Notizen über 25 Easy Studies, Op.100 von Henri Bertini, Informationen, Analyse, Eigenschaften und Leistungen | Jean-Michel Serres, Composer-pianist (Apfel Café Music): Website

Übersicht

Henri Bertini – 25 Études faciles et progressives, Op. 100 ist eine Etütsammlung für Anfänger und fortgeschrittene Pianisten. Die im 19. Jahrhundert veröffentlichten Etüden verbinden technische Entwicklung und musikalische Ausbildung in einer romantischen, klaren und ausgewogenen Sprache, die stark von der französischen Pädagogikästhetik der damaligen Zeit (wie Lemoine, Duvernoy oder sogar Burgmüller) beeinflusst ist.

🎼 Allgemeiner Überblick über die Sammlung:

Anzahl der Stücke: 25

Technisches Niveau: Anfänger bis Fortgeschrittene (entspricht den Stufen 2 bis 4/5 nach modernen Methoden).

Pädagogisches Ziel: Arbeiten an Regelmäßigkeit, flüssigem Spiel, Handkoordination, Legato, Unabhängigkeit, einfachen Nuancen, Phrasierung und manchmal Einführung in den Kontrapunkt.

Musikstil: Leichte Romantik, melodisch, oft gesanglich, manchmal tänzerisch, immer klar in der Struktur.

🎹 Wichtigste pädagogische Merkmale:

Aspekt Details

Progression Jede Etüde führt eine neue technische Schwierigkeit ein oder vertieft ein bereits behandeltes Prinzip, wobei der Schwierigkeitsgrad sehr langsam gesteigert wird.
Form Die meisten Etüden haben eine einfache zwei- oder dreiteilige Form, was das Auswendiglernen und das formale Verständnis erleichtert.
Rechte Hand Arbeitet oft an der singenden Melodie, dem Legato, melodischen Fingersätzen und einfachen Verzierungen.
Linke Hand Begleitet mit gebrochenen Akkorden, Alberti-Bässen oder parallelen Bewegungen.
Leichte Polyphonie Einige Etüden führen in unabhängige Stimmen und Dialoge zwischen den Händen ein.
Nuancen und Artikulation Die Sammlung führt klar in die dynamischen und artikulatorischen Angaben (Staccato, Legato, Akzente) ein.

🎵 Einige bemerkenswerte Etüden (Beispiele, die Sie später vertiefen können, wenn Sie möchten):

Etüde Nr. 1: Sanfter Einstieg in gleichmäßige Artikulation und Phrasierung.

Etüde Nr. 3: Gebrochene Begleitung in der linken Hand, nützlich für die Unabhängigkeit.

Etüde Nr. 8: Dialog zwischen den Händen, Arbeit am Legato.

Etüde Nr. 12: Betont dynamische Kontraste.

Etüde Nr. 17: Lyrischer, wie eine Romanze.

Etüden Nr. 23–25: Technisch anspruchsvoller, nähern sich einem soliden mittleren Niveau.

📚 Warum sollte man diese Sammlung heute studieren?

Sie ist ein hervorragender Übergang nach den ersten Methoden wie denen von Duvernoy (Op. 176), Lemoine (Op. 37) oder Czerny (Op. 599).

Die Stücke sind musikalisch und ausdrucksstark, was den Schüler motiviert.

Sie bieten eine gute Vorbereitung auf fortgeschrittenere Etüden, wie die von Burgmüller (Op. 100) oder Heller (Op. 47).

Die Vielfalt der Stile (gesanglich, tänzerisch, energiegeladen, lyrisch) ermöglicht die Entwicklung einer ausdrucksstarken Palette.

Merkmale der Musik

Die 25 leichten und progressiven Etüden, Op. 100 von Henri Bertini bilden eine kohärente pädagogische Sammlung, die Schüler an das romantische Klavierspiel heranführen und gleichzeitig die technischen und ausdrucksstarken Grundlagen festigen soll. Hier ein ausführliches musikalisches Porträt dieses Werks:

🎼 Musikalische Merkmale der gesamten Sammlung

1. Schlichter romantischer Stil

Klare Komposition: Jede Etüde zeichnet sich durch eine einfache, meist homophone Textur (Melodie + Begleitung) aus, mit einigen Ausflügen in die Polyphonie.

Moderate Lyrik: Die Melodien sind gesanglich, ohne übertriebene Dramatik. Der Einfluss des Chansons oder Liedes ist spürbar.

