1 – Vihko Anna Magdalena Bachille (Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach / Notebook for Anna Magdalena Bach)
(Myöhäinen alkeistaso – varhainen keskitaso)
Vihko Anna Magdalena Bachille on yksi Johann Sebastian Bachin klaveerimusiikin helpoimmin lähestyttävistä johdannoista. Sen lyhyet ja vaihtelevat kappaleet ovat yleensä sopivan helppoja, mutta samalla ne johdattavat tärkeisiin barokin ajan soittotaitoihin. Oppilaille, jotka ovat oppineet perusasteikot, soinnut, artikulaation ja käsien yhteistoiminnan, valikoidut kappaleet tarjoavat luontevan ensimmäisen kokemuksen Bachin tyylistä.
Nimellä tarkoitetaan yleensä toista vihkoa, joka koottiin vuonna 1725 Bachin toiselle vaimolle Anna Magdalena Bachille. Aikaisempi vihko on vuodelta 1722. Vuoden 1725 kokoelma sisältää klaveeri- ja lauluteoksia, eikä Johann Sebastian Bach säveltänyt kaikkia niitä; osa on muiden säveltäjien teoksia tai niiden tekijä on epävarma. Siitä huolimatta sen tunnetuista menueteista ja muista kappaleista on tullut vakiintunutta alkeisrepertuaaria.
Vihkon suurin viehätys on sen yksinkertaisuus ilman pinnallisuutta. Lyhyt Menuetti (Menuett / Minuet) tai Poloneesi (Polonaise / Polonaise) saattaa näyttää helpolta, mutta sen hyvä soittaminen vaatii tarkkaa huomiota rytmiin, fraseeraukseen, artikulaatioon, tasapainoon ja musiikilliseen luonteeseen. Nämä taidot tulevat myöhemmin välttämättömiksi kaksiosaisissa inventioissa (Zweistimmige Inventionen / Two-Part Inventions), Sinfonioissa (Sinfonien / Sinfonias), sarjoissa ja Hyvin temperoidussa klaveerissa (Das wohltemperierte Clavier / The Well-Tempered Clavier).
Tanssit johdattavat barokkityyliin ennen kaikkea rytmin ja artikulaation, eivät romanttistyyppisen dynamiikan ja runsaan pedaalinkäytön kautta. Menuetit, poloneesit, marssit ja gavotit auttavat oppilasta tuntemaan taustalla olevan pulssin ja erottamaan erilaisia musiikillisia luonteita.
Opettaja voi valita kappaleita oppilaan tarpeiden mukaan sen sijaan, että noudattaisi kiinteää järjestystä. Yksi kappale voi kehittää artikulaatiota, toinen äänien tasapainoa ja kolmas ornamentointia tai tanssirytmiä. Oppilaan tulisi oppia tuottamaan selkeä ja hallittu sointi ilman voimakasta riippuvuutta sustain-pedaalista ja kuuntelemaan tarkasti jokaista melodista linjaa.
Vihko tarjoaa asteittaisen siirtymän kohti laajempaa Bach-repertuaaria. Valikoitujen kappaleiden jälkeen oppilas voi siirtyä luontevasti Pieniin preludihin (Kleine Präludien / Little Preludes) ja kaksiosaisiin inventioihin (Zweistimmige Inventionen / Two-Part Inventions) ja myöhemmin Sinfonioihin (Sinfonien / Sinfonias), ranskalaisiin sarjoihin (Französische Suiten / French Suites) ja Hyvin temperoituun klaveeriin (Das wohltemperierte Clavier / The Well-Tempered Clavier).
Vihkoa Anna Magdalena Bachille ei siis pitäisi pitää pelkästään helppojen lasten kappaleiden kokoelmana. Se on ovi Bachin musiikilliseen kieleen: se opettaa puhdasta artikulaatiota, vakaata rytmiä, käsien itsenäisyyttä, fraseerausta ja tarkkaa kuuntelemista sekä tarjoaa samalla itsessään kiinnostavaa ohjelmistoa.
2 – Pienet preludit BWV 924–943 (Kleine Präludien / Little Preludes)
(Varhainen keskitaso)
Pienet preludit BWV 924–943 kuuluvat hyödyllisimpiin kappaleisiin pianisteille, jotka siirtyvät alkeisrepertuaarista kohti Bachin vaativampaa klaveerimusiikkia. Ne ovat lyhyitä ja tiiviitä, joten oppilas voi kehittää rytmiä, artikulaatiota, fraseerausta, koordinaatiota ja musiikillista ymmärrystä ilman, että hänen tarvitsee heti kohdata kaksiosaisten inventioiden tai Hyvin temperoidun klaveerin vaatimuksia.
Nimitys kattaa useita toisiinsa liittyviä ryhmiä eikä yhtä sellaista kokoelmaa, jonka Bach olisi koonnut juuri tässä muodossa: BWV 924–932, BWV 933–938 ja BWV 939–943. Nykyaikaisissa laitoksissa ne yhdistetään usein pedagogisista syistä, ja yksittäisten kappaleiden vaikeus vaihtelee huomattavasti.
Oppilaalle Pienet preludit tarjoavat erinomaisen johdannon Bachin klaveerikieleen. Oppilas oppii ylläpitämään vakaata pulssia, muotoilemaan fraaseja, hallitsemaan artikulaatiota ja kehittämään käsien itsenäisyyttä. Koska kappaleet ovat lyhyitä, musiikillisia ideoita voidaan tutkia yksityiskohtaisesti ilman, että kokonaisuus muuttuu ylivoimaiseksi.
Artikulaatio on erityisen tärkeää. Oppilaan kannattaa välttää Bachin automaattista soittamista jatkuvalla romanttisella legatolla ja runsaalla pedaalilla. Selkeä sävelten kesto, kevyt artikulaatio, rytminen täsmällisyys ja huolellinen tasapaino tuovat musiikillisen luonteen esiin luontevammin. Nämä tavat valmistavat oppilasta suoraan kaksiosaisten inventioiden kontrapunktisiin vaatimuksiin.
Kappaleet ovat arvokkaita myös musiikillisen rakenteen opiskelussa. Opettaja voi kiinnittää huomiota toistuviin kuvioihin, sekvensseihin, kadensseihin, imitoiviin jaksoihin ja harmonisiin muutoksiin. Tällaiset havainnot auttavat oppilasta siirtymään pelkästä nuottien lukemisesta kohti ymmärrystä siitä, miten Bach järjestää musiikilliset ideansa.
Kappaleita ei tarvitse opiskella numerojärjestyksessä. BWV-numerot ovat luettelonumeroita eivätkä porrastettu opetusjärjestys. Jotkin preludit sopivat suhteellisen varhaiseen vaiheeseen, kun taas toiset vaativat enemmän hallintaa ja itsenäisyyttä. Opettaja voi siksi valita yksittäisiä preludeja oppilaan taitojen ja kehitettävän erityistaidon mukaan.
Koko ryhmän tekijyydestä ja välittymishistoriasta on myös jonkin verran historiallista epävarmuutta. Erityisesti BWV 939–943 -teosten varhaiset lähteet eivät anna yhtä varmaa näyttöä tekijyydestä. Siitä huolimatta nämä kappaleet ovat edelleen vakiintunutta ja hyödyllistä opetusaineistoa.
Pienillä preludilla on tärkeä asema johdantotasoisesta Bach-repertuaarista kaksiosaisiin inventioihin siirryttäessä. Ne tekevät Bachista lähestyttävän tekemättä hänestä triviaalia ja opettavat, että hyvä soittaminen perustuu huolelliseen kuunteluun, selkeään rytmiin, hallittuun artikulaatioon ja musiikillisen rakenteen ymmärtämiseen.
3 – Kaksiosaiset inventiot BWV 772–786 (Zweistimmige Inventionen / Two-Part Inventions)
(Keskitaso)
J. S. Bachin kaksiosaiset inventiot BWV 772–786 kuuluvat kehittyvän pianistin tärkeimpiin teoksiin. Viisitoista kappaletta ovat tiiviitä ja monille keskitason oppilaille teknisesti hallittavia, mutta ne esittelevät samalla musiikillisen itsenäisyyden tason, joka valmistaa pianistia suureen osaan Bachin edistyneestä klaveerirepertuaarista.
Jokaisessa inventiossa kehitetään lyhyttä musiikillista ideaa, joka esitellään, jäljitellään, muunnellaan ja siirretään käsien välillä. Kumpikaan käsi ei toimi pelkästään säestyksenä. Molemmissa on tärkeää musiikillista materiaalia, ja oppilaan on opittava tekemään kaksi osaa itsenäisiksi samalla kun ne muodostavat yhden johdonmukaisen musiikillisen kokonaisuuden.
Tämä on kokoelman suurin pedagoginen arvo. Melodia–säestys-rakenteeseen tottuneen oppilaan on opittava kuuntelemaan kahta ääntä samanaikaisesti, tunnistamaan tärkeät motiivit ja estämään toista kättä automaattisesti hallitsemasta toista. Tämä on perustavanlaatuinen johdatus polyfoniseen soittoon ja valmistaa tietä Sinfonioihin, ranskalaisiin sarjoihin ja Hyvin temperoituun klaveeriin.
Artikulaatio ja rytminen täsmällisyys ovat yhtä tärkeitä. Sävelten keston selkeä hallinta auttaa pitämään äänet erillään, kun taas vakaa pulssi antaa kuulijalle mahdollisuuden seurata musiikillisten ideoiden välistä vuoropuhelua. Oppilaan tulisi oppia luomaan selkeyttä ennen kaikkea kosketuksella, artikulaatiolla, rytmillä ja tasapainolla eikä liiallisella pedaalilla.
Opettaja voi käyttää jokaista inventiota kontrapunktin, fraseerauksen, artikulaation, sormituksen, rytmin, tasapainon ja musiikillisen muodon opiskeluun. Oppilas voi tunnistaa aloitusmotiivin, seurata sen esiintymisiä ja tarkkailla, miten se siirtyy äänestä toiseen. Kunkin äänen harjoittelu erikseen voi olla hyödyllistä, mutta lopullisena tavoitteena on kuulla molemmat osat samanaikaisesti yhtenä musiikillisena keskusteluna.
Inventioita ei pitäisi kohdella pelkkinä teknisinä harjoituksina. Jokaisella on oma luonteensa, rytminen energiansa ja ilmaisullinen persoonallisuutensa. Jotkin ovat eloisia ja leikkisiä, toiset taas siroja, lyyrisiä, vakavia tai pohdiskelevia. Oppilaan tulisi siksi oppia ne musiikkina eikä pelkkänä sormien itsenäisyyden harjoituksena.
Viidentoista kappaleen vaikeustaso ei ole täysin yhtenäinen. Osa on helposti lähestyttävää keskitasoista ohjelmistoa, kun taas osa lähestyy ylemmän keskitason vaatimuksia. Opettaja voi valita yksittäisiä inventioita oppilaan taitojen mukaan sen sijaan, että BWV-numeroita seurattaisiin tiukkana etenemisjärjestyksenä.
Bachin vuoden 1723 autografi kuvaa teoksia materiaaliksi, jonka avulla opitaan soittamaan selkeästi kahdessa osassa ja edetään kohti suurempaa mestaruutta säveltämisessä ja klaveerinsoitossa. Niiden pedagoginen tarkoitus on yhä ilmeinen: ne opettavat oppilasta paitsi soittamaan Bachia myös kuuntelemaan.
