Überblick
Sir Edward Elgar (1857–1934) war ein englischer Komponist, der für seine ausdrucksstarke, reich orchestrierte Musik bekannt war und eine bedeutende Rolle bei der Aufwertung der englischen Musik während der Spätromantik und des frühen 20. Jahrhunderts spielte. Hier ein Überblick über sein Leben und Werk:
Frühes Leben
Geboren: 2. Juni 1857 in Broadheath, in der Nähe von Worcester, England.
Elgar wuchs in einer musikalischen Familie auf; sein Vater war Klavierstimmer, Organist und Musikalienhändler.
Er war weitgehend Autodidakt und ergänzte seine musikalische Ausbildung durch das Studium von Partituren und das Geigenspiel.
Zu Beginn seiner Karriere arbeitete er als Geiger, Musiklehrer und Dirigent in lokalen Einrichtungen.
Hauptwerke
Elgars Musik wird für ihre emotionale Tiefe, ihren melodischen Reichtum und ihre innovative Orchestrierung gefeiert. Zu seinen berühmtesten Kompositionen gehören:
1. Enigma Variations (1899):
Eine Reihe von 14 Variationen über ein Originalthema, wobei jede Variation einen Freund oder Bekannten porträtiert.
Insbesondere die Variation „Nimrod“ ist wegen ihrer emotionalen Eindringlichkeit beliebt.
2. Pomp and Circumstance Marches (1901–1930):
Eine Serie von fünf Märschen, wobei der Marsch Nr. 1 die berühmte Melodie „Land of Hope and Glory“ enthält.
Diese wurde zur Hymne des britischen Stolzes und wird oft bei Abschlussfeiern und zeremoniellen Veranstaltungen gespielt.
3. The Dream of Gerontius (1900):
Ein Meisterwerk für Chor und Orchester, das auf einem Gedicht von Kardinal Newman basiert.
Es spiegelt katholische Themen wie Tod, Gericht und Erlösung wider.
4. Cellokonzert in e-Moll (1919):
Ein zutiefst introspektives und elegisches Werk, das nach dem Ersten Weltkrieg geschrieben wurde.
Es ist zu einem Eckpfeiler des Cellorepertoires geworden und wurde von Jacqueline du Pré berühmt gemacht.
5. Violinkonzert in h-Moll (1910):
Ein virtuoses und zugleich zutiefst emotionales Konzert, das als eines der besten Werke des Violinrepertoires gilt.
Stil und Einfluss
Elgars Musik ist von spätromantischen Traditionen geprägt, mit üppigen Harmonien und mitreißenden Melodien.
Er wurde von Komponisten wie Wagner, Brahms und Dvořák beeinflusst, verlieh seinem Werk jedoch einen unverwechselbar englischen Charakter.
Seine Kompositionen beschwören oft die pastorale Schönheit der englischen Landschaft herauf und spiegeln sowohl persönliche Introspektion als auch Nationalstolz wider.
Anerkennung und späteres Leben
Elgar wurde 1904 zum Ritter geschlagen und wurde später Master of the King’s Music (1924).
Er war der erste englische Komponist seit über 200 Jahren, der internationale Anerkennung erlangte.
Obwohl seine späteren Jahre weniger produktiv waren, blieb er eine beliebte Persönlichkeit in der englischen Musik.
Gestorben: 23. Februar 1934 in Worcester, England.
Vermächtnis
Elgar gilt als einer der größten Komponisten Englands. Seine Musik vermittelt sowohl ein Gefühl von Erhabenheit als auch von Intimität, und seine Werke sind nach wie vor ein zentraler Bestandteil des Konzertrepertoires. Seine Rolle bei der Wiederbelebung der englischen Musik hatte einen nachhaltigen Einfluss und schlug eine Brücke zwischen der Romantik und der Moderne.
Geschichte
Edward Elgars Geschichte ist eine Geschichte von Widerstandsfähigkeit, Selbstbestimmung und Liebe zur Musik, die es ihm ermöglichte, seine bescheidenen Anfänge zu überwinden und einer der größten Komponisten Englands zu werden. Elgar wurde am 2. Juni 1857 in dem kleinen Dorf Broadheath in der Nähe von Worcester, England, geboren und wuchs in einer bürgerlichen Familie auf, die eng mit der Musik verbunden war. Sein Vater betrieb ein Musikgeschäft, stimmte Klaviere und war Organist in der katholischen Kirche St. George. In diesem Umfeld hatte der junge Edward Zugang zu Instrumenten, Notenblättern und den Werken großer Komponisten, was seine lebenslange Leidenschaft entfachte.
Obwohl Elgar eine gewisse formale Ausbildung erhielt, war ein Großteil seiner Bildung selbstgesteuert. Er verschlang musiktheoretische Bücher, studierte Partituren von Beethoven, Brahms und Wagner und verfeinerte sein Handwerk durch das Geigen- und Orgelspiel. Dieser autodidaktische Hintergrund machte ihn zu einer Art Außenseiter im englischen Musikbetrieb, der von Musikern mit formaler Ausbildung am Konservatorium dominiert wurde.
Elgars frühe Karriere war von Schwierigkeiten geprägt. Er arbeitete als Geiger, spielte in örtlichen Orchestern und nahm Lehraufträge an, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Seine Kompositionen aus dieser Zeit waren zwar vielversprechend, erregten aber wenig Aufmerksamkeit. Seine Heirat mit Alice Roberts, einer Dichterin und Tochter eines britischen Armeeoffiziers, im Jahr 1889 markierte jedoch einen Wendepunkt. Alice glaubte fest an Edwards Genie und ermutigte ihn, durchzuhalten. Ihre unerschütterliche Unterstützung gab ihm das Selbstvertrauen, trotz der langsamen Fortschritte weiter zu komponieren.
Elgars Durchbruch gelang ihm 1899 mit den Enigma-Variationen, einem Werk, das die Aufmerksamkeit von Publikum und Kritikern gleichermaßen auf sich zog. Jede Variation des Stücks war ein musikalisches Porträt einer ihm nahestehenden Person und zeigte seine Fähigkeit, Musik mit Wärme und Menschlichkeit zu erfüllen. Das geheimnisvolle „Enigma“ hinter dem Stück – ein unausgesprochenes Thema, das dem Werk zugrunde liegt – trug zu seiner Faszination bei.