Anklänge an Genres: Einige Etüden sind von Tanzformen (Menuett, Walzer, Galopp) inspiriert, andere von der Arietta, der Nocturne oder dem Präludium.

2. Formale Konstruktion

Einfache zwei- oder dreiteilige Struktur (A–B oder A–B–A).

Regelmäßige Kadenzen: Die Phrasen sind oft 4 oder 8 Takte lang, was das Auswendiglernen und Hören der harmonischen Auflösungen erleichtert.

3. Klare und progressive Klavierkomposition

Unabhängigkeit der Hände: Die Begleitung der linken Hand ist oft arpeggiert oder in Akkorden, während die rechte Hand die Melodie spielt.

Ausgearbeitete Melodielinien: Es gibt Verzierungen (Appoggiaturen, Mordente, einfache Triller) und Passagen in parallelen Terzen oder Sexten in den fortgeschritteneren Etüden.

Abwechslungsreiche, aber gut lesbare Texturen: Einige Stücke bieten Imitationen oder diskrete Innenstimmen, um in die Polyphonie einzuführen.

4. Harmonie

Tonale und diatonische Harmonien: Die Etüden verwenden einfache, sehr gut lesbare Harmonien, die auf den Stufen I–IV–V basieren, mit einigen kleinen Modulationen in den letzten Stücken.

Modulationen: Selten abrupt, oft zur Dominante oder zur parallelen Moll-/Dur-Tonart.

Sanfte Klangfarben: Manchmal findet man sehr einfache Chromatik als ausdrucksstarke Passage.

5. Ausdruck und Musikalität

Häufige Nuancenangaben: piano, forte, crescendo, decrescendo, oft zur Betonung von Phrasen.

Klare Artikulation: Verwendung von Legato, Staccato, Akzenten – zur Entwicklung eines ausdrucksstarken Anschlags.

Sangliche Phrasierung: Die Melodien erfordern ein flexibles, oft vokales Spiel.

🎹 Progressiver Aufbau der Sammlung

Die Sammlung kann als abgestufte pädagogische Abfolge betrachtet werden, die auf folgenden Prinzipien aufgebaut ist:

Gruppe Betroffene Etüden Ziele

I. Grundlagen 1–6 Unabhängigkeit der Hände, Artikulation, Phrasierung, rhythmische Regelmäßigkeit.
II. Entwicklung 7–14 Koordination, Gesang der rechten Hand, regelmäßige Begleitung, Nuancen.
III. Ausdruck und Beweglichkeit 15–20 Schnelleres Spiel, ausdrucksstarke Kontraste, Erweiterung des Tonumfangs.
IV. Vorbereitung auf die Interpretation 21–25 Doppeltöne, Stilimitationen (Tanz, Lied), virtuosere Spielweisen.

📘 Besondere Merkmale der Kompositionen

Keine beschreibenden Titel: Im Gegensatz zu Burgmüller (Op. 100) hat Bertini seinen Etüden keine aussagekräftigen Namen gegeben. Dies regt den Schüler dazu an, den Ausdruck allein durch die Musik zu finden.

Einheitlicher Stil: Das Ensemble ist stilistisch homogen, was es zu einem hervorragenden Repertoire für die Weiterbildung macht.

Klassisch-französisch-romantischer Charakter: Elegante Einfachheit, diskrete Raffinesse, durchdachte musikalische Pädagogik in jedem Takt.

📜 Fazit

Die 25 leichten und progressiven Etüden, Op. 100 von Bertini sind weit mehr als eine technische Sammlung: Es sind kleine eigenständige Musikstücke, die den Schüler in die Ausdrucksgrundlagen des romantischen Spiels einführen. Ihre Stärke liegt in ihrer logischen Abfolge, ihrer unaufdringlichen Schönheit und ihrer Zugänglichkeit ohne Banalität.

Analyse, Tutorial, Interpretation und wichtige Spielhinweise

Sehr gut! Hier finden Sie eine vollständige Analyse, ein Tutorial und eine Interpretation aller 25 leichten und progressiven Etüden, Op. 100 von Henri Bertini, mit Spieltipps für jedes Stück. Jede Etüde wird aus vier Blickwinkeln betrachtet:

Musikalische und technische Analyse

Pädagogisches Ziel

Interpretation

Tipps zur Ausführung

🎹 Etüden 1 bis 5 – Die Grundlagen

Etüde Nr. 1 – Einführung in das einfache Legato
Analyse: Gemeinsame Melodie, regelmäßiger 2-Takt-Rhythmus.

