunt van polyfone koormuziek.

4. Het cantatewerk

Bach componeerde meer dan 200 bewaard gebleven kerkcantates (oorspronkelijk waren het er waarschijnlijk meer dan 300). Elke week moest hij een nieuw werk voor de zondagsdiensten aanleveren .

Tot de bekendste behoren “Wachet auf, ruft uns die Stimme ” (met het bekende tenorkoraal) en “Herz und Mund und Tat und Leben”, dat het wereldberoemde koraal “Jesus bleibet meine Freude” bevat .

Hij schreef ook seculiere cantates, zoals de humoristische Koffiecantate, die handelt over de destijds modieuze gewoonte om koffie te drinken, of de Boerencantate.

5. De grote orgelwerken

Het orgel was Bachs ware “huisinstrument”. Hier openbaart hij zich als een ongeëvenaard klankarchitect.

Toccata en fuga in d mineur: waarschijnlijk het beroemdste orgelstuk ter wereld, met zijn dramatische begin.

Passacaglia in C mineur: Een ingenieuze reeks variaties op een terugkerend thema in het pedaal.

Koraalpreludes: In collecties zoals het “Orgelbüchlein ” zette Bach bekende hymnen op zo’n kunstzinnige manier op muziek dat de melodie verweven raakt in een dicht netwerk van tegenstemmen.

6. Het Magnificat

Een stralend, feestelijk werk in D majeur voor koor en orkest, op muziek gezet Maria’s lofzang . Het is een van Bachs weinige Latijnse werken en boeit door zijn beknopte stijl en enorme schittering.

7. De motetten

Deze veelal puur vocale werken (zoals “Jesu, meine Freude”) tonen Bachs absolute meesterschap in het schrijven van vocale composities zonder begeleidende instrumenten. Ze behoren tot de moeilijkste stukken die een koor kan zingen.

Deze werken vertegenwoordigen de “spirituele Bach”. Terwijl zijn instrumentale muziek vaak speels en wiskundig is, dienen deze vocale en orgelwerken om het onuitsprekelijke en goddelijke in klank uit te drukken .

Anekdotes en interessante feiten

Het verblijf in de gevangenis

Bach was geen gewone werknemer. Toen hij in 1717 zijn functie in Weimar wilde neerleggen om zich bij de prins van Köthen te voegen, weigerde de hertog van Saksen-Weimar hem vrij te laten. Bach protesteerde zo hardnekkig en koppig dat de hertog hem uiteindelijk vier weken gevangen zette . Bach benutte zijn tijd in de gevangenis echter productief: naar verluidt schreef hij daar delen van zijn ” Orgelbüchlein ” (Klein Orgelboek ) .

Het duel dat nooit plaatsvond

” muzikale topconferentie” plaatsvinden : Bach tegen de Franse stercomponist Louis Marchand. Het nieuws over de wedstrijd verspreidde zich als een lopende. Maar toen Marchand Bach in het geheim hoorde oefenen op de avond voor het duel , was hij zo onder de indruk van Bachs technische superioriteit dat hij de volgende ochtend bij zonsopgang per postkoets vluchtte . Bach trad alleen op en wist het publiek te betoveren.

De mars voor de muziek

In zijn jeugd was Bach zo gefascineerd door het spel van de grote organist Dietrich Buxtehude dat hij in de winter van 1705 van Arnstadt naar Lübeck liep – een afstand van ongeveer 400 kilometer. Hij had vier weken verlof opgenomen voor de reis, maar bleef er vier maanden. Zijn werkgever in Arnstadt was bij zijn terugkeer allesbehalve blij met deze ongebruikelijke verlenging van zijn vakantie .

Bach en koffie

Bach was een groot liefhebber van de destijds populaire drank koffie. In Leipzig bracht hij veel tijd door in het koffiehuis van Zimmermann. Om de drank te verdedigen tegen critici (velen beschouwden koffie destijds als ongezond of ongepast voor vrouwen), schreef hij de humoristische Koffiecantate. Daarin zingt een jonge vrouw: ” O, wat smaakt koffie zoet, heerlijker dan duizend kussen , zachter dan muscatelwijn. ”

Een strijdlustige cantor

In Leipzig botste Bach voortdurend met de gemeenteraad en de schoolleiding. Ooit brak er bijna een vechtpartij uit op het schoolplein omdat Bach weigerde een ongetalenteerde leerling als prefect ( assistent-koorleider) aan te nemen. Bach stond erom bekend dat hij woedend zijn pruik afzette en die naar muzikanten gooide die vals speelden, waarbij hij hen uitschold voor ” pijp- of fluitspelers ” .

(Dit artikel is geschreven met de hulp van Gemini, een groot taalmodel (LLM) van Google. Het dient uitsluitend als referentiedocument om muziek te ontdekken die u nog niet kent. De inhoud van dit artikel wordt niet gegarandeerd als volledig accuraat. Controleer de informatie a.u.b. bij betrouwbare bronnen.)

Best Classical Recordings
on YouTube

Best Classical Recordings
on Spotify