Von diesem Zeitpunkt an blühte Elgars Karriere auf. Sein Werk „The Dream of Gerontius“ (1900), ein groß angelegtes Chorwerk, das auf einem katholischen Gedicht basiert, festigte seinen Ruf trotz anfänglich verhaltener Reaktionen. Es folgten seine Märsche „Pomp and Circumstance“, wobei eine Melodie zum Synonym für den britischen Nationalstolz wurde. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts galt Elgar als Nationalheiligtum. Er wurde 1904 zum Ritter geschlagen und sowohl im In- als auch im Ausland gefeiert.
Doch Elgars Erfolg konnte seine Unsicherheiten nicht auslöschen. Er fühlte sich oft wie ein Außenseiter – sein katholischer Glaube im protestantischen England und sein Mangel an Eliteausbildung lasteten auf ihm. Seine Musik, obwohl tief in romantischen Traditionen verwurzelt, trug eine persönliche Intensität, die diese Kämpfe widerspiegelte.
Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs markierte für Elgar eine Zeit der Selbstbeobachtung. Die Verwüstungen des Krieges trafen ihn tief, und seine Werke nahmen einen düstereren, nachdenklicheren Ton an. Sein Cellokonzert in e-Moll (1919), das er in der Zeit nach dem Krieg schrieb, ist ein ergreifendes Beispiel dafür, voller Melancholie und Sehnsucht.
In seinen späteren Jahren komponierte Elgar weniger, was zum Teil auf den Verlust von Alice im Jahr 1920 zurückzuführen war. Er zog sich aufs Land in Worcestershire zurück und fand Trost in den Landschaften, die einen Großteil seiner Musik inspiriert hatten. Trotz seines nachlassenden Schaffens blieb er verehrt, diente als Master of the King’s Music und beeinflusste eine neue Generation englischer Komponisten.
Edward Elgar starb am 23. Februar 1934 und hinterließ ein musikalisches Erbe, das den Geist Englands und die Tiefen menschlicher Emotionen einfing. Sein Werdegang – vom autodidaktischen Dorfjungen zum international gefeierten Komponisten – ist nach wie vor ein inspirierendes Zeugnis für Talent, Ausdauer und die Kraft des Glaubens.
Chronologie
1857: Geboren am 2. Juni in Broadheath, Worcestershire, England, als viertes von sieben Kindern in einer musikalischen Familie.
1860er Jahre: Durch das Musikgeschäft seines Vaters und seine Tätigkeit als Organist kommt er mit Musik in Berührung.
1863: Er beginnt Geigenunterricht zu nehmen und bringt sich selbst das Komponieren bei, indem er Noten studiert.
1866: Mit 15 Jahren verlässt er die Schule, um im Musikgeschäft seines Vaters zu arbeiten, während er sich weiterhin selbstständig mit Musik beschäftigt.
1877: Er wird Dirigent der Worcester and County Lunatic Asylum Band und sammelt praktische Erfahrungen.
1882: Er zieht nach London, um sich als professioneller Musiker zu etablieren, hat aber finanzielle Schwierigkeiten. Er kehrt nach Worcestershire zurück.
1889: Heiratet Alice Roberts, eine Dichterin, die seine stärkste Unterstützerin und Fürsprecherin wird. Dies markiert den Beginn seiner Konzentration auf die Komposition.
1890: Komponiert Froissart, eine Orchesterouvertüre, die sein erstes bedeutendes Werk darstellt.
1897: Schreibt den Imperial March für das diamantene Thronjubiläum von Königin Victoria und erregt damit die Aufmerksamkeit des Königshauses.
1899: Uraufführung der Enigma Variations, die Elgar als bedeutenden Komponisten etablieren.
1900: Uraufführung von „The Dream of Gerontius“, das zunächst schlecht aufgenommen wird, später aber zu einem seiner Meisterwerke wird.
1901: Uraufführung von „Pomp and Circumstance March No. 1“, dessen Trio („Land of Hope and Glory“) zu einer Ikone wird.
1904: Ernennung zum Ritter durch König Edward VII. und Erlangung internationalen Ruhms.
1908: Uraufführung der 1. Sinfonie, die im ersten Jahr über 100 Mal aufgeführt wird.
1910: Komponiert das Violinkonzert in h-Moll, ein virtuoses und emotionales Meisterwerk.
1911: Schreibt die 2. Sinfonie, die den Höhepunkt seiner orchestralen Leistungen markiert.
1914: Komponiert kleinere Werke während der ersten Jahre des Ersten Weltkriegs.
1919: Uraufführung des Cellokonzerts in e-Moll, einer melancholischen Reflexion über den Krieg und seine Folgen.
1920: Alice, seine Frau und Muse, stirbt, was zu einer Phase des kreativen Niedergangs führt.
1924: Ernennung zum „Master of the King’s Music“.
1931: Er dirigiert Aufnahmen vieler seiner Hauptwerke und trägt so zur Bewahrung seines Erbes bei.
1934: Elgar stirbt am 23. Februar in Worcester, England, nach einem Kampf gegen Darmkrebs.
Vermächtnis
Elgars Musik wird weiterhin für ihre emotionale Tiefe, lyrische Schönheit und ihren unverwechselbaren englischen Charakter gefeiert. Werke wie „Enigma Variations“, „The Dream of Gerontius“ und das Cellokonzert sind nach wie vor fester Bestandteil des klassischen Repertoires.
Merkmale der Musik
Die Musik von Edward Elgar zeichnet sich durch ihre emotionale Tiefe, ihre reichhaltige Orchestrierung und ihren einzigartig englischen Charakter aus, der eine Brücke zwischen romantischen Traditionen und moderner Sensibilität schlägt. Im Folgenden sind die wichtigsten Merkmale seiner Musik aufgeführt:
1. Üppige Orchestrierung
Elgar war ein Meister der Orchestrierung, der in der Lage war, reichhaltige, strukturierte Klanglandschaften zu schaffen, die die emotionalen Nuancen seiner Kompositionen hervorheben.
