Übersicht
🎶 Allgemeiner Überblick : Die mehr als langsame
La plus que lente (was übersetzt so viel wie „Das Langsamste als Langsame “ oder „Das Langsamste als Langsame “ bedeutet) ist ein langsamer Walzer für Klavier, der 1910 von Claude Debussy komponiert wurde.
1. Kontext und Geschlecht
Ein „langsamer Walzer“ – entdramatisiert : Der Titel wird oft als Witz oder subtile Parodie auf den langsamen Walzer (englischen Walzer) verstanden, der in den Pariser Salons und Cafés jener Zeit sehr beliebt war. Ironischerweise suggeriert der Titel einen Walzer, der noch langsamer ist als die üblichen langsamen Walzer.
Anspruchsvolle Salonmusik: Das Werk gilt als Debussys Ausflug in die Welt der Salon- oder Caféhausmusik, ist aber mit seiner eigenen harmonischen Raffinesse und impressionistischen Atmosphäre gestaltet .
2. Die musikalische Figur
Tempo-/Stilangabe: Debussy vermerkte „ e Molto rubato con morbidezza“ (Sehr sanft rubato). Dies fördert eine sehr flexible und ausdrucksstarke Interpretation des Tempos und betont den verträumten und atmosphärischen Charakter des Stücks.
Atmosphäre und Klang : Das Stück zeichnet sich durch eine sanfte Melancholie und ätherische Anmut aus . Es besitzt den fließenden Charme und die schimmernde Harmonie, die typisch für Debussy sind, und erzeugt eine sinnliche und schwebende Atmosphäre .
Walzerstruktur: Trotz Debussys harmonischer und rhythmischer Freiheiten behält das Werk die Struktur und den dreiteiligen Puls des Walzers bei (Sätze im Dreiertakt).
3. Die Versionen
Das Werk ist am bekanntesten in seiner Originalfassung, aber Debussy selbst hat eine Bearbeitung davon angefertigt :
Originalfassung (1910): Für Klavier solo.
Orchesterfassung (1912): Debussy orchestrierte das Werk für ein kleines Ensemble mit Streichern, Blasinstrumenten ( Flöte , Klarinette), Klavier und – als Besonderheit – einem Cimbalom. Das Cimbalom, ein geschlagenes Saiteninstrument , verleiht dem Stück eine besondere Klangfarbe, die oft mit Zigeunermusik oder osteuropäischer Musik in Verbindung gebracht wird.
Zusammenfassend lässt sich sagen : Es handelt sich um einen charmanten und eleganten langsamen impressionistischen Walzer, der unter einem leicht spöttischen Titel Debussys Meisterschaft bei der Schaffung einer verträumten Atmosphäre und eines geschmeidigen rhythmischen Flusses demonstriert .
Allgemeine Geschichte
Zu jener Zeit war der langsame Walzer (in Frankreich oft auch „Englischer Walzer“ genannt) in den Salons, Cafés und Luxushotels der Hauptstadt unangefochten an der Spitze. Er war ein sentimentales und modisches Musikgenre , leicht anzuhören und dazu zu tanzen.
Zarter Spott
Debussy, der konventionelle Langeweile und Sentimentalität stets kritisierte, beschloss, diesen Trend mit seiner ganz eigenen, schelmischen Art anzugreifen . Schon der Titel „La plus que lente “ (wörtlich „Langsamer als langsam “ ) ist ein ironisches Augenzwinkern, als wollte er sagen: „Ihr wollt einen langsamen Walzer? Ich präsentiere euch den langsamsten Walzer von allen!“
Doch anstatt einer bloßen Parodie oder gar Ablehnung verlieh Debussy dieser populären Form seinen impressionistischen Charakter. Er verwandelte den Café-Walzer in ein raffiniertes und verträumtes Stück . Mit der Anweisung „Molto rubato con morbidezza“ (Sehr freies Tempo mit Sanftheit/Flexibilität) förderte er eine schwebende, fast schwebende Interpretation, die die Strenge des Tanzrhythmus aufbrach. Das Ergebnis war ein sinnlicher Charme und eine sanft evozierte Melancholie, weit entfernt von der Schwere der Salonwalzer jener Zeit.