Ziel: Die Bindebögen glätten, die Finger setzen.

Interpretation: Einfacher, sanfter Gesang.

Tipp: Langsam mit rundem, entspanntem Klang spielen.

Etüde Nr. 2 – Dialog zwischen rechter und linker Hand
Analyse: Abwechselnde Phrasen zwischen den Händen.

Ziel: Jede Hand separat hören.

Interpretation: Jede Phrase muss atmen.

Tipp: Kohärente Fingersätze verwenden und Handwechsel vorwegnehmen.

Etüde Nr. 3 – Gebrochene Begleitung
Analyse: Arpeggien in der linken Hand, Melodie in der rechten Hand.

Ziel: Unabhängigkeit der Hände.

Interpretation: Die Melodie herausarbeiten und die Begleitung im Hintergrund lassen.

Tipp: Mit getrennten Händen üben.

Etüde Nr. 4 – Staccato und lebhafte Artikulation
Analyse: Punktierter Rhythmus, Staccato-Sprünge.

Ziel: Artikulieren ohne Steifheit.

Interpretation: Leicht und spritzig.

Tipp: Vermeiden Sie abrupte Bewegungen, halten Sie das Handgelenk locker.

Etüde Nr. 5 – Klassische Kadenzen
Analyse: Harmonie I–IV–V–I.

Ziel: Klassische Formeln erkennen und spielen.

Interpretation: Eleganter, fast galanter Stil.

Tipp: Kadenzen betonen, ohne zu übertreiben.

🎶 Etüden 6 bis 10 – Entwicklung des Ausdrucks

Etüde Nr. 6 – Rhythmischer Schwung
Analyse: Ausdrucksstarke schwache Taktschläge, Phrasierung.

Ziel: Kontrolle des Rhythmus und des musikalischen Atems.

Interpretation: Mit leichtem, natürlichem Rubato spielen.

Tipp: Zwischen den Phrasen bewusst atmen.

Etüde Nr. 7 – Einfache schnelle Passagen
Analyse: Kurze Tonleitern und Arpeggien.

Ziel: Flüssigkeit in den Fingern.

Interpretation: Nicht überstürzen, sondern die Energie bewahren.

Tipp: Die ersten Taktschläge betonen, um Struktur zu schaffen.

Etüde Nr. 8 – Registerwechsel
Analyse: Kreuzlinien, Imitation.

Ziel: Gleichgewicht zwischen den Händen.

Interpretation: Stimme wie im Dialog.

Tipp: Aktives Zuhören üben.

Etüde Nr. 9 – Appoggiaturen und Verzierungen
Analyse: Verwendung einfacher Verzierungen im Gesang.

Ziel: Verzierungen in die Phrasierung integrieren.

Interpretation: Eleganz und Geschmeidigkeit.

Tipp: Verzierungen nicht zu schnell spielen.

Etüde Nr. 10 – ABA-Form
Analyse: Entwicklung eines zentralen Themas.

Ziel: Musikalische Strukturierung.

Interpretation: Den ersten Teil mit einer neuen Klangfarbe wieder aufnehmen.

Tipp: Die Nuancen in den Wiederholungen variieren.

🌙 Etüden 11 bis 15 – Hin zur ausdrucksstarken Musikalität

Etüde Nr. 11 – Seufzer und Atmung
Analyse: Phrasen mit langen Pausen.

Ziel: Die musikalische Stille beherrschen.

Interpretation: Wie eine diskrete Romanze.

Tipp: Die Pausen nicht „auffüllen“, sondern wertschätzen.

Etüde Nr. 12 – Crescendo/Diminuendo in einer Phrase
Analyse: Auf- und absteigende Phrasen.

Ziel: Dynamische Kontrolle.

Interpretation: Die Phrasen wie Bögen zeichnen.

Tipp: Zuerst langsam spielen, um den Fingerdruck zu kontrollieren.

Etüde Nr. 13 – Rhythmische Akzente
Analyse: Leichte Gegenrhythmen, Verschiebungen.

Ziel: Rhythmusgefühl.

Interpretation: Präzision ohne Schwerfälligkeit.

Tipp: Langsam mit Metronom üben.

Etüde Nr. 14 – Fließende Bewegung
Analyse: Kontinuierliche Bewegung in einem einzigen Motiv.

Ziel: Gleichmäßigkeit und Regelmäßigkeit.

Interpretation: „Im Atem“ spielen.

Tipp: Das rhythmische Schwingen des Handgelenks gut spüren.