Seine Musik zeichnet sich durch eine große dynamische Bandbreite aus, mit aufsteigenden Höhepunkten und intimen, zarten Momenten.
Der Einsatz von Streichern ist besonders ausgeprägt und trägt oft lyrische, ausdrucksstarke Themen.
2. Melodische Eleganz
Elgars Musik ist bekannt für ihre einprägsamen, singbaren Melodien, die oft von einer edlen oder sehnsüchtigen Qualität durchdrungen sind.
Viele seiner Themen, wie die in Nimrod aus den Enigma-Variationen oder der langsame Satz des Cellokonzerts, haben eine emotionale Unmittelbarkeit, die bei den Zuhörern einen tiefen Eindruck hinterlässt.
3. Emotionale Tiefe und Komplexität
Seine Musik erforscht häufig tiefgründige emotionale Landschaften, die von Stolz und Erhabenheit bis hin zu Selbstbeobachtung und Melancholie reichen.
Werke wie „The Dream of Gerontius“ und das Cellokonzert spiegeln Themen wie Spiritualität, Sterblichkeit und menschliche Anstrengung wider.
4. Adel und Patriotismus
Elgars Musik strahlt oft ein Gefühl von Erhabenheit und Nationalstolz aus, was seine Verbundenheit mit dem spätviktorianischen und edwardianischen England widerspiegelt.
Stücke wie Pomp and Circumstance Marches und Land of Hope and Glory sind Sinnbilder der britischen Zeremonienmusik und nach wie vor Kult bei nationalen Feierlichkeiten.
5. Einfluss der Romantik
Elgars Musik ist tief in der romantischen Tradition verwurzelt und wurde von Komponisten wie Brahms, Wagner und Dvořák inspiriert.
Er verwendet üppige Harmonien, dramatische Kontraste und groß angelegte Formen, die typisch für die Romantik sind.
6. Verwendung von „Enigma“ und Symbolismus
Elgar fügte seiner Musik oft versteckte Bedeutungen und kryptische Hinweise hinzu, am bekanntesten in den Enigma-Variationen, wo das „Enigma“-Thema ein Rätsel bleibt.
Diese Elemente verleihen seiner Musik eine intellektuelle und spielerische Dimension und laden zu einer tieferen Analyse ein.
7. Rhythmus und Tempo
Elgars rhythmische Kompositionsweise hat oft eine unverwechselbare, fließende Qualität, die seiner Musik einen Hauch von Erhabenheit und Unausweichlichkeit verleiht.
Er gleicht lange, ausladende Phrasen mit Momenten rhythmischer Vitalität aus, wie man sie in seinen Konzerten und Sinfonien hört.
8. Ländliche und englische Eigenschaften
Seine Musik beschwört die Schönheit der englischen Landschaft herauf, insbesondere in Werken wie „Introduction and Allegro for Strings“ und „Serenade for Strings“.
Diese pastoralen Elemente kommen durch sanfte Lyrik, modale Harmonien und ein Gefühl der ruhigen Besinnung zum Ausdruck.
9. Chromatik und harmonische Innovation
Elgar setzt die Chromatik ein, um den emotionalen Ausdruck zu verstärken, und schafft Momente der Spannung und Auflösung, die seine Musik bereichern.
Seine harmonische Sprache verbindet traditionelle Tonalität mit abenteuerlichen Progressionen und nimmt modernistische Tendenzen vorweg, ohne sie vollständig zu übernehmen.
10. Spirituelle Untertöne
Viele von Elgars Werken spiegeln seinen römisch-katholischen Glauben wider, darunter „The Dream of Gerontius“ und „The Apostles“. Diese Werke erforschen Themen wie Erlösung, Errettung und die Reise der menschlichen Seele.
Zusammenfassung
Elgars Musik vereint emotionale Kraft, technische Brillanz und eine tiefe Verbindung zu seiner kulturellen und persönlichen Identität. Seine Fähigkeit, Noblesse, Introspektion und eine typisch englische Sensibilität in seine Kompositionen einfließen zu lassen, hat seinen Platz als einer der größten Komponisten der Spätromantik gefestigt.
Beziehungen
Edward Elgars Karriere und Musik wurden durch eine Vielzahl von Beziehungen zu Komponisten, Interpreten, Orchestern und einflussreichen Persönlichkeiten innerhalb und außerhalb der Musikwelt geprägt. Nachfolgend finden Sie eine Übersicht über seine wichtigsten Verbindungen:
Beziehungen zu Komponisten
Johannes Brahms, Richard Wagner und Antonín Dvořák (Einfluss):
Elgar kannte diese Komponisten nicht persönlich, wurde aber stark von ihrem Werk beeinflusst. Wagners Chromatik und emotionale Tiefe, Brahms’ strukturelle Meisterschaft und Dvořáks orchestrale Farbgebung sind in Elgars Kompositionen deutlich erkennbar.
Hubert Parry und Charles Villiers Stanford:
Als führende Persönlichkeiten der englischen Musik während Elgars früher Karriere repräsentierten Parry und Stanford das Establishment, von dem Elgar sich anfangs ausgeschlossen fühlte. Schließlich bewunderten und unterstützten sie jedoch seine Arbeit, wobei Parry Berichten zufolge von The Dream of Gerontius bewegt war.
Arthur Sullivan:
Elgar bewunderte Sullivans handwerkliches Können und seinen Kompositionsstil, insbesondere die Art und Weise, wie er die englische Musik selbst in populären Formen wie der Operette aufwertete.
Gustav Holst und Ralph Vaughan Williams:
Obwohl sich ihre Musik stilistisch unterschied, respektierten Holst und Vaughan Williams Elgars Leistungen und würdigten seine Rolle bei der Wiederbelebung der englischen Musik auf der Weltbühne.
Beziehungen zu Künstlern
Jacqueline du Pré (posthumer Einfluss):
Jahrzehnte nach Elgars Tod erweckte die Cellistin Jacqueline du Pré sein Cellokonzert in e-Moll zu neuem Leben und machte es zu einem der beliebtesten Stücke im Repertoire.