Von der Partitur zum Salon (und zum Ball)
Das Werk war ursprünglich für Klavier solo gedacht. Es heißt sogar, es könnte für Léoni, den Soloviolinisten des Orchesters im Pariser Hôtel Carlton, geschrieben worden sein , der diese Art von Ambient-Musik spielte. Dies bestätigt die Verbindung des Stücks zur Welt der eleganten Caféhauskonzerte .
Die Veröffentlichung durch Durand im Jahr 1910 war ein Erfolg , und es wurde sogar in der Zeitung Le Figaro unter dem Titel Unveröffentlichter Walzer nachgedruckt .
Angesichts des Erfolgs seines Werkes und vielleicht auch , um dessen Verbreitung zu kontrollieren , schuf Debussy selbst zwei Jahre später, 1912, eine Orchesterfassung für kleines Ensemble. Diese Fassung ist berühmt für die Einbeziehung eines unerwarteten Instruments: des Cimbaloms, dessen kristalline Töne eine exotische, oft mit Zigeunermusik assoziierte Farbe hinzufügen und dem Walzer eine noch unverwechselbarere Patina verleihen .
Letztlich erzählt „La plus que lente“ die Geschichte eines musikalischen Scherzes, der sich in ein zartes Juwel verwandelt. Es ist das perfekte Beispiel dafür, wie Debussy eine populäre Form aufgreifen und über sie hinauswachsen lassen konnte, indem er ihr eine Tiefe und Atmosphäre verlieh, die unvergleichlich reicher war als das ursprüngliche Genre, mit dem er scheinbar spielte.
Merkmale der Musik
🎵 Musikalische Merkmale von „The More Than Slow“
Das Werk ist ein Beispiel für Debussys Kunst, eine populäre Form, den Walzer, zu impressionistischer Raffinesse zu erheben.
1. Tempo und Rhythmus (Ein dekonstruierter Walzer)
Tempo: Schon der Titel „ La plus que lente“ (Langsamer als langsam) ist ein ironischer Hinweis auf das Tempo. Debussy fügt die Anweisung „Molto rubato con morbidezza“ (Sehr sanft rubato) hinzu. Rubato (rhythmische Freiheit) ist der Schlüssel: Es erlaubt dem Pianisten, den Walzerpuls anzuhalten, ihn ständig zu beschleunigen und zu verlangsamen und so den Eindruck von schwebender oder verträumter Zögerlichkeit zu erzeugen .
Walzermeister : Trotz allem bewahrt das Werk die Grundstruktur des Dreivierteltakts des Walzers ( $\frac{3}{4}$). Die linke Hand spielt oft eine regelmäßige rhythmische Begleitung (Bass auf dem ersten Schlag , Akkorde auf den nächsten beiden) , die an das Genre erinnert, aber stets mit großer Leichtigkeit , fast vergänglich.
2. Harmonie (Debussys Farbe)
Sept- , Nonen- und Undezimenakkorde , die oft nicht konventionell aufgelöst werden . Dies erzeugt ein Gefühl der Ungewissheit und tonalen Mehrdeutigkeit , wie einen harmonischen Nebel.
Exotische Tonleitern: Debussy verwendet chromatische Anreicherung und mitunter pentatonische Tonleitern oder Modi, um eine feine und schwer fassbare Klangfarbe hinzuzufügen, die weit vom strengen Dur/Moll-Tonsystem entfernt ist.
Melodien und Harmonien in Oktaven: Oftmals finden wir Melodien, die in parallelen Oktaven oder im Unisono harmonisiert sind , was die Melodielinie verstärkt und gleichzeitig die traditionelle vierstimmige Harmonie vermeidet .
3. Textur und Form
Hauptmotiv: Das Stück basiert auf einem einfachen, aber sehr flexiblen melodischen Hauptmotiv . Dieses Motiv kehrt mehrmals wieder, wird dabei verändert und ausgeschmückt, bleibt aber stets erkennbar.
