1 – Notebok for Anna Magdalena Bach (Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach / Notebook for Anna Magdalena Bach)
(Sen begynner til tidlig mellomnivå)
Noteboken for Anna Magdalena Bach er en av de mest tilgjengelige introduksjonene til Johann Sebastian Bachs klavermusikk. De korte og varierte stykkene er som regel overkommelige, samtidig som de introduserer viktige barokke ferdigheter. For elever som har lært grunnleggende skalaer, akkorder, artikulasjon og koordinering av begge hender, gir utvalgte stykker en naturlig første erfaring med Bachs stil.
Navnet viser vanligvis til den andre noteboken, som ble satt sammen i 1725 for Bachs andre kone, Anna Magdalena Bach. En tidligere notebok stammer fra 1722. Samlingen fra 1725 inneholder klaver- og vokalverk, og ikke alle stykkene ble skrevet av Johann Sebastian Bach; noen er skrevet av andre komponister eller har usikker opphavsmann. Likevel har de velkjente menuettene og andre stykkene blitt en del av det faste introduksjonsrepertoaret.
Notebokas største tiltrekning er dens enkelhet uten overflatiskhet. En kort Menuett (Menuett / Minuet) eller Polonaise (Polonaise / Polonaise) kan se lett ut, men god fremføring krever nøye oppmerksomhet på rytme, frasering, artikulasjon, balanse og musikalsk karakter. Disse ferdighetene blir senere avgjørende i To-stemmige invensjoner (Zweistimmige Inventionen / Two-Part Inventions), Sinfonier (Sinfonien / Sinfonias), suiter og Det veltempererte klaver, bok I (Das wohltemperierte Clavier, Teil I / The Well-Tempered Clavier, Book I).
Dansene introduserer også barokk stil gjennom rytme og artikulasjon snarere enn gjennom romantisk dynamikk og pedalbruk. Menuetter, poloneser, marsjer og gavotter oppmuntrer eleven til å kjenne den underliggende pulsen og skille mellom ulike musikalske karakterer.
Lærere kan velge stykker etter elevens behov i stedet for å følge en fast rekkefølge. Ett stykke kan utvikle artikulasjon, et annet balansert stemmeføring og et tredje ornamentikk eller danserytme. Elevene bør lære å frembringe en klar og kontrollert klang uten å være sterkt avhengige av sustainpedalen, og lytte nøye til hver melodiske linje.
Noteboken gir en gradvis overgang til mer omfattende Bach-repertoar. Etter utvalgte stykker kan eleven naturlig gå videre til Små preludier (Kleine Präludien / Little Preludes) og To-stemmige invensjoner (Zweistimmige Inventionen / Two-Part Inventions), og senere til Sinfonier (Sinfonien / Sinfonias), Franske suiter (Französische Suiten / French Suites) og Det veltempererte klaver, bok I (Das wohltemperierte Clavier, Teil I / The Well-Tempered Clavier, Book I).
Noteboken for Anna Magdalena Bach bør derfor ikke bare betraktes som en samling enkle barnestykker. Den er en inngang til Bachs musikalske språk og lærer eleven ren artikulasjon, stødig rytme, selvstendighet mellom hendene, frasering og oppmerksom lytting, samtidig som den tilbyr attraktivt repertoar i seg selv.
2 – Små preludier BWV 924–943 (Kleine Präludien / Little Preludes)
(Tidlig mellomnivå)
De små preludiene BWV 924–943 er blant de mest nyttige stykkene for pianister som beveger seg fra elementært repertoar mot Bachs mer krevende klavermusikk. De er korte og konsentrerte og gjør det mulig for eleven å utvikle rytme, artikulasjon, frasering, koordinasjon og musikalsk forståelse uten umiddelbart å møte kravene i To-stemmige invensjoner eller Det veltempererte klaver.
Betegnelsen omfatter flere beslektede grupper snarere enn én samling som Bach samlet i nøyaktig denne formen: BWV 924–932, BWV 933–938 og BWV 939–943. Moderne utgaver kombinerer dem ofte av pedagogiske grunner, og de enkelte stykkene varierer betydelig i vanskelighetsgrad.
For elever gir De små preludiene en utmerket introduksjon til Bachs klaverspråk. Elevene lærer å opprettholde en stødig puls, forme fraser, kontrollere artikulasjonen og utvikle selvstendighet mellom hendene. Fordi stykkene er korte, kan musikalske ideer studeres i detalj uten å bli overveldende.