Kaksiosaiset inventiot ovat näin ollen pianonsoiton keskeinen virstanpylväs. Ne kehittävät kontrapunktista ajattelua, käsien itsenäisyyttä, artikulaatiota, rytmiä, fraseerausta ja musiikillista tietoisuutta sekä valmistavat oppilasta kolmiosaisiin Sinfonioihin ja vaativampaan polyfoniseen repertuaariin.
4 – Neljä duettoa BWV 802–805 (Vier Duette / Four Duets)
(Keskitaso)
J. S. Bachin neljä duettoa, BWV 802–805, muodostavat pienen mutta arvokkaan ryhmän klaveerikappaleita ja tarjoavat kypsemmän johdannon kaksiosaiseen kontrapunktiin. Ne kuuluvat Clavier-Übungin kolmanteen osaan ja ovat erityisen hyödyllisiä oppilaille, jotka ovat jo aloittaneet kaksiosaisten inventioiden opiskelun.
Jokaisessa duetossa on kaksi itsenäistä musiikillista linjaa. Kumpikaan käsi ei voi vain jäädä taka-alalle; äänet jäljittelevät, vastaavat ja kehittävät musiikillisia ideoita yhdessä. Tämä tekee kokoelmasta hyödyllisen oppilaille, jotka siirtyvät melodia–säestys-soitosta kohti aidosti polyfonista esittämistä.
Keskeinen haaste on käsien itsenäisyys. Oppilaan on kuultava molemmat äänet samanaikaisesti ja muotoiltava ne asianmukaisesti. Äänien tasapaino on erityisen tärkeää, koska oikean käden ei tule automaattisesti olla voimakkaampi. Musiikillinen paino voi siirtyä äänestä toiseen, joten pianistin on tuotava esiin tietty idea aina siinä äänessä, jossa se esiintyy.
Kappaleet ovat erinomaisia myös artikulaation ja rytmin opiskeluun. Selkeä sävelten kesto auttaa erottamaan äänet, kun taas vakaa pulssi pitää erilaiset rytmiset kuviot koossa. Oppilas voi harjoitella kumpaakin ääntä erikseen ennen niiden yhdistämistä ja oppia lopulta kuulemaan molemmat yhtenä musiikillisena keskusteluna.
Opettajalle neljä duettoa tarjoavat tiivistä materiaalia käsien itsenäisyyden, tasapainon, artikulaation, sormituksen, rytmisen hallinnan, fraseerauksen ja harmonisen tietoisuuden kehittämiseen. Ne tarjoavat myös mahdollisuuksia tarkastella imitaatiota, sekvenssejä, melodista kehittelyä ja harmonista liikettä hallittavassa mittakaavassa.
Neljää duettoa ei pidä sekoittaa pedagogisiin kaksiosaisiin inventioihin. Vaikka molemmissa on kaksi ääntä, duettojen paikka on kypsemmässä Clavier-Übungissa, ja niitä voidaan pitää kaksiosaisen sävellystekniikan pidemmälle menevänä tutkimuksena. Siksi ne sopivat erityisen hyvin sen jälkeen, kun oppilas on saanut jonkin verran kokemusta inventioista.
Ne voidaan parhaiten luokitella keskitason ja ylemmän keskitason ohjelmistoksi. Niiden vaikeus ei perustu niinkään nopeuteen tai virtuoosisuuteen kuin kahden itsenäisen äänen kuulemiseen, tasapainottamiseen ja koordinoimiseen. Ne muodostavat erinomaisen sillan Sinfonioihin, fuugiin ja muihin kypsiin kontrapunktisiin teoksiin.
5 – Kolmiosaiset inventiot / Sinfoniat BWV 787–801 (Sinfonien / Three-Part Inventions / Sinfonias)
(Keskitaso – ylempi keskitaso)
J. S. Bachin kolmiosaiset inventiot, jotka tunnetaan yleisesti nimellä Sinfoniat, BWV 787–801, ovat merkittävä virstanpylväs pianistin musiikillisten ja teknisten taitojen kehityksessä. Ne jatkavat kaksiosaisten inventioiden aloittamaa linjaa, mutta vaikeuttavat tehtävää vaatimalla soittajaa koordinoimaan ja kuulemaan kolme itsenäistä ääntä.
Viisitoista Sinfoniaa julkaistiin kaksiosaisten inventioiden kanssa Bachs pedagogisessa kokoelmassa vuonna 1723. Bach tarkoitti niitä opettamaan selkeää soittoa kahdessa ja kolmessa osassa sekä kehittämään edelleen säveltämisen ja klaveerinsoiton hallintaa. Silti ne ovat paljon enemmän kuin harjoituksia: jokainen on huolellisesti rakennettu musiikillinen sävellys.
Keskeinen haaste on kolmiosainen itsenäisyys. Keskimmäinen ääni voi helposti kadota ylä- ja alarekisterin äänten alle, joten oppilaan on opittava kuuntelemaan kaikkia kolmea linjaa. Joskus yhden käden on soitettava kahta ääntä toisen käden soittaessa kolmatta, mikä vaatii tarkkaa sormitusta, koordinaatiota ja herkkää kosketusta.
Tämä tekee Sinfonioista erinomaisen polyfonisen kuuntelun ja äänien tasapainon kurssin. Tärkeä musiikillinen idea voi esiintyä missä tahansa äänessä, joten oppilaan on opittava luomaan muuttuva hierarkia sen sijaan, että hän vain soittaisi oikealla kädellä kovempaa. Nämä taidot ovat perustavanlaatuisia Bachin fuugissa ja polyfonisessa musiikissa yleisesti.
Artikulaatio ja rytmi säilyvät olennaisina. Eri äänet voivat liikkua eri nopeuksilla, ja motiivit voivat tulla esiin eri hetkissä. Vakaa pulssi ja selkeä artikulaatio auttavat pitämään yksittäiset linjat erillään. Oppilaan tulisi välttää liiallista pedaalia ja kehittää kykyä yhdistää ja erottaa säveliä ennen kaikkea sormien avulla.
Sinfoniat tarjoavat erinomaista materiaalia myös musiikillisen arkkitehtuurin tutkimiseen. Oppilas voi tunnistaa teemoja, imitoivia sisääntuloja, sekvenssejä, episodeja, kadensseja ja harmonista liikettä. Tällainen analyysi auttaa sekä muistamista että tulkintaa, koska se paljastaa, miten pieni musiikillinen idea voi synnyttää kokonaisen sävellyksen.
Opettaja voi käyttää kappaleita sekä diagnostisesti että musiikillisesti. Keskimmäisen äänen katoaminen voi viitata tasapainon ja sormikontrollin harjoittelun tarpeeseen; epävakaat linjat voivat vaatia erillisten äänten harjoittelua; mekaaninen esitys voi puolestaan hyötyä suuremmasta huomiosta fraseeraukseen, harmoniaan ja artikulaatioon.
Viidentoista kappaleen vaikeus vaihtelee, joten niitä ei tarvitse opiskella numerojärjestyksessä. Osa sopii vahvoille keskitasoisille oppilaille, kun taas toiset vaativat enemmän äänien tasapainon, koordinaation, ornamentoinnin ja tempon hallintaa. Myös niiden musiikilliset luonteet vaihtelevat huomattavasti: joukossa on energisiä ja tanssillisia sekä lyyrisiä, vakavia ja sisäänpäin kääntyneitä teoksia.
Progressiivisessa Bach-opetuksessa Sinfoniat seuraavat luonnollisesti kaksiosaisia inventioita. Ne voivat limittyä helpompien ranskalaisista sarjoista peräisin olevien osien kanssa ja johtaa myöhemmin valikoituihin preludeihin ja fuugiin Hyvin temperoidussa klaveerissa.
Kolmiosaiset inventiot / Sinfoniat voidaan asianmukaisesti luokitella keskitaso–ylempi keskitaso -repertuaariksi. Niiden keskeinen oppi on, ettei suurempi itsenäisyys tarkoita erillisyyttä: kolmen äänen on säilytettävä oma identiteettinsä samalla kun ne muodostavat yhden johdonmukaisen musiikillisen rakenteen.
6 – Ranskalaiset sarjat BWV 812–817 (Französische Suiten / French Suites)
(Keskitaso – ylempi keskitaso)
J. S. Bachin ranskalaiset sarjat BWV 812–817 kuuluvat tärkeimpiin kokoelmiin pianisteille, jotka siirtyvät inventioiden ja Sinfonioiden ulkopuolelle. Ne yhdistävät elegantteja tanssiosia Bachin tunnusomaiseen melodiseen, harmoniseen ja kontrapunktiseen kirjoitustapaan ja antavat oppilaalle mahdollisuuden kehittää musiikillista kypsyyttä laajempien ja monipuolisempien teosten avulla.
Kuusi sarjaa sävellettiin Bachin Köthenin ja Leipzigin vuosina, vaikka niiden tarkat ajoitukset ovat epävarmoja. Nimitys ”ranskalaiset” erottaa ne englantilaisista sarjoista, mutta ei tarkoita, että ne yksinkertaisesti jäljittelisivät ranskalaista musiikkia. Nimen näyttää antaneen myöhempi traditio eikä Bach itse.
Jokaisen sarjan ytimen muodostavat Allemande (Allemande / Allemande), Courante (Courante / Courante), Sarabande (Sarabande / Sarabande) ja Gigue (Gigue / Gigue), joita täydentävät esimerkiksi menuetit (Menuette / Menuets), gavotit (Gavotten / Gavottes), bourréet (Bourrées / Bourrées) ja anglaiset (Anglaises / Anglaises). Jokaisella osalla on oma rytminen luonteensa, mikä tekee sarjoista erinomaisen johdannon barokin tanssityyliin.
Oppilas oppii, etteivät nämä tanssit ole pelkkiä historiallisia muotoja. Bach muuttaa niiden rytmit ja eleet hienostuneiksi musiikillisiksi rakenteiksi. Allemande kehittää virtaavaa fraseerausta; Courante vaatii rytmistä hallintaa ja koordinaatiota; Sarabande opettaa ilmaisullista pidättyvyyttä ja pitkiä fraaseja; ja nopeammat tanssit vaativat selkeyttä ja rytmistä energiaa.
Sarjoissa yhdistyvät myös homofoniset ja kontrapunktiset tekstuurit. Oppilas, joka on opiskellut inventioita ja Sinfonioita, voi soveltaa kuuntelu- ja äänien tasapainotaitojaan laajemmassa musiikillisessa yhteydessä.
Ornamentointi on toinen tärkeä opiskelun alue. Trillit, mordentit, appoggiaturat ja muut ornamentit kuuluvat barokkimusiikin ilmaisukieleen. Oppilaan tulisi oppia soittamaan ne luonnollisesti ja rytmisesti sen sijaan, että niitä käsiteltäisiin pelkkinä koristeina.