Fritz Kreisler:
Der legendäre Geiger brachte 1910 Elgars Violinkonzert in h-Moll zur Uraufführung. Die Zusammenarbeit war ein bedeutendes Ereignis, da Kreislers Virtuosität perfekt zu Elgars zutiefst emotionaler Komposition passte.
Landon Ronald:
Der Dirigent und Pianist Ronald setzte sich für Elgars Werke ein und dirigierte einige seiner Hauptwerke, was dazu beitrug, seinen Ruf zu festigen.
Clara Butt:
Die berühmte Altistin führte häufig Elgars Lieder und Oratorien auf. Sie war die erste, die 1899 bei der Uraufführung von „Sea Pictures“ sang.
Beziehungen zu Orchestern und Dirigenten
Hans Richter:
Richter dirigierte 1899 die Uraufführung von Elgars Enigma-Variationen und trug so dazu bei, Elgars Karriere zu etablieren. Er war einer der ersten Förderer Elgars.
London Symphony Orchestra:
Elgar hatte eine enge Verbindung zum LSO und dirigierte viele seiner Werke mit dem Orchester.
Birmingham Festival Orchestra:
Elgars „The Dream of Gerontius“ wurde hier im Jahr 1900 uraufgeführt, obwohl die Aufführung anfangs schlecht einstudiert war.
Adrian Boult:
Boult, ein führender englischer Dirigent, war ein wichtiger Fürsprecher für Elgars Werke, insbesondere in der Mitte des 20. Jahrhunderts.
Beziehungen zu Nicht-Musikern
Alice Roberts (Lady Elgar):
Alice war Elgars Ehefrau, Muse und leidenschaftlichste Unterstützerin. Die Dichterin und Schriftstellerin bot ihm emotionale und praktische Unterstützung und ermutigte ihn, auch in schwierigen Zeiten an seinen Kompositionen weiterzuarbeiten.
August Jaeger:
Jaeger, Musikredakteur beim Verlag Novello, war einer von Elgars engsten Freunden. Jaeger, der in den Enigma-Variationen als „Nimrod“ verewigt wurde, lieferte konstruktive Kritik und moralische Unterstützung.
George Bernard Shaw:
Der Dramatiker und Kritiker war ein Bewunderer von Elgars Musik und lobte seine Werke als Beiträge zur kulturellen Wiederbelebung der englischen Kunst.
König Edward VII. und König Georg V.:
Elgar stand unter der Schirmherrschaft des britischen Königshauses, was dazu beitrug, seinen Status als nationaler Komponist zu festigen. Er wurde 1904 von König Edward VII. zum Ritter geschlagen.
Canon Charles Gorton:
Ein örtlicher Geistlicher und Freund, der Elgar dabei half, frühe Aufträge zu erhalten, wie z. B. das Schreiben von Musik für die Kirche St. George in Worcester.
Beziehungen zu Studenten und jüngeren Komponisten
Herbert Howells und Ivor Gurney:
Elgars Vermächtnis beeinflusste eine Generation englischer Komponisten, darunter Howells und Gurney, die seine Orchester- und Chorwerke bewunderten.
William Walton:
Walton war stark von Elgars Musik beeinflusst und erkannte seine Rolle als Pionier des englischen Orchesterwerks an.
Kulturelle und institutionelle Verbindungen
Three Choirs Festival:
Elgar nahm häufig an diesem renommierten Festival teil, das eine bedeutende Rolle bei der Förderung seiner frühen Werke spielte.
Kathedrale von Worcester:
Elgar wuchs in der Nähe dieser Kathedrale auf, die seine Liebe zur geistlichen Musik und zur Chortradition inspirierte.
Novello & Co.:
Der Musikverlag spielte eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung von Elgars Kompositionen. August Jaeger, ein Lektor bei Novello, war besonders maßgeblich an der Förderung seiner Arbeit beteiligt.
Elgars Beziehungen spiegeln die verflochtenen persönlichen, beruflichen und kulturellen Dynamiken wider, die seine Musik und sein Vermächtnis als einer der größten Komponisten Englands prägten.
Ähnliche Komponisten
Edward Elgars Musik nimmt einen einzigartigen Platz im Repertoire der Spätromantik und des frühen 20. Jahrhunderts ein, da sie eine reichhaltige Orchestrierung, emotionale Tiefe und ein ausgeprägtes Gefühl für die englische Identität vereint. Zwar ist kein Komponist mit ihm identisch, aber mehrere weisen stilistische, zeitliche oder kulturelle Ähnlichkeiten auf:
1. Ralph Vaughan Williams (1872–1958)
Vaughan Williams ist wie Elgar ein Eckpfeiler der englischen Musik und teilt eine tiefe Verbindung zur englischen Landschaft und kulturellen Identität.
Seine Musik, wie The Lark Ascending und Fantasia on a Theme by Thomas Tallis, spiegelt Elgars pastorale Qualitäten wider, neigt aber oft zu modalen Harmonien und einer einfacheren, vom Folk inspirierten Ästhetik.
2. Gustav Holst (1874–1934)
Holst, ein Zeitgenosse Elgars, schuf Werke, die tief in der englischen Tradition verwurzelt sind, jedoch einen kosmopolitischeren Einfluss aufweisen.
Seine Suite „Die Planeten“ zeigt die dramatische Orchestrierung und emotionale Vielfalt, die Parallelen zu Elgars Symphonien und Oratorien aufweist.
3. Hubert Parry (1848–1918)
Parry war vor Elgars Aufstieg eine der führenden Persönlichkeiten der englischen Musik.
Seine Chorwerke, wie Jerusalem und I Was Glad, teilen Elgars Sinn für Erhabenheit und Adel, obwohl Parrys Stil konservativer ist.
4. Charles Villiers Stanford (1852–1924)
Stanford war wie Parry ein Mentor für die nächste Generation englischer Komponisten.
Seine Orchester- und Chorwerke sind zwar zurückhaltender, teilen aber eine ähnliche romantische Sensibilität und einen ähnlichen britischen Charakter wie Elgars Musik.