Register und Klangfarben: Die Partitur nutzt einen großen Tonumfang des Klaviers und erkundet die Kontraste zwischen tiefen und strahlenden hohen Tönen. Die Pedalbezeichnungen sind entscheidend für die Klangverschmelzung und die Erzeugung von verträumten Klangfarben und atmosphärischen Resonanzen .
Freie Form: Obwohl es sich um einen Walzer handelt, weicht er von der formalen Strenge klassischer Walzer ab. Er ist in Abschnitte gegliedert, die freier ineinander übergehen und so den Eindruck einer Improvisation oder eines musikalischen Spaziergangs ohne festes Ziel vermitteln .
4. Die Orchesterfassung (1912)
In seiner eigenen Orchestrierung fügt Debussy eine einzigartige Klangfarbe hinzu:
Das Cimbalom: Die Hinzunahme dieses Saiteninstruments , das oft mit osteuropäischer oder „Zigeunermusik“ in Verbindung gebracht wird, verleiht der Melodie einzigartige perkussive und kristalline Klangfarben, die ihren fremdartigen und ätherischen Charakter unterstreichen. Es ist ein besonders markantes instrumentales Element in dieser Version.
Zusammenfassend lässt sich sagen: „La plus que lente“ ist nicht einfach nur ein Walzer, sondern eine Studie über Atmosphäre und angehaltene Zeit. Der Walzerrhythmus dient als Grundlage für die Erkundung reichhaltiger Harmonien und feiner Klangfarben, typisch für den musikalischen Impressionismus.
Stil(e), Bewegung(en) und Entstehungszeit
Werk La plus que lente (1910) ist ein perfektes Beispiel für die musikalische Periode des Endes des Impressionismus und des Beginns der französischen Moderne .
🎨 Stil, Bewegung und Epoche
1. Die dominierende Strömung: Impressionismus
Stil: Der vorherrschende Stil ist der musikalische Impressionismus. Debussy gilt oft als Vater dieser Musikrichtung, die eher Eindrücke und Atmosphären hervorrufen wollte, als eine Geschichte zu erzählen oder dramatische Emotionen auszudrücken (wie in der Romantik).
Merkmale des Impressionismus :
Klangfarbe: Priorität haben instrumentale Klangfarben und harmonische Farben (der Einsatz von Orchestrierung oder des Klavierpedals zur Erzeugung reichhaltiger und verschmolzener Klänge ).
Die Zeit wird gedehnt und verwischt (Molto rubato), wodurch der Eindruck entsteht, die Musik schwebe oder treibe dahin, wie ein Gemälde von Monet.
modalen (alten) Tonleitern, pentatonischen (fünftönigen) Tonleitern und Ganztonleitern zur Schaffung einer ätherischen und mehrdeutigen Atmosphäre .
2. Modernist und Innovator
Debussys Musik dieser Zeit ist eindeutig innovativ und markiert einen Bruch mit der romantischen Tradition.
Innovation durch Harmonie: Sie ist innovativ, weil sie die Vorherrschaft der traditionellen Tonalität (das von Bach und Mozart übernommene Dur/Moll- System ) aufhebt. Durch die Verwendung von Modi und Septakkorden, Nonenakkorden usw. ebnet sie den Weg für die Moderne.
Modernistisch in seiner Ästhetik: Obwohl er mit dem Impressionismus in Verbindung gebracht wird, gilt Debussy auch als einer der ersten Modernisten. Der Modernismus verwirft die Formen und Regeln des 19. Jahrhunderts auf der Suche nach einer neuen musikalischen Sprache. In „La plus que lente“ manifestiert sich diese Modernität in der ironischen Haltung gegenüber dem Salonwalzer.
3. Status im Verhältnis zur Tradition
Traditionell oder innovativ?: Eindeutig innovativ. Es entfernt sich von der postromantischen Grandiosität (wie bei Richard Strauss) und der persönlichen Lyrik der Romantik.
Alt oder Neu?: Es handelt sich um eine für ihre Zeit neuartige Musik. Sie bildet eine Brücke zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert und nimmt die radikaleren Experimente der Moderne (Strawinsky, Schönberg) vorweg.