Opettajalle ranskalaiset sarjat tarjoavat runsaan pedagogisen materiaalin. Eri osia voidaan käyttää rytmin, fraseerauksen, äänien tasapainon, artikulaation, ornamentoinnin, koordinaation ja musiikillisen muodon harjoittamiseen. Monet osat ovat kaksijakoisia ja sisältävät kertauksia, mikä antaa oppilaalle tilaisuuden ymmärtää tonaalista rakennetta, modulaatioita ja motiivista kehittelyä.
Oppilaan kannattaa oppia lähestymään kertausjaksoja mielikuvituksellisesti. Hienovaraiset erot artikulaatiossa, ornamentoinnissa tai fraseerauksessa voivat antaa kerratulle materiaalille uutta luonnetta muuttamatta sen perusrakennetta.
Tempo ja pedaali vaativat harkintaa. Tanssia ei pitäisi vain soittaa mahdollisimman nopeasti, vaan tempon tulee sallia rytmin, artikulaation ja luonteen säilyä selvänä. Pedaalia tulisi yleensä käyttää säästeliäästi, jotta äänet, ornamentit ja harmoniset muutokset pysyvät erottuvina.
Kuusi sarjaa vaihtelevat huomattavasti vaikeudeltaan, joten niitä ei tarvitse opiskella numerojärjestyksessä. Yksittäiset osat vaihtelevat helposti lähestyttävistä keskitason kappaleista vaativaan ylemmän keskitason ohjelmistoon. Valikoidut osat voivat tarjota hallittavan ensimmäisen kokemuksen laajemman moniosaisen teoksen valmistamisesta.
Aikuisille oppilaille sarjat tarjoavat vakavaa ja palkitsevaa repertuaaria ilman, että ne aina vaativat virtuoosista tekniikkaa. Nuoremmille oppilaille valikoidut osat esittelevät suurempia musiikillisia rakenteita, historiallisia tanssityylejä ja kehittyneempää ilmaisua.
Progressiivisessa Bach-opetuksessa ranskalaiset sarjat sopivat luontevasti kaksiosaisten inventioiden ja Sinfonioiden jälkeen. Niitä voidaan opiskella yhdessä Hyvin temperoidun klaveerin valikoitujen kappaleiden kanssa, ja ne valmistavat vähitellen pianistiä englantilaisiin sarjoihin, partitoihin ja muihin kypsiin klaveeriteoksiin.
Ranskalaiset sarjat ovat näin ollen tärkeä keskitaso–ylempi keskitaso -vaihe. Ne opettavat yhdistämään rytmin, tanssiluonteen, artikulaation, harmonian, ornamentoinnin ja fraseerauksen samalla kun kehitetään suurempiin teoksiin tarvittavaa keskittymiskykyä.
7 – Hyvin temperoitu klaveeri, kirja I (Das wohltemperierte Clavier, Teil I / The Well-Tempered Clavier, Book I)
(Myöhäinen keskitaso – edistynyt)
J. S. Bachin Hyvin temperoitu klaveeri, kirja I, BWV 846–869, on yksi klaveerimusiikin tärkeimmistä kokoelmista. Sen 24 preludin ja fuugan paria kattavat kaikki duuri- ja mollisävellajit ja yhdistävät musiikillisen mielikuvituksen, kontrapunktisen tekniikan, harmonisen tutkimisen ja klaveeritaiteen. Piano-opiskelijalle se merkitsee suurta askelta kohti edistynyttä musiikillista osaamista.
Bach kokosi ja sai suurelta osin valmiiksi kirjan I vuonna 1722. Sen nimiölehti esittelee kokoelman materiaalina musiikilliselle nuorisolle, joka haluaa oppia, sekä jo taitaville opiskelijoille. Hyvin temperoitu klaveeri ei siis ollut ainoastaan konserttikokoelma, vaan myös laaja näyte klaveerinsoitosta, kontrapunktista, harmoniasta ja sävellystaidosta.
Jokaiselle sävellajille on preludi, jota seuraa fuuga. Preludit vaihtelevat suuresti luonteeltaan ja tekstuuriltaan, kun taas fuugat kehittävät musiikillista teemaa useiden itsenäisten äänten avulla. Tämä vastakohta antaa kokoelmalle poikkeuksellisen suuren vaihtelun.
Preludit tutustuttavat oppilaan moniin klaveerisatsin muotoihin yksinkertaisemmista tekstuureista nopeisiin juoksutuksiin, arpeggioihin, sointuihin ja monimutkaisiin kuvioihin. Fuugat muodostavat vaativamman haasteen ja edellyttävät, että pianisti kuulee useita linjoja samanaikaisesti ja ymmärtää niiden väliset suhteet.
Nämä teokset rakentuvat suoraan kaksiosaisten inventioiden ja Sinfonioiden kehittämille taidoille. Fuugissa kontrapunkti voi kuitenkin muuttua huomattavasti monimutkaisemmaksi, ja teemoista, harmonisesta kehittelystä ja äänijohdosta tulee kehittyneempiä.
Äänien tasapaino on yksi keskeisistä haasteista. Tärkeä musiikillinen idea voi esiintyä kummassa kädessä tahansa tai sisä-äänessä, joten oppilaan on opittava luomaan joustava hierarkia sen sijaan, että oikea käsi olisi automaattisesti hallitseva. Selkeä sormien artikulaatio ja tarkasti hallitut sävelten kestot ovat yleensä tärkeämpiä kuin jatkuva romanttinen legato tai runsas pedaali.
Rytminen vakaus on yhtä tärkeää. Vahva sisäinen pulssi antaa äänille mahdollisuuden liikkua itsenäisesti rikkomatta suurempaa rakennetta. Kokoelma tarjoaa myös poikkeuksellisen johdannon harmoniaan, sillä systemaattinen liikkuminen sävellajista toiseen avaa oppilaalle suuren joukon harmonisia suhteita ja värityksiä.
Opettajalle preludit ja fuugat yhdistävät pianonsoiton musiikinteoriaan. Oppilas voi tunnistaa teemoja, vasta-aiheista materiaalia, sekvenssejä, kadensseja, modulaatioita, episodeja ja teeman sisääntuloja. Analyysi on hyödyllisintä silloin, kun se auttaa oppilasta kuulemaan ja muotoilemaan musiikkia eikä muutu irralliseksi akateemiseksi harjoitukseksi.
Fuugat ovat erityisen tehokkaita opetettaessa oppilasta seuraamaan musiikillista argumenttia. Teeman jokaisen sisääntulon paikantaminen nuotista ja sen kuunteleminen harjoittelun aikana voi vahvistaa sekä muistamista että tulkintaa. Jokaisen äänen tulisi pysyä elävänä eikä muuttua passiiviseksi taustaksi.
Preludit tarjoavat täydentävän opetuksen tyylillisestä joustavuudesta. Yksi voi vaatia virtaavaa legatoa, toinen terävää artikulaatiota, kolmas sointujen tasapainoa ja neljäs erittäin hallittua rytmiä. Kokoelma ehkäisee siis yhden jäykän ”Bach-soiton” mallin muodostumista.
24 paria eivät ole järjestetty yksinkertaiseen vaikeusjärjestykseen. Sävellajijärjestys on systemaattinen, mutta tekninen vaikeus ei kasva asteittain C-duurista h-molliin. Yksittäiset teokset tulisi siksi valita oppilaan taitojen mukaan eikä välttämättä opiskella niitä peräkkäin.
Valikoituja preludeja voidaan joskus lähestyä ennen kuin oppilas on valmis vaativampiin fuugiin. Muita kappaleita voidaan valita kehittämään tiettyjä taitoja, kuten äänien tasapainoa, artikulaatiota, ornamentointia, harmonista tietoisuutta tai muodon ymmärtämistä.
Kokoelma valmistaa oppilasta suureen osaan Bachs kypsästä klaveerirepertuaarista, kuten englantilaisiin sarjoihin, partitoihin, ranskalaiseen alkusoittoon, italialaiseen konserttoon, kromaattiseen fantasiaan ja fuugaan sekä Goldberg-muunnelmiin. Sen vaikutus myöhempiin säveltäjiin ja pianisteihin on myös valtava.
Oppilaalle kokoelman suurin arvo on siinä, miten se opettaa kuulemaan melodian, harmonian, rytmin, kontrapunktin, artikulaation ja muodon samanaikaisesti. Opettajalle se tarjoaa pitkäjänteisen kurssin edistyneeseen musiikilliseen osaamiseen eikä vain kokoelmaa vaikeita tutkintokappaleita.
Hyvin temperoitu klaveeri, kirja I voidaan kokonaisuutena luokitella myöhäisen keskitason – edistyneeksi ohjelmistoksi, vaikka yksittäisten preludien ja fuugien vaikeus vaihtelee suuresti. Huolellisesti opiskeltuna se merkitsee ratkaisevaa siirtymää keskitason Bach-soitosta edistyneeseen klaveerirepertuaariin.
8 – Toccataat BWV 910–916 (Toccaten / Toccatas)
(Myöhäinen keskitaso – edistynyt)
J. S. Bachin seitsemällä klaveerin toccataalla BWV 910–916 on erityinen asema hänen klaveerirepertuaarissaan. Ne yhdistävät loistokasta juoksutusta, ilmaisuvoimaisia hitaita jaksoja, imitoivaa kontrapunktia, fuugia ja dramaattisia luonteenmuutoksia. Pianistille ne merkitsevät siirtymää inventioiden, Sinfonioiden ja Hyvin temperoidun klaveerin järjestelmällisemmistä muodoista kohti vapaampaa ja virtuoosisempaa klaveerikirjoitusta.
Sana toccata juontuu italian sanasta toccare, ”koskettaa”, ja viittaa perinteisesti loistokkaaseen, improvisatoriseen klaveerikirjoitukseen. Bach vie ajatuksen pidemmälle yhdistämällä vastakkaisia jaksoja hyvin yksilöllisiksi rakenteiksi. Teos voi siirtyä äkillisesti vapaasta jaksosta hitaaseen ilmaisuosuuteen ja siitä fuugaan.
Tämä vapaus erottaa toccataat suuresta osasta oppilaan aiemmin kohtaamaa ohjelmistoa. Pianistin on tunnistettava nopeat luonteenmuutokset samalla, kun hän ylläpitää kokonaisrakenteen tuntua. Loistokkaalla jaksolla, lyyrisellä osalla ja fuugalla tulee kullakin olla oma musiikillinen identiteettinsä ilman, että koko teos kuulostaa hajanaiselta.
Teknisesti teokset vaativat huomattavasti enemmän hallintaa kuin Bachs pedagogiset kappaleet. Niissä esiintyy asteikkoja, arpeggioita, murrettuja sointuja, toistuvia säveliä, ornamentteja, suuria hyppyjä, sointukudosta ja nopeita kuvioita. Haaste ei ole vain vaikeiden sävelten soittaminen, vaan niiden esittäminen rytmisesti vakaasti, selkeästi artikuloituna ja musiikillisesti tarkoituksenmukaisesti.
Koordinaatio on erityisen tärkeää. Kädet voivat siirtyä nopeasti vastakkaisten kuvioiden välillä tai koordinoida useita klangikerroksia. Tehokas sormitus, taloudellinen liike ja rentous ovat välttämättömiä. Oppilaan tulisi välttää turhaa voimaa, erityisesti loistokkaissa jaksoissa.