5. Jean Sibelius (1865–1957)
Die Symphonien und Tondichtungen des finnischen Komponisten, wie Finlandia und die 2. Symphonie, teilen mit Elgar die Beherrschung der orchestralen Klangfarben und der emotionalen Tiefe.
Beide Komponisten ließen sich von ihren nationalen Landschaften und Traditionen inspirieren.
6. Richard Strauss (1864–1949)
Strauss’ üppige Orchestrierung und seine Fähigkeit, in Werken wie Don Juan und Ein Heldenleben tiefe Emotionen zu vermitteln, stehen im Einklang mit Elgars Symphonien und Konzerten.
Beide Komponisten zeichneten sich durch die Schaffung von Werken von Größe und mitreißender Romantik aus.
7. Antonín Dvořák (1841–1904)
Dvořáks Einfluss ist in Elgars Musik offensichtlich, insbesondere in der Verwendung volkstümlicher Themen und der warmen Orchestrierung.
Werke wie Dvořáks Symphonie Nr. 9 („Aus der neuen Welt“) und das Cellokonzert in h-Moll haben eine ähnliche emotionale Resonanz und einen ähnlichen romantischen Geist wie Elgars Symphonien und Cellokonzert.
8. Johannes Brahms (1833–1897)
Brahms’ Symphonien und Konzerte beeinflussten Elgars Sinn für Struktur und seine Fähigkeit, Komplexität und Tiefe zu vermitteln.
Beide Komponisten teilen die Liebe zu reichen Harmonien und langen, lyrischen Themen.
9. Benjamin Britten (1913–1976)
Obwohl Britten einer späteren Generation angehörte, übernahm und entwickelte er die englische Musiktradition, zu deren Wiederbelebung Elgar beigetragen hatte.
Werke wie das War Requiem erinnern in ihrer tiefgreifenden emotionalen Wirkung und nationalen Bedeutung an Elgars Oratorien.
10. Richard Wagner (1813–1883)
Wagner hatte einen bedeutenden Einfluss auf Elgars harmonische Sprache und dramatische Orchestrierung.
Obwohl Elgars Werke weniger opernhaft sind, spiegelt seine Musik Wagners Sinn für Erhabenheit und emotionale Schwere wider.
Weitere erwähnenswerte Persönlichkeiten
William Walton (1902–1983): Waltons Orchesterwerke, wie Belshazzar’s Feast und Symphony No. 1, führen Elgars dramatischen Orchesterstil fort.
Frederick Delius (1862–1934): Delius’ Musik beschwört, wie die von Elgar, natürliche Schönheit und Introspektion herauf, obwohl Delius dem Impressionismus zugeneigt ist.
Gustav Mahler (1860–1911): Obwohl er kosmopolitischer ist, finden sich in Mahlers emotionaler Intensität und orchestraler Innovation Anklänge an Elgars Symphonien und Konzerte.
Zusammenfassung
Komponisten wie Ralph Vaughan Williams und Gustav Holst teilen Elgars englische Sensibilität, während Persönlichkeiten wie Sibelius, Dvořák und Strauss mit seiner orchestralen Brillanz und emotionalen Bandbreite vergleichbar sind. Elgars Musik schlägt eine Brücke zwischen Romantik und Moderne und hinterlässt ein Erbe, das viele Komponisten in England und darüber hinaus beeinflusst hat.
Bemerkenswerte Klaviersolowerke
Edward Elgar ist nicht in erster Linie für seine Klavierkompositionen bekannt, da sein Ruf hauptsächlich auf seiner Orchester-, Chor- und Kammermusik beruht. Er komponierte jedoch eine bescheidene Anzahl von Werken für Soloklavier, in denen er sein lyrisches Talent und sein romantisches Feingefühl unter Beweis stellte. Nachfolgend finden Sie einige bemerkenswerte Klaviersolowerke von Elgar:
1. Vesper Voluntaries, Op. 14 (1889)
Ursprünglich für Orgel geschrieben, wurde diese Sammlung von acht kurzen Stücken später für Klavier adaptiert.
Diese nachdenklichen und meditativen Werke zeichnen sich durch ihre Einfachheit und ihren Charme aus.
Die Voluntaries geben einen Einblick in Elgars frühen Stil mit pastoralen und hymnischen Qualitäten.
2. Dream Children, Op. 43 (1902)
Obwohl ursprünglich für Orchester komponiert, wurde Dream Children für Soloklavier transkribiert.
Die beiden Sätze (Andante und Allegretto) sind zart und introspektiv und von Charles Lambs gleichnamigem Essay inspiriert.
3. Salut d’Amour, Op. 12 (1888)
Obwohl dieses Werk vor allem in seiner Version für Violine und Orchester bekannt ist, existiert es auch als Klaviersolo.
Es ist ein lyrisches, romantisches Stück, das seiner Frau Alice als Liebesbeweis gewidmet ist und seinen melodischen Charme verkörpert.
4. Skizze (1884)
Ein kurzes, unveröffentlichtes Werk für Klavier, das sich durch sein frühes Datum in Elgars Karriere auszeichnet.
Dieses Stück ist leicht und forschend und spiegelt seinen sich entwickelnden Stil wider.
5. In Smyrna (1905)
Ein eigenständiges Klavierstück, das von Elgars Reisen in den Nahen Osten inspiriert wurde.
Die Musik hat einen exotischen und kontemplativen Charakter und zeigt Elgars Fähigkeit, Stimmungen zu erzeugen.
6. Sonate in G-Dur (unvollendet)
Elgar begann mit der Komposition einer Klaviersonate, vollendete sie jedoch nie.
Die vorhandenen Skizzen zeigen seine Absicht, ein umfangreiches Werk für Soloklavier zu schreiben, obwohl er seine kreativen Energien letztendlich anderweitig einsetzte.
Transkriptionen und Arrangements für Klavier
Elgar war an der Transkription und Bearbeitung einiger seiner Orchesterwerke für Klavier beteiligt, die häufig aufgeführt werden:
Pomp and Circumstance March No. 1 (für Klavier solo transkribiert).
Nimrod aus den Enigma-Variationen, oft für Klavier arrangiert.
