Descripción general
Johann Sebastian Bach (1685-1750 ) es considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la música. Su obra representa la cumbre del Barroco y ha influido en la tradición musical occidental como casi ninguna otra.
He aquí una breve reseña de su vida, su obra y su importancia:
1. Vida y etapas
Bach provenía de una familia numerosa y extensa de músicos de Turingia . A lo largo de su vida, fue un “artesano” de la música y ocupó diversos cargos :
Primeros años: Nació en Eisenach, quedó huérfano pronto y fue educado por su hermano en Ohrdruf.
Arnstadt & Mühlhausen (1703-1708 ) : Primeros nombramientos como organista. Aquí se forjó una reputación como virtuoso instrumentista.
Weimar (1708 – 1717): Como organista de la corte y concertino, escribió muchas de sus famosas obras para órgano .
Köthen (1717 – 1723): Como maestro de capilla en la corte del príncipe Leopoldo , se concentró en la música instrumental (por ejemplo, los Conciertos de Brandeburgo), ya que la corte estaba reformada y no requería música eclesiástica suntuosa.
Leipzig (1723–1750 ) : Como Thomaskantor, fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Sus monumentales obras religiosas se crearon durante esta época .
2. La obra musical
La obra de Bach abarca casi todos los géneros de su época , con una notable excepción: la ópera. Su música se caracteriza por una increíble precisión matemática ( contrapunto) combinada con una profunda emotividad .
Música sacra: Más de 200 cantatas, la Pasión según San Mateo , la Pasión según San Juan, el Oratorio de Navidad y la Misa en si menor.
Música para teclado: El clave bien temperado (un hito en la teoría musical), las Variaciones Goldberg y la famosa Toccata y fuga en re menor.
Música orquestal: Los seis Conciertos de Brandeburgo y las Suites orquestales (incluida la famosa ” Aria”).
3. Importancia y repercusiones
Durante su vida, Bach fue valorado principalmente como un talentoso virtuoso del órgano ; sus composiciones fueron consideradas por muchos contemporáneos como demasiado complejas y “eruditas”.
Redescubrimiento: Fue recién en el siglo XIX, en gran parte gracias a Felix Mendelssohn Bartholdy ( interpretación de la Pasión según San Mateo en 1829), que comenzó el “Renacimiento de Bach” mundial.
Influencia: Compositores como Mozart y Beethoven estudiaron sus obras extensamente. Beethoven lo llamó con reverencia : «No debería llamarse Bach, sino Meer ».
Innovación: Perfeccionó la fuga y el contrapunto. Su música se considera universal ; hoy en día se adapta al jazz, al pop e incluso a la música electrónica.
Una pequeña nota al margen
Bach se casó dos veces (con María Bárbara y Ana Magdalena) y tuvo un total de 20 hijos, de los cuales solo diez llegaron a la edad adulta. Varios de sus hijos ( como Carl Philipp Emanuel y Johann Christian) se convirtieron en compositores famosos .
Historia
La historia de Johann Sebastian Bach es la de un hombre que entendió la música no solo como arte, sino como un oficio divino . Su vida se caracterizó por una profunda fe, una ética de trabajo casi inimaginable y una lucha constante con las autoridades seculares .
Los primeros años de aprendizaje y pérdidas
Todo comenzó en Eisenach, Turingia , donde nació Juan Sebastián en 1685, en el seno de una dinastía de músicos de la ciudad y de la corte. La música era tan natural para su familia como el pan de cada día . Pero su idílica vida no duró mucho: con tan solo diez años, quedó huérfano. Se mudó a Ohrdruf para vivir con su hermano mayor , quien le enseñó a tocar el piano. Se dice que el joven Juan Sebastián copiaba música en secreto a la luz de la luna, música que su hermano le había prohibido , una señal temprana de su insaciable sed de conocimiento.
La búsqueda de un genio
De joven, Bach se mudó al norte, a Lüneburg , donde trabajó como cantante de coro y aprovechó la oportunidad de conocer a grandes maestros del órgano del norte de Alemania, como Buxtehude. Se dice que caminó cientos de kilómetros de regreso a casa de Buxtehude solo para escucharlo tocar . Sin embargo, su primer puesto como organista en Arnstadt no estuvo exento de desafíos: era testarudo, abrumaba a la congregación con sus ” sonidos extranjeros ” e incluso tuvo una discusión física con un fagotista sin talento.
Años de ascenso y fuertes golpes
El camino de Bach lo llevó, vía Mühlhausen, a Weimar, donde celebró sus primeros grandes éxitos como organista de la corte y concertino. Allí comenzó a fusionar el rigor matemático de la música alemana con la ligereza italiana (por ejemplo, de Vivaldi) .
Pero Bach no era un empleado cualquiera. Cuando quiso dimitir en Weimar para ocupar un puesto mejor en Köthen , el duque lo mandó encarcelar sumariamente durante cuatro semanas por « terquedad » . En Köthen, finalmente vivió una época dorada bajo la tutela de un príncipe melómano . Fue allí donde compuso los Conciertos de Brandeburgo. Pero el destino lo golpeó de nuevo: al regresar de un viaje , encontró a su esposa, María Bárbara, muerta y ya enterrada. En esta oscuridad, encontró consuelo en la música y más tarde se casó con la cantante Anna Magdalena, quien se convirtió no solo en su compañera , sino también en un importante apoyo artístico .
El Thomaskantor de Leipzig
la última y más larga etapa de su vida en Leipzig. Desde 1723 fue Thomaskantor , un cargo que a menudo lo frustraba, pues tenía que discutir constantemente con el ayuntamiento sobre los fondos y la calidad de sus cantantes . Sin embargo, esta fue la época de sus creaciones monumentales : semana tras semana componía una nueva cantata, creaba la monumental Pasión según San Mateo y la Misa en si menor.
En sus últimos años, Bach se adentró cada vez más en el mundo abstracto de la música . Experimentó con fugas complejas y contrapuntos que parecían casi acertijos matemáticos . Cuando murió casi ciego en 1750 tras una operación de la vista fallida , su estilo ya era considerado anticuado y excesivamente complejo por muchos. Fue enterrado en una tumba sencilla que cayó en el olvido.
Recién casi 80 años después el mundo se daría cuenta de que este cantor de Turingia no era solo un músico de iglesia local, sino un arquitecto de sonidos cuyo trabajo todavía se considera el fundamento de la música occidental.
Historia cronológica
Infancia y educación temprana (1685–1703 )
La historia comienza en Eisenach en 1685. Tras la prematura muerte de sus padres, Johann Sebastian, de diez años, se mudó a Ohrdruf en 1695 para vivir con su hermano mayor , quien le enseñó a tocar el piano. A los 15 años, se aventuró al norte: de 1700 a 1702, asistió a la Michaelisschule de Lüneburg , donde cantó en el coro y se familiarizó con la música de órgano del norte de Alemania.
Primeros nombramientos: Arnstadt y Mühlhausen (1703-1708 )
Tras un breve interludio en Weimar, ocupó su primer puesto importante como organista en Arnstadt en 1703. Este período se hizo famoso por su viaje a Lübeck para visitar Buxtehude en 1705. Poco después , en 1707, se mudó a Mühlhausen y se casó con su prima María Bárbara ese mismo año. Sin embargo , pronto comenzó a buscar mayores oportunidades artísticas .
Los años de Weimar (1708-1717 )
En Weimar, Bach ejerció como organista de la corte durante casi una década y posteriormente como concertino. Allí perfeccionó su técnica organística y comenzó a componer cantatas con regularidad. El final de esta etapa fue dramático: en 1717, pasó varias semanas bajo arresto domiciliario, intentando forzar su salida, antes de que finalmente se le permitiera salir.
El florecimiento de la música instrumental en Köthen (1717-1723 )
En Köthen , Bach encontró las condiciones ideales como maestro de capilla en la corte del príncipe Leopoldo, a pesar de que no había órgano eclesiástico. Por lo tanto, allí compuso principalmente obras maestras profanas, como los Conciertos de Brandeburgo (1721). En su vida privada, este período estuvo marcado por extremos : a la repentina muerte de su esposa, María Bárbara (1720), le siguió un año después su matrimonio con la cantante Ana Magdalena.
El gran final: el Thomaskantorate de Leipzig (1723-1750 )
A partir de 1723, la vida de Bach en Leipzig entró en su último capítulo. Como Thomaskantor, fue responsable de la música de las iglesias de la ciudad y, en un esfuerzo sin precedentes, creó sus extensos ciclos de cantatas eclesiásticas, así como la monumental Pasión según San Mateo (1727). En la década de 1730 , también asumió la dirección del Collegium Musicum y dedicó su atención con mayor intensidad a la música instrumental.
En los últimos años de su vida, a partir de aproximadamente 1740, Bach se recluyó en un mundo de erudición musical y trabajó en obras como El arte de la fuga. Tras una operación de la vista fallida , falleció finalmente el 28 de julio de 1750 en Leipzig.
Estilo(s), movimiento ( es) y período(s) de la música
Johann Sebastian Bach es la figura central del Barroco tardío . Su estilo es una síntesis única, que se puede describir como una mezcla del más alto nivel matemático y la más profunda emoción humana .
He aquí una clasificación de su música en relación con el espíritu de la época, la innovación y la tradición:
La época y el estilo
Bach vivió y trabajó durante el Barroco (c. 1600-1750 ) , más concretamente durante el Alto Barroco y el Barroco Tardío . Su obra se considera hoy la cumbre de esta época.
Contrapunto: Su recurso estilístico más importante fue la polifonía, es decir, la igualdad de condiciones entre varias voces melódicas independientes . Nadie dominó el arte de la fuga y el contrapunto como él.
La doctrina de los afectos: Como era típico del Barroco, la música pretendía evocar estados emocionales específicos ( afectos ) en el oyente . Bach utilizó un lenguaje simbólico preciso para este propósito (p. ej., versos descendentes y ascendentes para el duelo ).
Fusión de naciones: combinó la tradición polifónica alemana con la ligereza italiana (Vivaldi) y la ornamentación francesa .
¿Su música era vieja o nueva?
La respuesta es una paradoja: ella era ambas cosas al mismo tiempo.
Tradicional y anticuada : Hacia el final de su vida (alrededor de 1740/50), la música de Bach fue considerada anticuada por muchos de sus contemporáneos. El nuevo espíritu de la Ilustración exigía un estilo galante: la música debía ser sencilla, agradable y fácil de entender . Bach, sin embargo , se mantuvo fiel a una polifonía estricta y compleja. Críticos como Johann Adolph Scheibe lo acusaron de hacer su música demasiado rimbombante y artificial debido a su enorme complejidad .
Innovador y radical: Aunque formalmente se adhirió a las estructuras antiguas, su enfoque fue rebelde. Su armonía (la forma en que conectaba los acordes) se adelantó a su tiempo. Utilizó el cromatismo y la disonancia de una forma que no se comprendió plenamente hasta el siglo XIX. Su obra, El clave bien temperado, supuso una revolución técnica, ya que demostró que se podía tocar con la misma calidad en todas las tonalidades , una piedra angular de la música occidental moderna.
Conclusión: ¿Moderado o radical?
Bach no fue un ” destructor ” de antiguas formas (como quizás Schönberg más tarde ) , sino un perfeccionador. Tomó todo lo existente antes de él y lo llevó a la cima absoluta de la perfección.
Su radicalismo no residía en romper con la tradición, sino en la profundidad de su elaboración. Mientras otros compositores pulían la superficie, Bach profundizó tanto en las leyes de la armonía que su música aún suena moderna y fresca hoy en día , mientras que muchos de sus contemporáneos, entonces ” más modernos “, han caído en el olvido.
Géneros musicales
Johann Sebastian Bach fue un auténtico artista universal de su época. Dominó casi todos los géneros musicales existentes en su época con una perfección que a menudo se considera tanto el final como la cumbre de una era musical . Evitó deliberadamente la ópera , una decisión consciente, ya que se centró en otras áreas como músico de iglesia y maestro de capilla de la corte.
Su obra se puede dividir aproximadamente en tres grandes áreas:
1. Música vocal sacra
Como Thomaskantor en Leipzig, este era su pan de cada día . Bach creó música para servicios religiosos con la intención de hacer de la fe una experiencia tangible a través del sonido.
Cantatas: Con más de 200 obras que se conservan, constituyen el núcleo de su obra. A menudo las escribía semanalmente para los servicios dominicales .
Pasiones y oratorios: Obras monumentales como la Pasión según San Mateo o el Oratorio de Navidad, que narran historias bíblicas de forma dramática y emotiva .
Misas y motetes: Su Misa en si menor está considerada como una de las obras sacras más importantes de la humanidad, en la que musicó con esplendor barroco los estrictos textos latinos.
2. Música instrumental y orquestal
Durante sus años en la corte ( especialmente en Köthen ), Bach se concentró en la música para conjuntos e instrumentos solistas.
Conciertos: Perfeccionó el concerto grosso, en el que un grupo de solistas compite contra la orquesta (p. ej., los Conciertos de Brandeburgo). También se le considera el inventor del concierto para piano moderno .
Suites y partitas: Estos géneros se basan en ritmos de danza estilizados (como la allemande, la courante o la giga). Bach las compuso para orquesta , pero también para instrumentos solistas como el violonchelo o el violín.
Música de cámara: Sonatas para varios instrumentos, a menudo acompañadas por el clavicémbalo o el bajo continuo.
3. Música para instrumentos de teclado
Bach fue reconocido como el mejor organista de su época. Su música para teclado sirvió tanto como formación pedagógica como para la expresión artística.
Música para órgano: Preludios , fugas, tocatas y preludios corales. Aquí se evidencia su dominio del instrumento rey .
Música para piano: Obras como El clave bien temperado o las Variaciones Goldberg marcan hitos en la historia de la música. Abarcan todo el espectro, desde el ejercicio técnico hasta el arte altamente complejo , casi matemático.
últimas obras de los “Eruditos”
Hacia el final de su vida, Bach se dedicó a géneros que casi podrían describirse como «musicología pura» . En El arte de la fuga y La ofrenda musical, exploró los límites de la polifonía y el contrapunto sin limitarse a un instrumento específico.
Características de la música
La música de Johann Sebastian Bach se caracteriza por una complejidad y perfección técnica que la distingue de casi todo lo demás en la historia de la música. Al escuchar sus obras , uno se encuentra con una arquitectura sonora que es a la vez rigurosamente lógica y profundamente espiritual.
Estas son las características clave que definen su estilo:
1. El arte de la polifonía y el contrapunto
La característica más distintiva de Bach es la polifonía. A diferencia de la homofonía (donde una melodía se acompaña de acordes), en Bach todas las voces —ya sea soprano, alto, tenor o bajo— son absolutamente iguales.
El contrapunto: Bach fue el maestro indiscutible de tejer diferentes melodías de tal manera que tuvieran sentido independientemente una de otra, pero juntas formaran un todo armonioso .
La fuga: En esta forma, la maestría de Bach alcanzó su máximo esplendor . Un tema se transmite a través de todas las voces , divagando, reflejado o expandido, mientras las demás voces lo embellecen con arte.
2. Densidad armónica y cromaticidad
Aunque Bach estaba firmemente enraizado en la música barroca, su armonía iba mucho más allá de lo que era habitual en aquella época.
Utilizó con frecuencia el cromatismo (el uso de semitonos fuera de la escala fundamental) para crear tensión y fricción.
Su música a menudo contiene sorprendentes cambios de acordes y disonancias que solo despliegan su pleno impacto emocional en el momento de la resolución . Esto le confiere una modernidad que influyó significativamente en compositores posteriores como Chopin y Wagner.
3. Precisión matemática y simbolismo
La música de Bach suele compararse con las matemáticas. Le encantaban las simetrías, los juegos numéricos y los símbolos.
Simbolismo numérico: Bach a menudo incorporaba en su música relaciones numéricas que tenían significados religiosos (por ejemplo, el número 3 para la Trinidad ).
Retórica musical: Utilizaba figuras para interpretar textos. El símbolo de la cruz en la notación musical representaba el sufrimiento de Cristo, y una línea descendente , la muerte o el entierro.
Arquitectura: Sus obras están construidas como catedrales : cada detalle está planificado con precisión para sostener el conjunto.