Artikulasjonen er særlig viktig. Elevene bør unngå automatisk å spille Bach med kontinuerlig romantisk legato og rikelig pedal. Klare tonelengder, lett artikulasjon, rytmisk presisjon og nøye balanse gjør at den musikalske karakteren kommer mer naturlig frem. Disse vanene forbereder eleven direkte på de kontrapunktiske kravene i To-stemmige invensjoner.
Stykkene er også verdifulle for studiet av musikalsk struktur. Lærere kan peke på gjentatte figurer, sekvenser, kadanser, imiterende avsnitt og harmoniske endringer. Slike observasjoner hjelper eleven med å gå videre fra bare å lese noter til å forstå hvordan Bach organiserer musikalske ideer.
Stykkene trenger ikke studeres i nummerrekkefølge. BWV-numrene er katalognumre og ikke en gradert undervisningsrekkefølge. Noen er egnet relativt tidlig, mens andre krever større kontroll og selvstendighet. Lærere kan derfor velge enkelte preludier ut fra elevens ferdigheter og den bestemte egenskapen som skal utvikles.
Det finnes også en viss historisk usikkerhet omkring attribusjonen og overleveringen av hele gruppen. Særlig gir de tidlige kildene til BWV 939–943 ikke like sikre beviser for opphavsmann. Likevel er disse stykkene fortsatt etablert og nyttig pedagogisk repertoar.
De små preludiene har en viktig plass mellom innføringsrepertoar av Bach og To-stemmige invensjoner. De gjør Bach tilgjengelig uten å gjøre ham banal og lærer eleven at godt spill avhenger av nøye lytting, tydelig rytme, kontrollert artikulasjon og forståelse av musikalsk struktur.
3 – To-stemmige invensjoner BWV 772–786 (Zweistimmige Inventionen / Two-Part Inventions)
(Mellomnivå)
J. S. Bachs To-stemmige invensjoner BWV 772–786 er blant de viktigste verkene for den pianisten som er under utvikling. De femten stykkene er korte og teknisk overkommelige for mange elever på mellomnivå, men introduserer samtidig en grad av musikalsk selvstendighet som forbereder pianisten på store deler av Bachs avanserte klavierrepertoar.
Hver invensjon utvikler en kort musikalsk idé som introduseres, imiteres, forvandles og føres mellom de to hendene. Ingen av hendene fungerer bare som akkompagnement. Begge inneholder viktig musikalsk materiale, og eleven må lære å gjøre de to stemmene selvstendige samtidig som de danner én sammenhengende musikalsk ytring.
Dette er samlingens største pedagogiske verdi. Elever som er vant til melodiføring med akkompagnement, må lære å lytte til to stemmer samtidig, gjenkjenne viktige motiver og hindre at den ene hånden automatisk dominerer den andre. Dette er en grunnleggende innføring i polyfont spill og forbereder veien til Sinfonier, Franske suiter og Det veltempererte klaver.
Artikulasjon og rytmisk presisjon er like viktige. Klar kontroll over tonenes lengde hjelper stemmene med å forbli tydelige, mens en stødig puls gjør det mulig for lytteren å følge utvekslingen av musikalske ideer. Elevene bør lære å skape klarhet først og fremst gjennom anslag, artikulasjon, rytme og balanse snarere enn gjennom overdreven pedalbruk.
Lærere kan bruke hver invensjon til å studere kontrapunkt, frasering, artikulasjon, fingersetting, rytme, balanse og musikalsk form. Elevene kan identifisere åpningsmotivet, følge forekomstene av det og observere hvordan det beveger seg mellom stemmene. Øving av hver stemme separat kan være nyttig, men det endelige målet er å høre de to delene samtidig som én samlet musikalsk samtale.
Invensjonene bør ikke behandles bare som tekniske øvelser. Hver har sin egen karakter, rytmiske energi og uttrykksfulle personlighet. Noen er livlige og lekne, mens andre er grasiøse, lyriske, alvorlige eller ettertenksomme. Eleven bør derfor lære dem som musikk, ikke som demonstrasjoner av fingeruavhengighet.
De femten stykkene er ikke helt ensartede i vanskelighetsgrad. Noen er tilgjengelige mellomnivåverk, mens andre nærmer seg kravene på øvre mellomnivå. Lærere kan velge enkelte invensjoner etter elevens ferdigheter i stedet for å følge BWV-numrene som en streng progresjon.