Chanson de Matin und Chanson de Nuit, ursprünglich für Violine und Klavier, werden häufig als Klaviersolo aufgeführt.
Bedeutung
Obwohl Elgars Klaviersolowerke nicht so bekannt sind wie seine Orchester- oder Chormusik, bieten sie einen intimen Einblick in seine kompositorische Handschrift. Sie sind oft lyrisch, charaktervoll und eignen sich für kleinere, besinnliche Umgebungen, was seine romantische Sensibilität und melodische Begabung widerspiegelt.
Enigma Variations
Die Enigma-Variationen, mit dem vollständigen Titel Variationen über ein eigenes Thema, Op. 36, sind eines der berühmtesten und beliebtesten Werke von Edward Elgar. Das 1898–1899 komponierte Werk markierte einen Wendepunkt in Elgars Karriere und verhalf ihm zu internationaler Bekanntheit. Das Stück wird für seine emotionale Tiefe, orchestrale Brillanz und das faszinierende Rätsel um sein „Enigma“ gefeiert.
Überblick
Komponist: Edward Elgar
Kompositionsjahr: 1898–1899
Uraufführung: 19. Juni 1899 in London unter der Leitung von Hans Richter
Form: 14 Variationen über ein Originalthema
Instrumentierung: Volles Orchester
Widmung: „Meinen Freunden gewidmet“
Konzept und Struktur
Die Enigma-Variationen sind ein Thema mit 14 Variationen, die jeweils eine andere Person aus Elgars Freundes- oder Bekanntenkreis darstellen. Elgar gab jeder Variation einen Titel oder Initialen, die das dargestellte Thema identifizieren, und hielt dabei oft deren Persönlichkeit oder eine Anekdote über sie fest.
Das Rätsel
Das „Enigma“ bezieht sich auf ein zugrunde liegendes Thema, das Elgar zufolge in dem Stück nie explizit gespielt oder erwähnt wird. Er deutete an, dass es sich um eine „bekannte Melodie“ handelt, verriet aber nie, um welche es sich handelte, sodass Wissenschaftler und Zuhörer über ein Jahrhundert lang spekulieren konnten. Zu den möglichen Kandidaten gehören Auld Lang Syne, Rule, Britannia! und God Save the Queen, obwohl keine endgültige Lösung gefunden wurde.
Die Variationen
Thema (Andante): Ein edles und besinnliches Eröffnungsthema gibt den Ton für die Variationen an.
Variation I. C.A.E. (Caroline Alice Elgar): Eine sanfte und liebevolle Darstellung von Elgars Frau.
Variation II. H.D.S.-P. (Hew David Steuart-Powell): Eine lebhafte Darstellung eines befreundeten Pianisten.
Variation III. R.B.T. (Richard Baxter Townshend): Fängt den exzentrischen Charakter eines Freundes ein, der für seine komödiantischen Darbietungen bekannt ist.
Variation IV. W.M.B. (William Meath Baker): Eine lebhafte Skizze eines Freundes, der für seine gebieterische Persönlichkeit bekannt ist.
Variation V. R.P.A. (Richard Penrose Arnold): Eine nachdenkliche und lyrische Variation, die einen befreundeten Philosophen porträtiert.
Variation VI. Ysobel (Isabel Fitton): Eine Bratschenstudentin Elgars, dargestellt durch eine verspielte Bratschenmelodie.
Variation VII. Troyte (Arthur Troyte Griffith): Ein ausgelassenes, fast chaotisches Stück, das eine stürmische Persönlichkeit imitiert.
Variation VIII. W.N. (Winifred Norbury): Leicht und anmutig, erinnert an eine charmante und kultivierte Dame.
Variation IX. Nimrod (August Jaeger): Die berühmteste Variation, eine bewegende Elegie auf Elgars engen Freund und Unterstützer, die tiefe Freundschaft und Trost symbolisiert.
Variation X. Dorabella (Dora Penny): Eine verspielte und elegante Darstellung einer jungen Freundin.
Variation XI. G.R.S. (George Robertson Sinclair): Eine humorvolle Darstellung einer Bulldogge, die in den Fluss Wye fällt und sich herauskämpft.
Variation XII. B.G.N. (Basil G. Nevinson): Eine zärtliche und gefühlvolle Variation für einen befreundeten Cellisten.
Variation XIII. *** (Romanza): Diese Variation, die vermutlich Lady Mary Lygon darstellt, ist wehmütig und geheimnisvoll und deutet möglicherweise auf eine Fernbeziehung hin.
Variation XIV. E.D.U. (Elgar selbst): Ein triumphales Finale, das Elemente des Originalthemas und früherer Variationen kombiniert und Elgars eigene Persönlichkeit und seinen kreativen Triumph symbolisiert.
Hauptmerkmale
Orchestrierung: Das Werk zeigt Elgars Beherrschung der Orchesterfarben mit üppigem Streichersatz, kühnen Blechbläsermomenten und zarten Holzbläserpassagen.
Emotion und Persönlichkeit: Jede Variation ist zutiefst persönlich und fängt den Geist der Person ein, die sie repräsentiert, bleibt dabei aber universell verständlich.
Nimrods Unsterblichkeit: Die neunte Variation (Nimrod) ist zu einem der ikonischsten Stücke der klassischen Musik geworden und wird häufig bei feierlichen Anlässen wie Gedenkfeiern und Staatsbegräbnissen aufgeführt.
Historische Bedeutung
Die Enigma-Variationen waren das erste Werk, das Elgar als Komponisten von internationalem Rang etablierte. Das mit großem Beifall uraufgeführte Werk wurde vom legendären Dirigenten Hans Richter gefördert und zu einem Eckpfeiler des englischen Orchesterrepertoires. Es symbolisierte auch eine Renaissance der englischen Musik und führte zu einer breiteren Anerkennung der Beiträge Englands zur klassischen Tradition.
Das Geheimnis des Enigmas
Trotz zahlreicher Theorien ist die Identität des „versteckten Themas“ nach wie vor ungeklärt. Elgar sagte einmal: „Das Rätsel werde ich nicht erklären – sein ‚dunkler Spruch‘ muss ungelöst bleiben, und ich warne Sie, dass die Verbindung zwischen den Variationen und dem Thema oft nur von geringster Bedeutung ist.“ Diese absichtliche Mehrdeutigkeit hat den Reiz des Stücks nur noch verstärkt.