4. La vitalidad rítmica ( El “ Drive ” )
A pesar del peso intelectual de muchas de las obras de Bach, su música posee una enorme energía rítmica.
Muchas de sus piezas se basan en ritmos de danza barroca (como la giga o la zarabanda).
Un ritmo continuo y pulsante (a menudo descrito como ” motor”) recorre sus obras instrumentales, dándoles un impulso hacia adelante irresistible.
5. Combinando tecnología y emoción
Es un error muy extendido pensar que la música de Bach es una árida matemática . Su verdadero secreto reside en que las estrictas reglas del contrapunto nunca se convierten en un fin en sí mismas.
La técnica siempre está al servicio del afecto (la expresión de un sentimiento ) . Ya sea la alegría jubilosa del Magníficat o la profunda desesperación de la Pasión según San Mateo , el orden matemático proporciona a la emoción un marco que la hace aún más poderosa.
Característica resumida: La unidad de los opuestos
La música de Bach une lo que en realidad parece contradictorio : es muy compleja y al mismo tiempo pegadiza , rigurosamente construida y al mismo tiempo llena de imaginación, profundamente religiosa y al mismo tiempo universalmente humana.
Efectos e influencias
El impacto de Johann Sebastian Bach en la historia de la música es tan fundamental que a menudo se le considera el “padre fundador ” o el ” fundador ” de la música occidental. Aunque durante su vida se le consideraba más un virtuoso del órgano local que un compositor innovador, su legado marcó profundamente los siglos posteriores.
1. Influencia en el Clasicismo y el Romanticismo
Tras la muerte de Bach en 1750, su obra pasó inicialmente a un segundo plano, pero para los grandes maestros del período siguiente siguió siendo la fuente de estudio más importante:
Mozart y Beethoven: Ambos estudiaron intensamente el contrapunto de Bach. Beethoven lo llamó con reverencia el « padre de la armonía» y dijo: « No debería llamarse Bach, sino Meer » ( Océano ) , debido a su inagotable riqueza.
El Renacimiento de Bach: En 1829, Felix Mendelssohn Bartholdy interpretó la Pasión según San Mateo en Berlín por primera vez desde la muerte de Bach. Este acontecimiento desató un entusiasmo mundial y finalmente salvó la música de Bach del olvido.
Brahms y Wagner: Para Brahms , Bach era su alimento intelectual diario ; decía: «¡ Estudia a Bach! Allí lo encontrarás todo » .
2. Los fundamentos de la teoría musical
Bach estandarizó el lenguaje musical. Su obra, El clave bien temperado, demostró que los instrumentos de teclado podían tocarse en las 24 tonalidades si se afinaban de una manera específica. Esta es la base de casi toda la música occidental , desde la clásica hasta el jazz y el pop. Hoy en día, todo músico profesional sigue aprendiendo su arte estudiando las fugas y los corales de Bach .
3. Influencia en el jazz, el rock y el pop
La música de Bach, por su estructura matemática y su lógica armónica, es atemporal y se presta perfectamente a la adaptación:
Jazz: La libertad de improvisación sobre una base de bajo fijo (bajo continuo) se encuentra en el jazz. Músicos como Jacques Loussier o Keith Jarrett han trasladado a Bach directamente al contexto del jazz .
Pop y rock: Muchos éxitos utilizan las armonías o melodías de Bach. Un ejemplo famoso es la canción ” A Whiter Shade of Pale ” de Procol Harum, fuertemente inspirada en “Air ” o en los Beatles, quienes a menudo recurrían a la compleja conducción de voces de Bach .
Música de cine: Debido a su enorme profundidad emocional, su música se utiliza a menudo en películas para subrayar momentos existenciales (tristeza, sublimidad, locura).
4. Impacto cultural y espiritual
Bach es considerado el ” quinto evangelista ” . Su capacidad para traducir complejos contenidos teológicos a la música ha llevado a que sus obras sacras (como las Pasiones) sean valoradas hoy en día en todo el mundo , independientemente de su denominación , como cumbres de la expresión humana . Su música se percibe a menudo como ” cósmica”, razón por la cual sus piezas fueron enviadas al espacio en los Discos de Oro de la Voyager para representar a la humanidad .
La influencia de Bach es tan grande que la historia de la música suele dividirse en los períodos ” antes de Bach” y ” después de Bach”. No solo puso fin a la música barroca, sino que la elevó a un nivel de perfección insuperable hasta nuestros días.
Actividades musicales distintas a la composición
1. El célebre virtuoso (órgano y clavicémbalo)
Durante su vida, Bach fue considerado principalmente uno de los mejores organistas y clavecinistas del mundo.
Improvisación: Su capacidad para desarrollar espontáneamente fugas complejas sobre un tema determinado asombró a sus contemporáneos.
Giras de conciertos: Viajaba a menudo para inaugurar órganos o para competir en concursos musicales con otros grandes (famoso es el duelo fallido con el francés Louis Marchand, que huía de la interpretación de Bach).
2. Experto en construcción de órganos y tasador
Bach casi podría describirse como el « ingeniero de sonido » del siglo XVIII. Poseía un profundo conocimiento técnico de la construcción de instrumentos de teclado.
Inspecciones de órganos: Ciudades e iglesias lo contrataban regularmente como experto para inspeccionar órganos recién construidos o reparados . Examinaba la alimentación de viento, la mecánica y la disposición tonal (la selección de registros).
Innovaciones: Se interesó en el desarrollo continuo de los instrumentos. Impulsó la mejora de la mecánica del primer fortepiano (predecesor del piano) y fue un defensor de la afinación bien temperada.
3. Educadores y profesores de música
Bach dedicó gran parte de su tiempo a la enseñanza.
Thomasschule: En Leipzig, enseñó a los Thomas no sólo música, sino también latín teórico (aunque este último lo delegaba generalmente en delegados a cambio de un pago).
Estudiante particular : Formó a numerosos músicos, incluyendo a sus propios hijos y compositores famosos como Johann Ludwig Krebs. Sus obras pedagógicas (como las Invenciones) sirvieron para enseñar a los estudiantes tanto la técnica como el arte de la composición.
4. Director musical y gerente (Collegium Musicum)
Además de sus deberes eclesiásticos, Bach dirigió el Collegium Musicum de Zimmermann en Leipzig desde 1729.
Este era un conjunto estudiantil que ofrecía conciertos semanales en una cafetería. Bach actuaba como organizador y director de conciertos, organizando y dirigiendo la música burguesa de entretenimiento al más alto nivel.
5. Director de coro y coordinador de conjunto
Como Thomaskantor, fue el “director general de música ” de la ciudad de Leipzig.
Tenía que coordinar los coros de las cuatro iglesias principales, reclutar músicos, dirigir los ensayos y asegurar que la música funcionara sin contratiempos todos los domingos y festivos. A menudo tenía que lidiar con cantantes sin talento o con la financiación insuficiente del ayuntamiento.
Resumen
Si Bach no hubiera escrito ni una sola nota, habría pasado a la historia como un experto técnico en órganos y un virtuoso excepcional del teclado. Su vida fue una constante oscilación entre el banco de la iglesia, el taller del organero y el podio del director.
Actividades además de la música
1. Jefe de familia y “administrador” de un hogar numeroso
Bach fue padre de un total de 20 hijos de dos matrimonios. Un hogar de este tamaño requería un enorme esfuerzo logístico.
Crianza y educación: Se dedicó intensamente a la educación de sus hijos. Además de la instrucción musical , supervisó su progreso académico y se aseguró de que asistieran a la universidad .
Alojamiento: Su casa en la Thomasschule de Leipzig no solo albergó a sus hijos, sino también a menudo a estudiantes particulares , familiares y músicos itinerantes. Bach actuó como anfitrión, encargándose de su comida y alojamiento .
2. Funcionario administrativo y educador
En su función de Thomaskantor, Bach era un empleado municipal con muchas funciones burocráticas :
Deberes docentes: Debía enseñar en la Thomasschule. Inicialmente, incluso estaba obligado a enseñar latín. Sin embargo, esto le resultaba oneroso y a menudo se libraba de esta obligación pagando parte de su salario a un sustituto.
Deber de supervisión: Como profesor, también era responsable de la disciplina y el bienestar general de los alumnos del internado (Thomaner), lo que a menudo conducía a disputas con la dirección de la escuela y el ayuntamiento .
3. Defensor contencioso de los derechos ( burocracia )
Se sabía que Bach era extremadamente persistente y a veces obstinado cuando se trataba de sus privilegios o su salario.
Quejoso : Dedicó mucho tiempo a redactar largas y formales cartas de queja al Ayuntamiento de Leipzig o al Elector . Estas se referían a la pérdida de honorarios por bodas y funerales, o a la mala calidad de las comidas escolares .
Negociaciones: Era un hábil negociador a la hora de abrir fuentes adicionales de ingresos o de obtener títulos (como el título de “Compositor de la Corte” en Dresde) para fortalecer su posición social en Leipzig .
4. Sociabilidad y disfrute
Aunque era un hombre profundamente religioso , Bach era todo menos un asceta.
Cultura del café: En Leipzig, era un cliente habitual del café Zimmermann. El café era una bebida de lujo nueva y de moda en aquella época . Su entusiasmo por él llegó tan lejos que incluso le dedicó la Cantata del Café (musical) .
Delicias culinarias: Bach apreciaba la buena mesa y el buen vino. Sus cartas y relatos demuestran que disfrutaba tomando vino y mantenía una vida cordial con amigos y colegas.
5. Estudio de la teología
Bach poseía una extensa biblioteca privada compuesta por más de 80 volúmenes : una colección notable para la época .
Lectura : La mayoría de estos libros no eran partituras, sino obras teológicas, comentarios sobre la Biblia y escritos de Martín Lutero. Estudió estos textos con detenimiento, los anotó en los márgenes y los utilizó como base intelectual de su cosmovisión.
6. Agricultura en pequeña escala
Como muchos habitantes de la ciudad de su época, la familia de Bach también poseía un huerto. Se dice que cuidaba de la cosecha y el cultivo de estos huertos para asegurar el abastecimiento de alimentos frescos para la numerosa familia .
En resumen, Bach era un hombre firmemente arraigado en la vida material: luchaba por conseguir dinero, crio un gran número de hijos, disfrutaba tomando café y leía literatura teológica.
Como jugador
Al considerar a Johann Sebastian Bach como un intérprete , es necesario imaginar a un hombre cuya conexión física con sus instrumentos —especialmente el órgano y el clavicémbalo— parecía casi sobrehumana . No era un teórico que simplemente se sentaba en su escritorio; era un practicante, un intérprete y un auténtico « atleta de alto rendimiento» al teclado.
He aquí un retrato de Bach como intérprete:
1. El “Conquistador” del Órgano
Para Bach, el órgano no era sólo un instrumento, sino una máquina que controlaba con absoluta precisión.
Virtuosismo de los pies: Sus contemporáneos comentaban con asombro que Bach tocaba melodías con los pies sobre los pedales con una velocidad y precisión que otros apenas podían lograr con los dedos. No solo ” caminaba ” sobre los pedales, sino que prácticamente bailaba sobre ellos.
Registro de sonido: Tenía una intuición casi instintiva para la mecánica . Cuando probaba un órgano nuevo, solía decir: « Primero necesito saber si tiene buenos pulmones», y usaba todos los registros (el llamado plenum) para llevar el instrumento al límite.
2. El improvisador mágico
Bach como intérprete impresionaba especialmente cuando tocaba improvisadamente.
Podía escuchar un tema completamente desconocido para él e improvisar inmediatamente una compleja fuga a cuatro partes sobre él .
Para él , ” jugar ” era un juego intelectual: se retaba a sí mismo a resolver problemas matemáticos sónicamente en tiempo real . El ejemplo más famoso es la Ofrenda Musical, basada en su transformación espontánea de un tema extremadamente difícil en una fuga a seis voces ante Federico el Grande.
3. El jugador físico : fuerza y precisión
Su estilo de juego difería enormemente de la actitud a menudo rígida de la época.
curvaba ligeramente los dedos e involucraba activamente el pulgar , algo completamente inusual en aquella época . Esto le permitía una fluidez y un tempo que a sus contemporáneos les parecían propios de una bruja .
Resistencia: Un servicio religioso en Leipzig podía durar horas. Bach, como intérprete, debía poseer una enorme resistencia física para sostener los acordes masivos y las complejas secuencias sin fatigarse .
4. El multiinstrumentista
Aunque era conocido como el ” Rey del Órgano “, también era un excelente violinista y violista.
Le gustaba especialmente tocar la viola en el centro de la orquesta porque lo colocaba ” justo en el centro de la armonía” .
Su comprensión como intérprete de cuerdas fluyó directamente a su forma de tocar el clavicémbalo: intentó hacer que los instrumentos de teclado “cantaran ”, lo que en realidad es técnicamente imposible con un instrumento de cuerda pulsada como el clavicémbalo .
5. El competidor juguetón
Bach era consciente de sus capacidades y disfrutaba de la competición lúdica.
Al enterarse de que otro virtuoso estaba en la ciudad, buscó una comparación. Era una mezcla de ambición deportiva y orgullo profesional.
Su forma de tocar era a menudo tan compleja que los críticos la describieron como ” demasiado laboriosa ” , una señal de que, como intérprete, no rehuía ningún desafío, incluso si abrumaba al público .
Familia musical
La familia Bach no era una familia cualquiera ; era una auténtica dinastía musical, sin precedentes en la historia mundial. Durante generaciones, el nombre ” Bach ” fue casi sinónimo de ” músico ” en Turingia y Sajonia .
Se puede imaginar a este clan como una red de largo alcance en la que la artesanía musical se ha transmitido de generación en generación como una valiosa receta secreta.
1. Los antepasados: las raíces en el bosque de Turingia
Incluso generaciones antes de Juan Sebastián, la familia estaba firmemente arraigada en la región.
Veit Bach (el tatarabuelo): Era panadero y molinero y tuvo que huir de Hungría. Se dice que incluso se llevó su ” Cithringen ” (un pequeño laúd) al molino y lo tocó con el ruido de las piedras.
Los músicos y organistas de la ciudad: El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era músico de la ciudad de Eisenach. Sus tíos y primos ocupaban casi todos los puestos musicales importantes en ciudades como Erfurt, Arnstadt y Gotha. La familia se reunía una vez al año en grandes reuniones familiares, donde interpretaban música juntos y celebraban a lo grande , a menudo con canciones improvisadas y humorísticas (quodlibets).
2. Las esposas: socias en espíritu
Bach se casó dos veces y ambas esposas estuvieron profundamente involucradas en su obra musical:
Maria Barbara Bach (primera esposa): Era su prima segunda y provenía de una familia de músicos. Comprendía su oficio al dedillo.
Anna Magdalena Bach (segunda esposa): Fue una cantante profesional (soprano) de gran talento. Bach compiló el famoso Cuaderno para Anna Magdalena Bach específicamente para ella . Ella le brindó un apoyo significativo al transcribir su música en copias limpias ; su caligrafía es tan similar que a los investigadores a veces les resulta difícil distinguirlas .
3. Los Hijos : Los “Famosos ” de la Próxima Generación
Bach tuvo un total de 20 hijos, muchos de los cuales murieron jóvenes . Sin embargo, cuatro de ellos se convirtieron en compositores de renombre mundial, algunos de los cuales fueron más famosos en vida que su padre.
Wilhelm Friedemann Bach (el “ Bach de Dresde ” ): fue considerado el improvisador más talentoso y el hijo predilecto, pero llevó una vida bastante inestable.
Carl Philipp Emanuel Bach (el ” Bach de Berlín” o ” Bach de Hamburgo ” ): Se convirtió en uno de los compositores más importantes del estilo Empfindsamkeit y sirvió en la corte de Federico el Grande. Fue quien cultivó con mayor intensidad el legado de su padre .
Johann Christoph Friedrich Bach (el “ Bach de Bückeburg ” ): trabajó como maestro de capilla y se mantuvo fiel al estilo más bien clásico.
Johann Christian Bach (el ” Bach milanés ” o “Bach londinense ” ): Se convirtió al catolicismo, se trasladó a Italia y posteriormente a Inglaterra . Escribió óperas de gran éxito y ejerció una gran influencia en el joven Wolfgang Amadeus Mozart.