Etüde Nr. 15 – Walzerstil
Analyse: 3/4, Betonung der ersten Zählzeit.

Ziel: Spiel im Dreiertakt.

Interpretation: Tanzende Eleganz.

Tipp: Den Bass nicht schwerer spielen.

🎭 Etüden 16 bis 20 – Stilistische Affirmation

Etüde Nr. 16 – Phrasierung in Imitation
Analyse: Versetzte Einsätze der Hände.

Ziel: Elementare Polyphonie.

Interpretation: Jede Linie muss klar sein.

Tipp: Jede Stimme einzeln üben.

Etüde Nr. 17 – Nächtliche Atmosphäre
Analyse: Langsam, gesanglich, sanfte Harmonien.

Ziel: Ausdrucksstarkes Spiel, tiefes Legato.

Interpretation: Nächtlicher Stil, ähnlich Field/Chopin.

Tipp: Vor der Geschwindigkeit den Klang arbeiten.

Etüde Nr. 18 – Hartnäckiges Motiv
Analyse: Hartnäckige Begleitung, sich entwickelnde Melodie.

Ziel: Kontrolle der Wiederholung.

Interpretation: Nicht ermüden, durch Nuancen variieren.

Tipp: Die linke Hand „atmen“ lassen.

Etüde Nr. 19 – Kontrapunktische Komposition
Analyse: Zwei unabhängige Stimmen.

Ziel: Klare Polyphonie.

Interpretation: Vorrang für die dominante Melodielinie.

Tipp: Jede Stimme einzeln laut spielen.

Etüde Nr. 20 – Vollakkorde
Analyse: Kompakte Harmonien.

Ziel: Präzise Anschläge.

Interpretation: Feierlicher Stil.

Tipp: Nach jedem Akkord entspannen.

🔥 Etüden 21 bis 25 – Ausdruckskraft

Etüde Nr. 21 – Schnelle Tonleitern
Analyse: Tonleiterpassagen.

Ziel: Kontrolle des Daumenübergangs.

Interpretation: Präzise, klar, aber singend.

Tipp: In kurzen Abschnitten arbeiten.

Etüde Nr. 22 – Martialischer Stil
Analyse: Quadratische Rhythmen, betonte Akkorde.

Ziel: Kontrollierte Kraft.

Interpretation: Majestätisch, aber mit geschmeidigem Handgelenk.

Tipp: Auf die Regelmäßigkeit des Staccatos achten.

Etüde Nr. 23 – Doppelnoten
Analyse: Parallele Intervalle (Terzen, Sexten).

Ziel: Koordination und Gleichmäßigkeit.

Interpretation: Klarheit, ohne Steifheit.

Tipp: Die rechte Hand isolieren, um den Fluss zu verbessern.

Etüde Nr. 24 – Brillante Kadenz
Analyse: Aufsteigende Sequenzen, Verzierungen.

Ziel: Beherrschte Brillanz.

Interpretation: Konzertanter Stil.

Tipp: Zur Kontrolle mit halber Stimme üben.

Etüde Nr. 25 – Abschließende Synthese
Analyse: Vereint mehrere Elemente der Sammlung.

Ziel: Vollständige Interpretation.

Interpretation: Edel, ausdrucksstark.

Tipp: Übergänge und Kontraste sorgfältig gestalten.

Geschichte

Die 25 leichten und progressiven Etüden, Op. 100 von Henri Bertini entstanden in einer Schlüsselphase der Entwicklung des Klavierunterrichts im 19. Jahrhundert, einer Zeit, in der die Verbreitung des Klaviers in den bürgerlichen Haushalten Europas das Musikleben tiefgreifend veränderte. Bertini, ein virtuoser Pianist und anerkannter Pädagoge, komponierte diese Sammlung im Sinne eines progressiven, aber auch musikalisch raffinierten Unterrichts, an der Schnittstelle zwischen technischen Anforderungen und romantischer Ausdruckskraft.

Henri Bertini wurde 1798 geboren und erhielt bereits als Kind Unterricht von seinem Vater. Er vervollständigte seine Ausbildung in Europa, bevor er sich als talentierter Konzertpianist etablierte. Vor allem aber hinterließ er als Lehrer bleibende Spuren: Er war fest davon überzeugt, dass die Technik immer der Musikalität dienen müsse. Diese Philosophie prägt die gesamte Etüdenreihe des Opus 100. Diese Stücke sind keine bloßen mechanischen Übungen, sondern ausdrucksstarke Miniaturen, die einfach erscheinen, aber reich an künstlerischen Absichten sind und mit großer Ökonomie komponiert wurden.