Romantisch? Nein, sie ist nicht romantisch. Sie lehnt den direkten emotionalen Ausdruck der Romantik ab und bevorzugt stattdessen Evokation und Andeutung.
Neoklassizistisch ? Nein . Der Neoklassizismus (den Strawinsky später übernehmen sollte) strebte eine Rückkehr zu den klaren Formen und leichten Texturen des 18. Jahrhunderts an . Debussy bleibt ambivalent .
Nationalistisch? Ja, aber auf subtile Weise . Debussy strebte danach , eine französische Musik zu schaffen , die sich dem massiven Einfluss der Deutschen (Wagner und der Romantik) entgegenstellte. Sein Stil ist Ausdruck einer nationalen Ästhetik, die auf Klarheit und Finesse beruht.
Kurz gesagt, ist La plus que lente ein impressionistisches und modernistisches Werk , das eine Form des populären (traditionellen) Tanzes nutzt, um eine zutiefst innovative harmonische und rhythmische Komposition einzuführen.
Analyse: Form, Technik(en), Textur, Harmonie, Rhythmus
🔬 Musikalische Analyse von „La plus que lente“
1. Methode(n) und Technik(en)
Die von Debussy angewandte Kompositionsmethode ist die der Evokation und Suggestion, typisch für den Impressionismus.
Die Klangschleier-Technik: Debussy verwendet die Klangschleier-Technik, bei der Akkorde nicht als starre harmonische Funktionen (Dominante zu Tonika) behandelt werden, sondern als Farbblöcke oder Klangfarben, die sich überlappen und vermischen, oft unterstützt durch das Klavierpedal.
Melodie – Harmonie: Die Melodie wird oft in schwebenden Akkorden verdoppelt oder auf sehr sanfte und fließende Weise harmonisiert , wobei abrupte Kontraste vermieden werden.
2. Textur und Polyphonie/Monophonie
Die Musik ist im Wesentlichen homophon (eine Hauptmelodie mit Begleitung), aber ihre Textur ist reichhaltig und abwechslungsreich. Sie ist weder streng monophon (eine einzige Melodielinie) noch streng polyphon (mehrere unabhängige Melodien , wie eine Fuge).
Textur: Sie zeichnet sich durch eine leichte und transparente Textur aus. Die Begleitung der linken Hand besteht aus einem zart gehaltenen Walzerpuls (Bass, dann Akkorde), der rhythmische Unterstützung bietet, ohne die Hauptmelodie der rechten Hand zu beschweren.
Walzer in der Schwebe: Die Linien sind oft ineinander verschlungen (enge Hände), wobei die mittlere Lage des Klaviers für einen intimen Klang genutzt wird, wodurch der Eindruck müheloser Bewegung entsteht.
3. Form und Struktur
Die Form von La plus que lente ist eine Variation des Walzermodells, wird aber mit einer formalen Freiheit behandelt, die die starre Struktur des klassischen Walzers vermeidet .
Struktur: Es folgt einer ABA’-artigen Struktur, wie sie typisch für lyrische Stücke ist , jedoch mit großer Flexibilität zwischen den Abschnitten, wodurch scharfe Brüche vermieden werden.
Abschnitt A: Präsentiert das Hauptmotiv, das sich durch seine absteigende Melodiekurve und seinen flexiblen Rhythmus (Rubato) auszeichnet.
Abschnitt B: Bietet einen Kontrast, oft durch Modulation in eine neue Tonlage oder durch die Präsentation von verziertem melodischem Material , aber immer im gleichen verträumten Charakter .
Abschnitt A’: Rückkehr und Wiederholung des Hauptmotivs, oft variiert oder verziert (Coda), bevor es sanft ausklingt.
Wiederholungen : Die Motive werden oft mit leichten harmonischen Variationen oder Verzierungen wiederholt , wodurch ein Eindruck von Kontemplation und Schleifenbildung entsteht.
4. Harmonie, Tonleiter und Tonart
Harmonie und Tonalität sind die innovativsten und charakteristischsten Aspekte des Werkes .
Tonart : Die Haupttonart wird gemeinhin als Ges-Dur angegeben , ist aber sehr wechselhaft und vieldeutig . Debussy moduliert ständig und verwendet Akkorde ohne klare tonale Funktion, wodurch die Wahrnehmung des tonalen Zentrums verschwimmt.