Vermächtnis
Die Enigma-Variationen sind nach wie vor eines der beständigsten Werke Elgars und werden für ihre emotionale Bandbreite, ihren musikalischen Einfallsreichtum und ihre tiefgründige Menschlichkeit gefeiert. Sie sind ein fester Bestandteil des Orchesterrepertoires und ein Zeugnis von Elgars Genie als Komponist.
Pomp and Circumstance Marches
Die Pomp and Circumstance Marches, Op. 39, von Edward Elgar sind eine Reihe von fünf Orchestermärschen, die zu seinen berühmtesten und nachhaltigsten Werken gehören. Sie zeigen Elgars meisterhafte Orchestrierung, seine Fähigkeit, unvergessliche Melodien zu schaffen, und sein Gespür für Größe und Zeremoniell. Der Titel stammt aus Shakespeares Othello (Akt III, Szene 3): „Stolz, Prunk und Umstände eines ruhmreichen Krieges“.
Überblick
Komponist: Edward Elgar
Opus: 39
Anzahl der Märsche: Fünf (obwohl Skizzen für einen sechsten Marsch existieren)
Kompositionsjahre: 1901–1930
Uraufführung: Marsch Nr. 1 wurde im Oktober 1901 in Liverpool unter der Leitung des Komponisten uraufgeführt.
Form: Orchestermärsche mit abwechselnd großartigen, edlen Themen und kontrastierenden Abschnitten.
Einzelne Märsche
1. Marsch Nr. 1 in D-Dur (1901)
Dies ist der berühmteste Marsch der Serie, dank seines Trio-Abschnitts, der zur Melodie der patriotischen Hymne „Land of Hope and Glory“ wurde.
Die erhebende Melodie des Trios ist seitdem zum Synonym für Abschlussfeiern in den Vereinigten Staaten geworden und ein Symbol des Nationalstolzes in Großbritannien.
Er wurde erstmals 1901 in Liverpool aufgeführt und stieß auf enorme Begeisterung, sodass das Publikum eine sofortige Zugabe forderte.
2. Marsch Nr. 2 in a-Moll (1901)
Dieser Marsch ist nachdenklicher und dramatischer als der erste Marsch und kontrastiert ernste, grüblerische Abschnitte mit energiegeladenen Ausbrüchen.
Sein düsterer Ton und seine mitreißenden Melodien spiegeln Elgars Fähigkeit wider, eine breite Palette von Emotionen zu vermitteln.
3. Marsch Nr. 3 in c-Moll (1904)
Dieser Marsch wird seltener aufgeführt als die ersten beiden Märsche und zeichnet sich durch einen edlen und nachdenklichen Charakter aus.
Der Trio-Abschnitt ist lyrisch und warm und vermittelt ein Gefühl von Würde und Zurückhaltung.
4. Marsch Nr. 4 in G-Dur (1907)
Dieser Marsch ist hell und feierlich, mit einer jubelnden Energie und einer einprägsamen Trio-Melodie.
Er wird manchmal als Gegenstück zum ersten Marsch in seinem Optimismus und seiner Größe gesehen.
5. Marsch Nr. 5 in C-Dur (1930)
Der letzte der vollendeten Märsche ist im Vergleich zu den anderen gedämpfter und pastoraler.
Er spiegelt einen reiferen Elgar wider, mit einer Mischung aus stattlicher Größe und wehmütiger Lyrik.
Die Verbindung zu „Land of Hope and Glory“
Der Trio-Abschnitt von Marsch Nr. 1 wurde später in das patriotische Lied „Land of Hope and Glory“ mit einem Text von A.C. Benson umgewandelt. Diese Adaption wurde eng mit der britischen Identität verbunden und wird regelmäßig bei Veranstaltungen wie der Last Night of the Proms und anderen nationalen Feierlichkeiten aufgeführt.
Merkmale
Majestät und Erhabenheit:
Alle fünf Märsche zeichnen sich durch ihre zeremonielle Qualität aus, die stattliche Erhabenheit mit lebhaften Rhythmen und einer reichhaltigen Orchestrierung verbindet.
Unvergessliche Melodien:
Elgar hatte die Gabe, Themen zu schreiben, die sofort erkennbar und zutiefst bewegend sind, insbesondere die Trio-Abschnitte.
Kontrast:
Jeder Marsch wechselt zwischen einem kühnen, martialischen Eröffnungsabschnitt und einem lyrischen, oft edlen Trio, wodurch ein dramatisches Wechselspiel der Stimmungen entsteht.
Orchestrierung:
Elgars reiche Orchestertexturen, insbesondere in den Blechbläsern und Streichern, tragen zum Gefühl von Größe und Brillanz bei.
Vermächtnis
Abschlussfeiern:
In den Vereinigten Staaten ist das Trio aus dem Marsch Nr. 1 zum Synonym für Abschlussfeiern geworden. Diese Tradition begann 1905, als Elgar die Yale University besuchte, wo der Marsch während seiner Ehrendoktorfeier gespielt wurde.
Nationale Identität:
In Großbritannien sind die Märsche ikonische Stücke patriotischer Musik, die regelmäßig bei königlichen und nationalen Veranstaltungen aufgeführt werden.
Kulturelle Wirkung:
Die Märsche sind fester Bestandteil des Orchesterrepertoires und werden weltweit wegen ihrer feierlichen und emotionalen Wirkung geliebt.
Unvollendeter sechster Marsch
Elgar begann mit Skizzen für einen sechsten Pomp and Circumstance-Marsch, der jedoch zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 1934 unvollendet blieb. Später rekonstruierte der Komponist Anthony Payne die Skizzen, und der daraus resultierende Marsch wurde 2006 uraufgeführt.
Schlussfolgerung
Die Märsche „Pomp and Circumstance“ zeugen von Elgars Fähigkeit, majestätische, feierliche Musik mit emotionaler Tiefe zu verbinden. Sie gehören nach wie vor zu den bekanntesten Werken der klassischen Musik und werden für ihre feierliche Erhabenheit und anhaltende Anziehungskraft gefeiert.