Artikulaatio säilyy perustavanlaatuisena. Nopeat kuviot voivat helposti muuttua sumeiksi modernilla pianolla, jos niitä soitetaan liian pitkällä legatolla tai runsaalla pedaalilla. Oppilaan tulisi kehittää selkeys ensin sormien avulla ja käyttää sustain-pedaalia valikoivasti silloin, kun resonanssi tai tietty sointivaikutelma sitä edellyttää.
Vapaan kirjoitustavan ja tiukan kontrapunktin yhdistelmä tekee toccataista erityisen arvokkaita oppilaille, jotka ovat jo opiskelleet inventioita ja fuugia. Pianistin on kyettävä siirtymään vapaasta, lähes improvisatorisesta tyylistä kurinalaiseen kontrapunktiseen soittoon menettämättä musiikillista yhtenäisyyttä.
Hitaat jaksot voivat olla erityisen paljastavia. Pitkät sävelet, ornamentit, pidätykset ja harmoniset muutokset eivät anna paljon mahdollisuuksia piiloutua nopeuden taakse. Ne opettavat, että ilmaisuvoimainen soitto riippuu yhtä paljon ajoituksesta, resonanssista, fraseerauksesta ja tarkasta kuuntelusta kuin teknisestä loistosta.
Toccataat tarjoavat myös erinomaista materiaalia musiikillisen arkkitehtuurin tutkimiseen. Oppilas voi tunnistaa vapaita osia, hitaita osioita, sekvenssejä, episodeja ja fuugia ja ymmärtää, miten Bach luo kontrastia harmonian, rytmin, rekisterin, tekstuurin ja luonteen avulla. Rakenteellinen tietoisuus tekee muistamisesta varmempaa ja estää pitkää teosta muodostumasta irrallisten jaksojen sarjaksi.
Opettajalle kokoelma tarjoaa mahdollisuuden kehittää tyylillistä joustavuutta, retorista fraseerausta, ornamentointia, koordinaatiota, artikulaatiota ja laajamittaista musiikillista ajattelua. Opettaja voi auttaa oppilasta ymmärtämään kokonaisrakenteen ennen yksityiskohtaisen teknisen harjoittelun aloittamista.
Seitsemän teosta eivät ole yhtä vaikeita, eikä BWV-numeroita tulisi pitää pedagogisena etenemisjärjestyksenä. Oppilas voi olla valmis yhteen toccataan, vaikka toinen olisi vielä liian vaikea. Myös yksittäisiä osia voidaan lähestyä ennen koko teosta.
Toccataat voivat olla erityisen palkitsevia edistyneille aikuisoppilaille, koska ne paljastavat Bachin klaveerikirjoituksesta vapaamman ja dramaattisemman puolen. Ne tarjoavat myös arvokasta valmistelua vaativiin teoksiin, kuten englantilaisiin sarjoihin, partitoihin, ranskalaiseen alkusoittoon, italialaiseen konserttoon ja kromaattiseen fantasiaan ja fuugaan.
Yksi niiden suurimmista opetuksista on, etteivät vapaus ja kuri ole vastakohtia. Bach voi luoda musiikkia, joka kuulostaa spontaanilta ja improvisatoriselta, mutta säilyttää samalla hämmästyttävän harmonisen ja kontrapunktisen hallinnan. Pianistin tulee siksi sallia ilmaisullinen vapaus uhraamatta rytmiä, rakennetta tai selkeyttä.
Toccataat BWV 910–916 voidaan ryhmänä parhaiten luokitella myöhäisen keskitason – edistyneeksi ohjelmistoksi, vaikka yksittäisten teosten ja jaksojen vaikeus vaihtelee huomattavasti. Niihin tulisi siirtyä sen jälkeen, kun oppilas on kehittänyt luotettavan rytmin, artikulaation, käsien itsenäisyyden ja useiden musiikillisten kerrosten hallinnan. Kärsivällisesti opiskeltuina ne paljastavat Bachin poikkeuksellisen loistokkaana, vapaana, dramaattisena, intiiminä ja ilmaisultaan syvällisenä säveltäjänä.
9 – Italialainen konsertto BWV 971 (Italienisches Konzert / Italian Concerto)
(Edistynyt)
J. S. Bachin italialainen konsertto F-duurissa, BWV 971, on yksi hänen tunnetuimmista klaveeriteoksistaan ja tärkeä virstanpylväs edistyneelle piano-opiskelijalle. Vaikka mukana ei ole orkesteria, Bach luo vaikutelman konserttoteoksesta yhdelle klaveerille käyttämällä vastakkaisia tekstuureja, loistokkaita juoksutuksia, lyyrisiä melodioita ja vaihteluita soolomaisen ja ensemblemaisen kirjoitustavan välillä.
Teos julkaistiin vuonna 1735 Clavier-Übungin toisen osan yhteydessä, ja se heijastaa Bachs kiinnostusta italialaiseen konserttotyyliin, johon liittyivät muun muassa Vivaldin kaltaiset säveltäjät. Teos koostuu kolmesta osasta: nopeasta F-duuri-alkuosasta, hitaasta Andante (Andante / Andante) d-mollissa ja nopeasta Presto (Presto / Presto) F-duurissa.
Ensimmäinen osa rakentuu ”solon” ja ”tutin” vastakohtaan. Bach viittaa orkesterimaisiin kontrasteihin tekstuurin, rekisterin, artikulaation, rytmin ja dynaamisen luonteen avulla. Modernilla pianolla pianistin täytyy tehdä nämä erot kuultaviksi sen sijaan, että kaikki jaksot soitettaisiin samalla äänenvoimakkuudella.
Avausosa on myös erinomainen tutkimus rytmisestä energiasta ja artikulaatiosta. Nopeat asteikot, murretut soinnut, toistuvat kuviot ja hypyt vaativat kevyttä, hallittua tekniikkaa ja varmaa pulssia. Haaste ei ole vain soittaa nopeasti, vaan saada juoksutukset kuulostamaan vaivattomilta ja musiikillisesti tarkoituksenmukaisilta.
Oppilaan tulisi myös tunnistaa toistuva materiaali ja vastakkaiset episodit, jotka antavat osalle sen laajamittaisen rakenteen. Näiden suhteiden ymmärtäminen tekee sekä oppimisesta että muistamisesta varmempaa.
Andante tarjoaa voimakkaan vastakohdan. Sen intiimi ja laulava luonne vaatii melodian, säestyksen, harmonian, ajoituksen ja soinnin huolellista hallintaa. Koska kaikki liikkuu hitaammin, fraseerauksen ja tasapainon heikkoudet tulevat erityisen näkyviksi. Se on erinomainen tutkimus cantabile-soitosta ja ilmaisullisesta pidättyvyydestä.
Viimeinen Presto palaa avausosan loistokkuuteen. Sen jatkuva liike vaatii paljon keskittymistä, ketteryyttä, rytmistä täsmällisyyttä ja kestävyyttä. Nopeudesta ei saa koskaan tulla päätavoitetta; artikulaation ja rytmisen luonteen on säilyttävä selkeinä.
Bach kirjoitti teoksen kaksimanuaaliselle cembalolle, mikä mahdollisti kontrastit eri manuaalien välillä. Modernissa pianossa on vain yksi koskettimisto, joten pianistin on luotava nämä vaikutukset uudelleen dynamiikan, artikulaation, äänien tasapainon, rekisterin ja kosketuksen avulla. Tarkoitus ei ole jäljitellä cembaloa mekaanisesti, vaan säilyttää Bachs kirjoituksessa oleva musiikillinen vastakohtaisuus.
Pedaalia tulisi käyttää valikoivasti. Sormien artikulaatio ja yksittäisten äänten hallinta ovat tärkeämpiä kuin pitkä resonanssi. Ornamentointi tulee samoin integroida luonnollisesti rytmiin ja fraasiin eikä käsitellä erillisenä koristeena.
Opettajalle italialainen konsertto kokoaa yhteen nopean tekniikan, artikulaation, äänien tasapainon, rytmisen hallinnan, harmonian, fraseerauksen, dynaamisen kontrastin ja suuren mittakaavan suunnittelun. Sitä ei pitäisi käsitellä pelkkänä virtuoosisena bravuurikappaleena: sen keskeinen ilmaisullinen ajatus on loistokkuuden ja intiimiyden vastakohta.
Teos sopii luontevasti opiskeltavaksi vasta, kun oppilaalla on huomattava kokemus kaksiosaisista inventioista, Sinfonioista, valikoiduista ranskalaisista sarjoista sekä Hyvin temperoidun klaveerin preludeista ja fuugista. Tämän jälkeen se voi valmistaa pianistiä englantilaisiin sarjoihin, partitoihin, ranskalaiseen alkusoittoon ja muihin edistyneisiin klaveeriteoksiin.
Italialainen konsertto voidaan asianmukaisesti luokitella edistyneeksi repertuaariksi. Sen suurin oppi on, että yksi pianisti voi vihjata kokonaisesta yhtyeestä kontrastien, tekstuurin, artikulaation ja musiikillisen mielikuvituksen avulla.
10 – Hyvin temperoitu klaveeri, kirja II (Das wohltemperierte Clavier, Teil II / The Well-Tempered Clavier, Book II)
(Edistynyt)
J. S. Bachin Hyvin temperoitu klaveeri, kirja II, BWV 870–893, on yksi klaveerimusiikin suurista saavutuksista ja luonnollinen jatko ensimmäiselle kirjalle. Se sisältää 24 preludin ja fuugan paria kaikissa duuri- ja mollisävellajeissa, mutta musiikki vaikuttaa usein laajemmalta, monipuolisemmalta ja kypsemmältä.
Kirja II koottiin paljon myöhemmin kuin kirja I, ja Bach sai sen valmiiksi 1740-luvulla. Kokoelma kuvastaa hänen poikkeuksellista kokemustaan säveltäjänä ja klaveerinsoittajana ja sisältää suuren joukon kontrapunktisia tekniikoita, harmonisia ideoita, tekstuureja ja ilmaisullisia luonteita.
Jokainen pari koostuu preludista ja sitä seuraavasta fuugasta. Preludit vaihtelevat lyyrisistä ja meditatiivisista kappaleista erittäin kuvioituneeseen tai virtuoosiseen kirjoitukseen. Fuugat vaativat vielä suurempaa useiden itsenäisten äänten, teeman sisääntulojen, sisä-äänten, bassolinjojen ja harmonisen liikkeen hallintaa.
Oppilaalle tärkein haaste on polyfoninen hallinta. Pianistin on kuultava useita ääniä samanaikaisesti ilman, että tekstuuri muuttuu epäselväksi. Teema voi esiintyä missä tahansa äänessä, ja sen merkitys voi muuttua teoksen aikana. Tämä tekee hienostuneesta äänien tasapainosta välttämätöntä.
Kokoelma on myös poikkeuksellinen harmonian tutkimus. Systemaattinen liikkuminen kaikkien sävellajien läpi antaa oppilaalle mahdollisuuden kokea modulaatio, kromatiikka, pidätykset, sekvenssit ja kadenssit ilmaisevina musiikillisina voimina eikä pelkkinä teoreettisina käsitteinä.
Opettajalle kirja II tarjoaa rikkaan yhteyden analyysin ja esittämisen välillä. Oppilas voi tunnistaa teeman sisääntulot, episodit, harmoniset kiintopisteet ja kontrapunktiset keinot ja käyttää tätä ymmärrystä sitten musiikin muotoiluun ja muistamisen vahvistamiseen.