Bachs autograf fra 1723 beskriver stykkene som materiale for å lære å spille klart i to deler og gå videre mot større mestring av komposisjon og klaverspill. Deres pedagogiske formål er fortsatt tydelig i dag: De lærer eleven ikke bare hvordan man spiller Bach, men hvordan man lytter.
To-stemmige invensjoner er derfor en sentral milepæl i pianoopplæringen. De utvikler kontrapunktisk tenkning, selvstendighet mellom hendene, artikulasjon, rytme, frasering og musikalsk bevissthet, samtidig som de forbereder eleven på de trestemte Sinfoniene og mer avansert polyfont repertoar.
4 – Fire duetter BWV 802–805 (Vier Duette / Four Duets)
(Mellomnivå)
J. S. Bachs Fire duetter, BWV 802–805, er en liten, men verdifull gruppe klaverstykker som gir en mer moden innføring i to-stemmig kontrapunkt. De inngår i tredje bind av Clavier-Übung og er særlig nyttige for elever som allerede har begynt å studere To-stemmige invensjoner.
Hver duett inneholder to selvstendige musikalske linjer. Ingen hånd kan ganske enkelt forbli i bakgrunnen; stemmene imiterer, svarer og utvikler musikalske ideer sammen. Dette gjør samlingen nyttig for elever som beveger seg fra melodisk spill med akkompagnement mot ekte polyfon fremføring.
Den sentrale utfordringen er selvstendighet mellom hendene. Elevene må høre begge stemmene samtidig og forme hver av dem på en passende måte. Stemmeføring og balanse er spesielt viktig fordi høyre hånd ikke automatisk skal være sterkest. Den musikalske betydningen kan flytte seg mellom stemmene, slik at pianisten må fremheve en bestemt idé der den enn opptrer.
Stykkene er også utmerkede for artikulasjon og rytme. Klare tonelengder hjelper med å skille stemmene, mens en stødig puls gjør at kontrasterende rytmiske mønstre forblir sammenhengende. Elevene kan øve hver stemme separat før de kombinerer dem og etter hvert lærer å høre begge som én musikalsk samtale.
For lærere gir Fire duetter kompakt materiale for utvikling av selvstendighet mellom hendene, balanse, artikulasjon, fingersetting, rytmisk kontroll, frasering og harmonisk bevissthet. De gir også mulighet til å observere imitasjon, sekvenser, melodisk utvikling og harmonisk bevegelse i håndterlig format.
Fire duetter må ikke forveksles med de pedagogiske To-stemmige invensjonene. Selv om begge arbeider med to stemmer, tilhører duettene den mer modne Clavier-Übung og kan betraktes som en videre utforskning av to-stemmig sats. De egner seg derfor særlig godt etter at eleven har fått en viss erfaring med Invensjonene.
De klassifiseres best som mellomnivå til øvre mellomnivå. Vanskeligheten ligger mindre i hastighet eller virtuositet enn i evnen til å høre, balansere og koordinere to selvstendige stemmer. De gir en utmerket bro mot Sinfonier, fuger og andre modne kontrapunktiske verk.
5 – Trestemmige invensjoner / Sinfonier BWV 787–801 (Dreistimmige Inventionen / Sinfonien / Three-Part Inventions / Sinfonias)
(Mellomnivå til øvre mellomnivå)
J. S. Bachs Trestemmige invensjoner, vanligvis kjent som Sinfonier, BWV 787–801, er en viktig milepæl i utviklingen av pianistens musikalske og tekniske ferdigheter. De viderefører veien som begynte med To-stemmige invensjoner, men øker utfordringen ved å kreve at utøveren koordinerer og hører tre selvstendige stemmer.
De femten Sinfoniene ble tatt med sammen med To-stemmige invensjoner i Bachs pedagogiske samling fra 1723. Bach ønsket å lære bort tydelig spill i to og tre deler og utvikle større mestring av komposisjon og klaverspill. Likevel er de langt mer enn øvelser: hver er en nøye konstruert musikalsk komposisjon.
Den sentrale utfordringen er selvstendighet i tre stemmer. Mellomstemmene kan lett forsvinne under over- og understemmen, så eleven må lære å lytte til alle tre linjene. Noen ganger må den ene hånden spille to stemmer mens den andre spiller den tredje, noe som krever presis fingersetting, koordinasjon og følsomt anslag.