4. El «Archivo Bach»
La familia era muy consciente de su herencia. El propio Johann Sebastian compiló el ” Origen de la Familia Musical Bach”, una crónica manuscrita en la que registró a 53 miembros de la familia y sus carreras musicales . Para él , la música no era la obra de un genio solitario, sino una herencia familiar que debía cultivarse y transmitirse.
La familia de Bach era, por lo tanto, una especie de « ecosistema musical » . Casi todos los que llevaban el apellido Bach sabían tocar un instrumento o cantar.
Relaciones con compositores
Johann Sebastian Bach no vivió aislado, a pesar de haber pasado casi toda su vida en un radio relativamente pequeño en el centro de Alemania. Sus relaciones con otros compositores se caracterizaron por una profunda admiración, un intercambio profesional, pero también por curiosos encuentros y rivalidades .
Aquí están las conexiones directas más importantes:
1. George Frideric Handel : El gran casi encuentro
Esta es una de las anécdotas más famosas de la historia de la música. Bach y Händel nacieron el mismo año (1685), a tan solo 130 kilómetros de distancia. Bach admiraba profundamente a Händel e intentó conocerlo en persona en dos ocasiones cuando este visitaba su ciudad natal, Halle.
La primera vez, solo se encontraron a un día de distancia.
La segunda vez, Bach ya estaba demasiado enfermo para viajar y envió a su hijo Wilhelm Friedemann como enviado. Händel parece haber correspondido al interés con menos entusiasmo (era una estrella internacional de la ópera en Londres), mientras que Bach copió personalmente las obras de Händel para sus conciertos de Leipzig .
2. Georg Philipp Telemann: el amigo estimado
famoso y exitoso que Bach durante su vida , pero ambos se tenían un gran respeto profesional.
mayor de Bach , Carl Philipp Emanuel (de ahí el nombre “Philipp ” ).
Curiosamente, Telemann fue la primera opción del ayuntamiento para el puesto de Thomaskantor en Leipzig ; solo cuando Telemann declinó, Bach fue contratado como ” solución provisional “.
3. Dietrich Buxtehude: El ídolo y el mentor
En 1705, siendo joven, Bach emprendió su famoso viaje a Lübeck para escuchar al gran maestro organista Buxtehude .
Lo que se había planeado como una estancia de cuatro semanas se convirtió en cuatro meses, ya que Bach estaba tan fascinado por la forma de tocar de Buxtehude y su ” música nocturna” .
incluso le ofrecieron el puesto de organista en la iglesia de Santa María, sucediendo a Buxtehude , pero solo con la condición de que se casara con la hija de este. Bach declinó cortésmente la oferta y regresó a su puesto (muy molesto por su larga ausencia ) .
4. Antonio Vivaldi: La influencia desde lejos
Aunque Bach nunca conoció personalmente a Vivaldi , su relación con su música fue “directa ” a través del estudio de las partituras.
En Weimar, Bach recibió partituras de los conciertos para violín de Vivaldi . Estaba tan entusiasmado con el nuevo rigor formal y el brío italiano que transcribió muchas de estas obras para clavicémbalo u órgano.
Se podría decir que a través de esta “ copia” (que era la forma más alta de estudio en ese momento ) , Bach modernizó radicalmente su propio estilo.
5. Jan Dismas Zelenka: El colega de Dresde
Bach tenía una alta opinión del compositor bohemio Zelenka, que trabajaba en la corte católica de Dresde.
Ambos se encontraron varias veces cuando Bach viajó a Dresde. Bach admiraba profundamente la compleja y a menudo cromática música sacra de Zelenka, pues cumplía con sus propios estándares de profundidad y contrapunto. Intercambiaron perspectivas profesionales, y Bach recomendó a Zelenka a sus alumnos como un excelente modelo a seguir.
6. La rivalidad con Louis Marchand
La relación de Bach con el compositor estrella francés Marchand era más bien competitiva. En 1717, se celebraría en Dresde una competición musical directa entre ambos.
Marchand, considerado muy arrogante, escuchó a Bach practicar en secreto la noche anterior . Quedó tan intimidado por su virtuosismo que huyó en diligencia antes del amanecer del día siguiente, entregándose a Bach sin oponer resistencia .
La red de Bach, por lo tanto, consistía en ídolos que estudiaba, amigos que bautizaban a sus hijos y rivales que huían de su genio. Era una « esponja » que absorbía las influencias de sus contemporáneos y las transformaba en algo completamente nuevo .
Compositores similares
1. Jan Dismas Zelenka (1679-1745 ) – El “ Bach bohemio ”
Zelenka es probablemente el compositor cuyo lenguaje musical es más similar al de Bach . Trabajó en Dresde y fue muy apreciado por Bach .
Similitud : Al igual que Bach, Zelenka apreciaba las estructuras polifónicas extremadamente complejas y una armonía cromática muy audaz. Su música suele sonar sombría , muy concentrada y exigente intelectualmente. Quienes aman la Misa en si menor de Bach encontrarán una profundidad espiritual similar en las misas de Zelenka .
2. Dietrich Buxtehude (1637–1707 ) – El modelo a seguir
Buxtehude fue el hombre por quien el joven Bach caminó cientos de kilómetros a pie.
Similitud : La relación directa es particularmente evidente en la música para órgano . La fantasía de Buxtehude, su valentía para usar giros sorprendentes (el llamado stylus phantasticus) y su dominio de la fuga fueron la base sobre la que se construyó Bach.
3. Georg Philipp Telemann (1681-1767) – El amigo productivo
Aunque Telemann a menudo sonaba más agradable y ” moderno” que Bach, hay grandes superposiciones .
Similitud : En sus extensas obras sacras y sus elaborados conciertos instrumentales, Telemann alcanza un nivel similar de perfección técnica. Dominaba el estilo contrapuntístico, pero a menudo optaba por un efecto más ligero y elegante.
4. George Frideric Handel (1685–1759) – El majestuoso contemporáneo
Aunque Handel escribió en un estilo mucho más operístico y dramático, son “hermanos en espíritu” del período barroco tardío .
Similitud : En los grandes coros ( como en El Mesías), se encuentra la misma fuerza arquitectónica y la capacidad de entrelazar las voces con maestría. Mientras que Bach tendía a profundizar, Händel se inclinaba hacia el exterior ; aun así, ambos dominaron a la perfección la técnica barroca.
5. Heinrich Schütz (1585-1672 ): el antepasado intelectual
Schütz vivió exactamente 100 años antes que Bach, pero el parentesco espiritual es palpable .
Similitud : Schütz es considerado el ” padre” de la música sacra alemana. Sentó las bases de la retórica musical —es decir, el arte de interpretar textos bíblicos a través de la música— , que posteriormente Bach culminó . Quienes aman las Pasiones de Bach encontrarán la esencia pura y concentrada en las Pasiones de Schütz.
6. Max Reger (1873–1916 ) – El revivificador de Bach
Saltando a un período posterior , Max Reger es quien llevó con más fuerza el espíritu de Bach a los tiempos modernos.
Similitud : Reger estaba obsesionado con el contrapunto y las fugas. Combinó el rigor matemático de Bach con la armonía extrema del Romanticismo tardío . Él mismo afirmó que cada una de sus obras representaba una interacción directa con Bach.
7. Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847 ): El heredero romántico
Mendelssohn no sólo fue el descubridor de Bach en el siglo XIX, sino también su alumno estilístico .
Similitud : En sus oratorios (San Pablo, Elías) y sus sonatas para órgano, Bach se percibe en cada nota. Mendelssohn rescató la forma fugal estricta para el Romanticismo y la combinó con el nuevo estilo melódico de su época.
Mi consejo para escuchar : Si buscas la complejidad de Bach, escucha los responsorios de Jan Dismas Zelenka. Te sorprenderá lo bachiano y a la vez único que suena esta música.
Relaciones
1. Los fabricantes de instrumentos: intercambio técnico
Bach estaba obsesionado con la mecánica del sonido. Buscó el contacto directo con los mejores artesanos de su época:
Gottfried Silbermann (constructor de órganos y pianos): Una de las relaciones más importantes. Bach fue su crítico más severo y su consejero más importante. Cuando Silbermann construyó sus primeros ” hammerklaviers” (fortepianos), Bach criticó la pesada acción y la débil tiple . Silbermann trabajó durante años para mejorarlos hasta que Bach finalmente dio su aprobación total e incluso ayudó a vender los instrumentos.
Johann Christian Hoffmann (fabricante de laúdes y violines): Un amigo cercano de Leipzig. Bach le encargó nuevos tipos de instrumentos, como la viola pomposa (una viola de gran tamaño). Hoffmann incluso lo nombró albacea testamentario, lo que demuestra la profunda confianza entre el músico y el artesano.
2. El Collegium Musicum: estudiantes y aficionados
Durante muchos años, Bach dirigió el Collegium Musicum de Zimmermann en Leipzig. No se trataba de una orquesta profesional en el sentido moderno, sino de un grupo de estudiantes de la Universidad de Leipzig y aficionados con talento.
Bach ejerció de mentor y director aquí. En el ambiente relajado del café, cultivó una relación mucho más directa y distendida con estos jóvenes que en la estricta Thomasschule. Muchos de sus conciertos profanos fueron escritos específicamente para estos jóvenes músicos.
3. Los nobles: mecenas y empleadores
La relación de Bach con la nobleza era una mezcla de profunda gratitud y maniobras diplomáticas:
Príncipe Leopoldo de Anhalt-Königsbourg : Esta fue probablemente la relación más feliz de su vida profesional. El príncipe era un músico talentoso (tocaba el violín, la viola da gamba y el clavicémbalo). Trataba a Bach casi como a un amigo, lo acompañaba en sus viajes y fue padrino de uno de sus hijos.
Federico el Grande (Rey de Prusia ) : La relación era bastante distante y respetuosa. Durante la visita de Bach a Potsdam en 1747, el rey desafió al antiguo amo. Bach no reaccionó como un sirviente servil , sino como un ” modesto experto ” , resolviendo con maestría los enigmas musicales del rey en la Ofrenda Musical .
4. Los Thomaner: Maestros y “padres sustitutos”
La relación de Bach con sus cantantes , los alumnos de la Thomasschule, fue a menudo difícil.
Tuvo que formar un coro capaz de interpretar sus dificilísimas cantatas con niños sin talento o indisciplinados. En sus cartas, se quejaba amargamente de los alumnos ” poco musicales” . Sin embargo, hubo algunos estudiantes talentosos a quienes apoyó y que posteriormente trabajaron para él como copistas o ayudantes .
5. Los concejales de Leipzig: un conflicto en curso
Su relación con el Ayuntamiento de Leipzig (sus superiores directos) estuvo casi constantemente caracterizada por la tensión .
a Bach como un funcionario testarudo que descuidaba sus obligaciones (como enseñar latín) . Bach, a su vez, los veía como burócratas ignorantes que desconocían la calidad de su música . En sus cartas, los llamaba una « autoridad extraña y musicalmente desagradable » .
6. Gottfried Zimmermann: El dueño de la cafetería
Zimmermann era el propietario de la cafetería donde se interpretaba la música profana de Bach. No solo le proporcionó el local , sino que también invirtió en nuevos instrumentos (como un clavicémbalo gigante) para asegurar el éxito de sus conciertos. Zimmermann fue un colaborador importante en la obra de Bach dentro del ámbito público burgués, fuera de la iglesia.
La red social de Bach era, pues, una mezcla de precisión artesanal , favoritismo aristocrático y espíritu emprendedor burgués . No era un artista solitario , sino un hombre que constantemente discutía cuestiones técnicas con constructores de órganos, hacía música con príncipes y discutía con los concejales sobre su salario.
Obras importantes para piano solo
Cuando hablamos de las ” obras para piano ” de Bach, debemos recordar que el piano moderno (el piano de cola ) apenas se había inventado en su época. Escribió estas obras para clavicordio , pero hoy forman parte del repertorio esencial de todo pianista.
Aquí están las obras solistas más importantes para instrumentos de teclado que han cambiado la historia de la música para siempre :
1. El clave bien temperado (Partes I y II)
Esta es posiblemente la obra más influyente en toda la historia de la música para teclado. Consta de dos colecciones, cada una con 24 preludios y fugas , uno para cada tonalidad mayor y menor.
Importancia: Bach demostró que un nuevo tipo de afinación (la ” bien temperada ” ) permite tocar en todas las tonalidades sin que suene desafinado.
El personaje: A menudo se describe como el ” Antiguo Testamento” de los pianistas. Desde la calma meditativa hasta el rigor matemático, todas las emociones humanas están representadas aquí.
2. Las variaciones Goldberg
Originalmente escritas para acortar las noches de insomnio del conde Keyserling , ahora son una de las obras más exigentes para los solistas.
Estructura: La obra comienza con una delicada “Aria ” , seguida de 30 variaciones que se desarrollan no a través de la melodía, sino a través de la base del bajo.
Una particularidad: Bach incorpora un canon en las tres variaciones, con una distancia cada vez mayor entre las voces : una obra maestra arquitectónica que también es altamente virtuosa .
3. Los conciertos italianos
En esta obra, Bach logra un milagro: imita el sonido de una orquesta entera con un solo instrumento de teclado.
Estilo: Es un homenaje al estilo italiano (Vivaldi). Al alternar entre diferentes registros en el clavicémbalo de dos teclados, Bach creó el contraste entre un solista y una orquesta completa (tutti).
suites inglesa y francesa
Estas colecciones son básicamente secuencias de danzas estilizadas ( Allemande, Courante, Sarabande, Gigue).
Suites francesas : Son más bien galantes, líricas y algo más ligeras en tono.
Suites inglesas: Son más monumentales, suelen comenzar con un gran preludio y exigen mucho más nivel técnico al intérprete.
5. Fantasía cromática y fuga
más salvaje de Bach . Casi parece como si hubiera dejado de lado momentáneamente las reglas del Barroco .
Carácter: La Fantasía está llena de secuencias dramáticas , armonías audaces y recitativos que suenan casi como una escena operística. Muestra a Bach como el gran improvisador que no temía la disonancia.
6. Las Partitas ( Parte I del clave )
Bach publicó estas seis suites como su «Opus 1 » . Representan la cumbre de la suite de danza barroca. Cada partita comienza con una forma diferente (preludio , sinfonía, tocata, etc.) y demuestra la enorme gama de su poder expresivo , desde la profunda melancolía hasta la exuberante alegría de vivir.
¿Por qué estas obras son tan especiales?
Las obras para piano de Bach son como ” un gimnasio y una oración al mismo tiempo ” : entrenan la independencia de los dedos (ya que cada mano a menudo tiene que tocar varias partes a la vez) y al mismo tiempo desafían la mente a ver a través de la compleja estructura.
Música de cámara importante
En la música de cámara de Bach, encontramos una fascinante combinación de devoción privada y el más alto virtuosismo. Dado que el propio Bach era un excelente violinista y violista, a menudo escribía estas obras ” de práctica para práctica “, ya sea para sus talentosos hijos , para amigos virtuosos o para su propio trabajo en la corte de Köthen .
A continuación se presentan las obras de música de cámara más importantes que aún se consideran hitos de su género:
1. Seis Sonatas y Partitas para violín solo (BWV 1001–1006 )
Estas obras son el ” Everest ” para todo violinista. Bach logra aquí el milagro técnico de crear una polifonía completa en un instrumento que, en realidad, solo puede tocar una melodía .
La Chacona: La pieza central de la segunda Partita es un conjunto de variaciones de más de 15 minutos , considerada una de las piezas más profundas de la historia de la música. Johannes Brahms dijo una vez que Bach, en esta pieza , abarca todo un mundo de pensamientos profundos y emociones intensas en un solo violín .
2. Seis Suites para Violonchelo Solo (BWV 1007-1012 )
piezas para violín solo son para el violín, estas suites lo son para el violonchelo. Durante mucho tiempo se consideraron simplemente ” piezas de práctica ” hasta que fueron descubiertas como obras maestras en el siglo XX (principalmente gracias a Pablo Casals).