Harmonie:
Nonen- und Undezimenakkorden , oft in Grundstellung , was ihnen einen reinen Klangcharakter verleiht und nicht funktionale Spannung erzeugt.
Parallelismus : Parallele Bewegungen von Akkorden oder Oktaven sind häufig, was einen Bruch mit der klassischen Regel darstellt, die parallele Quinten und Oktaven verbietet , und zum schwebenden Effekt beiträgt.
Tonleitern und Modi: Debussy verwendet chromatische Verzierungen und musikalische Modi (zum Beispiel den lydischen oder mixolydischen Modus) anstelle der einfachen Dur- oder Moll-Tonleiter. Die Verwendung von Ganztonleitern ist hier weniger deutlich als in anderen Werken.
5. Rhythmus
Metrum und Pulsation: Das Grundmetrum ist das $\frac{3}{4}$ des Walzers, mit einem regelmäßigen dreiteiligen Rhythmus als Bezugspunkt .
Die Kunst des Rubato: Der Rhythmus wird durch „Molto rubato con morbidezza“ (sehr sanftes Rubato) definiert. Das bedeutet, dass die Zeit ständig gedehnt und gestaucht wird. Der Rhythmus sollte niemals mechanisch klingen , sondern stets geschmeidig und ausdrucksstark sein und dem Stück seinen Charakter extremer Langsamkeit , fast erstarrt, verleihen .
Die Analyse von La plus que lente offenbart ein Stück , in dem die Walzerform als Vorwand für eine subtile Erforschung von Klangfarben, schwebenden Harmonien und einem frei schwebenden Rhythmus dient.
Anleitung, Interpretationstipps und wichtige Spielhinweise
🎹 Interpretationshinweise: Die mehr als langsame
1. Technische Vorbereitung: Die Kunst der Flexibilität
Die größte technische Herausforderung liegt nicht in der Geschwindigkeit, sondern in der Klangkontrolle und der rhythmischen Flexibilität.
Berührung (Der schwebende Klang):
Armgewicht: Nutzen Sie das Gewicht Ihres Arms anstatt die Kraft Ihrer Finger, um einen weichen, tiefen Klang (Morbidezza) zu erzeugen. Vermeiden Sie perkussives Spiel.
Akkorde: Akkorde sollten niemals “gehämmert ” werden . Üben Sie sie zunächst in einem sehr leichten Staccato, um die Entspannung zu spüren, und dann in einem Legato, um sie wie Klangwolken miteinander zu verbinden .
Die Begleitung (Der diskrete Puls ) :
Die linke Hand muss den Walzerpuls im Dreivierteltakt (Bass – Akkord – Akkord) beibehalten, jedoch mit äußerster Feinfühligkeit . Der Basston des ersten Schlags sollte spürbar, aber niemals laut sein . Die beiden anderen Schläge sollten kaum wahrnehmbar sein und wie ein leichtes Wiegen wirken.
2. Interpretationstipps: Rubato und das Pedal
Der Erfolg der Interpretation hängt von einem feinfühligen Umgang mit Zeit und Resonanz ab .
Der Molto Rubato:
Melodische Atmung: Rubato (rhythmische Freiheit) ist unerlässlich. Stellen Sie es sich wie natürliches Atmen vor: Dehnen Sie den Takt wichtiger Noten oder Phrasen aus und holen Sie ihn dann subtil wieder auf . Spielen Sie niemals mechanisch.
Schon der Titel („The More Than Slow“) erlaubt es Ihnen, sehr langsam vorzugehen . Nehmen Sie sich Zeit, insbesondere bei Verzierungen und melodischen Aufstiegen, damit sich der Klang entfalten kann .
Das Pedal (Schwebende Harmonie):
Das Haltepedal ist entscheidend. Es muss oft genug betätigt werden , um harmonische Unklarheiten zu vermeiden, aber lange genug gedrückt gehalten werden, um die Akkorde zu verbinden und den typischen Debussy-Klangschleier zu erzeugen.