„The Dream of Gerontius“
Der Traum des Gerontius, Op. 38, ist eines der bedeutendsten und beliebtesten Werke von Edward Elgar. Das groß angelegte Chor- und Orchesterwerk wurde 1900 komponiert und basiert auf dem gleichnamigen Gedicht von Kardinal John Henry Newman. Es ist eine tiefgründige und zutiefst spirituelle Komposition, die Elgars römisch-katholischen Glauben und seine Fähigkeit widerspiegelt, intensive emotionale und spirituelle Erfahrungen durch Musik zu vermitteln.
Überblick
Komponist: Edward Elgar
Opus: 38
Kompositionsjahr: 1900
Textquelle: Gedicht von Kardinal John Henry Newman (1865)
Uraufführung: 3. Oktober 1900 beim Birmingham Triennial Music Festival
Form: Geistliches Oratorium in zwei Teilen
Instrumentierung: Volles Orchester, Chor (SATB) und drei Solisten (Tenor, Mezzosopran, Bass)
Dauer: ca. 90–95 Minuten
Text und Thema
Das Werk basiert auf Newmans Gedicht, das die Reise der Seele nach dem Tod erforscht. Es ist zutiefst theologisch und philosophisch und reflektiert über Themen wie Tod, Gericht und die Begegnung der Seele mit Gott.
Zusammenfassung der Handlung
Teil I:
Der sterbende Gerontius, ein frommer Christ, steht am Ende seines irdischen Lebens.
Der Tenorsolist (Gerontius) drückt Angst, Hoffnung und Resignation aus, unterstützt vom Chor und Orchester, die das Drama seiner letzten Momente darstellen.
Seine Freunde beten für seine Seele, und Gerontius’ Seele wird Gott anvertraut.
Teil II:
Die Seele des Gerontius begibt sich auf ihre Reise ins Jenseits, geleitet von einem Schutzengel (Mezzosopran).
Die Seele trifft auf Dämonen, hört Engelschöre und nähert sich der Gegenwart Gottes.
In einem Höhepunkt erlebt die Seele kurzzeitig Gottes überwältigende Gegenwart, bevor sie ins Fegefeuer gebracht wird, um auf die endgültige Erlösung zu warten.
Das Stück endet mit einem Gebet für die ewige Ruhe.
Musikalische Besonderheiten
Lyrische und ausdrucksstarke Soli:
Die Tenorrolle (Gerontius) ist äußerst anspruchsvoll und erfordert emotionale Tiefe und technische Meisterschaft.
Die Mezzosopranistin (Engel) liefert einige der zärtlichsten und tröstlichsten Musikstücke des Werks.
Der Bass (Priester/Engel der Qual) verleiht dem Werk vor allem in Momenten des feierlichen Gebets und des Gerichts Schwere.
Chorsatz:
Der Chor spielt mehrere Rollen, von Gerontius’ Freunden, die für seine Seele beten, bis hin zu Dämonen, die ihn verspotten, und Engeln, die himmlische Hymnen singen.
Die Vielfalt der Chorstrukturen zeigt Elgars Fähigkeit, dramatische und spirituelle Elemente zu verbinden.
Orchestrierung:
Elgars Orchestrierung ist üppig, farbenfroh und dramatisch und beschwört die emotionale und mystische Reise der Seele herauf.
Momente intensiven Dramas, wie die Konfrontation mit den Dämonen, stehen im Kontrast zu Passagen von heiterer Schönheit, wie die Engelschöre.
Leitmotive:
Elgar verwendet wiederkehrende musikalische Themen (Leitmotive), um Schlüsselideen darzustellen, wie die Reise der Seele, die Gegenwart Gottes und die Gebete der Gläubigen.
Historischer Kontext und Rezeption
Uraufführung: Die erste Aufführung in Birmingham (1900) wurde durch unzureichende Probenzeit und einen unerfahrenen Chor beeinträchtigt, was zu einem enttäuschenden Debüt führte.
Späterer Erfolg: Trotz der fehlerhaften Premiere erlangte das Werk in Großbritannien und international schnell Anerkennung. Nachfolgende Aufführungen, darunter eine von Elgar in Düsseldorf (1902), wurden mit großer Begeisterung aufgenommen.
Religiöse Kontroverse: Als katholisch geprägtes Werk in einem überwiegend protestantischen England stieß The Dream of Gerontius zunächst auf einigen Widerstand, aber seine universellen spirituellen Themen überwanden letztlich konfessionelle Grenzen.
Vermächtnis
Elgars Meisterwerk: Der Traum des Gerontius wird oft als Elgars größtes Chorwerk und als Höhepunkt der englischen Chormusik angesehen.
Moderne Aufführungen: Das Werk ist nach wie vor ein fester Bestandteil des Chor-Orchester-Repertoires und wird weltweit häufig in Konzertsälen und religiösen Einrichtungen aufgeführt.
Tiefgreifende spirituelle Wirkung: Die Kombination aus theologischer Tiefe, emotionaler Intensität und musikalischer Brillanz des Werks findet beim religiösen und weltlichen Publikum weiterhin großen Anklang.
Bemerkenswerte Auszüge
„Sanctus fortis„: Gerontius’ Gebet des Glaubens und der Stärke angesichts des Todes.
„Praise to the Holiest in the Height“: Eine kraftvolle Choralhymne des Lobpreises Gottes.
The Angel’s Farewell: Ein heiterer und herzlicher Abschluss, während der Engel Gerontius ins Fegefeuer führt.
Schluss
Der Traum des Gerontius ist ein Zeugnis von Elgars Genie, das seinen römisch-katholischen Glauben, seine romantische Musiksprache und seine tiefe Sensibilität zu einem Werk von bleibender spiritueller und künstlerischer Bedeutung vereint. Es ist eine Reise durch die universellen Themen Leben, Tod und die Hoffnung auf ewigen Frieden.
(Dieser Artikel wurde von ChatGPT generiert. Und er ist nur ein Referenzdokument, um Musik zu entdecken, die Sie noch nicht kennen.)
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