Carácter: Cada suite comienza con un preludio , seguido de una serie de danzas . Abarcan desde la casi meditativa Primera Suite en Sol Mayor hasta la técnicamente extremadamente exigente Sexta Suite, escrita originalmente para un instrumento de cinco cuerdas .
3. Sonatas para violín y clavicémbalo (BWV 1014-1019 )
Estas seis sonatas fueron revolucionarias para su época . Normalmente, el clavicémbalo acompañaba al violín únicamente con acordes sencillos (bajo continuo).
Innovación: Bach compuso completamente la parte de la mano derecha del clavicémbalo, de modo que este instrumento se convierte en un compañero absolutamente igual al violín . Se crea una auténtica sensación de trío , aunque solo toquen dos músicos.
4. Las sonatas de gamba (BWV 1027-1029 )
La viola da gamba ya era un instrumento algo anticuado en la época de Bach, con un sonido delicado y melancólico. Bach amaba este sonido y escribió tres sonatas que combinan a la perfección la cualidad cantabile de la gamba con una polifonía compleja .
5. Ofrenda musical (BWV 1079) – Partes de música de cámara
Esta obra tardía fue compuesta tras la visita de Bach a Federico el Grande. Contiene una sonata en trío a gran escala para flauta , violín y bajo continuo.
Antecedentes: Dado que el propio rey era un flautista apasionado , Bach integró la flauta de forma sumamente sofisticada. La obra combina el estilo galante de la corte prusiana con la rigurosa erudición de Bach.
6. Sonatas para flauta
Bach dejó varias sonatas para flauta ( algunas con clavicémbalo, otras con bajo continuo). La Sonata en si menor (BWV 1030) se considera la obra más importante de este género en todo el Barroco, debido a su enorme extensión y densidad casi sinfónica.
Lo que estas obras tienen en común
La música de cámara de Bach nunca es mero entretenimiento. Incluso en pequeños conjuntos, él sigue siendo el arquitecto: las voces se persiguen, se reflejan y tejen una red que a menudo hace olvidar al oyente que solo uno o dos músicos están trabajando.
Obras orquestales importantes
1. Los Conciertos de Brandeburgo (BWV 1046–1051 )
Estos seis conciertos se consideran la cumbre de la música orquestal barroca. Bach los dedicó al Margrave de Brandeburgo en 1721.
Lo especial de estos seis conciertos es que cada uno tiene una instrumentación completamente diferente. Bach experimenta aquí con diferentes grupos solistas (desde el « Concierto Grosso » con varios solistas hasta conjuntos de cuerda pura).
Lo más destacado: el segundo concierto con la trompeta de jazz extremadamente aguda, el cuarto concierto con dos flautas dulces y el quinto concierto, que se considera el primer concierto para piano real de la historia porque el clavicémbalo toca una enorme cadencia solista.
2. Las cuatro suites orquestales (BWV 1066 –1069)
llamó originalmente a estas obras ” Oberturas ” . Cada una consta de un magnífico movimiento introductorio y una serie de danzas francesas ( como la Gavota, la Bourrée o la Giga) .
Suite nº 2 en si menor: Una pieza bravura para flauta , que termina con el famoso y rápido movimiento “ Badinerie ” .
Suite n.º 3 en re mayor: Una obra festiva con trompetas y timbales. Contiene la mundialmente famosa « Aria » , una de las piezas musicales más conocidas y apacibles del mundo.
3. Los Conciertos para violín (BWV 1041–1043 )
El propio Bach fue un violinista excepcional, y esto se hace evidente en estas obras, que combinan el temperamento italiano con la profundidad alemana.
Concierto para violín en la menor y mi mayor: Dos clásicos del repertorio, que impresionan por su estructura clara y frases líricas .
Doble Concierto para Dos Violines en Re Menor: Aquí, dos violines solistas se entrelazan en un diálogo denso y profundamente emotivo. El segundo movimiento, en particular, se considera uno de los momentos más bellos de la escritura melódica barroca .
4. Los Conciertos para clavecín (BWV 1052–1065 )
Bach fue pionero en colocar el clavicémbalo (predecesor del piano) como instrumento solista delante de la orquesta .
Innovación: La mayoría de estos conciertos son arreglos de conciertos anteriores para violín u oboe. El concierto en re menor (BWV 1052) es el más potente y virtuoso de todos.
Conciertos múltiples: Bach también escribió conciertos para dos , tres o incluso cuatro clavicordios simultáneamente , a menudo para interpretarlos junto con sus talentosos hijos en cafés de Leipzig .
5. El Triple Concierto (BWV 1044)
Un gran concierto de composición tardía para el inusual grupo de solistas : flauta , violín y clavicémbalo. Es extremadamente complejo y demuestra la capacidad de Bach para combinar diferentes timbres en un denso tapiz.
Otras obras importantes
piezas instrumentales , Bach creó un vasto universo de música vocal y obras para órgano, que constituyen la esencia de su obra. En estas obras, combina su profunda religiosidad con una monumentalidad compositiva que permanece inigualable hasta nuestros días.
A continuación se presentan las obras más importantes de estas áreas:
1. Las grandes pasiones
Estas obras monumentales cuentan la historia de la Pasión de Jesús según los Evangelios y fueron compuestas para los servicios del Viernes Santo en Leipzig.
según San Mateo : Se considera una de las mayores obras maestras de la historia. Con dos coros y dos orquestas, Bach crea un mundo sonoro dramático y profundamente emotivo que trasciende con creces la simple celebración de un servicio religioso.
Pasión según San Juan: Esta obra es más breve , más dramática y de estructura casi operística y agresiva. Cautiva con su enorme energía rítmica y sus cautivadores coros .
2. El Oratorio de Navidad
En realidad, se trata de una serie de seis cantatas escritas para las festividades entre Navidad y Epifanía. Con su jubiloso redoble de timbales y brillantes trompetas al comienzo (“¡Alégrense, regocíjense!”), sigue siendo para muchos el epítome de la música navideña.
3. La Misa en si menor
Este es el legado musical de Bach . Trabajó en él durante décadas y lo completó poco antes de su muerte. Aunque Bach era luterano, musicalizó aquí el texto latino completo de la Misa católica . La obra es tan completa y compleja que nunca se interpretó íntegramente en vida de Bach ; se considera la cumbre de la música coral polifónica .
4. La obra de cantata
Bach compuso más de 200 cantatas eclesiásticas que se conservan (originalmente probablemente eran más de 300). Cada semana debía interpretar una nueva obra para los servicios dominicales .
Entre los más famosos se encuentran “Wachet auf, ruft uns die Stimme” (con el conocido coral de tenor) y “Herz und Mund und Tat und Leben”, que contiene el mundialmente famoso coral “Jesus bleibet meine Freude” .
También escribió cantatas profanas, como la humorística Cantata del café, que trata sobre la práctica entonces de moda de beber café, o la Cantata del campesino.
5. Las grandes obras de órgano
El órgano era el verdadero instrumento de Bach. Aquí se revela como un arquitecto del sonido insuperable .
Toccata y fuga en re menor: Probablemente la pieza para órgano más famosa del mundo con su dramático comienzo.
Passacaglia en do menor: Un ingenioso conjunto de variaciones sobre un tema recurrente en el pedal.
Preludios corales: En colecciones como “Orgelb üchlein “, Bach musicalizó himnos conocidos de una manera tan artística que la melodía se entreteje en una densa red de contravoces.
6. El Magníficat
Una obra radiante y festiva en re mayor para coro y orquesta, que musicaliza el himno de alabanza de María . Es una de las pocas obras latinas de Bach y cautiva por su concisa brevedad y enorme brillantez.
7. Los motetes
Estas obras, en su mayoría puramente vocales (como “Jesu, meine Freude”) demuestran la maestría absoluta de Bach en la escritura vocal sin instrumentos de apoyo . Se encuentran entre las piezas más difíciles que un coro puede interpretar.
Estas obras representan al “Bach espiritual”. Si bien su música instrumental suele ser lúdica y matemática, estas obras vocales y para órgano sirven para expresar lo indescriptible y divino del sonido .
Anécdotas y datos interesantes
La estancia en prisión
Bach no era un empleado común. Cuando quiso renunciar a su puesto en Weimar en 1717 para unirse al príncipe de Köthen, el duque de Sajonia-Weimar se negó a liberarlo. Bach protestó con tanta insistencia y terquedad que el duque simplemente lo encarceló durante cuatro semanas . Sin embargo, Bach aprovechó su tiempo en prisión de forma productiva: se dice que allí redactó fragmentos de su ” Orgelbüchlein ” (Pequeño libro para órgano ) .
El duelo que nunca ocurrió
se celebraría en Dresde una ” cumbre musical” : Bach contra el compositor estrella francés Louis Marchand. La noticia de la competición corrió como la pólvora. Pero cuando Marchand escuchó en secreto a Bach practicando la víspera del duelo , quedó tan impresionado por su superioridad técnica que huyó en diligencia al amanecer del día siguiente . Bach actuó solo y emocionó al público.
La marcha por la música
En su juventud, Bach estaba tan obsesionado con escuchar tocar al gran organista Dietrich Buxtehude que, en el invierno de 1705, caminó de Arnstadt a Lübeck , una distancia de unos 400 kilómetros. Había pedido cuatro semanas de vacaciones para el viaje, pero se quedó cuatro meses. Su jefe en Arnstadt no estaba nada contento con esta inusual extensión de sus vacaciones a su regreso .
Bach y café
Bach era un gran aficionado al café, bebida de moda en aquel entonces . En Leipzig, pasaba mucho tiempo en la cafetería de Zimmermann. Para defender la bebida de las críticas (muchas en aquel entonces consideraban el café poco saludable o indecente para las mujeres), escribió la humorística Cantata del Café. En ella, una joven canta: ” ¡Oh! Qué dulce sabe el café, más delicioso que mil besos , más suave que el vino moscatel ” .
Un cantor guerrero
En Leipzig, Bach se enfrentaba constantemente con el ayuntamiento y los directores de la escuela. En una ocasión, casi se desató una pelea en el patio de la escuela porque Bach se negó a aceptar a un estudiante sin talento como prefecto ( subdirector del coro). Bach era conocido por quitarse la peluca con furia y lanzársela a los músicos que desafinaban, insultándolos como ” flautistas “.
(La redacción de este artículo fue asistida y realizada por Gemini, un modelo de lenguaje grande (LLM) de Google. Y es solo un documento de referencia para descubrir música que aún no conoce. No se garantiza que el contenido de este artículo sea completamente exacto. Verifique la información con fuentes confiables.)
Best Classical Recordings
on YouTube
Best Classical Recordings
on Spotify
Descripción general
Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un compositor, organista y violinista alemán, considerado uno de los más grandes compositores de la historia de la música clásica occidental. Fue una figura central de la era barroca y un maestro del contrapunto, la armonía y la forma musical. Sus obras abarcan una amplia gama de estilos y géneros y siguen influyendo en la música actual.
Vida y carrera
Primeros años de vida:
Nació el 31 de marzo de 1685 en Eisenach, Alemania, en una familia de músicos.
Quedó huérfano a los 10 años y vivió con su hermano mayor, Johann Christoph, quien lo inició en el teclado.
Estudió en la prestigiosa escuela St. Michael’s de Lüneburg.
Vida profesional:
Trabajó como músico de la corte en Weimar, Köthen y, más tarde, como director musical de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig.
Era conocido por sus habilidades como organista y compositor, especialmente en obras sacras y profanas.
Sus tareas incluían a menudo la composición de cantatas semanales para los servicios religiosos, que se convirtieron en algunas de sus obras más famosas.
Vida personal:
Se casó dos veces: primero con Maria Barbara Bach (fallecida en 1720) y después con Anna Magdalena Wilcke.
Tuvo 20 hijos, varios de los cuales, como Carl Philipp Emanuel Bach, llegaron a ser compositores notables.
Obras mayores
Música sacra:
Misa en si menor: una versión monumental de la misa latina.
Pasión según San Mateo y Pasión según San Juan: obras profundas para voces y orquesta que representan la Pasión de Cristo.
Cientos de cantatas, entre ellas Jesu, Joy of Man’s Desiring y Wachet auf.
Obras instrumentales:
El clave bien temperado: dos series de preludios y fugas en todas las tonalidades mayores y menores.
Conciertos de Brandeburgo: un conjunto de seis obras orquestales que muestran texturas instrumentales barrocas.
Variaciones Goldberg: un conjunto de variaciones para teclado reconocidas por su profundidad técnica y expresiva.
Suites para instrumentos solistas, como las Suites para violonchelo y las Partitas para violín.
Obras para teclado y órgano:
Toccata y fuga en re menor: una de sus obras para órgano más emblemáticas.
Preludios corales y fugas que definieron el repertorio para órgano barroco.
Legado
La música de Bach no fue muy apreciada después de su muerte y cayó en desgracia durante la era clásica. Sin embargo, un resurgimiento en el siglo XIX, encabezado por compositores como Felix Mendelssohn, restableció su lugar como un gigante en la historia de la música.
Su uso del contrapunto y la innovación armónica establecieron un estándar para los compositores posteriores.
Hoy, sus obras son fundamentales tanto para los intérpretes como para los estudiantes, y encarnan las alturas técnicas y espirituales de la música occidental.
¿Le gustaría profundizar en algún aspecto específico de la vida o las obras de Bach?
Historia
Johann Sebastian Bach nació el 31 de marzo de 1685 en Eisenach, Alemania, en el seno de una familia con una profunda tradición musical. La familia Bach produjo varias generaciones de músicos, y su padre, Johann Ambrosius Bach, fue músico y director de los músicos de la ciudad. Johann Sebastian fue uno de ocho hijos, y sus primeros años estuvieron marcados por la tragedia. Perdió a sus dos padres a los 10 años, lo que lo llevó a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph Bach, en la ciudad de Lüneburg. Allí, recibió educación musical formal en la Escuela de San Miguel, que le proporcionó exposición a una formación musical avanzada.
La carrera temprana de Bach estuvo marcada por los diversos cargos musicales que ocupó en Alemania. En 1703, a la edad de 18 años, comenzó a trabajar como organista en la iglesia de San Blas en Mühlhausen. Su talento como organista le valió rápidamente el reconocimiento, y fue aquí donde compuso parte de su música sacra temprana, incluida la Cantata BWV 106 y varias piezas para órgano. Sin embargo, su éxito en Mühlhausen duró poco, y en 1708 se trasladó a la corte del duque Guillermo Ernesto en Weimar, donde fue nombrado concertino y organista de la corte.
Durante su estancia en Weimar, Bach compuso muchas de sus obras para órgano más famosas, entre ellas la Toccata y fuga en re menor y los Conciertos de Brandeburgo, que demuestran su dominio de la música instrumental. Sin embargo, su papel se centró cada vez más en la música sacra, incluidas las cantatas y los oratorios, que se interpretaban regularmente en los servicios religiosos. Sus cantatas estaban compuestas con un profundo sentido de reflexión teológica y a menudo utilizaban estructuras armónicas innovadoras y contrapunto.
En 1717, Bach aceptó un puesto como maestro de capilla (director musical) en la corte del príncipe Leopoldo de Köthen. Se trataba de un puesto más secular, en el que Bach se liberaba de las exigencias de la música litúrgica, lo que le permitía concentrarse en la música instrumental. Compuso durante esta época los Conciertos de Brandeburgo, así como numerosas obras de cámara, como las Sonatas y Partitas para violín solo y las Suites para violonchelo. Sin embargo, a pesar de la libertad artística que le ofrecía Köthen, la vida personal de Bach se enfrentó a desafíos. Su primera esposa, Maria Barbara, murió en 1720, y más tarde se volvió a casar con Anna Magdalena Wilcke, una cantante de talento.
En 1723, Bach asumió el prestigioso cargo de cantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde permaneció durante el resto de su vida. Como cantor, fue responsable de supervisar la música en varias iglesias de la ciudad y de componer numerosas cantatas para los servicios dominicales. Fue durante este período que Bach produjo algunas de sus obras sacras más importantes, entre ellas la Pasión según San Mateo, la Pasión según San Juan y la Misa en si menor, así como una gran cantidad de composiciones para órgano, coros y orquesta. Su música durante este período fue profundamente expresiva y profunda, y a menudo trataba temas de fe, salvación y la condición humana.