Verwenden Sie in chromatischeren Passagen das Halbpedal oder das Resonanzpedal (ein Pedal, das sich nicht vollständig verändert , sondern nur leicht angehoben und dann wieder abgesetzt wird), um eine gewisse Klarheit zu bewahren und gleichzeitig den Klangreichtum zu erhalten.
3. Wichtigste Punkte der Analyse (Was Sie verstehen müssen)
Um gut zu spielen, muss man wissen, was man ausdrücken möchte:
Der Charakter : Schaffen Sie eine Atmosphäre eleganter Träumerei und sanfter Nostalgie . Der Raum sollte eher flüstern als schreien.
Oktavlinien: Passagen, in denen die Melodie in parallelen Oktaven gespielt wird , erfordern eine präzise Kontrolle , damit die beiden Noten als eine einzige reine Linie und nicht als zwei verschiedene Anschläge klingen .
Kontraste: Identifizieren Sie die seltenen dynamischen Wechsel (oft von pp zu mp oder p). Selbst das gelegentliche Forte (sofern es in Ihrer Ausgabe vorkommt) sollte impressionistisch bleiben und niemals abrupt wirken. Es ist ein intimes , kein orchestrales Forte.
Kurz zusammengefasst für die Studie
lösen : Üben Sie die Melodie allein mit einem sehr freien Rhythmus, um ihre „Atempunkte“ zu finden.
Leichtigkeit der linken Hand: Üben Sie nur die linke Hand und konzentrieren Sie sich dabei auf die Leichtigkeit und Regelmäßigkeit des Walzerschwungs .
Die Fusion: Bringen Sie beide Hände zusammen und konzentrieren Sie sich auf die Klangqualität statt auf die Geschwindigkeit. Lassen Sie das Pedal alles in eine homogene Klangmasse verwandeln .
Episoden und Anekdoten
🎭 Anekdoten und Geschichten über „Den mehr als Langsamen“
1. Die subtile Verhöhnung des Titels
Die Hauptanekdote liegt schon im Titel selbst : „Der mehr als langsame “ .
Kontext: Zu Beginn des 20. Jahrhunderts galt der langsame Walzer als Inbegriff der Tanz- und Salonmusik. Für einen so raffinierten Komponisten wie Debussy war dieses Genre oft etwas zu sentimental oder fade.
Die Ironie: Mit dem Titel „La plus que lente“ (Das Langsamste) wollte Debussy nicht etwa den langsamsten Walzer der Welt schaffen, sondern vielmehr den inflationären Gebrauch des Adjektivs „langsam“ in diesem Musikgenre subtil persiflieren . Es ist eine Art musikalischer Witz: „Da ihr es langsam mögt, präsentiere ich euch die ultimative Langsamkeit!“ Die Tempoangabe „Molto rubato“ (Sehr frei ) unterstreicht diese Idee, da die Zeit bis zum Äußersten gedehnt und verzerrt wird .
2. Das Geheimnis des Cymbalums
Eine der bekanntesten Anekdoten betrifft die Orchesterfassung von 1912.
unerwartete Instrument : Als Debussy das Werk orchestrierte, fügte er ein für die französische Salonmusik sehr unerwartetes Instrument hinzu : das Cymbalum (oder Cimbalom), ein geschlagenes Saiteninstrument , typisch für die osteuropäische Musik (Ungarn, Rumänien).
Die Erklärung: Warum diese Wahl? Man munkelt, Debussy habe das Stück , oder zumindest einen ähnlichen Walzer, von einem Zigeunerorchester spielen hören, vielleicht in einem vornehmen Pariser Café oder Hotel jener Zeit. Angeblich schätzte er den Klang und die exotische Note dieses Instruments so sehr , dass er es ausdrücklich in seine eigene Orchesterpartitur aufnahm und ihr so einen einzigartigen Charakter und eine besondere Klangfarbe verlieh .
3. Herr Leonis Walzer
Obwohl es keinen absoluten Beweis gibt, kursiert eine Geschichte über den Ursprung des Empfängers oder die Inspiration für das Werk.