Artikulaation tulee olla joustavaa eikä mekaanisen yhdenmukaista. Jotkin kappaleet vaativat virtaavia linjoja, toiset terävää artikulaatiota, sointujen hallintaa, toistuvien sävelten tekniikkaa tai hienovaraista melodista soittoa. Pianistin on mukautettava kosketuksensa jokaisen sävellyksen mukaan.
Moderni piano tarjoaa ilmaisullisia etuja, mutta se voi myös tehdä tekstuurista liian paksun. Huolellinen äänien tasapaino, hillitty pedaalinkäyttö ja sävelten selkeä vapauttaminen auttavat säilyttämään äänien itsenäisyyden.
Kirjaa II ei pitäisi oppia tiukasti BWV-järjestyksessä. Luettelonumerointi ei ole opetusjärjestys, ja yksittäisten parien vaikeus vaihtelee suuresti. Valikoituja preludeja voi olla mahdollista lähestyä ennen vastaavia fuugia. Oppilas voi siis työskennellä yksittäisten parien kanssa omien tämänhetkisten taitojensa mukaan.
Muistamisen merkitys kasvaa myös tällä tasolla. Visuaalisen, fyysisen, harmonisen, rakenteellisen ja auditiivisen muistin tulisi tukea toisiaan. Teeman ja muodollisen rakenteen ymmärtäminen on erityisen arvokasta fuugissa, joissa pelkkä sormimuisti voi olla epäluotettava.
Kirja II valmistaa pianistiä englantilaisiin sarjoihin, partitoihin, ranskalaiseen alkusoittoon, Goldberg-muunnelmiin ja Fuugan taitoon. Se on myös pitkäaikainen projekti, johon voidaan palata yhä uudelleen pianistisen ymmärryksen kehittyessä.
Piano-opiskelijalle sen suurin oppi on kyky kuulla melodia, harmonia, rytmi, kontrapunkti, artikulaatio ja muoto samanaikaisesti. Opettajalle se on paljon enemmän kuin kokoelma edistyneitä tutkintokappaleita: se on kokonaisvaltainen kurssi kypsään musiikilliseen osaamiseen.
Hyvin temperoitu klaveeri, kirja II voidaan kokonaisuutena luokitella edistyneeksi ohjelmistoksi, vaikka yksittäisten preludien ja fuugien vaikeustaso vaihtelee suuresti. Sen opiskeluun on parasta siirtyä vahvan Bach-perustan ja ensimmäisestä kirjasta saadun huomattavan kokemuksen jälkeen.
11 – Englantilaiset sarjat BWV 806–811 (Englische Suiten / English Suites)
(Edistynyt)
J. S. Bachin englantilaiset sarjat BWV 806–811 kuuluvat hänen klaveerirepertuaarinsa laajimpiin teoksiin. Ne yhdistävät tyyliteltyjä tansseja vaativaan kontrapunktiin, loistokkaaseen juoksutukseen, ornamentointiin ja suuriin musiikillisiin rakenteisiin. Pianistille ne merkitsevät tärkeää askelta ranskalaisista sarjoista ja muusta keskitason Bach-ohjelmistosta eteenpäin.
Kuudesta sarjasta käytetään perinteisesti nimeä englantilaiset sarjat, vaikka ei ole varmaa näyttöä siitä, että Bach olisi kirjoittanut ne erityisesti englantilaiselle tilaajalle tai että nimi olisi peräisin häneltä. Myös niiden tarkat ajoitukset ovat epävarmoja. Sarjat heijastavat useiden eurooppalaisten musiikkiperinteiden synteesiä pikemminkin kuin erityisen englantilaista tyyliä.
Kuusi teosta ovat A-duurissa, a-mollissa, g-mollissa, F-duurissa, e-mollissa ja d-mollissa. Jokainen alkaa laajalla preludilla, jota seuraavat yleensä Allemande, Courante, Sarabande, lisätansseja ja päättävä Gigue.
Alun preludit ovat erityisen tärkeitä. Verrattuna ranskalaisiin sarjoihin ne ovat usein laajempia ja teknisesti vaativampia ja sisältävät nopeita kuvioita, sekvenssejä, murrettuja sointuja, imitaatiota ja huomattavaa kontrapunktista kirjoitusta. Ne edellyttävät pianistilta musiikillisen kokonaisajatuksen ylläpitämistä paljon pidemmän ajan.
Tanssiosat opettavat erilaisia rytmisen ja ilmaisullisen hallinnan muotoja. Allemande rohkaisee virtaavaan fraseeraukseen; Courante vaatii rytmistä elävyyttä; Sarabande pidättyvyyttä ja pitkän linjan fraseerausta; ja Gigue ketteryyttä, selkeyttä ja kestävyyttä.
Sarjat ovat erinomaisia myös artikulaation kehittämiseen. Liiallinen romanttinen legato voi tehdä musiikista raskasta ja peittää sen rytmisen ja kontrapunktisen luonteen. Oppilaan tulisi kehittää joustavaa sormiartikulaatiota ja välttää voimakasta riippuvuutta pedaalista.
Ornamentointi on toinen tärkeä alue. Trillit, mordentit, käännökset ja muut ornamentit kuuluvat musiikilliseen kieleen ja tulisi integroida luontevasti fraasiin. Niiden harmonisen ja rytmisen tehtävän ymmärtäminen on tärkeämpää kuin pelkkä tekninen suorittaminen.
Sarjat tarjoavat paljon mahdollisuuksia äänien tasapainon kehittämiseen. Itsenäisiä ääniä voi esiintyä tansseissa, erityisesti preludeissa ja kontrapunktisissa osissa. Basso tai sisä-ääni voi joskus olla tärkeämpi kuin ylin linja, mikä edellyttää jatkuvasti muuttuvaa tasapainoa.
Ne tarjoavat myös erinomaista materiaalia harmonian ja muodon tutkimiseen. Oppilas voi tarkastella kadensseja, modulaatioita, sekvenssejä, kertausjaksoja ja tonaalisia suhteita. Rakenteen ymmärtäminen auttaa sekä tulkintaa että muistamista.
Kuusi sarjaa eivät muodosta yksinkertaista vaikeusjärjestystä. BWV-numerot ovat luettelonumeroita eivätkä asteittaista opetusjärjestystä, ja yksi osa voi olla huomattavasti helpompi tai vaikeampi kuin toinen. Oppilas voi siksi opiskella valikoituja osia suorittamatta jokaista sarjaa numerojärjestyksessä.
Alkujen preludit voivat olla myös seuraavia tanssiosia vaikeampia. Oppilas voi olla valmis useisiin jonkin sarjan osiin mutta vielä valmistautumaton sen preludiin, eikä ole mitään väärää opiskella näitä osia erikseen.
Opettajalle englantilaiset sarjat ovat erityisen arvokkaita tekniikan ja musiikillisen tulkinnan yhdistämisessä. Oppilas oppii hallitsemaan monimutkaisia tekstuureja, säilyttämään rytmisen luonteen, käsittelemään ornamentointia ja ylläpitämään keskittymistä kokonaisen moniosaisen teoksen ajan.
Ne sopivat luontevasti kaksiosaisten inventioiden, Sinfonioiden ja valikoitujen ranskalaisista sarjoista peräisin olevien osien jälkeen, ja niitä voidaan opiskella rinnakkain Hyvin temperoidun klaveerin kanssa. Ne tarjoavat myös tärkeää valmistelua partitoihin.
Englantilaiset sarjat voidaan kokoelmana asianmukaisesti luokitella edistyneeksi repertuaariksi, vaikka yksittäiset osat vaihtelevat ylemmän keskitason ja erittäin edistyneen välillä. Niiden keskeinen oppi on, että teknisen hallinnan tulee palvella rytmiä, rakennetta, tanssiluonnetta ja musiikillista ilmaisua.
12 – Partitat BWV 825–830 (Partiten / Partitas)
(Edistynyt – erittäin edistynyt)
J. S. Bachin kuusi klaveerin partitaa, BWV 825–830, kuuluvat barokin klaveerisävellyssarjan korkeimpiin saavutuksiin. Ne yhdistävät tanssiosia, hienostunutta kontrapunktia, ilmeikkäitä melodioita, loistokkaita juoksutuksia, ornamentointia ja poikkeuksellista vaihtelua. Piano-opiskelijalle ne merkitsevät suurta askelta ranskalaisista sarjoista ja englantilaisista sarjoista eteenpäin.
Kuusi partitaa ovat B-duurissa, c-mollissa, a-mollissa, D-duurissa, G-duurissa ja e-mollissa. Ne julkaistiin yksittäin vuosina 1726–1730 ja koottiin vuonna 1731 Bachs Clavier-Übungin ensimmäiseksi osaksi. Niiden avausosat ovat poikkeuksellisen vaihtelevia ja sisältävät Praeludium-, Sinfonia-, Fantasia-, Ouverture– ja Toccata-nimisiä osia.
Tämä vaihtelu on yksi kokoelman suurimmista viehätyksistä. Jokainen partita vaatii erilaisen yhdistelmän rytmiä, tekstuuria, kontrapunktia, ornamentointia ja ilmaisua. Pianisti ei voi tukeutua yhteen ainoaan tapaan soittaa kaikkia kuutta teosta.
Keskellä ovat tutut barokkitanssit, kuten Allemande, Courante, Sarabande, Gavotte, Bourrée ja Gigue. Bach muuttaa nämä tanssit hienostuneeksi konserttimusiikiksi säilyttäen niiden rytmisen identiteetin mutta laajentaen suuresti niiden musiikillisia mahdollisuuksia.
Allemandet vaativat virtaavaa fraseerausta ja rytmistä vakautta; Courantet eloisaa mutta hallittua liikettä; Sarabandet poikkeuksellista ilmaisullista pidättyvyyttä; ja Gigues testaavat ketteryyttä, selkeyttä, rytmistä elinvoimaa ja kestävyyttä.
Partitat ovat erityisen arvokkaita äänien tasapainon kehittämisessä. Tärkeitä musiikillisia ideoita voi esiintyä sisä-äänissä tai bassossa, ja niiden suhteellinen merkitys voi muuttua fraasista toiseen. Oppilaan on siksi opittava hallitsemaan useita musiikillisia kerroksia ja luomaan vakuuttava hierarkia.
Artikulaatio on yhtä tärkeää. Liiallinen legato ja pedaali voivat sumentaa tekstuurit, kun taas liian irtonainen soitto voi hajottaa musiikillisen linjan. Pianisti tarvitsee joustavan kosketuksen, joka vastaa kunkin osan luonnetta.
Ornamentointia tulee niin ikään käsitellä osana musiikillista kieltä. Trillit, mordentit, käännökset ja niihin liittyvät kuviot on suoritettava luonnollisesti ja rytmisesti ja niiden harmoninen ja melodinen tehtävä huomioiden.
Opettajalle partitat yhdistävät lähes kaikki edistyneen Bach-opiskelun keskeiset osa-alueet. Eri osia voidaan käyttää artikulaation, ornamentoinnin, kontrapunktin, äänien tasapainon, nopean juoksutuksen, harmonian ja pitkän linjan fraseerauksen kehittämiseen. Ne soveltuvat erinomaisesti myös suuren mittakaavan muodon opettamiseen, sillä pianistin on ymmärrettävä useiden vastakkaisten osien välinen suhde.