A pesar de su prolífica producción, la música de Bach no gozó del mismo reconocimiento durante su vida que en siglos posteriores. Sus composiciones gozaron de gran prestigio en ciertos círculos, pero no alcanzaron una fama generalizada fuera de Leipzig. Era un músico respetado, pero su estilo se consideraba a menudo anticuado en comparación con los compositores clásicos emergentes como Haydn y Mozart.
La salud de Bach comenzó a deteriorarse a mediados de la década de 1740 y, en 1750, estaba casi ciego. Falleció el 28 de julio de 1750, a la edad de 65 años. En los años posteriores a su muerte, su música cayó en un relativo olvido hasta el siglo XIX, cuando fue revivida por figuras como Felix Mendelssohn. La famosa interpretación de Mendelssohn de la Pasión según San Mateo en 1829 reavivó el interés por las obras de Bach y, con el tiempo, su música llegó a ser considerada la cumbre de la composición barroca.
En la actualidad, Johann Sebastian Bach es reconocido universalmente como uno de los más grandes compositores de la historia de la música occidental. Sus obras son veneradas por su complejidad, profundidad emocional e innovación técnica. Su dominio del contrapunto, la armonía y la forma sigue influyendo en compositores y músicos de todo el mundo.
Cronología
1685: Nace el 31 de marzo en Eisenach, Alemania, en una familia de músicos.
1695: Fallece su padre, Johann Ambrosius Bach.
1702: Se convierte en organista de la iglesia de San Blas en Mühlhausen.
1703: Es nombrado organista de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig y músico de la corte en Weimar.
1708: Es nombrado concertino y organista de la corte en Weimar.
1717: Se convierte en maestro de capilla en la corte del príncipe Leopoldo en Köthen.
1720: Muere su primera esposa, Maria Barbara Bach.
1723: Es nombrado cantor de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig, donde permanece el resto de su vida.
Década de 1730-1740: Compone importantes obras sacras como la Pasión según San Mateo, la Pasión según San Juan y la Misa en si menor.
1747: Compone La ofrenda musical y El arte de la fuga.
1750: Fallece el 28 de julio, a la edad de 65 años, en Leipzig.
Características de la música
La música de Johann Sebastian Bach es famosa por su complejidad, profundidad emocional y maestría técnica. A continuación se presentan algunas características clave de la música de Bach:
1. Contrapunto:
Bach es reconocido como un maestro del contrapunto, que consiste en entrelazar dos o más melodías independientes en armonía. Su uso del contrapunto se puede ver en obras como El clave bien temperado y El arte de la fuga. La forma de contrapunto más notable que utilizó fue la fuga, en la que se introduce un tema y luego se desarrolla a través de entradas imitativas.
2. Armonía y tonalidad:
La música de Bach es rica en progresiones armónicas, que a menudo exploran cambios de acordes complejos e inesperados. Fue pionero en el uso de la armonía funcional, en la que los acordes tienen relaciones específicas dentro de una tonalidad y a menudo modulan entre tonalidades, lo que le da a su música tensión y resolución.
Bach fue una de las figuras clave en el establecimiento de la armonía tonal, que más tarde influyó en los compositores clásicos.
3. Uso de ornamentación:
La ornamentación, como los trinos, los mordentes y las apoyaturas, era una característica típica de la música barroca. Bach empleó estas técnicas profusamente, añadiendo expresividad y virtuosismo a sus melodías.
4. Textura polifónica:
La música de Bach suele presentar una textura polifónica, en la que se escuchan simultáneamente múltiples líneas melódicas igualmente importantes. Esto es particularmente evidente en sus fugas y cánones, así como en sus obras corales y orquestales.
Su escritura a varias voces puede ser intrincada y densa, pero cada voz sigue siendo distinta, creando un sonido rico y estratificado.
5. Estructura formal:
Las composiciones de Bach suelen seguir formas barrocas, como la forma ritornello (usada en conciertos), formas binarias y ternarias (a menudo en suites de danza) y la forma de fuga (en muchas de sus obras instrumentales).
Su capacidad para adaptarse e innovar dentro de estas formas fue uno de sus puntos fuertes.
6. Melodía:
Las melodías de Bach suelen ser largas y llenas de fraseo expresivo. Si bien su música puede ser compleja, sus melodías suelen ser claras y cantables, con un fraseo natural y un equilibrio entre tensión y relajación.
A menudo utiliza la secuencia (repetición de una frase musical en un nivel de tono diferente), lo que da a sus melodías una sensación de desarrollo.
7. Ritmo:
La música de Bach emplea una variedad de patrones rítmicos, desde simples y constantes hasta complejos y sincopados. Su uso de ritmos con puntillo (comunes en las formas de danza barroca) y polirritmos añade vitalidad a su música.
A menudo incorporaba ritmos motívicos, en los que se repiten y varían patrones rítmicos breves a lo largo de una pieza.
8. Profundidad expresiva:
A pesar de la complejidad intelectual de la música de Bach, también es emotiva y expresiva. Sus obras sacras, como la Pasión según San Mateo y la Misa en si menor, transmiten una gran profundidad emocional a través del uso de la composición del texto, la armonía y la orquestación.
9. Instrumentación:
La música instrumental de Bach muestra su uso innovador de instrumentos de orquesta y de teclado. Sus obras orquestales, como los Conciertos de Brandeburgo, ponen de relieve su habilidad para escribir para diversas combinaciones instrumentales, a menudo con partes solistas brillantes y virtuosas junto con el conjunto.
Como virtuoso del teclado, Bach compuso extensamente tanto para órgano como para clavecín, con obras como las Variaciones Goldberg y la Toccata y fuga en re menor que siguen siendo icónicas en el repertorio para órgano.
10. Equilibrio entre lo sagrado y lo profano:
Aunque Bach es más famoso por su música religiosa (cantatas, pasiones, misas), también compuso música secular significativa, como los Conciertos de Brandeburgo, suites instrumentales y obras para teclado. En ambos ámbitos, su música muestra la misma brillantez técnica e intensidad emocional.
La música de Bach sigue siendo una piedra angular de la música clásica occidental por su incomparable sofisticación técnica y su capacidad para transmitir una profunda expresión emocional en el contexto de estructuras intrincadas.
Bach como clavecinista y organista
Johann Sebastian Bach fue uno de los más grandes virtuosos del teclado de su tiempo, famoso por su habilidad tanto con el clavicémbalo como con el órgano. Sus extraordinarias habilidades como intérprete, improvisador y compositor lo convirtieron en una leyenda durante su vida y más allá. A continuación, se presenta un análisis de sus logros y su importancia como clavecinista y organista.
1. Bach como clavecinista
Virtuosismo y habilidad
Bach fue ampliamente reconocido por su dominio técnico y su capacidad expresiva en el clavecín.
Sus contemporáneos admiraban su capacidad para ejecutar pasajes intrincados con claridad y precisión, incluso a gran velocidad.
Tenía una extraordinaria capacidad para la improvisación y a menudo asombraba al público con su habilidad para crear fugas complejas sobre la marcha.
Actuación y repertorio
Las interpretaciones de clave de Bach incluyeron sus propias composiciones así como las de otros compositores, mostrando su conocimiento enciclopédico de la música.
Entre las obras más destacadas para clavecín se incluyen:
El clave bien temperado (BWV 846-893),
Variaciones Goldberg (BWV 988),
Partitas (BWV 825-830) y
Concierto italiano (BWV 971).
Improvisación y Competiciones
La reputación de Bach como clavecinista se consolidó gracias a los concursos públicos que participó. Por ejemplo,
en 1717 compitió contra Louis Marchand, un célebre clavecinista francés. Según la leyenda, Marchand se retiró después de escuchar a Bach ensayar.
Sus dotes para la improvisación se hicieron especialmente patentes durante su estancia en Dresde, donde asombró al público creando fugas espontáneas sobre temas propuestos por otros.
Docente e innovador
Bach fue un profesor dedicado a la técnica del clavecín y muchas de sus obras pedagógicas estaban diseñadas para desarrollar las habilidades de los estudiantes.
Sus innovaciones en el clavecín incluían un enfoque en la dinámica expresiva y una exploración profunda de las texturas contrapuntísticas.
2. Bach como organista
Maestría temprana
La fama de Bach como organista comenzó a principios de su carrera.
A los 20 años, caminó más de 400 kilómetros hasta Lübeck para estudiar con el famoso organista Dieterich Buxtehude, cuya influencia se puede ver en las primeras obras para órgano de Bach.
Sus puestos como organista en Arnstadt, Mühlhausen y Weimar perfeccionaron aún más sus habilidades.
Genio de la improvisación
Las improvisaciones de Bach para órgano eran legendarias. A menudo lo invitaban a probar órganos nuevos o reconstruidos, donde mostraba las capacidades del instrumento a través de improvisaciones virtuosas e imaginativas.
Sus improvisaciones a menudo incluían fugas intrincadas y progresiones armónicas ricas que dejaban al público asombrado.
Papel litúrgico
Como organista, Bach jugó un papel clave al acompañar los servicios religiosos y mejorar la liturgia a través de sus composiciones e improvisaciones.
Composiciones para órgano
Bach compuso algunas de las mejores obras para órgano del canon occidental, muchas de las cuales muestran su destreza técnica y su profundo conocimiento del instrumento:
Toccata y fuga en re menor (BWV 565)
Passacaglia y fuga en do menor (BWV 582)
Preludio y fuga en mi bemol mayor (BWV 552)
Orgelbüchlein (BWV 599–644): una colección de preludios corales.
El arte de la fuga (BWV 1080): a menudo asociada con el órgano, aunque es adaptable a otros instrumentos.
Pruebas y asesoramiento sobre órganos
Bach fue invitado con frecuencia a inspeccionar e inaugurar órganos en toda Alemania. Su profundo conocimiento de la construcción de órganos lo convirtió en un asesor de confianza para los constructores de órganos.
3. La influencia de Bach en la técnica del teclado
Innovaciones técnicas
Bach llevó al límite la técnica del teclado, integrando elementos como:
estiramientos amplios de la mano y pasajes rápidos de los dedos,
texturas contrapuntísticas complejas que requieren una independencia precisa de los dedos y
el uso de la pedalera como parte integral de la técnica del órgano.
Aportes pedagógicos
Muchas de las obras de Bach, como las Invenciones y Sinfonías (BWV 772–801), fueron escritas para enseñar la independencia de los dedos y la ejecución contrapuntística.
Sus ejercicios y composiciones ayudaron a establecer las bases técnicas y musicales de las tradiciones posteriores para el teclado.
4. Reconocimiento contemporáneo
Bach fue muy respetado durante su vida por su habilidad con el teclado:
Johann Mattheson y Carl Philipp Emanuel Bach lo describieron como un músico inigualable en su interpretación del órgano y el clavecín.
Su reputación atrajo a visitantes y estudiantes de toda Europa.
5. El legado como virtuoso del teclado
Las obras para clave y órgano de Bach siguen siendo fundamentales en el repertorio, y son famosas por sus desafíos técnicos, su profundidad expresiva y su ingenio estructural.
Sus técnicas e innovaciones para el teclado influyeron profundamente en las generaciones posteriores de compositores, entre ellos Mozart, Beethoven y Mendelssohn.
Resumen
Como clavecinista y organista, Johann Sebastian Bach fue un verdadero maestro que combinaba virtuosismo con gran maestría. Su brillante improvisación, sus innovaciones técnicas y sus trabajos pedagógicos no solo elevaron el estatus de los instrumentos de teclado en su época, sino que también dejaron un legado perdurable que sigue inspirando a músicos de todo el mundo.
Bach como cantor
Johann Sebastian Bach fue Thomaskantor (cantor de Santo Tomás) en Leipzig desde 1723 hasta su muerte en 1750. Este puesto, uno de los más prestigiosos en el ámbito musical alemán en aquella época, marcó profundamente su carrera y su legado. A continuación, se ofrece un resumen de su función, sus responsabilidades y sus contribuciones durante su mandato como cantor.
El papel del cantor
En la época de Bach, un cantor no era sólo un profesor de música, sino también el músico principal de las iglesias bajo su cuidado. El papel de Bach como Thomaskantor comprendía varias funciones:
Dirección de Música Litúrgica:
Compuso, dirigió e interpretó música para los servicios de la iglesia de Santo Tomás (Thomaskirche) y la iglesia de San Nicolás (Nikolaikirche) en Leipzig.
Supervisó la música para los servicios dominicales y festivos, lo que le exigió producir una gran cantidad de música sacra.
Responsabilidades docentes:
Enseñó música y latín en la escuela de Santo Tomás, donde los niños recibían una educación general.
Entrenó al coro, que estaba formado por alumnos de la escuela, y los preparó para las representaciones en la iglesia.
Funciones administrativas:
Gestionó a los músicos, incluida la contratación y supervisión de instrumentistas y cantantes para los eventos de la iglesia y del ayuntamiento.
Supervisó el mantenimiento y la afinación de los instrumentos de la iglesia, como órganos y clavicordios.
La obra de Bach como cantor
La trayectoria de Bach como cantor estuvo marcada por su extraordinaria producción de música sacra, gran parte de la cual fue escrita para el calendario litúrgico de Leipzig.
Cantatas:
Compuso más de 200 cantatas para los servicios semanales, aunque se han perdido más de 100.
Estas obras a menudo se alineaban con los temas de las lecturas bíblicas del día.
Ejemplos: Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) y Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147).
Pasiones:
La Pasión según San Mateo (BWV 244) y la Pasión según San Juan (BWV 245) son obras monumentales escritas para los oficios del Viernes Santo.
Misa en si menor (BWV 232):
Aunque no fue compuesta para uso eclesiástico habitual, esta obra refleja su profundo compromiso con las tradiciones de la música sacra.
Oratorio de Navidad (BWV 248):
Un conjunto de seis cantatas para la temporada navideña, que muestran la habilidad de Bach para combinar temas festivos con una profunda expresión religiosa.
Desafíos como cantor
Bach afrontó importantes desafíos durante sus años en Leipzig:
Relaciones tensas con las autoridades:
Bach tuvo que enfrentarse a menudo al ayuntamiento de Leipzig, que a veces restringía sus recursos o interfería en su libertad creativa,
y consideraba que sus expectativas en cuanto a sus funciones docentes y administrativas eran una carga.
Carga de trabajo exigente:
El calendario litúrgico le exigía producir música de alta calidad a un ritmo casi incesante.
Recursos limitados:
El coro a menudo luchaba con un número insuficiente de integrantes y niveles de habilidad inadecuados, lo que frustraba a Bach, quien buscaba la excelencia en la interpretación.
El legado como cantor
A pesar de estas dificultades, el período de Bach como Thomaskantor sigue siendo uno de los más significativos en la historia de la música occidental:
Vasto repertorio sagrado:
Sus años en Leipzig produjeron un cuerpo de música sacra sin paralelo en profundidad, variedad y expresión espiritual.
Integración de Teología y Música:
Las obras de Bach reflejan su profunda fe, con música diseñada para iluminar y elevar los textos bíblicos.
Influencia educativa:
Sus rigurosos estándares influyeron en generaciones de músicos, estableciendo un punto de referencia para la música eclesiástica.
El impacto de la cantoría de Bach
El trabajo de Bach como Thomaskantor ejemplifica la fusión del genio artístico y la dedicación espiritual. Si bien puede que algunos aspectos de su puesto lo frustraran, sus logros durante este período lo consolidaron como uno de los más grandes compositores de la historia occidental.
Bach como profesor de música
Johann Sebastian Bach no sólo fue un compositor e intérprete de una habilidad sin igual, sino también un profesor de música muy influyente. Su labor en el ámbito de la educación musical influyó de manera significativa en el futuro de la música occidental, tanto a través de su enseñanza directa como del legado pedagógico que dejó.
El papel de Bach como profesor de música
La actividad docente de Bach fue multifacética y abarcó sus funciones formales en instituciones, la docencia privada y la creación de obras instructivas.
1. Enseñanza en la escuela de Santo Tomás de Leipzig
Como Thomaskantor desde 1723 hasta 1750, Bach fue responsable de la educación de los niños en la escuela de Santo Tomás, donde enseñaba música, canto y latín.