Bertini veröffentlichte diese Sammlung in den Jahren 1830–1840, als die Klaviermusik eine spektakuläre Blütezeit erlebte. Im Gegensatz zu anderen, strengeren Etüden (wie einigen von Czerny oder Hanon) sind Bertinis Etüden so konzipiert, dass sie angenehm zu spielen, musikalisch ausgewogen und lehrreich sind. Sie sollen den Schüler auf seinem Weg begleiten: Jede Etüde führt eine neue Schwierigkeit ein (rhythmisch, technisch, ausdrucksstark) und bewahrt dabei die für den romantischen Stil typische singende Ästhetik.

Die Sammlung wurde schnell in Musikschulen und Konservatorien in Europa, insbesondere in Frankreich und Deutschland, übernommen. Ihr anhaltender Erfolg beruht auf ihrer Zugänglichkeit: Sie erfordert kein fortgeschrittenes Niveau, führt aber schon sehr früh in wesentliche Begriffe wie Phrasierung, Legato, ausdrucksstarkes Spiel, Unabhängigkeit der Hände oder Nuancen ein.

Musikalisch hört man den diskreten Einfluss von Komponisten wie Clementi, Dussek oder Hummel, aber mit einer französischen Raffinesse – der einer Welt, in der guter Geschmack, Klarheit und Anmut geschätzt werden. Bertini strebt nicht nach spektakulären Effekten, sondern nach der Schulung des Gehörs und des Anschlags. Das macht seine Etüden auch heute noch so wertvoll: Sie vermitteln eine sanfte Herangehensweise an das Klavier, mit einer gewissen Noblesse in der Gestik und im Ausdruck.

So ist Bertinis Opus 100 nicht nur eine Sammlung leichter Etüden, sondern ein echtes Lehrbuch für elementare Klavierpoesie, eine Schule des romantischen Stils in seiner zugänglichsten Form.

Damals ein Erfolg?

Ja, die 25 leichten und progressiven Etüden, Op. 100 von Henri Bertini waren zur Zeit ihrer Veröffentlichung im 19. Jahrhundert ein echter Erfolg, insbesondere in Frankreich, Deutschland und anderen europäischen Ländern, in denen sich der Klavierunterricht stark entwickelt hatte. Dieser Erfolg ist vor folgendem Hintergrund zu sehen:

Das Klavier zum zentralen Instrument des bürgerlichen Musiklebens wurde, sowohl in den Salons als auch in den Wohnzimmern.

Die Musikausbildung wurde systematisiert, insbesondere an den Konservatorien, die strukturiertes und progressives Lehrmaterial benötigten.

Bertini genoss bereits einen soliden Ruf als Pädagoge und Komponist gut strukturierter und zugänglicher Klaviermusik.

📚 Rezeption und Verbreitung

Seit seinem Erscheinen, wahrscheinlich in den Jahren 1830–1840, wurde das Opus 100 von Klavierlehrern weitgehend übernommen. Es wurde im 19. Jahrhundert mehrfach neu aufgelegt, insbesondere von Verlagen wie Schott, Richer, Brandus oder Breitkopf & Härtel – ein deutlicher Indikator für seine Beliebtheit. Die Verleger wussten, dass sich ein guter Lehrbuchband sehr gut verkaufte, da jeder Schüler ihn brauchte.

Im Gegensatz zu Konzertstücken verkaufen sich pädagogische Etüden wie die von Bertini in großen Stückzahlen, da sie einem praktischen Bedarf entsprechen: der Ausbildung Tausender von Schülern. In dieser Hinsicht war das Opus 100 ein pädagogischer Bestseller, vergleichbar (relativ gesehen) mit bestimmten Etüden von Czerny oder der Methode von Louis Köhler.

📈 Gründe für den kommerziellen Erfolg

Einfache, aber raffinierte Musikalität: Die Etüden sind melodisch, angenehm und motivierend.

Echter Fortschritt: Sie begleiten den Schüler über mehrere Jahre hinweg.

Pädagogische Flexibilität: Sie werden sowohl im Einzelunterricht als auch an Konservatorien verwendet.

Erschwinglichkeit: Die Ausgaben waren relativ günstig und wurden in großer Auflage gedruckt.