Der Violinist des Carlton Hotels : Es ist möglich, dass Debussy das Stück für Léoni schrieb, einen Soloviolinisten, der regelmäßig im Carlton Hotel in Paris spielte , einem schicken Ort , an dem genau diese Art von Unterhaltungsmusik gespielt wurde .
Die berühmte Hommage : Diese Anekdote legt nahe , dass Debussy Salonmusik akzeptierte, sofern sie mit seiner eigenen künstlerischen Raffinesse bearbeitet wurde. Er nahm beispielsweise einen Walzerauftrag an und verwandelte ihn in ein impressionistisches Kunstwerk.
4. Die erste berühmte Veröffentlichung
Die Figaro-Rezension: Das Werk erfreute sich sofortigen Erfolgs und verbreitete sich sehr schnell . Ein Grund für diese Popularität ist, dass die Partitur nicht nur vom Verleger Durand, sondern auch als Beilage in einer Ausgabe der populären Zeitung Le Figaro veröffentlicht wurde . Diese weite Verbreitung trug dazu bei, dass der Walzer rasch seinen Platz in Repertoires und Salons fand.
Diese Geschichten bestätigen, dass La plus que lente nicht nur ein ernstes Musikstück war ; es war auch ein anspruchsvolles Unterhaltungswerk , das im Pariser Leben der Belle Époque verwurzelt war.
Ähnliche Kompositionen
1. Werke von Debussy selbst ( Gleiche Atmosphäre )
Diese Stücke zeichnen sich durch eine ähnliche Lyrik, reiche Harmonie und einen intimen Charakter am Klavier aus :
Romantischer Walzer (1890): Ein jugendlicher Walzer, weniger impressionistisch, der aber bereits Debussys Interesse an der elegant behandelten Walzerform zeigt .
Das Mädchen mit dem flachsblonden Haar (Präludien , Buch I, Nr. 8 ): Teilt die gleiche Zartheit , die gleiche einfache Melodie und die schwebende und verträumte Atmosphäre .
Clair de Lune (Suite Bergamasque): Zweifellos das ähnlichste Stück in Bezug auf Popularität und atmosphärischen Charakter , mit einem subtilen rhythmischen Puls unter einer stimmungsvollen Melodie .
Französische impressionistische und zeitgenössische Komponisten
Diese Komponisten teilten oft Debussys Vorliebe für die Neuerfindung von Tanzformen und die Erzeugung von Atmosphären.
Maurice Ravel:
Edle und sentimentale Walzer (1911): Ravel, ein Zeitgenosse von Debussy, erfand den Walzer ebenfalls auf raffinierte und ironische Weise neu und suchte unter dem Deckmantel des Gesellschaftstanzes nach Adel und Gefühl.
Pavane für eine tote Prinzessin (1899): Teilt denselben Charakter von feierlicher Langsamkeit und zarter Melancholie .
Erik Satie:
Gymnopédies (1888): Obwohl es sich nicht um Walzer handelt, teilen sie die Atmosphäre einer entwaffnenden Langsamkeit und Einfachheit mit modalen Harmonien und einem reinen Rhythmus , die sie von der Romantik abgrenzen.
Gabriel Fauré :
Nocturnes: Einige seiner Klavierstücke erkunden eine lyrische Melancholie und eine reiche Harmonie, die an die Intimität von La plus que lente erinnert.
3. Postromantische Lyrik
Diese Werke bewegen sich an der Grenze zwischen Romantik und Impressionismus und weisen oft eine traumhafte Atmosphäre auf.
Alexander Skrjabin:
Präludien (z. B. Op . 11): Obwohl seine Harmonik eher angespannt ist , teilt Skrjabin mit Debussy die Erforschung ätherischer und verträumter Klangwelten in kurzen Klavierstücken .
(Das Schreiben dieses Artikels wurde von Gemini, einem Google Large Language Model (LLM), unterstützt und durchgeführt. Es handelt sich lediglich um ein Referenzdokument zum Entdecken von Musik, die Sie noch nicht kennen. Es kann nicht garantiert werden, dass der Inhalt dieses Artikels vollständig korrekt ist. Bitte überprüfen Sie die Informationen anhand zuverlässiger Quellen.)