Kertaosat ansaitsevat musiikillista mielikuvitusta. Kun rakenne on hallussa, erot artikulaatiossa, fraseerauksessa, ornamentoinnissa tai painotuksessa voivat antaa toistuvalle materiaalille uutta luonnetta ilman, että tulkinnasta tulee mielivaltaista.
Kuusi partitaa eivät muodosta tiukkaa opetusjärjestystä. Yksittäiset osat vaihtelevat suuresti vaikeudeltaan, ja oppilas voi olla valmis yhteen osaan mutta vielä valmistautumaton toiseen. Opettaja voi siksi valita yksittäisiä Allemandes-, Sarabandes– tai muita osia ennen kokonaisen partitan opiskelua.
Teknisiin vaatimuksiin kuuluvat nopeat juoksutukset, hypyt, monimutkaiset ornamentit, sointukudokset ja samanaikaiset äänet. Tehokas sormitus ja taloudellinen liike ovat välttämättömiä; liiallinen voima on harvoin tehokasta.
Kokonainen partita vaatii myös huomattavaa keskittymistä. Pianistin on säilytettävä tarkkaavaisuus useiden vastakkaisten osien ajan ja pidettävä yllä tyylillistä yhtenäisyyttä koko teoksen läpi. Tämä tekee kokoelmasta arvokkaan valmistautumisen konserttiesitykseen.
Aikuisoppilaalle partitat voivat muodostaa palkitsevia pitkän aikavälin projekteja, koska niiden musiikillinen syvyys kasvaa toistuvan opiskelun myötä. Nuoremmille edistyneille oppilaille valikoidut osat tarjoavat tärkeän johdannon Bachs suureen konserttirepertuaariin.
Progressiivisessa Bach-opetuksessa partitat seuraavat luontevasti laajaa kokemusta ranskalaisista sarjoista, englantilaisista sarjoista, Sinfonioista ja Hyvin temperoidun klaveerin valikoiduista kappaleista. Niitä voidaan opiskella myös yhdessä italialaisen konserton ja muiden edistyneiden teosten kanssa.
Partitoja pidetään yleisesti vaativimpina Bachs kolmesta suuresta klaveerisävellyssarjojen kokoelmasta. Tämä ei tarkoita, että jokainen osa olisi vaikeampi kuin jokainen osa ranskalaisissa tai englantilaisissa sarjoissa, mutta kokonaisuutena kokoelma asettaa pianistille suurempia vaatimuksia.
Ne voidaan asianmukaisesti luokitella edistyneeksi – erittäin edistyneeksi ohjelmistoksi. Niiden keskeinen oppi on, että teknisen virtuoosisuuden tulee aina palvella musiikillista luonnetta, rakennetta, rytmiä, kontrapunktia ja ilmaisua.
13 – Ranskalainen alkusoitto BWV 831 (Französische Ouvertüre / French Overture)
(Erittäin edistynyt)
J. S. Bachin ranskalainen alkusoitto, BWV 831, on yksi hänen vaikuttavimmista ja hienostuneimmista klaveeriteoksistaan. Se yhdistää ranskalaisen alkusoittotyylin loiston monimutkaiseen kontrapunktiin, runsaaseen ornamentointiin, rikkaaseen harmoniaan ja vaativaan klaveerikirjoitukseen. Se merkitsee suurta askelta ranskalaisista sarjoista, englantilaisista sarjoista ja partitoista eteenpäin.
Teos julkaistiin vuonna 1735 Clavier-Übungin toisessa osassa yhdessä italialaisen konserton kanssa, ja siinä ranskalainen ja italialainen musiikkityyli asetetaan tietoisesti rinnakkain. Julkaistu versio on h-mollissa, vaikka myös c-molliversio on säilynyt.
Avaus noudattaa ranskalaisen alkusoiton tunnusomaista mallia: hidas ja juhlallinen jakso, jossa on pisteellisiä rytmejä ja runsasta ornamentointia, jota seuraa nopeampi kontrapunktinen kirjoitus. Pianistin on annettava alulle majesteettisuutta ja retorista painoa tekemättä siitä kuitenkaan jäykkää tai raskasta.
Ornamentointi on tässä erityisen tärkeää. Trillit, mordentit, käännökset, appoggiaturat ja muut koristeet kuuluvat musiikilliseen kieleen. Oppilaan tulee ymmärtää taustalla oleva melodinen rakenne, jotta ornamentit säilyvät luonnollisina ja ilmeikkäinä eivätkä muutu kiireisiksi tai mekaanisiksi.
Seuraava nopea jakso vaatii aivan erilaista lähestymistapaa. Rytminen energia ja kontrapunktinen selkeys korvaavat alun seremoniallisen luonteen. Pianistin täytyy muuttaa kosketusta ja artikulaatiota vakuuttavasti samalla kun suuremman rakenteen jatkuvuus säilyy.
Teos jatkuu sitten vastakkaisten tanssien kautta, joihin kuuluvat Courante, Gavotte, Passepied, Sarabande, Bourrée ja Gigue. Jokainen vaatii oman rytmisen identiteettinsä ja ilmaisullisen luonteensa.
Sarabande on erityisen arvokas edistyneelle oppilaalle, sillä hidas tempo paljastaa jokaisen fraseerauksen, harmonian, artikulaation, ornamentoinnin ja soinnin yksityiskohdan. Pianistin on luotava intensiteettiä harmonisen suunnan, ajoituksen, tasapainon ja hallitun resonanssin avulla sen sijaan, että hän vain lisäisi voimakkuutta.
Päättävä Gigue tarjoaa vastakkaisen teknisen haasteen. Sen nopeus ja kontrapunktinen tekstuuri vaativat ketteryyttä, rytmistä tarkkuutta, kestävyyttä ja huolellista äänien hallintaa. Selkeyden tulisi olla tärkeämpää kuin pelkän tempon tavoittelu.
Teos on myös erinomainen suuren mittakaavan muodon tutkimus. Oppilaan on ylläpidettävä musiikillista kokonaisajatusta pitkän vastakkaisten osien sarjan läpi. Sävellajisuhteiden, kadenssien, toistuvien eleiden ja tekstuurin muutosten tutkiminen voi vahvistaa sekä muistamista että tulkintaa.
Äänien tasapaino on olennaista koko teoksessa. Tärkeä teema voi esiintyä sisä-äänessä tai bassossa eikä ylimmässä linjassa. Pianistin on siksi säädettävä tasapainoa jatkuvasti sen sijaan, että hän antaisi ylä-äänelle automaattisesti hallitsevan aseman.
Bach kirjoitti teoksen kaksimanuaaliselle cembalolle, joten modernin pianistin on ratkaistava, miten rekisterin ja tekstuurin vaihtelut voidaan toteuttaa ilman toista koskettimistoa. Dynamiikka, artikulaatio, äänien tasapaino, rekisteri ja valikoiva pedaalinkäyttö voivat tarjota vakuuttavia moderneja ratkaisuja.
Pedaalia tulee käyttää huolellisesti. Liiallinen resonanssi voi sumentaa nopean kontrapunktin ja heikentää tanssien rytmistä identiteettiä. Sormien hallinnan ja selkeän artikulaation tulee säilyä perustana.
Myös tempo vaatii harkintaa. Hitaiden ja nopeiden jaksojen kontrasti on olennainen, mutta yksittäiset osat tarvitsevat riittävästi joustavuutta ornamentoinnin ja retoriikan huomioimiseksi ilman, että niiden peruspulssi katoaa.
Opettajalle ranskalainen alkusoitto tarjoaa edistyneen synteesin tanssirytmistä, ornamentoinnista, kontrapunktista, äänien tasapainosta, harmoniasta, artikulaatiosta ja muodollisesta rakenteesta. Yksittäisiä osia voidaan opiskella ennen koko teosta oppilaan tason mukaan.
Vahva tausta Hyvin temperoidun klaveerin valikoiduissa preludeissa ja fuugissa, englantilaisten sarjojen laajemmissa osissa ja useissa partitojen osissa on erittäin hyödyllinen ennen koko teoksen aloittamista.
Ranskalainen alkusoitto voidaan asianmukaisesti luokitella erittäin edistyneeksi repertuaariksi. Sen suurin oppi on, että suuruus syntyy hallinnasta eikä voimasta: rytminen paino, artikulaatio, harmonia, ornamentointi ja mittasuhteet luovat sen juhlallisen luonteen.
Osana Clavier-Übungia teos tarjoaa myös kiehtovan vertailukohdan italialaiselle konsertolle. Yhdessä nämä kaksi teosta osoittavat, miten Bach omaksui erilaisia eurooppalaisia tyylejä ja muutti ne hyvin yksilölliseksi klaveerimusiikiksi.
14 – Kromaattinen fantasia ja fuuga BWV 903 (Chromatische Fantasie und Fuge / Chromatic Fantasia and Fugue)
(Erittäin edistynyt / konserttitaso)
J. S. Bachin kromaattinen fantasia ja fuuga d-mollissa, BWV 903, on yksi klaveerirepertuaarin dramaattisimmista teoksista. Se yhdistää poikkeuksellisen vapaan ja ilmeikkään kromaattisen fantasian tiukasti järjestettyyn fuugaan. Improvisatorisen vapauden ja kontrapunktisen järjestyksen vastakohta on teoksen luonteen ytimessä.
Sävellyksen tarkka ajankohta on epävarma, ja Bach näyttää muokanneen teosta elämänsä aikana. Sen vapaa tyyli liittyy klaveerifantasiaperinteeseen ja erottaa sen hyvin järjestelmällisemmistä kokoelmista.
Fantasia tutkii kromaattista harmoniaa, arpeggioita, nopeita asteikkoja, ilmaisullisia eleitä, taukoja ja resitatiivinomaisia jaksoja. Vaikka se voi kuulostaa spontaanilta, se ei ole satunnainen. Sen harmoninen eteneminen ja retoriset eleet muodostavat huolellisesti muotoillun musiikillisen argumentin.
Oppilaalle kromaattinen kieli tarjoaa tärkeän opetuksen harmonisesta ilmaisusta. Puolisävelaskelten liike, dissonanssi ja viivästynyt purkautuminen luovat voimakasta jännitettä. Basson ja harmonisten kiintopisteiden ymmärtäminen voi tehdä musiikin kuulemisesta ja muistamisesta paljon helpompaa.
Vapaat jaksot vaativat myös retorista fraseerausta. Niiden tulee kuulostaa musiikilliselta puheelta, jossa on eleitä, kysymyksiä, taukoja ja painotuksia. Vapauden tulisi syntyä harmoniasta ja musiikillisesta eleestä eikä mielivaltaisista temponvaihdoksista.
Nopeat asteikot ja arpeggiot vaativat huomattavaa hallintaa, mutta niitä ei pitäisi koskaan kohdella vain virtuoosisina näytöksinä. Niiden tehtävänä on yleensä voimistaa harmoniaa, yhdistää eleitä tai luoda dramaattista liikevoimaa.
Fuuga luo aivan toisenlaisen maailman. Pianistin on siirryttävä vapaudesta kuriin, seurattava teemaa peräkkäisissä äänissä ja säilytettävä selkeys monimutkaisessa kontrapunktisessa tekstuurissa.
Äänien tasapaino on välttämätöntä. Teeman tulisi kuulua sen tullessa esiin, mutta sitä ei pidä aina korostaa voimakkuudella. Artikulaatio, sointi, ajoitus ja hienovarainen painotus voivat tehdä teemasta selkeän tuhoamatta äänten välistä tasapainoa.
Sisä-äänet vaativat modernilla pianolla erityistä huolellisuutta. Yksittäisten äänten harjoittelu erikseen voi auttaa oppilasta kuulemaan, miten kukin linja osallistuu kokonaisuuteen. Lopullinen tavoite on kuitenkin havaita äänet yhtenä musiikillisena keskusteluna.
Rytminen vakaus on erityisen tärkeää fuugassa. Toisin kuin vapaammassa fantasiassa, sen rakenne perustuu varmaan pulssiin. Pianistin tulisi harjoitella riittävän hitaasti kuullakseen jokaisen sisääntulon selvästi ja rakentaa sitten vähitellen tempo, joka säilyttää kontrapunktisen selkeyden.
Myös pedaalin käytön tulee olla hillittyä. Pedaali voi tukea resonanssia fantasiassa, mutta liiallinen sointi voi sumentaa sekä kromaattiset harmoniat että fuugan itsenäiset äänet. Sormien artikulaation tulee säilyä perustana.
Muistaminen hyötyy musiikin käsitteellisestä ymmärtämisestä. Fantasiassa harmoniset kiintopisteet ja retoriset jaksot muodostavat mielen kartan; fuugassa teema ja sen sisääntulot muodostavat rakenteelliset maamerkit. Tämä on paljon varmempaa kuin pelkkään sormimuistiin tukeutuminen.
Teos tulisi oppia asteittain siten, että fantasia jaetaan harmonisten ja retoristen eleidensä mukaan ja fuuga teeman sisääntulojen, episodien ja suurempien rakenteellisten jaksojen mukaan.
Opettajalle kahden osan välinen kontrasti tekee teoksesta poikkeuksellisen tutkimuksen kahdesta toisiaan täydentävästä musiikillisen osaamisen muodosta. Fantasia opettaa vapautta, retoriikkaa, kromaattista ilmaisua ja ajoitusta; fuuga opettaa kuria, imitaatiota, tasapainoa, artikulaatiota ja kontrapunktista järjestystä.
Teokseen on parasta siirtyä vasta, kun oppilaalla on huomattava kokemus kaksiosaisista inventioista, Sinfonioista, valikoiduista ranskalaisista ja englantilaisista sarjoista sekä useista Hyvin temperoidun klaveerin preludeista ja fuugista. Nämä tarjoavat perustan sen edistyneille kontrapunktisille vaatimuksille.
Se valmistaa myös pianistiä Goldberg-muunnelmiin ja Fuugan taitoon sekä syventää oppilaan ymmärrystä Hyvin temperoidun klaveerin monimutkaisimmista fuugista.
Kromaattinen fantasia ja fuuga voidaan asianmukaisesti luokitella erittäin edistyneeksi / konserttitason ohjelmistoksi. Sen vaikeus ei piile ainoastaan sormitekniikassa, vaan myös siinä musiikillisessa kypsyydessä, jota ilmaisullisen vapauden, harmonisen jännitteen ja tiukan kontrapunktin yhdistäminen vaatii.
Lopulta BWV 903 osoittaa Bachs kyvyn yhdistää emotionaalinen intensiteetti rakenteelliseen hallintaan. Edistyneelle pianistille se ei ole vain vaikea kappale vaan koulutus retoriikassa, harmoniassa, kontrapunktissa, äänien tasapainossa, rytmissä ja musiikillisessa vapaudessa.
15 – Goldberg-muunnelmat BWV 988 (Goldberg-Variationen / Goldberg Variations)
(Erittäin edistynyt / konserttitaso)
J. S. Bachin Goldberg-muunnelmat, BWV 988, kuuluvat klaveerimusiikin korkeimpiin mestariteoksiin. Teos julkaistiin vuonna 1741 Clavier-Übungin neljäntenä ja viimeisenä osana ja koostuu Ariasta, kolmestakymmenestä muunnelmasta ja Arian paluusta. Bachs alkuperäinen nimi täsmentää kaksimanuaalisen cembalon, mikä kuvastaa teoksen huomattavaa teknistä ja musiikillista rakennetta.
Piano-opiskelijalle Goldberg-muunnelmat edustavat yhtä Bach-opiskelun korkeimmista vaiheista. Ne yhdistävät kontrapunktisen kuuntelun, äänien tasapainon, artikulaation, ornamentoinnin, rytmisen täsmällisyyden, klaveeritekniikan, harmonian, rakenteellisen analyysin, muistin, keskittymisen ja tulkinnan monumentaalisessa mittakaavassa.
Avaava Aria on 32-tahtinen sarabandea muistuttava kappale G-duurissa. Kolmekymmentä muunnelmaa perustuvat ensisijaisesti sen taustalla olevaan basso- ja harmoniseen rakenteeseen eivätkä pelkästään sen melodian koristeluun. Näin Bach luo valtavan vaihtelun yhdestä yhteisestä perustasta.
Tämän periaatteen ymmärtäminen on olennaista. Muunnelmat muuttuvat tansseiksi, kanoneiksi, virtuoosisiksi osiksi, ilmaisuvoimaisiksi kappaleiksi ja kontrapunktisiksi rakennelmiksi, mutta ne pysyvät yhteydessä toisiinsa yhteisen harmonisen kehyksensä kautta. Arian paluu lopussa täydentää suuren musiikillisen kaaren.
Joka kolmas muunnelma, alkaen muunnelmasta 3 ja jatkuen muunnelmaan 27 asti, on kanoni. Näiden kanonisten osien väliin Bach sijoittaa hämmästyttävän joukon erilaisia muotoja ja luonteita. Laaja kokonaisjärjestys edellyttää pianistilta kykyä ajatella yksittäisiä kappaleita pidemmälle ja tarkastella jokaisen muunnelman roolia koko syklissä.
Tämä tekee kontrastista ja mittasuhteista keskeisiä tulkinnallisia haasteita. Loistokkaan muunnelman ei pitäisi kuulostaa hitaalta lyyriseltä muunnelmalta, eikä tiiviin kontrapunktisen osan pitäisi olla samassa luonteessa kuin kevyt tanssi. Jokaisen muunnelman on oltava yksilöllinen ja samalla palveltava kokonaisuuden yhtenäisyyttä.
Kanonit jatkavat kaksiosaisten inventioiden ja Sinfonioiden aloittamaa kontrapunktista koulutusta, mutta paljon korkeammalla tasolla. Pianistin on säilytettävä kahden äänen itsenäisyys ja tehtävä niiden imitaatio selkeäksi ja ilmeikkääksi.
Äänien tasapaino on yksi koko syklin suurimmista haasteista. Tärkeää materiaalia voi esiintyä sisä-äänessä tai bassossa eikä ylälinjassa. Modernilla pianolla useat kerrokset voivat helposti sulautua toisiinsa, joten pianistin on jatkuvasti säädettävä tasapainoa, kosketusta ja artikulaatiota.
Tekniset vaatimukset vaihtelevat valtavasti. Jotkin muunnelmat sisältävät asteikkoja, arpeggioita, toistuvia kuvioita, hyppyjä, ornamentteja tai käsien ristimistä; toiset ovat haastavia ennen kaikkea hienovaraisen äänien tasapainon ja ilmaisullisten vaatimusten vuoksi. Tekninen täsmällisyys yksin ei riitä: jokaisella kuviolla tulee olla rytminen luonne ja harmoninen suunta.
Rytminen hallinta on yhtä tärkeää. Muunnelmilla on hyvin erilaiset rytmiset persoonallisuudet, mutta jokaisen tulee säilyttää varma peruspulssi. Hieno ilmaisullinen joustavuus voi olla sopivaa, mutta epävakaa tempo voi vahingoittaa suurempaa rakennetta.
Ornamentointi on toinen tärkeä tutkimusalue. Trillit, mordentit, käännökset, korusävelet ja muut kuviot kuuluvat Bachs musiikilliseen kieleen. Oppilaan tulisi ymmärtää niiden yhteys harmoniaan ja fraasiin sen sijaan, että niitä käsiteltäisiin irrallisina teknisinä koristeina.
Avaava Aria osoittaa, miksi hidas musiikki voi olla yhtä vaikeaa kuin virtuoosinen kirjoitus. Sen suhteellinen yksinkertaisuus paljastaa fraseerauksen, soinnin, tasapainon, ajoituksen ja harmonisen ymmärryksen. Pianisti ei voi turvautua tekniseen loistoon heikkouksien peittämiseksi.
Bachs maininta kaksimanuaalisesta cembalosta on myös tärkeä. Jotkin jaksot hyödyntävät kahden koskettimiston fyysisiä mahdollisuuksia, erityisesti käsien ristimisessä ja tekstuurien kontrastissa. Modernilla pianolla nämä vaikutukset on ajateltava uudelleen kosketuksen, äänien tasapainon, dynamiikan ja resonanssin kautta.
Pedaalia tulee siksi käyttää varoen. Modernin pianon pitkä sointi voi helposti sumentaa kontrapunktiset tekstuurit. Sormien artikulaation ja sävelten keston hallinnan tulee olla ensisijaisia keinoja ylläpitää selkeyttä.
Muistamista tukee parhaiten useiden ymmärtämisen muotojen yhdistelmä: visuaalisen, fyysisen, harmonisen, rakenteellisen ja auditiivisen. Toistuvan basson ja harmonisen perustan tunnistaminen antaa pianistille käsitteellisen kartan koko syklistä.
Goldberg-muunnelmia tulisi pitää pitkäaikaisena projektina. Yksittäisiä muunnelmia voidaan opiskella itsenäisesti ennen koko syklin aloittamista, eikä numerointia pidä tulkita yksinkertaiseksi vaikeusjärjestykseksi.
Muunnelma 30 on Quodlibet, jossa käytetään saksalaisten suosittujen laulujen melodioita humoristisella ja odottamattomalla tavalla. Arian paluu tämän jälkeen luo poikkeuksellisen täydellisyyden tunteen.
Piano-opiskelijalle sykli tarjoaa erinomaisen oppitunnin suuren mittakaavan musiikillisesta tarinankerronnasta. Toisto, kontrasti, muuntelu ja paluu voivat luoda voimakkaan matkan tunteen ilman perinteistä juonellista kertomusta.
Opettajan on parasta lähestyä teosta asteittain. Eri muunnelmia voidaan valita kehittämään tiettyjä taitoja: nopeaa juoksutusta, äänien tasapainoa, kontrapunktia, ornamentointia tai lyyrisen fraseerauksen hallintaa. Oppilaan tulisi aina ymmärtää, miten kukin tekninen ongelma palvelee suurempaa musiikillista kokonaisajatusta.
Goldberg-muunnelmat tarjoavat myös syvällisen oppitunnin muunnelmatekniikassa. Bach osoittaa, miten yhteinen harmoninen rakenne voi synnyttää valtavan moninaisuuden rytmissä, melodiassa, tekstuurissa ja luonteessa.