Dette gjør Sinfoniene til et fremragende kurs i polyfon lytting og stemmeføring. Den viktige musikalske ideen kan forekomme i hvilken som helst stemme, så eleven må lære å skape et skiftende hierarki i stedet for bare å gjøre høyre hånd sterkere. Disse ferdighetene er grunnleggende for Bachs fuger og for polyfon musikk generelt.
Artikulasjon og rytme er fortsatt avgjørende. Ulike stemmer kan bevege seg med forskjellig hastighet, mens motiver kommer inn på forskjellige tidspunkter. En stødig puls og tydelig artikulasjon gjør at de enkelte linjene forblir adskilte. Elevene bør unngå overdreven pedal og utvikle evnen til å forbinde og skille toner først og fremst gjennom fingrene.
Sinfoniene gir også utmerket materiale for studiet av musikalsk arkitektur. Elevene kan identifisere temaer, imiterende innsatser, sekvenser, episoder, kadanser og harmonisk bevegelse. Slik analyse hjelper både memorering og tolkning ved å vise hvordan en liten musikalsk idé kan generere en hel komposisjon.
Lærere kan bruke stykkene diagnostisk så vel som musikalsk. Problemer med en forsvinnende mellomstemme kan tyde på behov for arbeid med balanse og fingerkontroll; ustabile linjer kan kreve øving av enkeltstemmer; mekaniske fremføringer kan trenge større oppmerksomhet på frasering, harmoni og artikulasjon.
De femten stykkene varierer i vanskelighetsgrad og trenger derfor ikke studeres i nummerrekkefølge. Noen passer for sterke elever på mellomnivå, mens andre krever større kontroll av stemmeføring, koordinasjon, ornamentikk og tempo. De musikalske karakterene varierer også betydelig, fra energiske og dansepregede til lyriske, alvorlige og introspektive.
I en progressiv Bach-plan følger Sinfoniene naturlig etter To-stemmige invensjoner. De kan overlappe med enklere satser fra Franske suiter og etter hvert lede mot utvalgte preludier og fuger fra Det veltempererte klaver.
Trestemmige invensjoner / Sinfonier kan passende klassifiseres som mellomnivå til øvre mellomnivå. Deres viktigste lærdom er at større selvstendighet ikke betyr adskillelse: tre stemmer må beholde sine egne identiteter samtidig som de danner én sammenhengende musikalsk struktur.
6 – Franske suiter BWV 812–817 (Französische Suiten / French Suites)
(Mellomnivå til øvre mellomnivå)
J. S. Bachs Franske suiter BWV 812–817 er blant de viktigste samlingene for pianister som beveger seg utover Invensjonene og Sinfoniene. De kombinerer elegante danser med Bachs karakteristiske melodiske, harmoniske og kontrapunktiske skrivemåte og gir eleven anledning til å utvikle musikalsk modenhet gjennom større og mer varierte verk.
De seks suitene ble komponert under Bachs år i Köthen og Leipzig, selv om de nøyaktige datoene er usikre. Navnet «franske» skiller dem fra Engelske suiter, men betyr ikke at de ganske enkelt etterligner fransk musikk. Tittelen ser ut til å ha blitt gitt senere og ikke av Bach selv.
Hver suite sentrerer rundt Allemande (Allemande / Allemande), Courante (Courante / Courante), Sarabande (Sarabande / Sarabande) og Gigue (Gigue / Gigue), med tilleggdanser som menuetter, gavotter, bourréer og anglèser. Hver sats har sin egen rytmiske karakter, noe som gjør suitene til en utmerket innføring i barokk dansestil.
Elevene lærer at disse dansene ikke bare er historiske former. Bach forvandler rytmer og bevegelser til sofistikerte musikalske strukturer. Allemanden utvikler flytende frasering; Couranten krever rytmisk kontroll og koordinasjon; Sarabanden lærer uttrykksfull tilbakeholdenhet og lange fraser; og de raskere dansene krever klarhet og rytmisk energi.
Suitene kombinerer også homofone og kontrapunktiske teksturer. Elever som har studert Invensjonene og Sinfoniene kan anvende sine ferdigheter i lytting og stemmeføring i en større musikalsk sammenheng.
Ornamentikk er et annet viktig studieområde. Triller, mordenter, forslagsnoter og andre ornamenter er en del av det uttrykksfulle språket i barokkmusikken. Elevene bør lære å utføre dem naturlig og rytmisk, i stedet for å behandle dem som rent dekorative tillegg.
For lærere gir Franske suiter en rik pedagogisk ressurs. Ulike satser kan brukes til å arbeide med rytme, frasering, stemmeføring, artikulasjon, ornamentikk, koordinasjon og musikalsk form. Mange satser bruker todelt form med gjentatte deler, noe som gir eleven mulighet til å forstå tonal struktur, modulasjon og motivisk utvikling.
Elevene bør også lære å nærme seg gjentatte deler med fantasi. Subtile forskjeller i artikulasjon, ornamentikk eller frasering kan gi en gjentatt passasje ny karakter uten å endre dens grunnleggende struktur.
Tempo og pedalbruk krever omtanke. En dans bør ikke bare spilles så raskt som mulig, og tempoet må tillate at rytme, artikulasjon og karakter forblir tydelige. Pedal bør generelt brukes sparsomt slik at stemmer, ornamenter og harmoniske endringer forblir klare.
De seks suitene varierer betydelig i vanskelighetsgrad og trenger derfor ikke studeres i nummerrekkefølge. Enkeltsatser varierer fra tilgjengelige verk på mellomnivå til krevende repertoar på øvre mellomnivå. Utvalgte satser kan gi en håndterlig første erfaring med å forberede et større verk i flere satser.
For voksne elever tilbyr suitene seriøst og givende repertoar uten alltid å kreve virtuos teknikk. For yngre elever introduserer utvalgte satser større musikalske strukturer, historiske dansestiler og mer avansert uttrykk.
I en progressiv Bach-plan passer Franske suiter naturlig etter To-stemmige invensjoner og Sinfonier. De kan studeres sammen med utvalgte stykker fra Det veltempererte klaver og etter hvert forberede pianisten på Engelske suiter, Partitaer og andre modne klaververk.
Franske suiter er derfor et viktig mellomnivå til øvre mellomnivå. De lærer eleven å kombinere rytme, dansepreg, artikulasjon, harmoni, ornamentikk og frasestruktur, samtidig som konsentrasjonen som kreves i større verk utvikles.
7 – Det veltempererte klaver, bok I (Das wohltemperierte Clavier, Teil I / The Well-Tempered Clavier, Book I)
(Sent mellomnivå til avansert)
J. S. Bachs Det veltempererte klaver, bok I, BWV 846–869, er en av de viktigste samlingene i klavermusikken. De 24 parene av preludier og fuger dekker alle dur- og molltonearter og forener musikalsk fantasi, kontrapunktisk teknikk, harmonisk utforskning og klaverkunst. For pianoelever representerer samlingen et stort steg mot avansert musikalsk kunnen.
Bach samlet og fullførte i hovedsak bok I i 1722. Tittelsiden presenterer samlingen som materiale for musikalsk ungdom som ønsker å lære, og for dem som allerede er dyktige og vil videre i studiene. Det veltempererte klaver var derfor ikke bare en konsertsamling, men også en omfattende demonstrasjon av klaverspill, kontrapunkt, harmoni og komposisjon.
Hver toneart får et preludium fulgt av en fuge. Preludiene varierer sterkt i karakter og tekstur, mens fugene utvikler et musikalsk tema gjennom flere selvstendige stemmer. Denne kontrasten gir samlingen en bemerkelsesverdig variasjon.
Preludiene utsetter eleven for mange former for klaversats, fra relativt enkle teksturer til raske passasjer, arpeggioer, akkorder og forseggjorte figurasjoner. Fugene gir en mer krevende utfordring og krever at pianisten hører flere linjer samtidig og forstår forholdet mellom dem.
Disse verkene bygger direkte på ferdighetene som utvikles i To-stemmige invensjoner og Sinfonier. I fugene kan imidlertid kontrapunktet bli betydelig mer komplekst, med mer sofistikerte temaer, harmonisk utvikling og stemmeføring.
Stemmeføring er en av de sentrale utfordringene. Den viktige musikalske ideen kan forekomme i hvilken som helst hånd eller i en mellomstemme, så eleven må lære å skape et fleksibelt hierarki i stedet for bare å gjøre høyre hånd dominerende. Klar fingerartikulasjon og nøye kontrollerte tonelengder er generelt viktigere enn kontinuerlig romantisk legato eller tung pedal.
Rytmisk stabilitet er like viktig. En sikker indre puls gjør det mulig for stemmene å bevege seg selvstendig uten å ødelegge den større strukturen. