Author: Jean-Michel Serres

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Translation | L’Ombre des jours by Anna de Noailles (1902)

Songs in the Night

The side is the splashed blue and green fires,
Luminous and peaceful Geneva this evening
Sleep in the water of the lake, moving and spilled,
The half-moon arrives at the hight of the mountain and stay

— Fainting spell of the humid and fading air
Which falls depilated on the flows weary and weak;
A ship wait coming to sleep in the roadstead,
It hears a crossing, then decreasing eddy.

The passers-by are going, sing to adventure braves,
Hear the sleepy water lapping
In the large and plain night where squishy carriage
Make a muted noise of footsteps and bells.

A little of wind falls on the near hills
By now, ant winds up to tired trees,
It flows softly an odour of cuisine
At doors of hotels open on the docks.

— And this is suddenly, strange burst
The cry of violins in the shadow who keeps silent,
It’s like if the night was lit up in scarlet
And which all desire of the city sang…

By violins, by sings of Napoli or of Venise,
Music of misery et of stunning,
It’s like if the night same have this crisis
Of laughs, of sighs, of tears, strangely!

The heart the most ranged in this instant overflow
Like a bound captive who breathes so loudly,
That his breath looks make lighten the rope
Till all the being insurgent is out;

Oh singing mediants of roots to Italy,
That follows the noise flying and little bit vivid of silver,
Beautiful members of the melancholy
During the nights that make the happiness more urgent,

Let shake for us their lascivious music,
While the heavy front in the darkness of our hands,
We sense the heart be cracked to the gums.
And the pleasure in by stretching out a superhuman arc.

Break of desire, dreamy acidity,
Entanglement of the nerves and of the sentimental…
— Tell us the wants, the regrets, the brave time,
The boat, the kiss, the ingrate forget end.

Sing assiduously, so that the hot night
Be by you’re all moved and swooning at your turns,
Poor lovers strengthen by all the love that lurk,
Desperate givers of the sad, sweet kiss…

Marvelling

My God, I can’t say how is strong
My heart of this morning become the golden sun,
Before all that shines et sparkles outside.

Must I never exhaust my joy
Of this water shines, de this air that drown me,
Of all of which of the time in my powdered soul!

Will they come a day, in some paradise,
These hills for which I have do many and say many,
Bring me the heat of the perfume of noon,

Will my naïve self be rewarded
That the trees with their branches which step forward
Present me with flowers of complacency?

Do I wait the end et patient turmoil
From rakes of the summer passing in the pebbles
Like the hands which did a long and delicate work.

Shall I have houses with pink-tiled roofs,
With of the sky around, which glides and rests
On the gardens, on the ways, on all things…

Will I see, when the yellow day goes to rising,
On the roots, at the side of the white wall of a convent,
To pass of chariots with the bulls before,

And will I see a happy village, avec their crowd
Of the Sundays, strolling, and creeks that run
Near paddocks planted with hemp and chives;

Will I can, in en reprint taste the smell of the time,
Et make me the heart so tender et so ceded,
That the birds of the air will be accommodated inside?

Oh small, divine, noble and grand earth,
Pace of plays, place of days and of the mystery,
Since the human desire in you quench your thirst,

Why do I have to, I haven’t yet this,
This good calming of the bodies contend and tired,
And that always my heart towards you are shattered…

Rain in Summer

Oh, evening washed by rain and sept by wind,
_ _ Oh, evening and Moon!
A hour withdraws and the other goes ahead,
_ _ Beautiful everyone;

The fresh air seems light all of the fades,
_ _ Of their distresses
Which dans the evening of summer watch many hearts
_ _ That a heart oppress;

These dreams, these sighs, in the air sentimental
_ _ Of the twilights,
Like they stretch, like they glide and hurt,
_ _ Like they circle!

But the beautiful cloud make in the darkness let
_ _ Flow its wave
On the lukewarm of the evening, of too much wounded love,
_ _ Oh profond peace;

What calm! The silence et the good freshness…
_ _ The tree drips;
None of noise in the houses, closed like flowers,
_ _ Nothing on the root;

And in the water-soaked air where more nothing is seated
_ _ Of the human soul
It stands up a smell of ivy and of parsley
_ _ Which goes on…

The Council

Go, be afraid of the destiny:
Which was not this morning.
Coming this evening like the arrow,
In the desire which doesn’t break almost…
The tomorrow is not traced :
You aren’t sure of the past.
It’s to you, you can take it:
But, in the darkness which will go down,
Nothing of hasard is not known him;
I sense like his heart is naked,
Tender, brutal et silent;
Not fear you for night Vénus,
And those affected by love.
Who comes boldly, to his day,
Leading the sparkling,
Ah! Many of plaisir and of tears.

Eternity

Mélissa:

Ô Rhodon, our two heats in we are spilled,
Like if we enjoyed their vivacious water
So that we bit the fruits of low branches,
_ _ Leaning on the peach tree.

Rhodon:

All your days up to now, the smiles and the dances,
And the sudden sorrows, the hope and the deviations,
Appeared my coming and prepared the love.
But the kisses owns many other shrillnesses.

Mélissa:

On the ways by where my eyes saw you coming,
A day I followed you, the eyelid closed,
In oder to retuning in the shadow of thinkings
_ _ All the force of pleasure.

Rhodon:

The following season will not be more beautiful.
Come, let your house, your sisters, your scattered sets,
See, there is not of you, of me, of our looks
Who like the woodpeckers in the forest call.

Mélissa:

I’m shaking, everything fades away, there’s more that us;
The sky is wobbling, the space is tighten up.

Rhodon:

There is no more of you et of me on the earth.
And the small universe bring closer our knees.

Mélissa:

Around the my body weary of your image
I bring all the day your passionate memory
Rolled like a ribbon of anxiety and of desire
_ _ That grips me and rushes me…

Rhodon:

Ah! what divine fear in my boldness hesitates!

Mélissa

My heart is like a wood where gods will com!…

The Song of Daphnis

I don’t know more that the air is tender, that the day
Is shiny, the bright salt, the scented cinnamon,
My soul in all things is now flowing
Except in the certitude of happiness of the love

–When for taking a lemon, you curves a branch
And rise up a little to stones of the road,
I don’t see the golden fruit that so I see your hand,
And the colour of the day that by your white leg.

I know that not exist least where doesn’t mingled
Your desire et the mine enslaved and fierce,
And I don’t have thirsty of the water if you put your mouth
On the edge of the beauty brook full of pebbles rolls.

I don’t believe the time, to the sun, to the storms,
I don’t believe that to the sad and sweet love only.
–It’s the day when you laugh, and the night when you lie,
And the infinity is exhausted at the lake of two faces
When my torment avid aspire your torment…

The Pursuit

The hearts would like well to know well,
But the love dances between the beings,
It goes from the one to the other waiting
And like the wind affects plants
It blends sweet essences;
But the souls that distance themselves
Are more rapid in their run
That the air, the perfume and the source
And teach in vain to obtain,
The love is not neither happy nor tender…

The Plants of Ariane

The wind which make fall the plums,
_ _ The green quinces,
That wobbles the moon,
The wind which leads to the sea,

The wind which breaks and tears,
_ _ The cold wind,
Which it comes et which rages on
On my heart in disarray,

Which it comes like in the leaves,
_ _ The clear wind,
On my heart, et which he picks it.
My heart et its bitter sap.

Ah! that the storm wii coming
_ _ Leap by leap.
Which it take in my head
My pain which bend in the round.

Ah! that it comes et that it taka away
_ _ Running away,
My heavy heart like a door
Which opens et flaps in the wind.

Which it bing it ant which it’s a knockout
_ _ The pieces
To the moon, to the tree, to beasts,
In the air, in the shadow, in the water,

For which come back to me fewer
_ _ Forever,
By my soul and of it own
_ _ That I loved…

The Inspiration

When the burning desire at the bottom of the heart descend,
The beautiful stance is born and prolong the blood.

And when the green forest at the edge of the tremble dream,
The green which is moved that imitate and resemble him.

Rejecting hardly the fearful embarrassment
The close talk turned off like the arms;

And, bouncing so that the fierce sources,
The words go, pressing, crying comme the mouths,

Armed with spur, wings and dart
The words descend or lively blink like a look,

So, tying these flowers at the highest of the shaft,
Exaltation smokes and beats like the time,

And this is that smiling to being watched
The desires in all places lead their divine feet.

The more rude songs, the more strong are those
Which the live thrills with dreams do;

All is bright the thinker which his torment harasses,
Tightening her fingers in her deep hair,
Withdrawals scorched by human sparks.

The First Heartbreak

We walk in summer in the high dust
Of white ways, edges of grass and of soapwort.

The descending sus unravelled on us,
Je saw your hair, your arms and your knees.

The huge perfume of dream and of otherness
Was like a rose bush that blooms and that bless.

I sighed many time by cause of that
For that a little of my soul in blow went away.

The evening flied away, the evening so inclined and so sad,
It was like the end of all that exists.

I could see that nothing about me was bothering you,
In my house this distress et in your house this peace!

I felt, including that my pain was vain,
Some thing finishing et passing away in my veins.

And like the children garde their seriousness,
I talked to you, with this wound at the side…

–I pushed aside the thorny networks as I went.
For that they did not come to tear your face,

We went, I sighed of the cold de your fingers naked,
And when at the end the evening was visited

I listened, without seeing anything on the root following,
Your footsteps tremble within me and walk

We returned so at the rustling garden,
The humidity flew, I heard in passing

–Ah ! like that noise permit in my memory–
In the moving and hot air, squeaky swing

And I retuned so, drunk of the time of summer,
Fed up with it all, passing away of having summer

Me, the boy bold and lively, and you, the woman,
And of bring you all the day on my soul…

You go, You I see

You go, you I see, my shadow, ô myself,
Find some exhaust and marvellous happiness,
But the hope trembles, the air is jaded, the life is fear,
You go, having always more loved that we don’t love you.

More loved, or at least more bitterly loved,
Of a more imminent and warlike distress,
So tired of seeing how everything gives way and ceases,
You cross your arms on your closed heart.

Only and crying beside your proud soul,
You suffer the pain has no equal,
For the leap, for good and evil
Of your evil luck, ardent and perilous

Each day finds you having forgotten all
Of the useless effort and taking breath.
Yet you won’t have pleasure of your sorrow
A demon deflecting your fate is bound.

Having at least of joy which you didn’t have envy,
You will sing love to seasons rolling up,
Maybe it was necessary that to speak well about it
You didn’t know the best of the life…

List of Poetry Translations
(Français, English, Español, Italiano, Deutsch, Nederlands, Svenska)
W. B. Yeats, Rupert Brooke, Anna de Noailles, Léon-Paul Fargue

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Appunti su Domenico Scarlatti e le sue opere

Panoramica

Domenico Scarlatti (1685–1757) è stato un compositore e virtuoso tastierista italiano, noto soprattutto per le sue innovative e tecnicamente impegnative sonate per tastiera. È stato uno dei principali compositori del periodo barocco e una figura influente nello sviluppo della musica per tastiera. Ecco una panoramica della sua vita e dei suoi contributi:

Primi anni di vita e istruzione

Nascita: Scarlatti nacque a Napoli il 26 ottobre 1685, sesto di dieci figli di Alessandro Scarlatti, un rinomato compositore d’opera e una figura di spicco della scuola napoletana.
Formazione: Scarlatti studiò probabilmente sotto la guida del padre, così come di altri importanti musicisti dell’epoca, e dimostrò un prodigioso talento musicale in tenera età.

Momenti salienti della carriera

Appuntamenti anticipati:

Nel 1701, all’età di 16 anni, Scarlatti divenne organista e compositore presso la cappella reale di Napoli.
In seguito, lavorò a Venezia, Roma e altre città italiane, costruendo la sua reputazione di abile musicista e compositore.

Trasferirsi in Iberia:

Nel 1719, si recò a Lisbona per servire come maestro di musica per Maria Barbara, la principessa portoghese. Ciò segnò una svolta nella sua carriera.
Quando Maria Barbara divenne regina di Spagna, Scarlatti la seguì a Madrid, dove trascorse il resto della sua vita.
Sonate per tastiera:

Scarlatti è noto soprattutto per le sue 555 sonate per tastiera, composte principalmente per clavicembalo. Queste opere sono celebrate per il loro uso creativo di armonia, ritmo e tecniche di tastiera.
Le sonate spesso presentano influenze della musica popolare spagnola e portoghese, esibendo vivaci ritmi di danza e colorati schemi melodici.
Innovazione musicale:

Le sue composizioni hanno ampliato i confini dell’esecuzione alla tastiera con incroci di mani, scale rapide, arpeggi e modulazioni non convenzionali, influenzando compositori successivi come Haydn, Mozart e Beethoven.

Vita personale

Scarlatti era un uomo umile e devoto che mantenne una vita relativamente tranquilla nonostante il suo immenso talento. La sua musica ottenne un più ampio riconoscimento solo dopo la sua morte, quando le sue sonate furono pubblicate e ammirate nel XVIII e XIX secolo.

Eredità

Scarlatti è considerato una figura chiave di transizione tra il periodo barocco e quello classico.
Le sue sonate per tastiera sono una parte duratura del repertorio, studiate ed eseguite in tutto il mondo per la loro brillantezza tecnica e profondità espressiva.
Vorresti esplorare aspetti specifici della sua vita o delle sue opere?

Storia

La vita di Domenico Scarlatti è una storia di straordinario talento, innovazione e dedizione alla musica, che si è svolta in alcuni dei centri culturali più vivaci dell’Europa del XVIII secolo. Nato a Napoli nel 1685, lo stesso anno di Johann Sebastian Bach e George Frideric Handel, Scarlatti è cresciuto in una famiglia di musicisti. Suo padre, Alessandro Scarlatti, era una figura di spicco dell’opera barocca e il giovane Domenico è stato immerso nella musica fin da piccolo.

Formatosi in composizione e performance alla tastiera, Domenico si distinse rapidamente come un prodigio. A soli 16 anni, si assicurò un posto come organista e compositore della cappella reale di Napoli. Tuttavia, non passò molto tempo prima che le sue ambizioni e il suo talento lo portassero oltre la sua città natale. Cercando opportunità più ampie, Scarlatti viaggiò a Venezia, dove si mescolò con la fiorente élite musicale della città, e in seguito a Roma, dove acquisì fama per la sua abilità come clavicembalista e compositore.

A Roma, Scarlatti prestò servizio nella casa della regina esiliata Maria Casimira di Polonia e compose opere e musica sacra. Tuttavia, la sua brillantezza alla tastiera lo distinse, guadagnandosi ammirazione e sfidando rivali, tra cui un famoso incontro con Handel. Sebbene i loro stili fossero distinti, i due erano alla pari in abilità e la loro amichevole competizione consolidò la reputazione di Scarlatti.

Una svolta nella vita di Scarlatti avvenne nel 1719, quando si trasferì a Lisbona. Lì, divenne l’insegnante di musica di Maria Barbara, l’Infanta portoghese, che sarebbe rimasta una figura centrale nella sua vita. Sotto il suo patrocinio, Scarlatti prosperò e quando Maria Barbara sposò il futuro re Ferdinando VI di Spagna, la seguì a Madrid. Fu in Spagna che Scarlatti entrò nella fase più produttiva della sua carriera.

Mentre viveva in Iberia, Scarlatti si immerse nelle vivaci tradizioni musicali della regione, traendo ispirazione dalla musica popolare spagnola e portoghese. Le sue composizioni iniziarono a riflettere i ritmi vivaci, le armonie audaci e le scale esotiche di queste tradizioni. Si dedicò alla scrittura di sonate per tastiera, realizzando oltre 550 pezzi che rimangono le sue opere più celebrate. Queste sonate, scritte principalmente per il clavicembalo, mostrarono la sua straordinaria ingegnosità e spinsero i limiti tecnici dello strumento. Da rapidi arpeggi a intricati incroci di mani, la sua musica era sia una gioia da ascoltare che una sfida da suonare.

Scarlatti visse una vita relativamente tranquilla e riservata, devota alla sua musica e ai suoi mecenati. Sebbene compose altre opere, tra cui opere e musica sacra, furono le sue sonate per tastiera a garantire la sua eredità. Morì a Madrid nel 1757, lasciando dietro di sé un corpus di opere che influenzò generazioni di compositori. La musica di Scarlatti fece da ponte tra gli stili barocco e classico, fondendo chiarezza strutturale con espressività emotiva e assicurandosi un posto tra i grandi compositori di musica occidentale.

Caratteristiche della musica

La musica di Domenico Scarlatti è nota per la sua originalità, virtuosismo e approccio innovativo alla composizione, in particolare nelle sue opere per tastiera. Ecco le caratteristiche chiave che definiscono il suo stile:

1. Messa a fuoco della tastiera

L’eredità di Scarlatti risiede in modo schiacciante nelle sue 555 sonate per tastiera, scritte principalmente per il clavicembalo.
Le sue sonate sono spesso opere compatte, in un unico movimento, strutturate in forma binaria, in cui due sezioni contrastanti vengono sviluppate e poi bilanciate simmetricamente.

2. Innovazione tecnica

Le sonate di Scarlatti sono famose per le loro esigenze tecniche, tra cui:
Scale e arpeggi rapidi: mostrano agilità e precisione.
Incroci di mani: frequenti e drammatici, richiedono alle mani dell’esecutore di saltare l’una sull’altra.
Salti estesi: intervalli ampi che mettono alla prova la destrezza di un esecutore.
Ripetizione di note: creano intensità ritmica e vivacità.
Queste tecniche non solo sfidavano gli esecutori del suo tempo, ma ampliavano anche il potenziale espressivo della tastiera.

3. Audacia armonica

Scarlatti spesso impiegava modulazioni e dissonanze inaspettate, creando sorprese nelle sue progressioni armoniche.
Esplorò tonalità remote e audaci spostamenti armonici insoliti per la sua epoca, fornendo un suono fresco e moderno.

4. Vitalità ritmica

La sua musica spesso include sincopi e contrasti ritmici, aggiungendo energia e imprevedibilità.
Scarlatti fu influenzato dai ritmi della danza iberica, che infusero nelle sue sonate lo spirito di danze popolari come la jota e il fandango.

5. Influenze popolari e nazionali

Avendo vissuto in Spagna e Portogallo per gran parte della sua carriera, Scarlatti assorbì elementi della musica popolare iberica:
schemi di strumming simili a quelli della chitarra sono evocati in alcune sonate.
Scale esotiche, come i modi frigi, conferiscono alla sua musica un sapore regionale distintivo.
Si possono udire ornamentazioni melodiche che ricordano il flamenco.

6. Chiarezza ed economia

A differenza dell’elaborato contrappunto dei suoi contemporanei barocchi, Scarlatti usava spesso texture semplici e chiare che si concentravano sulla melodia e sull’accompagnamento.
La sua musica è altamente espressiva nonostante la sua relativa brevità e semplicità strutturale.

7. Espressività dinamica

Scarlatti fece un uso creativo delle capacità dinamiche della tastiera, anche all’interno della gamma limitata del clavicembalo.
La sua musica contrappone spesso passaggi giocosi ed esuberanti a momenti lirici e riflessivi.

8. Contrasto e dramma

Le sonate di Scarlatti spesso accostano brillantezza virtuosistica e fascino introspettivo all’interno di un’unica opera.
Utilizza contrasti drammatici nella consistenza, nel ritmo e nell’armonia per mantenere interesse e profondità emotiva.

9. Transizione dal Barocco al Classico

Sebbene radicate nell’idioma barocco, le sonate di Scarlatti anticipano elementi dello stile classico:
enfatizzano l’equilibrio e la chiarezza.
La sua esplorazione della forma e dell’espressione prefigura le opere di compositori successivi come Haydn e Mozart.

Conclusione

La musica di Domenico Scarlatti unisce la maestria tecnica alla profondità emotiva, fondendo le complessità del Barocco con l’innovazione lungimirante. Le sue sonate rimangono una pietra angolare del repertorio per tastiera, ammirate per la loro inventiva, fascino e brillantezza.

Relazioni con altri compositori

1. Alessandro Scarlatti (padre)

Relazione: Alessandro era il padre di Domenico e una figura di spicco nell’opera barocca. Fu il primo insegnante di musica di Domenico e un’influenza importante sul suo sviluppo iniziale.

Impatto: l’attenzione di Alessandro per la musica vocale e la sua padronanza del contrappunto e dell’armonia hanno probabilmente plasmato le basi compositive di Domenico, anche se alla fine Domenico ha scelto una strada diversa, concentrandosi sulla musica per tastiera.

2. Arcangelo Corelli

Collegamento: Mentre era a Roma, Domenico lavorò in ambienti influenzati da Corelli, che era stato attivo lì in precedenza. L’enfasi di Corelli sulla melodia e sulla chiarezza armonica potrebbe aver influenzato sottilmente Scarlatti, ma non ci sono prove di un’interazione diretta.

Sovrapposizione: Entrambi contribuirono all’evoluzione della musica barocca a Roma, anche se la fama di Scarlatti crebbe maggiormente dopo l’epoca di Corelli.

3. Giorgio Federico Handel

Relazione: Scarlatti e Handel si sfidarono in una gara di tastiera a Roma intorno al 1708. Secondo i resoconti, Scarlatti fu ritenuto superiore al clavicembalo, mentre Handel eccelleva all’organo.

Rispetto reciproco: si dice che Scarlatti ammirasse molto Handel, tanto che una volta esclamò: “Handel è il più grande compositore di tutti”. Nonostante la loro competizione, l’incontro riflette un riconoscimento reciproco piuttosto che una rivalità.

4. Johann Sebastian Bach

Relazione: Scarlatti e Bach erano contemporanei, ma non ci sono prove che si siano mai incontrati. Tuttavia, la loro nascita nello stesso anno (1685) ha spesso invitato a fare paragoni.

Differenze stilistiche: Sebbene entrambi abbiano dato un contributo significativo alla musica per tastiera, Scarlatti si è concentrato maggiormente sulla scrittura idiomatica per clavicembalo e sulle influenze iberiche, mentre Bach era radicato nel contrappunto tedesco e nelle tradizioni luterane.

5. Maria Barbara del Portogallo

Collegamento con i compositori: Sebbene non fosse una compositrice, Maria Barbara, mecenate e studentessa di Scarlatti, ebbe un ruolo fondamentale nella sua vita. Tramite lei, Scarlatti fu introdotto alle corti spagnola e portoghese, dove assorbì le influenze folk regionali che definiscono gran parte della sua musica.

Influenza indiretta: l’ambiente di Scarlatti alla corte spagnola lo aveva esposto alle opere di altri compositori di corte, sebbene i loro nomi siano meno importanti nelle fonti storiche.

6. Altri compositori napoletani

Francesco Durante e Leonardo Leo: Scarlatti condivideva un legame culturale con questi compositori napoletani, poiché tutti contribuirono al fiorire della musica nell’Italia meridionale. Tuttavia, non ci sono prove documentate di collaborazioni o interazioni dirette.

7. Antonio Soler

Relazione: Soler, compositore e monaco spagnolo, fu direttamente influenzato da Scarlatti. Sebbene non si sovrapponessero in modo significativo nel tempo, Soler studiò le sonate di Scarlatti e adottò tecniche simili nelle sue opere, continuando l’eredità di Scarlatti nella musica per tastiera iberica.

Riepilogo

I rapporti diretti di Scarlatti con compositori come Alessandro Scarlatti e Handel riflettono una vita plasmata da tutoraggio familiare e incontri di alto profilo. Mentre la sua musica divergeva dai suoi contemporanei come Bach e Handel, il suo stile innovativo gettò le basi per le generazioni future, influenzando compositori come Antonio Soler e persino maestri dell’era classica.

Come tastierista

Domenico Scarlatti non è stato solo un compositore rivoluzionario, ma anche un virtuoso tastierista, rinomato per la sua straordinaria abilità e tecnica inventiva. Le sue abilità alla tastiera sono state parte integrante della sua eredità, plasmando le sue composizioni e influenzando l’evoluzione dell’esecuzione alla tastiera.

Maestria e virtuosismo

Abilità tecnica:

Scarlatti fu celebrato per la sua abilità tecnica senza pari. Spinse i confini dell’esecuzione alla tastiera con tecniche che erano rivoluzionarie per il suo tempo. Le sue sonate spesso includono scale rapide, arpeggi, incroci di mani e grandi salti, tutti elementi che riflettono le sue abilità come esecutore.
I resoconti contemporanei sottolineano la sua fluidità e precisione, che erano essenziali per l’esecuzione delle sue opere per tastiera complesse e altamente idiomatiche.

Incroci di mani:

Una delle tecniche distintive di Scarlatti era l’uso drammatico degli incroci di mani, in cui una mano salta sull’altra per suonare le note sul lato opposto della tastiera. Ciò non solo metteva in mostra la sua destrezza, ma creava anche texture ed effetti unici.

Giocosità ritmica e dinamica:

Il suo modo di suonare era caratterizzato da vitalità ritmica e uso espressivo della dinamica, che portava energia e colore alle sue performance. Sebbene il clavicembalo abbia una gamma dinamica limitata, Scarlatti ne sfruttò le capacità per creare contrasti e sfumature.

Innovazioni nella tecnica della tastiera

Diteggiatura non convenzionale:

Le sonate di Scarlatti richiedevano spesso agli esecutori di adottare diteggiature innovative per gestire le loro esigenze tecniche. Ciò incoraggiava i musicisti a ripensare le tecniche standard della tastiera.
Ampia gamma della tastiera:

Scarlatti sfruttò appieno l’estensione del clavicembalo, esplorando i registri alti e bassi in modo più esteso di molti suoi contemporanei.
Imitazione di altri strumenti:

Il modo di suonare la tastiera di Scarlatti spesso imitava i suoni di altri strumenti, in particolare la chitarra spagnola. Il suo uso di note ripetute rapide, trilli e pattern simili a strumming riflettevano la sua immersione nelle tradizioni musicali iberiche.

Riconoscimento da parte dei contemporanei

Concorrenza con Handel:

La famosa gara tra Scarlatti e George Frideric Handel a Roma intorno al 1708 dimostrò la sua reputazione di formidabile tastierista. Mentre Handel era ritenuto superiore all’organo, Scarlatti era considerato ineguagliabile al clavicembalo.

Ammirazione da parte di studenti e mecenati:

Maria Barbara del Portogallo, in seguito regina di Spagna, non fu solo la sua mecenate, ma anche la sua devota studentessa. Il suo entusiasmo per il suo modo di suonare e insegnare sottolinea la sua capacità di affascinare e ispirare.

Stile di prestazione

Libertà espressiva:

Le esecuzioni di Scarlatti erano probabilmente caratterizzate da un certo gusto per l’improvvisazione, una qualità che si rispecchiava nella natura spontanea e inventiva delle sue sonate.

Collegamento con la danza:

Il suo modo di suonare rifletteva spesso i ritmi vivaci e il carattere delle danze, in particolare quelle di origine spagnola, conferendo una vivacità unica alle sue esibizioni.

L’eredità di un artista

L’arte della tastiera di Scarlatti ha lasciato un segno duraturo nello sviluppo della tecnica e della composizione della tastiera. La sua enfasi sul virtuosismo e l’innovazione ha influenzato i compositori e gli esecutori successivi, stabilendo nuovi standard per ciò che era possibile sul clavicembalo e, in seguito, sul fortepiano.

Cronologia

1685–1700: Primi anni di vita a Napoli
1685: Nato il 26 ottobre a Napoli, Italia, sesto figlio di Alessandro Scarlatti, un importante compositore d’opera, e Antonia Anzalone.
Anni 1690: Probabilmente ricevette la sua prima formazione musicale da suo padre e da altri noti musicisti napoletani.
1701: A 16 anni, nominato organista e compositore presso la Cappella Reale di Napoli.
1701–1714: Primi anni di carriera in Italia
1702: Viaggiò con suo padre a Firenze e forse in altre città italiane, dove fu esposto a diversi stili musicali.
1705: Si trasferì a Venezia, dove si dice studiò e perfezionò le sue abilità come tastierista.
1708: Divenne maestro di cappella (direttore musicale) della regina Maria Casimira di Polonia, che viveva in esilio a Roma. Durante questo periodo, compose opere e musica sacra.
1708 (o prima): Partecipò a un famoso concorso di tastiera a Roma con George Frideric Handel, ottenendo il riconoscimento di virtuoso del clavicembalo.
1710–1714: Compose opere come Tetide in Sciro (1712) e Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714) durante il suo mandato a Roma.
1714–1719: Transizione e crescente reputazione
1714: Nominato maestro di cappella della Basilica di San Pietro a Roma. Scrisse più musica sacra e opere durante questo periodo.
1715: Viaggiò brevemente a Londra, dove fu eseguita una delle sue opere, Narciso.
1719: Lasciò Roma per Lisbona, Portogallo, dove divenne maestro di musica di Maria Barbara, l’Infanta portoghese.
1719–1733: Periodo di Lisbona
1719–1729: Visse e lavorò alla corte portoghese, insegnando e componendo. In questo periodo la sua attenzione si spostò sempre più verso la musica per tastiera.
1728: Maria Barbara sposò Ferdinando, principe ereditario di Spagna, assicurandosi il continuo patrocinio di Scarlatti.
1729: accompagnò Maria Barbara e suo marito a Siviglia per un breve periodo.
1733–1757: periodo di Madrid e opere della maturità
1733: si stabilì a Madrid, in Spagna, dove rimase per il resto della sua vita come compositore di corte di Maria Barbara, ora regina di Spagna.
1738: la prima raccolta delle sue sonate per tastiera fu pubblicata a Londra come Essercizi per gravicembalo.
Anni 1730–1750: compose la maggior parte delle sue 555 sonate per tastiera, mostrando le sue innovazioni nella tecnica della tastiera e incorporando influenze dalla musica popolare iberica.
1746: Ferdinando divenne re di Spagna, consolidando ulteriormente il ruolo di Scarlatti a corte.
1754: ricevette il cavalierato da papa Benedetto XIV, un raro onore per un compositore.
1757: Morte ed eredità
1757: Muore il 23 luglio a Madrid, Spagna, all’età di 71 anni. Sepolto a Madrid, anche se il luogo esatto della sua tomba rimane sconosciuto.
Riconoscimento postumo: Mentre le sue sonate per tastiera erano apprezzate durante la sua vita, la sua fama crebbe significativamente nel XIX e XX secolo, consolidando il suo status di figura fondamentale nella musica per tastiera.

Fasi chiave in sintesi

Inizi napoletani (1685–1714): formazione iniziale, opere italiane e la sua ascesa come virtuoso della tastiera.
Periodo portoghese (1719–1733): concentrato sull’insegnamento, sulla musica di corte e sullo sviluppo del suo stile per tastiera.
Periodo spagnolo (1733–1757): produzione prolifica di sonate e assimilazione di influenze musicali iberiche.

Notevoli lavori solisti per clavicembalo

Le sonate per tastiera di Domenico Scarlatti costituiscono il nucleo dei suoi contributi al repertorio per clavicembalo, con 555 sonate che mettono in mostra il suo stile innovativo e il suo virtuosismo. Queste sonate sono opere in un unico movimento, più comunemente in forma binaria. Ecco alcune delle sue sonate più note e frequentemente eseguite, organizzate in base ai loro numeri di Kirkpatrick (K):

1. Sonata in re minore, K. 1

Caratteristiche: Un brano lirico e malinconico con eleganti ornamenti.
Significato: Spesso suonato come introduzione allo stile di Scarlatti, evidenziando il suo uso espressivo del clavicembalo.

2. Sonata in re maggiore, K. 96

Caratteristiche: Un’opera luminosa e celebrativa con scale rapide e incroci di mani giocosi.
Significato: Una vetrina dell’innovazione tecnica di Scarlatti e dell’energia ritmica di ispirazione iberica.

3. Sonata in do maggiore, K. 159 (“La Caccia”)

Caratteristiche: Noto per i suoi vivaci motivi di caccia, che imitano il suono dei corni e il galoppo.
Significato: Dimostra l’abilità di Scarlatti nella scrittura programmatica e la capacità di evocare immagini attraverso la musica.

4. Sonata in fa minore, K. 466

Caratteristiche: Oscuro e introspettivo, con texture complesse e armonie toccanti.
Significato: Esemplifica la sua padronanza della profondità espressiva entro i limiti del clavicembalo.

5. Sonata in mi maggiore, K. 380

Caratteristiche: Una sonata popolare ed elegante con melodie liriche e struttura equilibrata.
Significato: Spesso usata come pezzo da recital per il suo fascino e l’accessibilità tecnica.

6. Sonata in sol maggiore, K. 427

Caratteristiche: Presenta note ripetute rapide e ritmi energici, evocando le tradizioni della danza spagnola.
Significato: Mette in risalto le influenze iberiche di Scarlatti e l’inventiva ritmica.

7. Sonata in si minore, K. 27

Caratteristiche: Misterioso e introspettivo, con arpeggi fluidi e sottili cambiamenti armonici.
Significato: Un favorito tra gli artisti per la sua profondità emotiva e la sua bellezza.

8. Sonata in Do maggiore, K. 513

Caratteristiche: Incorpora effetti di strumming che imitano la chitarra spagnola.
Significato: Un esempio per eccellenza dell’integrazione di elementi folk da parte di Scarlatti nelle sue opere per tastiera.

9. Sonata in mi minore, K. 98

Caratteristiche: Un’opera drammatica, ritmicamente complessa che alterna passaggi lirici e virtuosistici.
Significato: Dimostra la capacità di Scarlatti di combinare brillantezza tecnica con espressività emotiva.

10. Sonata in la maggiore, K. 208

Caratteristiche: Un brano aggraziato e meditativo, più lento nel tempo con eleganti ornamenti.
Significato: Noto per la sua serena bellezza, contrasta con le sonate di Scarlatti tecnicamente più impegnative.

Note generali sulle Sonate

Le sonate di Scarlatti spesso mostrano effetti di strumming simili a quelli della chitarra, ritmi ispirati alla danza e modulazioni inaspettate.
Riflettono virtuosismo, talento per l’improvvisazione e un’integrazione delle tradizioni musicali iberiche.
Queste opere sono celebrate sia come studi tecnici per tastieristi sia come capolavori autonomi del repertorio per clavicembalo. Vorresti consigli su registrazioni o analisi di una sonata specifica?

Opere notevoli

Opere

La produzione operistica di Scarlatti, che risale in gran parte ai suoi esordi in Italia, dimostra la sua abilità nella composizione vocale e l’eredità dello stile operistico del padre Alessandro.

Ottavia restituita al trono (1703)

Dettagli: Una delle prime opere di Scarlatti, rappresentata a Napoli.
Significato: Mette in mostra la sua prima esplorazione dell’espressione drammatica e dell’orchestrazione.

Tetide in Sciro (1712)

Dettagli: Un’opera seria composta durante il suo soggiorno a Roma.
Significato: Rappresenta la sua capacità di creare linee vocali avvincenti e di impegnarsi con le tradizioni operistiche della sua epoca.

Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714)

Dettagli: Un’opera spensierata (spesso classificata come intermezzo) che dimostra la sua abilità nella caratterizzazione comica.
Significato: Evidenzia la sua versatilità e arguzia come compositore d’opera.

Musica Sacra

La musica sacra di Scarlatti comprende composizioni corali e strumentali scritte durante il suo mandato a Roma e anche successivamente.

Stabat Mater in do minore (1715 circa)

Dettagli: Un’opera per dieci voci e basso continuo.
Significato: Noto per la sua profonda profondità emotiva e la sua intricata polifonia, è una delle opere sacre più celebrate di Scarlatti.

Missa quatuor vocum (Messa a quattro voci)

Dettagli: Un’ambientazione concisa ed elegante della messa.
Significato: Dimostra la sua padronanza della scrittura vocale e del contrappunto.

Salve Regina (varie ambientazioni)

Dettagli: Sono sopravvissute diverse ambientazioni di questo inno mariano, che mettono in mostra la devozione e l’abilità di Scarlatti nella composizione sacra.
Significato: Combina l’espressività lirica con la chiarezza strutturale.

Opere da Camera e Strumentali

Sinfonie

Dettagli: Scarlatti compose diverse sinfonie, brevi lavori orchestrali solitamente usati come introduzioni alle opere o pezzi da concerto autonomi.
Significato: Questi lavori riflettono lo stile di transizione tra la scrittura orchestrale barocca e quella classica.

Sonata per violino e basso continuo in re minore

Dettagli: Uno dei pochi pezzi strumentali da camera sopravvissuti.
Significato: Evidenzia il suo interesse per la melodia e l’accompagnamento oltre la tastiera.

Opere vocali

Cantate

Dettagli: Scarlatti compose numerose cantate per voce sola e basso continuo, spesso esplorando temi secolari di amore e desiderio.
Esempi notevoli: Clori, che m’ami e Bella dama di nome Santa.
Significato: Queste opere illustrano il suo dono lirico e la sua affinità per la musica vocale.

Mottetti

Dettagli: I mottetti di Scarlatti sono composizioni sacre di dimensioni ridotte per voci soliste e basso continuo.
Significato: Dimostrano la sua abilità nel fondere la scrittura solista espressiva con temi spirituali.

Contributo complessivo oltre la musica per tastiera

Sebbene le opere non per tastiera di Scarlatti siano meno celebrate delle sue sonate, forniscono una preziosa panoramica della sua più ampia gamma compositiva. Le sue opere e la sua musica sacra rivelano una profonda comprensione della voce umana, mentre le sue opere strumentali e orchestrali riflettono le innovazioni stilistiche del suo tempo.

(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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Apuntes sobre Domenico Scarlatti y sus obras

Descripción general

Domenico Scarlatti (1685-1757) fue un compositor y virtuoso teclista italiano, conocido por sus innovadoras y técnicamente exigentes sonatas para teclado. Fue uno de los principales compositores del período barroco y una figura influyente en el desarrollo de la música para teclado. A continuación, se ofrece un resumen de su vida y sus contribuciones:

Vida temprana y educación

Nacimiento: Scarlatti nació en Nápoles el 26 de octubre de 1685, el sexto de diez hijos de Alessandro Scarlatti, un reconocido compositor de ópera y figura destacada de la escuela napolitana.
Formación: Scarlatti probablemente estudió con su padre, así como con otros músicos destacados de la época, y demostró un talento musical prodigioso a una edad temprana.

Momentos destacados de su carrera

Citas anticipadas:

En 1701, a los 16 años, Scarlatti se convirtió en organista y compositor de la capilla real de Nápoles.
Más tarde, trabajó en Venecia, Roma y otras ciudades italianas, donde se ganó una reputación como músico y compositor experto.

Mudarse a Iberia:

En 1719 viajó a Lisboa para trabajar como maestro de música de María Bárbara, la princesa portuguesa. Esto marcó un punto de inflexión en su carrera.
Cuando María Bárbara se convirtió en reina de España, Scarlatti la siguió a Madrid, donde pasó el resto de su vida.
Sonatas para teclado:

Scarlatti es más conocido por sus 555 sonatas para teclado, compuestas principalmente para clavecín. Estas obras son famosas por su uso inventivo de la armonía, el ritmo y las técnicas del teclado.
Las sonatas suelen presentar influencias de la música folclórica española y portuguesa, mostrando ritmos de baile animados y patrones melódicos coloridos.
Innovación musical:

Sus composiciones ampliaron los límites de la interpretación del teclado con cruces de manos, escalas rápidas, arpegios y modulaciones no convencionales, influyendo en compositores posteriores como Haydn, Mozart y Beethoven.

Vida personal

Scarlatti era un hombre humilde y devoto que mantuvo una vida relativamente tranquila a pesar de su inmenso talento. Su música obtuvo un mayor reconocimiento sólo después de su muerte, cuando sus sonatas fueron publicadas y admiradas en los siglos XVIII y XIX.

Legado

Scarlatti es considerado una figura clave de transición entre los períodos barroco y clásico.
Sus sonatas para teclado son una parte imperecedera del repertorio, estudiadas e interpretadas en todo el mundo por su brillantez técnica y profundidad expresiva.
¿Te gustaría explorar algún aspecto específico de su vida o de su obra?

Historia

La vida de Domenico Scarlatti es una historia de talento extraordinario, innovación y devoción por la música, que se desarrolló en algunos de los centros culturales más vibrantes de la Europa del siglo XVIII. Nacido en Nápoles en 1685, el mismo año que Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel, Scarlatti creció en un hogar musical. Su padre, Alessandro Scarlatti, fue una figura destacada de la ópera barroca, y el joven Domenico estuvo inmerso en la música desde una edad temprana.

Formado en composición e interpretación de teclado, Domenico se destacó rápidamente como un prodigio. Con tan solo 16 años consiguió un puesto como organista y compositor de la capilla real de Nápoles. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que sus ambiciones y su talento lo llevaran más allá de su ciudad natal. En busca de oportunidades más amplias, Scarlatti viajó a Venecia, donde se mezcló con la floreciente élite musical de la ciudad, y más tarde a Roma, donde ganó renombre por su habilidad como clavecinista y compositor.

En Roma, Scarlatti sirvió en la casa de la exiliada reina María Casimira de Polonia y compuso óperas y música sacra. Sin embargo, su brillantez al teclado lo distinguió, ganándose la admiración y desafiando a sus rivales, incluido un famoso encuentro con Handel. Aunque sus estilos eran distintos, los dos eran iguales en habilidad y su amistosa competencia consolidó la reputación de Scarlatti.

En 1719, Scarlatti vivió un momento decisivo: se trasladó a Lisboa, donde se convirtió en profesor de música de María Bárbara, la infanta portuguesa que seguiría siendo una figura central en su vida. Bajo su patrocinio, Scarlatti prosperó y, cuando María Bárbara se casó con el futuro rey Fernando VI de España, él la siguió a Madrid. Fue en España donde Scarlatti entró en la fase más productiva de su carrera.

Mientras vivía en Iberia, Scarlatti se sumergió en las vibrantes tradiciones musicales de la región, inspirándose en la música folclórica española y portuguesa. Sus composiciones comenzaron a reflejar los ritmos animados, las armonías audaces y las escalas exóticas de estas tradiciones. Se dedicó a escribir sonatas para teclado, creando más de 550 piezas que siguen siendo sus obras más célebres. Estas sonatas, escritas principalmente para clavecín, mostraron su extraordinario ingenio y empujaron los límites técnicos del instrumento. Desde rápidos arpegios hasta intrincados cruces de manos, su música era a la vez un deleite para escuchar y un desafío para tocar.

Scarlatti vivió una vida relativamente tranquila y privada, dedicada a su música y a sus mecenas. Aunque compuso otras obras, incluidas óperas y música sacra, fueron sus sonatas para teclado las que aseguraron su legado. Falleció en Madrid en 1757, dejando tras de sí un conjunto de obras que influyeron en generaciones de compositores. La música de Scarlatti unió los estilos barroco y clásico, combinando claridad estructural con expresividad emocional y asegurando su lugar entre los grandes compositores de la música occidental.

Características de la música

La música de Domenico Scarlatti es conocida por su originalidad, virtuosismo y enfoque innovador de la composición, en particular en sus obras para teclado. Estas son las características clave que definen su estilo:

1. Enfoque del teclado

El legado de Scarlatti se encuentra, en gran medida, en sus 555 sonatas para teclado, escritas principalmente para clave.
Sus sonatas suelen ser obras compactas, de un solo movimiento, estructuradas en forma binaria, en las que se desarrollan dos secciones contrastantes que luego se equilibran simétricamente.

2. Innovación técnica

Las sonatas de Scarlatti son famosas por sus exigencias técnicas, entre las que se incluyen:
Escalas rápidas y arpegios: que demuestran agilidad y precisión.
Cruces de manos: frecuentes y dramáticos, que requieren que las manos del intérprete salten una sobre otra.
Saltos prolongados: intervalos amplios que ponen a prueba la destreza del intérprete.
Repetición de notas: que crean intensidad y vitalidad rítmicas.
Estas técnicas no solo desafiaron a los intérpretes de su época, sino que también ampliaron el potencial expresivo del teclado.

3. Audacia armónica

Scarlatti a menudo empleaba modulaciones y disonancias inesperadas, creando sorpresas en sus progresiones armónicas.
Exploró tonos remotos y cambios armónicos audaces que eran inusuales para su época, lo que le dio un sonido fresco y moderno.

4. Vitalidad rítmica

Su música incluye a menudo síncopas y contrastes rítmicos, que aportan energía e imprevisibilidad.
Scarlatti recibió la influencia de los ritmos de danza ibéricos, que impregnaron sus sonatas del espíritu de danzas folclóricas como la jota y el fandango.

5. Influencias folklóricas y nacionales

Scarlatti vivió en España y Portugal durante gran parte de su carrera, donde absorbió elementos de la música folclórica ibérica:
en algunas sonatas se evocan patrones de rasgueo similares a los de la guitarra.
Las escalas exóticas, como los modos frigios, le dan a su música un sabor regional distintivo.
Se puede escuchar una ornamentación melódica que recuerda al flamenco.

6. Claridad y economía

A diferencia del elaborado contrapunto de sus contemporáneos barrocos, Scarlatti solía utilizar texturas simples y claras que se centraban en la melodía y el acompañamiento.
Su música es muy expresiva a pesar de su relativa brevedad y simplicidad estructural.

7. Expresividad dinámica

Scarlatti hizo un uso inventivo de las capacidades dinámicas del teclado, incluso dentro del rango limitado del clavicémbalo.
Su música contrasta frecuentemente pasajes lúdicos y exuberantes con momentos líricos y reflexivos.

8. Contraste y drama

Las sonatas de Scarlatti suelen yuxtaponer brillantez virtuosa con encanto introspectivo en una misma obra.
Utiliza contrastes dramáticos en textura, ritmo y armonía para mantener el interés y la profundidad emocional.

9. Transición del barroco al clasicismo

Aunque tienen sus raíces en el estilo barroco, las sonatas de Scarlatti anticipan elementos del estilo clásico:
enfatizan el equilibrio y la claridad.
Su exploración de la forma y la expresión prefigura las obras de compositores posteriores como Haydn y Mozart.

Conclusión

La música de Domenico Scarlatti combina maestría técnica con profundidad emocional, fusionando las complejidades del barroco con innovaciones vanguardistas. Sus sonatas siguen siendo una piedra angular del repertorio para teclado, admiradas por su inventiva, encanto y brillantez.

Relaciones con otros compositores

1. Alessandro Scarlatti (Padre)

Relación: Alessandro era el padre de Domenico y una figura destacada de la ópera barroca. Fue el primer profesor de música de Domenico y ejerció una gran influencia en su formación temprana.

Impacto: El enfoque de Alessandro en la música vocal y su dominio del contrapunto y la armonía probablemente dieron forma a la base compositiva de Domenico, aunque Domenico finalmente eligió un camino diferente al centrarse en la música para teclado.

2. Arcángel Corelli

Conexión: Durante su estancia en Roma, Domenico trabajó en entornos influenciados por Corelli, que había trabajado allí anteriormente. El énfasis de Corelli en la melodía y la claridad armónica puede haber influido sutilmente en Scarlatti, pero no hay pruebas de una interacción directa.

Superposición: Ambos contribuyeron a la evolución de la música barroca en Roma, aunque la fama de Scarlatti creció más después de la época de Corelli.

3. George Friedrich Handel

Relación: Scarlatti y Handel compitieron en un famoso concurso de teclado en Roma alrededor de 1708. Según los relatos, Scarlatti era considerado superior en el clavicémbalo, mientras que Handel sobresalía en el órgano.

Respeto mutuo: Scarlatti admiraba mucho a Handel, e incluso llegó a exclamar: “Handel es el mejor compositor de todos”. A pesar de la competencia, el encuentro refleja un reconocimiento mutuo más que una rivalidad.

4. Johann Sebastian Bach

Relación: Scarlatti y Bach fueron contemporáneos, pero no hay constancia de que se conocieran. Sin embargo, su nacimiento en el mismo año (1685) ha dado lugar a comparaciones a menudo.

Diferencias estilísticas: Si bien ambos contribuyeron significativamente a la música para teclado, Scarlatti se centró más en la escritura idiomática para clavecín y en las influencias ibéricas, mientras que Bach tenía sus raíces en el contrapunto alemán y las tradiciones luteranas.

5. María Bárbara de Portugal

Conexión con compositores: Aunque no era compositora, María Bárbara, mecenas y alumna de Scarlatti, desempeñó un papel fundamental en su vida. A través de ella, Scarlatti conoció las cortes española y portuguesa, donde absorbió las influencias del folclore regional que definen gran parte de su música.

Influencia indirecta: El entorno de Scarlatti en la corte española lo habría expuesto a las obras de otros compositores de la corte, aunque sus nombres son menos prominentes en el registro histórico.

6. Otros compositores napolitanos

Francesco Durante y Leonardo Leo: Scarlatti compartía una conexión cultural con estos compositores napolitanos, ya que todos ellos contribuyeron al florecimiento de la música en el sur de Italia. Sin embargo, no hay evidencia documentada de colaboraciones o interacciones directas.

7. Antonio Soler

Relación: Soler, compositor y monje español, recibió una influencia directa de Scarlatti. Aunque no coincidieron mucho en el tiempo, Soler estudió las sonatas de Scarlatti y adoptó técnicas similares en sus propias obras, continuando el legado de Scarlatti en la música ibérica para teclado.

Resumen

Las relaciones directas de Scarlatti con compositores como Alessandro Scarlatti y Handel reflejan una vida marcada por la mentoría familiar y los encuentros de alto perfil. Si bien su música se apartó de la de sus contemporáneos, como Bach y Handel, su estilo innovador sentó las bases para las generaciones futuras, influyendo en compositores como Antonio Soler e incluso en maestros de la era clásica.

Como teclista

Domenico Scarlatti no sólo fue un compositor innovador, sino también un virtuoso teclista, reconocido por su extraordinaria habilidad y su técnica inventiva. Sus habilidades con el teclado fueron fundamentales para su legado, moldeando sus composiciones e influyendo en la evolución de la interpretación de teclado.

Maestría y Virtuosidad

Destreza técnica:

Scarlatti fue célebre por su habilidad técnica sin igual. Amplió los límites de la interpretación del teclado con técnicas que fueron revolucionarias para su época. Sus sonatas a menudo incluyen escalas rápidas, arpegios, cruces de manos y grandes saltos, todo lo cual refleja sus propias habilidades como intérprete.
Los relatos contemporáneos destacan su fluidez y precisión, que fueron esenciales para ejecutar sus complejas y altamente idiomáticas obras para teclado.

Cruces de manos:

Una de las técnicas distintivas de Scarlatti era el uso dramático de los cruces de manos, en los que una mano salta sobre la otra para tocar notas en el lado opuesto del teclado. Esto no solo mostraba su destreza, sino que también creaba texturas y efectos únicos.

Juego rítmico y dinámico:

Su forma de tocar se caracterizó por su vitalidad rítmica y su uso expresivo de la dinámica, aportando energía y color a sus interpretaciones. Aunque el clavicémbalo tiene un rango dinámico limitado, Scarlatti explotó sus capacidades para crear contrastes y matices.

Innovaciones en la técnica del teclado

Digitación no convencional:

Las sonatas de Scarlatti a menudo exigían a los intérpretes que adoptaran digitaciones innovadoras para satisfacer sus exigencias técnicas, lo que alentó a los intérpretes a repensar las técnicas estándar de teclado.
Amplia gama de teclas:

Scarlatti hizo un uso completo de la gama del clavicémbalo, explorando los registros agudos y graves más extensamente que muchos de sus contemporáneos.
Imitación de otros instrumentos:

La forma de tocar el teclado de Scarlatti a menudo imitaba los sonidos de otros instrumentos, especialmente la guitarra española. Su uso de notas rápidas y repetidas, trinos y patrones similares a rasgueos reflejaba su inmersión en las tradiciones musicales ibéricas.

Reconocimiento por parte de los contemporáneos

Competencia con Handel:

El famoso concurso entre Scarlatti y Georg Friedrich Handel en Roma alrededor de 1708 demostró su reputación como formidable tecladista. Mientras que Handel era considerado superior en el órgano, Scarlatti era considerado inigualable en el clavecín.

Admiración de estudiantes y patrocinadores:

María Bárbara de Portugal, más tarde reina de España, no sólo fue su protectora, sino también su devota alumna. Su entusiasmo por su forma de tocar y enseñar subraya su capacidad para cautivar e inspirar.

Estilo de interpretación

Libertad expresiva:

Las interpretaciones de Scarlatti probablemente se caracterizaban por un estilo improvisado, una cualidad reflejada en la naturaleza espontánea e inventiva de sus sonatas.

Conexión con la Danza:

Su forma de tocar reflejaba a menudo los ritmos vivos y el carácter de las danzas, especialmente las de origen español, lo que otorgaba una vitalidad única a sus actuaciones.

El legado como artista

El arte de Scarlatti con el teclado dejó una marca duradera en el desarrollo de la técnica y la composición para teclado. Su énfasis en el virtuosismo y la innovación influyó en compositores e intérpretes posteriores, estableciendo nuevos estándares de lo que era posible con el clavicémbalo y, más tarde, con el fortepiano.

Cronología

1685–1700: Primeros años en Nápoles
1685: Nació el 26 de octubre en Nápoles, Italia, como el sexto hijo de Alessandro Scarlatti, un destacado compositor de ópera, y Antonia Anzalone.
Década de 1690: Probablemente recibió su primera formación musical de su padre y otros notables músicos napolitanos.
1701: A los 16 años, fue nombrado organista y compositor de la Capilla Real de Nápoles.
1701–1714: Primeros años en Italia
1702: Viajó con su padre a Florencia y posiblemente a otras ciudades italianas, donde estuvo expuesto a diversos estilos musicales.
1705: Se mudó a Venecia, donde, según se informa, estudió y perfeccionó sus habilidades como teclista.
1708: Se convirtió en maestro de capilla (director musical) de la reina María Casimira de Polonia, que vivía exiliada en Roma. Durante este tiempo, compuso óperas y música sacra.
1708 (o antes): Participó en un famoso concurso de teclado en Roma con George Frideric Handel, ganando reconocimiento como virtuoso del clavecín.
1710-1714: Compuso óperas como Tetide in Sciro (1712) y Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714) durante su mandato en Roma.
1714-1719: Transición y creciente reputación
1714: Nombrado maestro de capilla de la Basílica de San Pedro en Roma. Escribió más música sacra y óperas durante este período.
1715: Viajó brevemente a Londres, donde se representó una de sus óperas, Narciso.
1719: Dejó Roma para Lisboa, Portugal, donde se convirtió en maestro de música de María Bárbara, la infanta portuguesa.
1719-1733: Período de Lisboa
1719-1729: Vivió y trabajó en la corte portuguesa, enseñando y componiendo. Su enfoque cambió cada vez más hacia la música para teclado durante este tiempo.
1728: María Bárbara se casó con Fernando, Príncipe Heredero de España, asegurando el patrocinio continuo de Scarlatti.
1729: Acompañó a María Bárbara y a su esposo a Sevilla por un breve período.
1733-1757: Período de Madrid y obras maduras
1733: Se estableció en Madrid, España, donde permaneció por el resto de su vida como compositor de la corte de María Bárbara, ahora Reina de España.
1738: La primera colección de sus sonatas para teclado se publicó en Londres como Essercizi per gravicembalo.
Década de 1730-1750: Compuso la mayoría de sus 555 sonatas para teclado, mostrando sus innovaciones en la técnica del teclado e incorporando influencias de la música folclórica ibérica.
1746: Fernando se convierte en rey de España, consolidando aún más el papel de Scarlatti en la corte.
1754: Recibe el título de caballero del Papa Benedicto XIV, un honor poco común para un compositor.
1757: Muerte y legado
1757: Falleció el 23 de julio en Madrid, España, a la edad de 71 años. Fue enterrado en Madrid, aunque se desconoce la ubicación exacta de su tumba.
Reconocimiento póstumo: Si bien sus sonatas para teclado fueron apreciadas durante su vida, su fama creció significativamente en los siglos XIX y XX, consolidando su estatus como una figura fundamental en la música para teclado.

Fases clave en resumen

Comienzos napolitanos (1685-1714): Formación temprana, óperas italianas y ascenso como virtuoso del teclado.
Periodo portugués (1719-1733): Centrado en la enseñanza, la música de la corte y el desarrollo de su estilo para el teclado.
Periodo español (1733-1757): Prolífica producción de sonatas y asimilación de influencias musicales ibéricas.

Obras destacadas para solo de clave

Las sonatas para teclado de Domenico Scarlatti forman el núcleo de sus contribuciones al repertorio para clavecín, con 555 sonatas que muestran su estilo innovador y virtuosismo. Estas sonatas son obras de un solo movimiento, generalmente en forma binaria. A continuación se presentan algunas de sus sonatas más notables y frecuentemente interpretadas, organizadas por sus números de Kirkpatrick (K):

1. Sonata en re menor, K. 1

Características: Pieza lírica y melancólica con elegante ornamentación.
Significado: Suele interpretarse como introducción al estilo de Scarlatti, destacando su uso expresivo del clavicémbalo.

2. Sonata en re mayor, K. 96

Características: Una obra brillante y festiva con escalas rápidas y cruces de manos divertidos.
Significado: Una muestra de la innovación técnica de Scarlatti y la energía rítmica de inspiración ibérica.

3. Sonata en do mayor, K. 159 (“La Caccia”)

Características: Conocido por sus vivos motivos de caza, imitando el sonido de los cuernos y el galope.
Importancia: Demuestra la habilidad de Scarlatti en la escritura programática y su capacidad para evocar imágenes a través de la música.

4. Sonata en fa menor, K. 466

Características: Oscuro e introspectivo, con texturas complejas y armonías conmovedoras.
Significado: Ejemplifica su dominio de la profundidad expresiva dentro de las limitaciones del clavicémbalo.

5. Sonata en mi mayor, K. 380

Características: Sonata popular y elegante con melodías líricas y estructura equilibrada.
Importancia: Se utiliza frecuentemente como pieza de recital debido a su encanto y accesibilidad técnica.

6. Sonata en sol mayor, K. 427

Características: Presenta notas rápidas, repetidas y ritmos enérgicos que evocan las tradiciones de la danza española.
Significado: Resalta las influencias ibéricas y la inventiva rítmica de Scarlatti.

7. Sonata en si menor, K. 27

Características: Misteriosa e introspectiva, con arpegios fluidos y cambios armónicos sutiles.
Significado: Una de las favoritas entre los intérpretes por su profundidad emocional y belleza.

8. Sonata en do mayor, K. 513

Características: Incorpora efectos de rasgueo que imitan la guitarra española.
Importancia: Un ejemplo por excelencia de la integración de elementos folclóricos en las obras para teclado de Scarlatti.

9. Sonata en mi menor, K. 98

Características: Obra dramática y rítmicamente compleja que alterna pasajes líricos y virtuosos.
Importancia: Demuestra la capacidad de Scarlatti para combinar la brillantez técnica con la expresividad emocional.

10. Sonata en la mayor, K. 208

Características: Una pieza grácil y meditativa, de ritmo más lento y con una ornamentación elegante.
Significado: Conocida por su serena belleza, contrasta con las sonatas de Scarlatti, técnicamente más exigentes.

Notas generales sobre las sonatas

Las sonatas de Scarlatti suelen mostrar efectos de rasgueo similares a los de la guitarra, ritmos inspirados en la danza y modulaciones inesperadas.
Reflejan virtuosismo, talento para la improvisación y una integración de las tradiciones musicales ibéricas.
Estas obras se celebran tanto como estudios técnicos para teclistas como obras maestras independientes del repertorio para clavecín. ¿Le gustaría recibir recomendaciones sobre grabaciones o análisis de una sonata específica?

Obras notables

Óperas

La producción operística de Scarlatti, en gran parte de su temprana carrera en Italia, demuestra su habilidad en la composición vocal y su herencia del estilo operístico de su padre Alessandro.

Ottavia restituita al trono (1703)

Detalles: Una de las primeras óperas de Scarlatti, interpretada en Nápoles.
Importancia: Muestra su exploración temprana de la expresión dramática y la orquestación.

Tétido en Sciro (1712)

Detalles: Una ópera seria compuesta durante su estancia en Roma.
Importancia: Representa su capacidad para crear líneas vocales cautivadoras y conectarse con las tradiciones operísticas de su época.

Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714)

Detalles: Una ópera desenfadada (a menudo catalogada como intermezzo) que demuestra su habilidad para la caracterización cómica.
Importancia: Destaca su versatilidad e ingenio como compositor de ópera.

Música sacra

La música sacra de Scarlatti incluye composiciones corales e instrumentales escritas durante su estancia en Roma y posteriormente.

Stabat Mater en do menor (c. 1715)

Detalles: Obra para diez voces y bajo continuo.
Significado: Conocida por su gran profundidad emocional y su intrincada polifonía, es una de las obras sacras más celebradas de Scarlatti.

Missa quatuor vocum (Misa a cuatro voces)

Detalles: Una versión concisa y elegante de la misa.
Importancia: Demuestra su dominio de la escritura vocal y el contrapunto.

Salve Regina (varios escenarios)

Detalles: Se conservan varias versiones de este himno mariano, que muestran la devoción y la habilidad de Scarlatti para la composición sacra.
Significado: Combina expresividad lírica con claridad estructural.

Obras de cámara e instrumentales

Sinfonías

Detalles: Scarlatti compuso varias sinfonías, obras orquestales breves que se suelen utilizar como introducción a óperas o piezas de concierto independientes.
Importancia: Estas obras reflejan el estilo de transición entre la escritura orquestal barroca y la clásica.

Sonata para violín y continuo en re menor

Detalles: Una de las pocas piezas instrumentales de cámara que se conservan.
Importancia: Destaca su interés por la melodía y el acompañamiento más allá del teclado.

Obras vocales

Cantatas

Detalles: Scarlatti compuso numerosas cantatas para voz solista y bajo continuo, que a menudo exploraban temas profanos como el amor y el anhelo.
Ejemplos notables: Clori, che m’ami y Bella dama di nome Santa.
Importancia: Estas obras ilustran su talento lírico y su afinidad por la música vocal.

Motetes

Detalles: Los motetes de Scarlatti son composiciones sacras de menor escala para voces solistas y continuo.
Importancia: Demuestran su habilidad para combinar la escritura solista expresiva con temas espirituales.

Contribución general más allá de la música para teclado

Aunque las obras de Scarlatti que no son para teclado son menos famosas que sus sonatas, ofrecen una valiosa perspectiva de su amplia gama compositiva. Sus óperas y música sacra revelan un profundo conocimiento de la voz humana, mientras que sus obras instrumentales y orquestales reflejan las innovaciones estilísticas de su época.

(Este artículo ha sido generado por ChatGPT. Es sólo un documento de referencia para descubrir música que aún no conoce.)

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