Capacitaba a los estudiantes para actuar en los coros de las iglesias de Santo Tomás y San Nicolás, preparándolos para los servicios semanales y ocasiones especiales.
Los altos estándares de Bach ayudaron a establecer una cultura de excelencia en la interpretación coral e instrumental.
2. Instrucción privada
Bach impartió clases particulares a jóvenes músicos talentosos, incluidos sus propios hijos y otros aspirantes a profesionales.
Varios de sus alumnos, como Johann Ludwig Krebs y Johann Friedrich Agricola, se convirtieron en compositores y músicos notables por derecho propio.
Su enseñanza a menudo combinaba el rigor teórico con la aplicación práctica, centrándose en la composición, la interpretación y la improvisación.
3. Enseñanza en el hogar
Los hijos de Bach, en particular sus hijos Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich y Johann Christian, recibieron una formación musical excepcional.
Muchos de sus hijos se convirtieron en compositores destacados, continuando y ampliando el legado de Bach en la era clásica.
Aportes pedagógicos
El enfoque de la enseñanza de Bach no se limitó a la instrucción oral; también creó un conjunto duradero de obras pedagógicas que siguen siendo piedras angulares de la educación musical actual.
1. El clave bien temperado (BWV 846–869, 870–893)
Compuesto como una herramienta didáctica para demostrar las posibilidades expresivas y técnicas de tocar en las 24 tonalidades mayores y menores.
Diseñado para desarrollar la capacidad del estudiante para tocar polifonía y navegar por progresiones armónicas complejas.
2. Las invenciones y sinfonías (BWV 772–801)
Escritas para sus alumnos, estas piezas breves enseñan contrapunto a dos y tres voces, independencia de las manos y expresión musical.
A menudo, pianistas y teclistas las utilizan como obras introductorias para dominar la escritura contrapuntística.
3. El Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, BWV 599–644)
Una colección de preludios corales diseñados para enseñar la técnica del órgano y explorar formas de adornar himnos para presentaciones en la iglesia.
Demuestra la integración de ejercicios técnicos con la expresión artística.
4. El Clavier-Übung (Práctica del teclado)
Serie de obras en cuatro partes que abarca aspectos importantes de la interpretación con teclado, entre ellas:
Parte I: Seis partitas (BWV 825–830): suites avanzadas para teclado.
Parte II: Concierto italiano y obertura francesa (BWV 971, 831).
Parte III: Obras para órgano basadas en corales luteranos.
Parte IV: Variaciones Goldberg (BWV 988).
5. Obras canónicas y fugaces
Obras como El arte de la fuga (BWV 1080) y La ofrenda musical (BWV 1079) sirven como estudios avanzados en contrapunto e inspiran a generaciones de compositores.
6. Ejercicios de composición
Bach enseñaba composición con frecuencia pidiendo a sus alumnos que copiaran y analizaran sus obras, así como las de otros grandes compositores. Este método hacía hincapié en la comprensión de los aspectos estructurales y expresivos de la música.
Filosofía de la enseñanza
La filosofía de enseñanza de Bach enfatizaba:
Dominio de la técnica: Se esperaba que sus alumnos desarrollaran habilidades técnicas impecables en sus instrumentos, incluidos el teclado, las cuerdas y la voz.
Comprensión del contrapunto: El contrapunto era fundamental en la enseñanza de Bach, ya que creía que era la base de la composición musical.
Aplicación práctica: Bach fomentaba la improvisación y la aplicación de habilidades en el mundo real, como la composición para servicios religiosos o representaciones públicas.
Expresión musical: Las obras de Bach no son meros ejercicios técnicos; exigen y enseñan profundidad emocional e interpretación estilística.
Influencia y legado
Las contribuciones de Bach a la educación musical se extendieron mucho más allá de su vida:
Influencia directa: Sus hijos y alumnos difundieron sus métodos e ideas por toda Europa, influyendo en el estilo clásico temprano.
Estándares pedagógicos: Sus obras se convirtieron en elementos básicos de la educación musical y siguen siendo fundamentales en el plan de estudios de conservatorios y escuelas de música de todo el mundo.
Inspiración para las generaciones futuras: Compositores como Mozart, Beethoven y Brahms veneraban la música de Bach y la estudiaban intensamente para perfeccionar sus propias técnicas.
Resumen
Como docente, Bach no solo fomentó el talento individual, sino que también creó un conjunto sistemático de obras pedagógicas que transformaron la educación musical. Su enfoque en la técnica, el contrapunto y la expresión sigue influyendo en la forma en que se enseña y se entiende la música, lo que garantiza su legado como uno de los educadores más influyentes en la historia de la música occidental.
Relaciones con otros compositores
Johann Sebastian Bach mantuvo diversas relaciones directas e indirectas con otros compositores, tanto a través de conexiones personales como de su influencia en el mundo de la música. Si bien Bach no tuvo muchos contemporáneos que colaboraran directamente con él (ya que a menudo trabajaba en puestos aislados), su música dejó un impacto duradero en quienes lo rodeaban y los compositores posteriores lo veneraron como una figura clave en el desarrollo de la música clásica occidental. A continuación, se enumeran algunas relaciones notables:
1. Conexiones familiares
Bach formaba parte de una gran familia musical, y muchos de sus parientes también eran compositores y músicos:
Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784): hijo mayor de Bach, compositor y organista de gran talento. Trabajó en diversos puestos, pero no logró encontrar la estabilidad. Su música estuvo influida por el estilo de su padre, aunque también experimentó con formas más modernas.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788): quizás el más famoso de los hijos de Bach, fue uno de los principales compositores del período clásico temprano. CPE Bach fue una figura clave en la transición del estilo barroco al clásico y recibió una profunda influencia de la obra de su padre, aunque su estilo evolucionó en nuevas direcciones.
Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795): Otro hijo de Bach, conocido por su trabajo en la corte del duque de Mecklemburgo. Su estilo estaba más en línea con las tendencias clásicas emergentes, pero aún reflejaba la influencia de su padre.
Johann Christian Bach (1735–1782): El hijo menor de Bach, conocido como el “Bach de Londres” por su estancia en Inglaterra. Su estilo estaba más en línea con la era clásica y ejerció una influencia significativa en el desarrollo de la forma sinfónica. Su música fue un puente entre los períodos barroco y clásico.
2. Relación con los contemporáneos
Aunque Bach vivió gran parte de su vida en relativa oscuridad, hubo varios compositores clave de su tiempo con quienes tuvo interacciones directas o indirectas:
Georg Philipp Telemann (1681–1767): Telemann y Bach fueron contemporáneos y ambos trabajaron en Leipzig (aunque Bach ocupaba un puesto más destacado). Se conocían y compartían un respeto mutuo por la música del otro. De hecho, Telemann incluso recomendó a Bach para su puesto en Leipzig. Si bien sus estilos eran diferentes (Telemann era más experimental y ecléctico), ambos fueron músicos muy valorados en su época.
Johann David Heinichen (1683–1729): contemporáneo de Bach, Heinichen fue un compositor y teórico musical que trabajó en Dresde. Bach y Heinichen fueron figuras destacadas del barroco alemán y es probable que Bach conociera la obra de Heinichen. La música de Bach, en particular sus cantatas, tenía una estructura similar a las composiciones de Heinichen.
Dieterich Buxtehude (1637–1707): Buxtehude ejerció una gran influencia sobre Bach durante su juventud. Bach viajó desde Arnstadt a Lübeck para escuchar a Buxtehude tocar el órgano y estudiar su música. Este encuentro tuvo un impacto duradero en el estilo de Bach, en particular en sus composiciones para órgano, que muestran elementos del contrapunto y las armonías de Buxtehude.
3. Influencia en compositores posteriores
Si bien la música de Bach no fue ampliamente celebrada durante su vida (fuera de ciertos círculos), su influencia en los compositores posteriores, especialmente en los períodos clásico y romántico, fue profunda:
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Mozart estuvo profundamente influenciado por la música de Bach. Admiraba su habilidad contrapuntística y estudiaba a menudo sus fugas y otras obras. El uso que el propio Mozart hizo del contrapunto en obras como su Réquiem y los movimientos de estilo fuga en sus sinfonías muestran el impacto duradero de Bach.
Ludwig van Beethoven (1770–1827): Beethoven también estuvo influido por la música de Bach, especialmente en sus primeras obras. Admiraba el rigor intelectual y el contrapunto de Bach, y a menudo incorporaba elementos de la técnica de fuga de Bach en sus escritos sinfónicos. Los famosos cuartetos de cuerda de Beethoven muestran rastros del estilo contrapuntístico de Bach.
Felix Mendelssohn (1809–1847): Mendelssohn fue fundamental en la recuperación de la música de Bach en el siglo XIX. Dirigió la famosa interpretación de la Pasión según San Mateo en 1829, que ayudó a dar a conocer a Bach al público en general. Mendelssohn era un admirador de la música de Bach y solía interpretar sus obras.
Johannes Brahms (1833–1897): Brahms fue otro compositor que estudió profundamente la obra de Bach, especialmente sus técnicas contrapuntísticas. Las Variaciones sobre un tema de Haydn y sus fugas demuestran la influencia de las técnicas compositivas de Bach.
Claude Debussy (1862–1918): Si bien provenía de una tradición musical diferente, Debussy recibió la influencia de Bach, en particular en su enfoque de la forma y la armonía. Debussy admiraba la maestría estructural de Bach, y su uso del contrapunto y las armonías modales se remonta a la influencia de Bach.
4. La influencia de J. S. Bach en la educación musical
La música de Bach también se convirtió en un referente en la educación musical, especialmente después del siglo XIX. Sus composiciones se estudiaban a menudo en los conservatorios y sus métodos de contrapunto se convirtieron en herramientas didácticas esenciales para las futuras generaciones de compositores. A muchos compositores del período clásico en adelante se les enseñaron las fugas, los cánones y las progresiones armónicas de Bach como parte de su formación formal.
5. El legado de Bach
Aunque Bach no mantuvo una relación directa extensa con muchos compositores fuera de su familia, su música ejerció una profunda influencia en la trayectoria de la música clásica occidental. Su dominio del contrapunto, la armonía y la forma se convirtió en la base para generaciones de compositores que lo veneraron como modelo de excelencia musical.
Compositores similares
Varios compositores compartían rasgos estilísticos con Johann Sebastian Bach, ya sea por su uso del contrapunto, su complejidad armónica o sus contribuciones al estilo barroco. Si bien cada compositor tenía su voz única, se considera que los siguientes son similares a Bach en términos de influencia, estilo o innovaciones musicales:
1. Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Similitudes: Telemann y Bach fueron contemporáneos en el período barroco alemán y ambos emplearon técnicas similares de contrapunto, armonías complejas e innovación orquestal. La música de Telemann, sin embargo, era más ecléctica e incorporaba elementos de la música folclórica y otros estilos europeos, pero sus obras aún demuestran un dominio del contrapunto similar al de Bach.
Obras clave: Tafelmusik, Concierto en re mayor, Oratorios de la Pasión.
2. Dieterich Buxtehude (1637-1707)
Similitud: Buxtehude ejerció una gran influencia sobre Bach, en particular en lo que respecta a la música para órgano. Bach estudió de cerca las obras de Buxtehude, y el rico uso que este último hace del contrapunto y las armonías se puede encontrar en las propias composiciones para órgano de Bach. Ambos compositores utilizaron un contrapunto intrincado y texturas expresivas en su música sacra.
Obras clave: Membra Jesu Nostri, Passacaglia en re menor, Preludios para órgano.
3. Antonio Vivaldi (1678-1741)
Similitudes: Vivaldi, maestro de la forma concertística barroca, compartía la fascinación barroca por el contraste, la energía y la ornamentación. Aunque su música suele ser más homofónica y virtuosa que la intrincada polifonía de Bach, ambos compositores utilizaron el impulso rítmico y la audacia armónica en sus obras. Bach admiraba los conciertos de Vivaldi y arregló varios de ellos para teclado y otros instrumentos.
Obras clave: Las cuatro estaciones, Concierto para dos violines, Gloria.
4. Arcángel Corelli (1653-1713)
Similitud: Corelli fue una figura clave en el desarrollo de la forma barroca del concerto grosso, y su música influyó fuertemente en compositores barrocos posteriores, incluido Bach. Sus obras tienen un estilo refinado y elegante que equilibra la claridad armónica con texturas polifónicas, similar al enfoque de Bach.
Obras clave: Concerto Grosso Op. 6, Sonata da chiesa.
5. Johann David Heinichen (1683-1729)
Similitud: Heinichen fue otro compositor barroco conocido por su obra en Dresde y fue contemporáneo de Bach. Su estilo, especialmente en su música orquestal y sus obras sacras, era similar al de Bach en términos de complejidad y contrapunto. Bach y Heinichen formaban parte de la tradición barroca alemana y las obras orquestales de Heinichen podrían haber influido en la orquestación y el uso de texturas de Bach.
Obras clave: Concierto Grosso Op. 6, Lamentaciones.
6. François Couperin (1668-1733)
Similitud: Couperin, compositor barroco francés conocido por sus obras para clave, comparte con Bach el uso de la ornamentación, la exploración armónica y el intrincado contrapunto. Si bien el estilo de Couperin suele ser más delicado y lírico, sus obras para teclado revelan una comprensión sofisticada de la forma y la ornamentación, muy similar a las composiciones para teclado del propio Bach.
Obras clave: Pièces de Clavecin, Les Nations, L’Art de toucher le clavecin.
7. Jean-Baptiste Lully (1632-1687)
Similitud: Lully, el compositor más importante de la ópera barroca francesa, utilizó un contrapunto complejo y una rica orquestación similar a la de Bach. Si bien Lully era conocido principalmente por sus obras operísticas y orquestales, su influencia en la música barroca, especialmente en el ámbito de la música de la corte francesa, refleja la complejidad estructural que Bach también adoptó en sus propias composiciones.
Obras clave: Armide, Le Bourgeois Gentilhomme, Te Deum.
8. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)
Similitudes: CPE Bach, el segundo hijo mayor de Johann Sebastian Bach, recibió la influencia del estilo de su padre, pero también exploró el estilo clásico emergente. Si bien su música presenta una mayor expresividad emocional y se aleja de algunas convenciones barrocas, su uso de armonías expresivas, contrastes dinámicos y contrapuntos refleja un linaje directo con la música de su padre.
Obras clave: Sinfonías de Hamburgo, Sonatas para teclado, Conciertos para flauta.
9. Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)
Similitudes: Si bien las obras de Pergolesi tienden a ser más ligeras y melódicas que las de Bach, su uso de la armonía y el contrapunto en la música operística y sacra muestra un sentido de estructura y desarrollo similar al de Bach. La música sacra de Pergolesi, en particular el Stabat Mater, comparte la profundidad emocional con las composiciones religiosas de Bach.
Obras clave: Stabat Mater, La Serva Padrona, Misa en do menor.
10. Francesco Cavalli (1602-1676)
Similitudes: Como compositor barroco veneciano y figura clave en el desarrollo de la ópera, las obras corales y orquestales de Cavalli muestran un contrapunto intrincado y un desarrollo armónico similar al de Bach. Aunque Cavalli se centró principalmente en la ópera, su música sacra exhibe elementos estructurales complejos que muestran un punto en común con las composiciones sacras de Bach.
Obras clave: Giasone, Messa Concertata.
Si bien ningún compositor es exactamente igual a Bach, las figuras mencionadas anteriormente comparten algunos elementos comunes en su música, ya sea por su uso del contrapunto, la sofisticación armónica o sus contribuciones al período barroco. Las obras de Bach se destacan por su síntesis única de estas cualidades, lo que hace que su música sea atemporal e influyente.
Relaciones con personas de otros géneros
Johann Sebastian Bach, aunque se le asocia más estrechamente con la tradición clásica barroca, mantuvo algunas conexiones directas con personas de otros géneros musicales de su época. Estas conexiones, aunque no están tan documentadas ni son tan numerosas como sus relaciones dentro de la esfera clásica, revelan algunas interacciones interesantes entre géneros. A continuación se presentan algunos ejemplos notables:
1. La relación de Bach con los constructores de órganos
Bach tenía relaciones directas con los organeros, ya que su trabajo como organista era fundamental para su producción. Era conocido por trabajar en estrecha colaboración con los organeros para garantizar que los instrumentos satisficieran sus necesidades artísticas.