Progressiivisessa Bach-opetuksessa ne kokoavat yhteen monia taitoja, joita on hankittu Vihkosta Anna Magdalena Bachille, Pienistä preludista, kaksiosaisista inventioista, Sinfonioista, sarjoista ja Hyvin temperoidusta klaveerista. Niitä voidaan opiskella partitojen ja ranskalaisen alkusoiton rinnalla osana Bachin klaveerirepertuaarin korkeinta tasoa.
Goldberg-muunnelmat voidaan asianmukaisesti luokitella erittäin edistyneeksi / konserttitason ohjelmistoksi. Yksittäisten muunnelmien vaikeus vaihtelee huomattavasti, mutta koko syklin esittäminen edellyttää poikkeuksellista teknistä varmuutta, keskittymistä, kontrapunktista hallintaa, tyylillistä ymmärrystä ja musiikillista kypsyyttä.
Lopulta BWV 988 opettaa, että poikkeuksellinen moninaisuus voi syntyä poikkeuksellisesta ykseydestä. Bach muuttaa yhden harmonisen perustan kolmeksikymmeneksi erilaiseksi musiikilliseksi maailmaksi ja palaa sitten alkuun. Edistyneelle pianistille teoksen opiskelu on oppitunti tekniikassa, kuuntelussa, rakenteessa ja musiikillisessa ajattelussa.
16 – Fuugan taito BWV 1080 (Die Kunst der Fuge / The Art of Fugue)
(Erittäin edistynyt / erikoisohjelmisto)
J. S. Bachin Fuugan taito, BWV 1080, on yksi kontrapunktisen musiikin suurimmista monumenteista. Se edustaa Bachs koko elämän kestäneen fuugan, kanonin, imitaation ja musiikillisen muuntelun tutkimuksen huipentumaa. Sen sijaan että se olisi ensisijaisesti tavanomaisten klaveerikappaleiden kokoelma, se on syvällinen tutkimus siitä, mitä yhdestä keskeisestä musiikillisesta teemasta voidaan luoda.
Teos sävellettiin ja sitä muokattiin Bachs elämän viimeisen vuosikymmenen aikana, ja se julkaistiin hänen kuolemansa jälkeen vuonna 1751. Bach ei määritellyt sille soitinta, ja säilyneet lähteet esittävät musiikin pääosin partituurimuodossa. Tämä on johtanut jatkuvaan keskusteluun siitä, mikä esitysväline oli tarkoitettu, vaikka modernit esitykset cembalolla ja pianolla ovat vakiintuneita.
Teos tutkii pääteemaa lukuisten kontrapunktisten tekniikoiden avulla. Julkaistu sykli sisältää suuren joukon Contrapuncti-osia ja neljä kanonia, kun taas säilynyt käsikirjoitus ja postuumisti julkaistu laitos eroavat toisistaan järjestyksen ja sisällön suhteen.
Piano-opiskelijalle keskeinen käsite on kontrapunkti: itsenäisten melodisten linjojen tulee säilyä yksittäin merkityksellisinä samalla kun ne muodostavat johdonmukaisen kokonaisuuden. Yhden äänen esittelemä teema voi saada vastauksen toiselta, muuttua käännöksen, augmentaation, diminution, streton tai kanonisen imitaation kautta ja yhdistyä muuhun materiaaliin.
Tämä vaatii poikkeuksellisen korkeatasoista polyfonista kuuntelua. Useita ääniä on aktiivisena samanaikaisesti, ja tärkeä teema voi esiintyä sisä-äänessä eikä sopraanossa. Pianistin on siksi hallittava äänten keskinäinen hierarkia samalla kun niiden itsenäisyys säilyy.
Äänien tasapaino on yksi suurimmista haasteista. Kaikkien sävelten soittaminen samalla painolla voi tehdä musiikista erottumattoman virran. Eri äänet tarvitsevat eriasteista esiin nostamista ja erilaisia artikulaatiotapoja, kun taas modernin pianon pitkä sointi voi helposti sulauttaa ne yhteen.
Teos on myös poikkeuksellinen kurssi kontrapunktisesta muuntelusta. Käännös vaihtaa melodian suunnan, augmentaatio pidentää nuottiarvoja, diminutio tiivistää niitä ja stretto sijoittaa teeman sisääntulot lähelle toisiaan. Nämä eivät ole vain teoreettisia menetelmiä; Bach muuttaa ne kuultaviksi musiikillisiksi suhteiksi.
Opettajalle Fuugan taito tarjoaa ihanteellisen yhteyden analyysin ja esittämisen välillä. Oppilas voi merkitä partituuriin teeman sisääntulot, käännökset, episodit, kadenssit ja muunnelmat ja kuunnella niitä sitten koskettimistolla. Tämä vahvistaa sekä ymmärrystä että muistia.
Kanonit tarjoavat tiiviitä tutkimuksia imitaatiosta, tasapainosta ja äänijohdosta. Yksittäiset kanonit voivat olla hyödyllistä ohjelmistoa silloinkin, kun oppilas ei ole vielä valmis koko syklin opiskeluun.
Rytminen vakaus on edelleen perustavanlaatuista. Monimutkainen kontrapunkti vaatii varmaa sisäistä pulssia, mutta musiikin ei pitäisi kuulostaa mekaanisen metronomiselta. Fraseerauksen, artikulaation, harmonisen jännitteen ja kontrapunktisen painotuksen tulee luoda siihen rytmistä elämää.
Moderni piano tarjoaa sekä haasteita että mahdollisuuksia. Koska teoksen instrumentaatio on epävarma, pianistiä ei sido yhden ainoan määrätyn sointimaailman jäljittely. Sen sijaan äänijohdon selkeys ja musiikillisen rakenteen uskollinen toteuttaminen tulisi asettaa tulkinnan perustaksi.
Pedaalia tulisi yleensä käyttää erittäin säästeliäästi. Liiallinen resonanssi voi peittää juuri ne suhteet, jotka tekevät teoksesta kiehtovan. Sormien artikulaation, tasapainon ja sävelten keston hallinnan tulee tulla ensin.
Muistamisen ei pitäisi myöskään perustua pelkkään sormimuistiin. Visuaalisen, fyysisen, harmonisen, rakenteellisen ja auditiivisen muistin tulee toimia yhdessä. Pääteeman oppiminen sen eri muodoissa antaa pianistille erityisen hyödyllisen henkisen kehyksen.
Teosta tulisi lähestyä pitkän aikavälin opiskeluna. Yksittäiset Contrapuncti-osat voidaan oppia perusteellisesti ilman, että koko sykliä yritetään heti, eivätkä kappaleet muodosta yksinkertaista helposta vaikeaan etenevää järjestystä.
Fuugan taito vaatii myös poikkeuksellista älyllistä keskittymistä. Pianistin on seurattava useita ääniä, ymmärrettävä niiden muunnoksia ja säilytettävä tietoisuus suuremmasta arkkitehtuurista. Tämä tekee teoksesta perustavanlaatuisesti erilaisen kuin teoksen, jonka päähaaste olisi nopeus tai fyysinen virtuoosisuus.
Erityisen tunnettu piirre on keskeneräinen viimeinen fuuga, joka tunnetaan yleensä nimellä Contrapunctus XIV. Bachs säilyneessä käsikirjoituksessa fuuga katkeaa sen jälkeen, kun teema, joka muodostaa sävelet B-A-C-H, on esitelty. Carl Philipp Emanuel Bach lisäsi merkinnän, jonka mukaan hänen isänsä kuoli työskennellessään fuugan parissa. Tarkka kronologia ja lähdehistoria ovat kuitenkin monimutkaisempia kuin tuttu kertomus antaa ymmärtää, eikä myöhempiä täydennyksiä pidä sekoittaa Bachs säilyneeseen musiikkiin.
Oppilaalle tämä tarjoaa mahdollisuuden oppia, että musiikkihistoria sisältää joskus ratkaisemattomia kysymyksiä. Eri laitokset voivat tehdä erilaisia toimituksellisia ratkaisuja järjestyksen, instrumentaation, versioiden ja täydennysten suhteen. Vakavasti opiskeleva pianisti oppii erottamaan Bachs säilyneen notaatin myöhemmistä lisäyksistä.
Fuugan taidon näennäinen älyllinen monimutkaisuus muuttuu yhä ymmärrettävämmäksi, kun kuuntelija oppii tunnistamaan teeman, sen vastaukset, käännökset ja kanoniset suhteet. Teoksen monimutkaisuus ei ole itsetarkoitus: kontrapunkti synnyttää liikettä, jännitettä, tasapainoa, yllätyksiä ja kauneutta.
Progressiivisessa Bach-opetuksessa Fuugan taito kuuluu loppuvaiheeseen tai aivan sen tuntumaan. Se seuraa luontevasti kaksiosaisia inventioita, Sinfonioita, sarjoja ja Hyvin temperoitua klaveeria. Goldberg-muunnelmia voidaan opiskella sen rinnalla toisena huipentumana, jossa tutkitaan ykseyttä ja muuntelua.
Nämä kaksi teosta eroavat merkittävästi toisistaan: Goldberg-muunnelmat luovat valtavan moninaisuuden yhteisestä harmonisesta perustasta, kun taas Fuugan taito keskittyy kontrapunktisen teeman sisältämiin mahdollisuuksiin. Yhdessä ne osoittavat kaksi poikkeuksellista puolta Bachs sävellysmielikuvituksesta.
Piano-opiskelijalle Fuugan taito ei ole vain edistyneen tekniikan koe. Se on koe kyvystä kuunnella, analysoida, muistaa ja ajatella musiikillisesti samalla kun soittaa. Opettajalle se tarjoaa vertaansa vailla olevan välineen itsenäisten äänten, äänien tasapainon, artikulaation, rytmin, rakenteen ja kontrapunktisen ymmärryksen kehittämiseen.
Fuugan taito voidaan asianmukaisesti luokitella erittäin edistyneeksi / erikoisohjelmistoksi. Sen todellinen vaikeus ei ole ainoastaan teknisessä hallinnassa vaan useiden itsenäisten musiikillisten linjojen ylläpitämisessä ja niiden välisten suhteiden ymmärtämisessä laajan syklin ajan.
Lopulta BWV 1080 osoittaa, miten hyvin rajatusta musiikillisesta lähtökohdasta voi syntyä poikkeuksellista moninaisuutta. Yhdestä ainoasta teemasta lähtien Bach tutkii hämmästyttävää määrää kontrapunktisia muunnoksia ja kanoneja. Edistyneelle pianistille se edustaa Bach-opiskelun huippua ei siksi, että se olisi yksinkertaisesti vaikein, vaan siksi, että se edellyttää tekniikan, kuulemisen, älyn, rakenteen ja musiikillisen ilmaisun toimivan yhdessä korkeimmalla tasolla.
(Tämän artikkelin kirjoittamisessa on avustanut ja osallistunut Gemini ja ChatGPT. Se on ainoastaan viitedokumentti sellaisen musiikin löytämiseen, jota et vielä tunne. Artikkelin sisällön täydellistä oikeellisuutta ei taata. Tarkista tiedot luotettavista lähteistä.)