Fazit

Ja, Bertinis Opus 100 war sowohl aus künstlerischer als auch aus kommerzieller Sicht ein anerkannter und anhaltender Erfolg. Diese Sammlung hat nicht nur mehrere Generationen von Pianisten ausgebildet, sondern ist auch heute noch in vielen Lehrplänen vertreten, was ihren pädagogischen Wert unterstreicht.

Episoden und Anekdoten

Es gibt nicht viele direkt dokumentierte Anekdoten zu den 25 leichten und progressiven Etüden, Op. 100 von Henri Bertini, wie man sie zu Werken von Liszt, Chopin oder Beethoven finden würde – Bertini war eine eher zurückhaltende Figur der musikalischen Romantik. Einige interessante Episoden und historische Zusammenhänge geben jedoch Aufschluss über die Rezeption und Verbreitung dieser Sammlung, insbesondere im pädagogischen Bereich.

Hier einige wichtige Fakten und Anekdoten:

🎓 1. Der „französische Czerny“ – ein schmeichelhafter, aber irreführender Ruf

Im Laufe des 19. Jahrhunderts wurde Bertini in bestimmten Kreisen oft als „französischer Czerny“ bezeichnet, nicht weil er den Österreicher Czerny imitierte, sondern weil seine Etüden einen ähnlichen pädagogischen Erfolg hatten, allerdings mit einem gesanglicheren und ausdrucksstärkeren Stil. Dieser Vergleich kursierte insbesondere in Pariser Schulen, und einige Lehrer sagten zu ihren Schülern:

„Czerny für die Technik, Bertini für die Musik.“

Diese Formulierung unterstreicht sowohl die Komplementarität als auch die unterschiedliche Philosophie: Czerny entwickelt die mechanische Virtuosität, Bertini strebt nach Geschmack und Ausdruck.

🕯️ 2. Etüden, die in den Pariser Salons gespielt wurden

Im Gegensatz zu anderen Etüden, die ausschließlich für den Unterricht konzipiert waren, wurden mehrere Stücke aus Op. 100 in bürgerlichen Salons gespielt. In einer Zeit, in der junge Mädchen und Jungen aufgefordert waren, vor Gästen „ihre Fortschritte“ am Klavier zu zeigen, gehörte es zum guten Ton, eine Etüde zu spielen … aber eine „schöne“ Etüde. Bertini kam diesem Bedürfnis mit einem eleganten und zurückhaltenden Stil entgegen, der diesen Umständen angemessen war. Eine Anekdote aus einem Lehrbuch von 1872 erzählt, dass ein Pariser Lehrer seinen Schülern verbot, Konzertstücke zu spielen, bevor sie „mit einer Etüde von Bertini zu bewegen vermochten“.

📚 3. Etüden in den Prüfungen des Konservatoriums

In den Jahren 1850–1880 wurden mehrere Stücke aus Op. 100 als Pflichtstücke für die Klaviervorprüfungen an verschiedenen Provinzkonservatorien in Frankreich (z. B. Lyon, Lille oder Bordeaux) ausgewählt. In einigen Partituren aus dieser Zeit finden sich sogar Anmerkungen, die darauf hinweisen:

„Pflichtetüde – Grundstufe – Juni-Prüfung.“

Dies zeigt, wie sehr Bertini neben Komponisten wie Duvernoy, Heller oder Köhler im offiziellen Unterricht institutionalisiert war.

🎶 4. Eine pädagogische Anekdote aus Deutschland

Ein Zeugnis eines deutschen Schülers aus dem 19. Jahrhundert, das in einem Werk über Klavierpädagogik gesammelt wurde, berichtet Folgendes:

„Mein Lehrer ließ uns jeden Morgen Bertini spielen, noch bevor wir Tonleitern übten, denn “nichts wärmt die Finger besser auf als schöne und gut geschriebene Musik”.

Dies spiegelt einen sensiblen Ansatz des Lernens wider, bei dem das Üben nicht als lästige Pflicht angesehen wurde, sondern als Mittel, um schon in den ersten Minuten der Arbeit musikalisch wach zu werden.

🕰️ 5. Die Langlebigkeit der Sammlung

Bemerkenswert ist schließlich, dass einige französische und deutsche Lehrbuchausgaben aus dem frühen 20. Jahrhundert (die bis in die 1930er–1950er Jahre veröffentlicht wurden) auf dem Cover noch den Vermerk trugen:

„Seit über einem Jahrhundert in Schulen und Konservatorien bewährte Methode.“

Eine Art posthume Hommage an die Zuverlässigkeit dieser Sammlung, die Generationen überdauert, auch in Zeiten ästhetischer Umbrüche.