Gottfried Silbermann (1683–1753): uno de los constructores de órganos más importantes de la época, Silbermann construyó varios órganos para que Bach los tocara y los utilizara en sus composiciones. Bach admiraba los instrumentos de Silbermann y hacía sugerencias para mejorarlos. Esta colaboración entre el compositor y el constructor refleja el compromiso práctico de Bach con el sonido instrumental más allá de la composición puramente musical.
2. Bach y los músicos de la corte de Dresde
La estancia de Bach en Köthen (1717-1723) coincidió con las actividades de los músicos de la corte de Dresde, incluidos compositores que trabajaban en géneros más seculares.
Carl Heinrich Graun (1704-1759): aunque Graun es conocido principalmente por sus óperas, también fue miembro de la corte de Dresde y contemporáneo de Bach. Es probable que Bach estuviera familiarizado con las composiciones operísticas de Graun, aunque su relación directa no está bien documentada. El conocimiento que tenía Bach de las tradiciones operísticas de la época puede haber influido en su enfoque de la música vocal y coral.
Franz Benda (1709–1786): violinista y compositor asociado con la corte de Dresde, Benda era conocido por sus conciertos para violín y es posible que haya tenido alguna influencia indirecta en las obras orquestales de Bach. Sin embargo, la relación entre Bach y Benda no está documentada en profundidad y no está clara ninguna colaboración directa.
3. La relación de Bach con los músicos y bailarines de la corte
El contacto de Bach con bailarines y músicos que interpretaban géneros profanos, como la ópera y el ballet, se produjo indirectamente a través de sus conexiones con diversas cortes nobles. Bach compuso muchas obras para danza, como las Suites para orquesta, que reflejan la influencia de las tradiciones de danza cortesana de la época.
Georg Philipp Telemann (1681–1767): Telemann, contemporáneo cercano de Bach, trabajó con una variedad de músicos en varios géneros, incluida la ópera y la música orquestal. También fue compositor de danzas, incluido el ballet. Bach y Telemann no fueron colaboradores directos, pero compartieron entornos musicales similares y ambos estuvieron a la vanguardia de la música barroca en Alemania. Sus obras a menudo reflejaban las tendencias musicales más amplias de la época, mezclando estilos sacros, instrumentales y seculares.
4. Bach y los primeros compositores clásicos
Aunque Bach no trabajó directamente con los compositores clásicos emergentes, su música tuvo una influencia significativa en ellos, especialmente en aquellos que buscaban combinar elementos de la complejidad barroca con estructuras más accesibles e impulsadas por la melodía.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788): Su segundo hijo mayor, CPE Bach, estuvo profundamente influenciado por las técnicas contrapuntísticas de su padre, pero buscó desarrollar un estilo más expresivo y emocional. La transición de CPE Bach del barroco a la música clásica fue un puente directo entre las dos eras, y sus obras muestran la influencia de su padre a través de su uso de la forma y la innovación armónica.
Franz Joseph Haydn (1732-1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): si bien Bach no interactuó personalmente con Haydn ni con Mozart, su música tuvo un profundo impacto en su desarrollo, especialmente en términos de contrapunto y complejidad estructural. Admiraban la maestría contrapuntística de Bach, y ambos compositores incorporaron elementos de la música de Bach, especialmente sus fugas, en sus propias obras.
5. Bach y los teóricos e intérpretes de su tiempo
El compromiso de Bach con músicos de otros géneros también implicó su conexión directa con intérpretes y teóricos de la música que unieron varias formas musicales.
Johann David Heinichen (1683-1729): compositor y teórico de Dresde, Heinichen fue una figura importante del barroco alemán, que trabajó fuera del ámbito estrictamente litúrgico, incluso en la ópera. Él y Bach fueron contemporáneos, y su entorno musical compartido en Alemania probablemente dio lugar a cierta colaboración e influencia indirectas.
Francesco Cavalli (1602–1676): destacado compositor veneciano de ópera, Cavalli fue una de las figuras más importantes en el desarrollo de la ópera barroca. Si bien no hay evidencia directa de que Bach haya trabajado con Cavalli o incluso lo haya conocido, la exploración que hizo de la música vocal y orquestal refleja tendencias europeas más amplias, incluido el estilo operístico iniciado por compositores como Cavalli. Los oratorios sacros de Bach, como la Pasión según San Mateo, reflejan cierta expresividad operística, que combina las tradiciones vocales barrocas.
6. Bach y los músicos “franceses”
Aunque Bach se asocia principalmente con la música barroca alemana, también admiraba e incorporaba elementos estilísticos de músicos franceses, especialmente en sus obras instrumentales. Se sabe que copió música francesa para teclado, lo que ejerció una profunda influencia en su propia composición.
Jean-Baptiste Lully (1632–1687): Lully fue un destacado compositor de ópera barroca francesa y música de la corte. Aunque Bach nunca colaboró directamente con Lully, recibió la influencia de los ritmos y las formas de danza francesas. Las Suites francesas de Bach y otras obras para clave muestran su compromiso con el estilo francés, que fusionó con sus técnicas contrapuntísticas alemanas.
7. Bach y músicos de otros países europeos
Antonio Vivaldi (1678–1741): Si bien Bach y Vivaldi no estuvieron asociados directamente en términos de colaboración personal, Bach recibió la influencia de los conciertos de Vivaldi, en particular a través de los arreglos que hizo de las obras de Vivaldi para órgano y clavecín. El uso que hizo Vivaldi de la forma ritornello y el virtuosismo en la escritura instrumental encontraron resonancia en las propias composiciones de Bach.
Resumen de las relaciones entre géneros:
Las interacciones directas de Bach con músicos de otros géneros ajenos a las tradiciones clásica y sagrada fueron limitadas, pero significativas para dar forma a su obra y su legado. Mantuvo interacciones profesionales con constructores de órganos, músicos de la corte y compositores contemporáneos de música operística y orquestal. Sin embargo, su influencia se extendió mucho más allá, especialmente cuando compositores posteriores de géneros como el período clásico adaptaron sus técnicas contrapuntísticas y armonías a sus propias obras.
Relación con Federico el Grande
La relación de Johann Sebastian Bach con Federico el Grande (1712-1786), rey de Prusia, es interesante y significativa desde el punto de vista histórico, aunque fue breve y no estuvo exenta de tensiones. La conexión entre ellos gira principalmente en torno a la visita de Bach a la corte de Federico en 1747 y la composición resultante de la Ofrenda musical, una de las obras más famosas de Bach.
La reunión de 1747
Federico el Grande, mecenas de las artes y músico experto (sobre todo en flauta), era conocido por buscar compositores e intérpretes talentosos para su corte en Berlín. En 1747, Bach, que vivía en Leipzig y ya era un compositor muy respetado, fue invitado a reunirse con el rey durante una visita a la capital.
El desafío de Federico: Según la famosa historia, Bach conoció a Federico el Grande en junio de 1747, cuando visitó la corte real en Potsdam, que estaba cerca de Berlín. Federico, que era un apasionado de la música y tocaba la flauta, se dice que le planteó a Bach un desafío musical. Tocó un tema con la flauta y le pidió a Bach que improvisara una fuga basada en él.
Respuesta de Bach: Se dice que Bach, maestro del contrapunto y la improvisación, creó inmediatamente una fuga basada en el tema de Federico, asombrando al rey y a su corte con su virtuosismo. Impresionado por la habilidad de Bach, Federico le pidió que regresara a la corte para realizar más compromisos musicales.
La ofrenda musical (1747)
Después de este encuentro, Bach compuso la Ofrenda musical (BWV 1079), un conjunto de composiciones que se basaban en el tema que Federico le había presentado. La obra, una de las composiciones más intrincadas e intelectualmente desafiantes de Bach, consta de un ricercar (una fuga) y varios cánones y partitas.
La composición refleja el profundo conocimiento que tenía Bach del contrapunto y su capacidad para trabajar con estructuras musicales complejas. Fue dedicada a Federico el Grande, aunque el propio rey no participó demasiado en su composición. La ofrenda de Bach muestra su respeto por los intereses musicales del rey, pero también es una demostración de su propia destreza artística.
La naturaleza de su relación
Mecenazgo: Aunque Federico el Grande fue un mecenas de las artes, no ofreció a Bach ningún puesto formal en su corte, como hizo con otros compositores. Bach trabajaba en ese momento en Leipzig, donde tenía un puesto estable como cantor en la iglesia de Santo Tomás. Sin embargo, la visita de Bach a la corte real indicó un respeto mutuo entre los dos hombres, aunque la relación de Bach con Federico no fue tan influyente financiera o políticamente como la de otros compositores que fueron invitados a su corte, como Carl Philipp Emanuel Bach (su hijo) o Franz Benda.
Diferencias musicales: Si bien Federico era un flautista consumado y un amante de la música, sus gustos se alineaban más con el estilo clásico emergente, que era menos contrapuntístico y se centraba más en la melodía y la simplicidad en comparación con el estilo barroco de Bach. Esta diferencia estilística puede haber limitado la profundidad de su relación personal o profesional. Federico también estuvo influenciado por las ideas más nuevas de la era clásica, que eran estilísticamente más modernas que las composiciones barrocas maduras de Bach.
Conclusión
La relación entre Johann Sebastian Bach y Federico el Grande fue breve y algo indirecta. Se basó principalmente en un único encuentro en 1747, durante el cual Bach impresionó al rey con su habilidad para la improvisación, lo que llevó a la composición de la Ofrenda musical. Si bien la corte de Federico apreciaba el genio de Bach, los dos hombres finalmente se separaron por diferencias estilísticas y diferentes roles musicales. No obstante, este encuentro marca un momento importante en la carrera posterior de Bach, ya que demuestra tanto su habilidad para la improvisación como su capacidad para relacionarse con un gobernante de una importante potencia europea, aunque no resultó en un mecenazgo duradero.
La música de Bach: ¿antigua o nueva?
La música de Johann Sebastian Bach puede considerarse tanto antigua como nueva durante su vida, dependiendo de la perspectiva desde la que se mire.
1. “Viejo” en términos de la tradición barroca:
Conservador en su estilo: Gran parte de la música de Bach se adhirió al estilo barroco, que ya estaba bien establecido en la época en que Bach componía. Heredó las tradiciones musicales del contrapunto (en particular la fuga), la ornamentación y la forma ritornello (usada en los conciertos) de compositores barrocos anteriores como Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli y Dieterich Buxtehude.
Prácticas barrocas: El uso que hacía Bach de técnicas contrapuntísticas estrictas (como fugas y cánones) era considerado por algunos como algo anticuado, especialmente cuando el mundo de la música comenzaba a orientarse hacia formas más simples y expresivas que caracterizarían el estilo clásico emergente. Este cambio estilístico fue especialmente notorio en las obras de compositores como Carl Philipp Emanuel Bach (su hijo), Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, que buscaban claridad y emoción por sobre el complejo contrapunto que definía las composiciones de Bach.
2. “Nuevo” en términos de innovación musical:
Experimentación armónica: El enfoque de Bach hacia la armonía fue innovador. Por ejemplo, a menudo utilizó la modulación (cambio de tonalidades) de maneras que eran innovadoras para su época, creando una paleta armónica más rica y dinámica. Su capacidad para crear estructuras complejas pero armoniosas, como en sus Conciertos de Brandeburgo o en El clave bien temperado, se adelantó a su tiempo.
Innovación estructural: Las composiciones de Bach eran sumamente intrincadas y técnicamente avanzadas. Su contrapunto estaba más desarrollado que el de los compositores anteriores, ampliando los límites de la escritura fugal y contrapuntística. Sus obras, como El arte de la fuga y Ofrenda musical, ejemplifican su dominio de estas técnicas, lo que representa un punto culminante en la tradición barroca que influiría en las generaciones venideras.
Desarrollo temático: En obras como la Pasión según San Mateo o la Misa en si menor, Bach utilizó el desarrollo temático de maneras que prefiguraban las técnicas de la era clásica. Estas piezas a menudo mostraban una profundidad dramática y emocional que aún no era común en la era barroca.
3. Recepción durante su tiempo:
Opiniones de los contemporáneos: Durante su vida, la música de Bach fue muy apreciada por su complejidad y brillantez técnica, especialmente por aquellos que apreciaban el profundo conocimiento que implicaba su composición, como CPE Bach, Carl Philipp Emanuel Bach (su hijo) y algunos de sus compañeros músicos en Leipzig. Sin embargo, muchos músicos y amantes de la música de la época encontraron su música demasiado intrincada, especialmente en los últimos años de su carrera, cuando el estilo clásico comenzó a afianzarse y el énfasis se desplazó hacia la melodía y la simplicidad.
Legado después de su muerte: Tras la muerte de Bach en 1750, su música cayó en un relativo olvido durante varias décadas. El auge de la música clásica y el rechazo del contrapunto barroco complejo hicieron que las obras de Bach fueran menos interpretadas y apreciadas a finales del siglo XVIII y principios del XIX. No fue hasta el resurgimiento de Bach en el siglo XIX, encabezado por figuras como Felix Mendelssohn, que la obra de Bach fue reexaminada y celebrada como un elemento fundamental de la música clásica occidental.
Conclusión:
En la época de Bach, su música podía considerarse antigua y nueva a la vez. Por un lado, estaba profundamente arraigada en la tradición barroca y se adhería a las prácticas musicales establecidas. Por otro lado, la obra de Bach traspasó los límites de la armonía, la estructura y el contrapunto, sentando las bases para el desarrollo futuro de la música clásica occidental. Por lo tanto, si bien su música formaba parte de una tradición más antigua, era revolucionaria en su profundidad, complejidad e innovación.
Obras destacadas para solo de clave
Johann Sebastian Bach compuso una importante cantidad de obras para clave, en las que demostró su dominio del contrapunto, la armonía y la profundidad expresiva. Muchas de estas obras se encuentran entre las más célebres del repertorio barroco. A continuación, se presentan algunas de las obras para clave solista más destacadas de Bach:
1. El clave bien temperado (Das Wohltemperierte Klavier), libros 1 y 2 (BWV 846–893)
Descripción: Una colección monumental de 48 preludios y fugas en todas las tonalidades mayores y menores, escrita en dos libros.
Importancia: Demuestra las posibilidades de la afinación en temperamento igual y el genio de Bach en el contrapunto y el desarrollo armónico.
Destacados: Preludio y fuga en do mayor (libro 1, BWV 846) y el dramático Preludio y fuga en do menor (libro 2, BWV 847).
2. Variaciones Goldberg (BWV 988)
Descripción: Un conjunto de 30 variaciones enmarcadas por un aria de apertura y otro de cierre. Compuesta originalmente para clavecín con dos teclados.
Importancia: Un pináculo de la forma de variación barroca, que muestra una combinación de virtuosismo técnico, rigor intelectual y profundidad emocional.
Variaciones notables: Canon en la octava (variación 12) y la virtuosa Variación 29.
3. Suites inglesas (BWV 806–811)
Descripción: Conjunto de seis suites, cada una de las cuales contiene una Allemande, Courante, Sarabande, Gigue y danzas o movimientos adicionales (como Bourrées o Gavottes).
Importancia: Se caracterizan por su grandiosidad y su intrincado contrapunto, probablemente escritas para un mecenas inglés o inspiradas en modelos ingleses.
Suites notables: Suite inglesa n.º 2 en la menor (BWV 807) y Suite inglesa n.º 3 en sol menor (BWV 808).
4. Suites francesas (BWV 812–817)
Descripción: Un conjunto de seis suites más ligeras e íntimas, cada una de ellas compuesta por movimientos de danza como Allemande, Courante, Sarabande y otros como Menuets y Gigues.
Significado: Refleja la adaptación de Bach del estilo de la suite de danza francesa con su propia complejidad contrapuntística y lirismo.
Suites notables: Suite francesa n.º 5 en sol mayor (BWV 816) y Suite francesa n.º 6 en mi mayor (BWV 817).
5. Partitas (BWV 825–830)
Descripción: Un conjunto de seis partitas, publicadas como Clavier-Übung I, cada una de las cuales contiene una secuencia de danzas estilizadas.
Importancia: Consideradas como algunas de las obras para clave de Bach más desafiantes técnicamente y artísticamente diversas, estas piezas son ricas en invención y carácter.
Partitas notables: Partita n.º 2 en do menor (BWV 826) y Partita n.º 6 en mi menor (BWV 830).
6. Fantasía cromática y fuga en re menor (BWV 903)
Descripción: Fantasía dramática e improvisada seguida de una fuga sumamente intrincada.
Significado: Conocida por su cromatismo audaz, sus florituras virtuosas y su profundidad emocional, es una de las obras para teclado solista más famosas de Bach.
7. Concierto italiano (BWV 971)
Descripción: Concierto escrito para clave solista, publicado como parte de Clavier-Übung II.
Significado: Emula el estilo de un concierto italiano, con movimientos rápidos y lentos contrastantes y una estructura externa brillante.
Movimientos: Allegro – Andante – Presto.
8. Tocatas (BWV 910–916)
Descripción: Una colección de siete toccatas, caracterizadas por su estilo improvisado y virtuoso, a menudo seguidas de intrincadas fugas.
Importancia: Estas obras se encuentran entre las primeras composiciones para teclado de Bach, y muestran su estilo compositivo y técnica de teclado tempranos.
Toccatas notables: Toccata en re menor (BWV 913).
9. Capricho sobre la partida de un hermano amado (BWV 992)
Descripción: Obra programática escrita en varios movimientos breves que describe la partida de un amigo o un hermano.
Significado: Un ejemplo poco común de una pieza narrativa de Bach que combina la expresión emocional con la narración musical.
10. Fantasías y fugas (varios números de BWV)
Descripción: Piezas individuales que combinan fantasías dramáticas e improvisadas con fugas de estructura estricta.
Significado: Estas obras muestran la habilidad de Bach para fusionar formas musicales libres y estrictas.
Resumen
La música para clave de Bach combina brillantez técnica, gran profundidad emocional y rigor intelectual. Estas obras siguen siendo celebradas no solo como obras maestras de la era barroca, sino también como contribuciones atemporales al repertorio para teclado.
Obras de Bach para pianistas y clavecinistas
Las obras para clave de Johann Sebastian Bach son muy apreciadas tanto por los intérpretes de clave como de piano moderno. A continuación, se incluye una lista de algunos de los clavecinistas y pianistas más famosos que han dado vida a las obras para teclado de Bach.
Clavecinistas famosos:
Wanda Landowska (1879-1959)
Contribución: Fue una de las primeras músicos en popularizar el clavicémbalo en el siglo XX. Sus grabaciones de Bach, incluidas las Variaciones Goldberg y El clave bien temperado, fueron revolucionarias e influyentes.
Legado: Tocaba con un clavicémbalo Pleyel, que tenía un sonido más rico, parecido al del piano, en comparación con los clavicémbalos históricos.
Gustav Leonhardt (1928-2012)
Contribución: Pionero de la interpretación históricamente informada (HIP). Las grabaciones de Leonhardt de El clave bien temperado, Partitas y Suites francesas se consideran puntos de referencia de la interpretación barroca.
Legado: Conocido por su uso de instrumentos barrocos auténticos y su interpretación precisa y expresiva.
Scott Ross (1951-1989)
Contribución: Famoso por grabar las obras completas para clave de Bach, incluidas todas las Partitas, Suites inglesas y Suites francesas.
Legado: Virtuoso con un estilo sumamente expresivo y técnicamente brillante.
Pierre Hantaï (nacido en 1964)
Contribución: Famoso por sus grabaciones de las Variaciones Goldberg, El clave bien temperado y otras obras para clave de Bach.
Legado: Las interpretaciones de Hantaï se destacan por su vitalidad rítmica y profundidad interpretativa.
Trevor Pinnock (nacido en 1946)
Contribución: Figura destacada del HIP. Sus grabaciones de los conciertos para clave y las obras solistas de Bach han recibido elogios de la crítica.
Legado: La interpretación de Pinnock equilibra claridad, energía y autenticidad estilística.
Pianistas famosos que interpretan obras para clave de Bach:
Glenn Gould (1932-1982)
Contribución: Conocido por sus icónicas grabaciones de las Variaciones Goldberg (1955 y 1981) y sus interpretaciones de El clave bien temperado.
Legado: Gould abordó las obras de Bach con claridad y precisión, y a menudo dividió opiniones debido a sus tempos y fraseos únicos.
Rosalyn Tureck (1913-2003)
Contribución: Conocida como la “Sacerdotisa Mayor de Bach”, Tureck aportó un enfoque profundamente intelectual y expresivo a la música para teclado de Bach.
Legado: Sus interpretaciones al piano de El clave bien temperado y otras obras influyeron en muchos pianistas, entre ellos Glenn Gould.
Murray Perahia (nacido en 1947)
Contribución: Conocido por sus interpretaciones elegantes y líricas de Las variaciones Goldberg y El clave bien temperado.
Legado: Las grabaciones de Perahia son elogiadas por su equilibrio de emoción y claridad estructural.
Angela Hewitt (nacida en 1958)
Contribución: Famosa por sus grabaciones de las obras completas para teclado de Bach, incluidas las Suites francesas, las Suites inglesas, las Partitas y las Variaciones Goldberg.
Legado: Las interpretaciones de Hewitt se destacan por su ligereza, precisión y expresión poética.
András Schiff (nacido en 1953)
Contribución: Las interpretaciones de Schiff de El clave bien temperado, Variaciones Goldberg y Partitas han sido muy aclamadas.
Legado: Sus interpretaciones combinan un profundo respeto por el contrapunto de Bach con matices expresivos.
Sviatoslav Richter (1915-1997)
Contribución: Richter, conocido por sus profundas interpretaciones de El clave bien temperado, aportó una intensidad única a las obras para teclado de Bach.
Legado: Sus grabaciones son famosas por su profundidad y potencia, y muestran cómo la música de Bach trasciende los instrumentos.
Evgeny Koroliov (nacido en 1949)
Contribución: Elogiado por su grabación de Las variaciones Goldberg, que muchos consideran una de las mejores interpretaciones modernas para piano.
Legado: El estilo de Koroliov es introspectivo y enfatiza la profundidad emocional y espiritual de Bach.
Comparación de interpretaciones de clavecín y piano:
Clavecinistas: Generalmente buscan la autenticidad histórica, concentrándose en la claridad y ornamentación que se adapta al toque más ligero del clavecín.
Pianistas: A menudo, utilizan un rango dinámico más amplio y el pedal de sustain para crear frases legato, lo que ofrece una perspectiva diferente y más romántica de la música de Bach.
Ambos enfoques revelan dimensiones únicas del genio de Bach, lo que hace que su música sea atemporal en todos los instrumentos y generaciones.
Obras notables
Las obras solistas sin teclado de Johann Sebastian Bach abarcan una amplia gama de géneros y demuestran su dominio de la música vocal, orquestal e instrumental. A continuación, se incluye una lista de obras destacadas, organizadas por categoría.
1. Obras orquestales
Conciertos de Brandeburgo (BWV 1046-1051)
Seis conciertos que muestran diversas combinaciones y texturas instrumentales.
Movimientos notables: Concierto n.º 3 en sol mayor (Allegro), Concierto n.º 5 en re mayor (famoso por su cadencia para clave).
Suites orquestales (BWV 1066–1069)
Cuatro suites con oberturas y danzas estilizadas.
Destacados: El ario de la Suite n.º 3 en re mayor (“Ario en la cuerda sol”).
Conciertos para violín
Concierto para dos violines en re menor (BWV 1043) (“Concierto doble”) – Célebre por su interacción entre los dos violines solistas.
Concierto para violín en la menor (BWV 1041): una obra maestra del repertorio para violín solo.
Conciertos para clavecín (transcripciones para otros instrumentos)
Muchos fueron adaptados de conciertos anteriores para violín u otros instrumentos.
2. Obras instrumentales
Sonatas y partitas para violín solo (BWV 1001–1006)
Seis obras que muestran la maestría de Bach en la polifonía en un instrumento de una sola línea.
Piezas notables: Chacona de la Partita No. 2 en re menor (BWV 1004).
Suites para violonchelo solo (BWV 1007–1012)
Seis suites para violonchelo solo, cada una con un preludio seguido de danzas estilizadas.
Aspectos destacados: Preludio de la Suite n.º 1 en sol mayor (BWV 1007).
Sonatas para flauta
Ejemplo: Sonata en si menor (BWV 1030), que combina elementos líricos y virtuosos.
La ofrenda musical (BWV 1079)
Una colección de cánones, fugas y una sonata en trío basada en un tema de Federico el Grande.
El arte de la fuga (BWV 1080)
Una exploración exhaustiva de las posibilidades contrapuntísticas, que quedó incompleta tras la muerte de Bach.
3. Obras corales y vocales
Misa en si menor (BWV 232)
Una ambientación monumental de la misa latina, que combina un contrapunto intrincado y arias expresivas.
Pasión según San Mateo (BWV 244)
Una puesta en escena dramática y profundamente conmovedora de la narración de la Pasión para coro doble y orquesta.
Características: Erbarme dich, mein Gott (una conmovedora aria para contralto).
Pasión según San Juan (BWV 245)
Una ambientación más breve e intensa que la Pasión según San Mateo.
Oratorio de Navidad (BWV 248)
Un conjunto de seis cantatas para la época navideña, celebrando la Natividad.
Magníficat (BWV 243)
Una alegre y virtuosa interpretación del himno de alabanza a la Virgen María.
Cantatas
Más de 200 cantatas sagradas y profanas conservadas, compuestas para servicios religiosos y ocasiones especiales.
Ejemplos:
Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) – “Durmientes, despierten”.
Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147) – Presenta el famoso “Jesús, la alegría del deseo del hombre”.
4. Obras para órgano
Tocata y fuga en re menor (BWV 565)
Una de las piezas para órgano más famosas, conocida por su dramática toccata inicial.
Pasacalle y fuga en do menor (BWV 582)
Una obra monumental basada en una línea de bajo repetitiva.
Preludio y fuga en mi mayor (BWV 552)
Enmarca el Clavier-Übung III, mostrando la maestría de Bach al órgano.
Preludios corales
Numerosas versiones de himnos luteranos, cada una de las cuales refleja una profunda comprensión teológica y musical.
5. Obras vocales profanas
Cantata del café (BWV 211)
Una cantata humorística sobre el amor de una joven por el café.
Cantata campesina (BWV 212)
Una obra alegre que celebra la vida rural y presenta melodías de estilo folclórico.
Resumen
Las obras de Bach demuestran una maestría sin igual en todos los géneros que exploró. Desde íntimas obras solistas hasta grandes obras maestras corales, su música sigue siendo una piedra angular de la tradición clásica occidental.
Grandes grabaciones de JS Bach
Las obras de Johann Sebastian Bach han inspirado innumerables grabaciones, cada una de las cuales ofrece una visión única de su música. A continuación, se incluye una selección de excelentes grabaciones de las obras de Bach, que abarcan diferentes géneros e interpretadas por algunos de los mejores artistas de la historia. Estas grabaciones son ampliamente aclamadas por su maestría, profundidad interpretativa y significado histórico.
1. Trabajos con teclado
El clave bien temperado
Glenn Gould (Piano): una interpretación legendaria y poco convencional, llena de claridad y energía.
András Schiff (Piano): un enfoque más lírico y expresivo, que muestra la profundidad emocional de las piezas.
Angela Hewitt (Piano): conocida por su toque ligero y fraseo meticuloso.
Gustav Leonhardt (Clavicín): históricamente informado y rico en detalles.
Variaciones Goldberg
Glenn Gould (piano, grabaciones de 1955 y 1981): dos grabaciones emblemáticas: la versión de 1955 es juvenil y virtuosa, mientras que la de 1981 es introspectiva y profunda.
Murray Perahia (piano): una interpretación refinada y equilibrada.
Pierre Hantaï (clavecín): vibrante e históricamente informada.
Wanda Landowska (clavecín): una grabación pionera con un estilo romántico distintivo.
Partitas y Suites Francesas
Rosalyn Tureck (piano): profundamente intelectual y emotiva.
Trevor Pinnock (clavecín): interpretaciones claras y vivaces con instrumentos de época.
2. Obras orquestales
Conciertos de Brandeburgo
Trevor Pinnock y The English Concert: una grabación de referencia con instrumentos de época.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel: enérgica e históricamente informada.
Herbert von Karajan y la Filarmónica de Berlín: una interpretación exuberante y romántica.
John Eliot Gardiner y los solistas barrocos ingleses: elegantes y vibrantes.
Suites orquestales
Jordi Savall y Le Concert des Nations: una interpretación vivaz e históricamente informada.
Trevor Pinnock y The English Concert: texturas claras y ritmos alegres.
3. Obras instrumentales solistas
Sonatas y Partitas para Violín Solo
Hilary Hahn (violín): técnicamente impecable y profundamente expresiva.
Jascha Heifetz (violín): un enfoque romántico y virtuoso.
Rachel Podger (violín): históricamente informado y lleno de calidez.
Nathan Milstein (violín): atemporal y profundo.
Suites para violonchelo
Pablo Casals (violonchelo): su primera grabación importante, llena de pasión y personalidad.
Yo-Yo Ma (violonchelo): en particular, su grabación de 1998, que equilibra emoción y maestría técnica.
Mstislav Rostropovich (violonchelo): grandiosa y profundamente personal.
Anner Bylsma (violonchelo): históricamente informada, con instrumentos de época.
4. Obras corales y vocales
Misa en si menor
John Eliot Gardiner y Monteverdi Choir: una sorprendente grabación con instrumentos de época.
Philippe Herreweghe y Collegium Vocale Gent: sublime y espiritualmente profunda.
Karl Richter y Munich Bach Choir: una interpretación romántica con poder dramático.
Pasión según San Mateo
Otto Klemperer y la Orquesta Filarmónica: una interpretación romántica monumental y profundamente conmovedora.
John Eliot Gardiner y los solistas barrocos ingleses: ritmo rápido e información histórica.
Nikolaus Harnoncourt y Concentus Musicus Wien: una grabación pionera de HIP.
Herbert von Karajan: intensamente dramática y ricamente orquestada.
Pasión según San Juan
John Eliot Gardiner y los solistas barrocos ingleses: urgente y dramático.
Philippe Herreweghe y Collegium Vocale Gent: íntimo y reflexivo.
Cantatas
Nikolaus Harnoncourt y Gustav Leonhardt (Cantatas completas): un proyecto monumental y con una base histórica.
John Eliot Gardiner (Bach Cantata Pilgrimage): vibrante y hermosamente grabada.
Suzuki Masaaki y Bach Collegium Japan (Cantatas completas): interpretaciones sublimes y espirituales.
5. Obras para órgano
Marie-Claire Alain (Obras completas para órgano): una grabación completa y hermosa.
Helmut Walcha (Obras completas para órgano): una grabación clásica, profundamente reveladora.
Ton Koopman: enérgica e históricamente informada.
E. Power Biggs: un enfoque romántico con grandiosidad.
6. El arte de la fuga (BWV 1080)
Glenn Gould (Piano) – Una interpretación clara y moderna.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel – Una versión conjunto con instrumentos de época.
Jordi Savall y Hespèrion XXI – Interpretadas con violas, ofreciendo texturas únicas.
7. La ofrenda musical (BWV 1079)
Karl Richter – Una interpretación romántica.
Jordi Savall y Le Concert des Nations – Una obra con una base histórica y un fraseo hermoso.
Pierre Hantaï y amigos – Una obra clara y cautivadora.
Resumen
Estas grabaciones representan una variedad de enfoques de la música de Bach, desde interpretaciones con fundamento histórico hasta interpretaciones modernas. Cada grabación arroja luz sobre una faceta diferente del genio de Bach y ofrece algo para cada oyente.
(Este artículo ha sido generado íntegramente por la inteligencia artificial ChatGPT. Aunque se hacen esfuerzos para proporcionar información precisa, pueden existir errores o inexactitudes. Se recomienda verificar los datos y consultar fuentes confiables para confirmar el contenido presentado.)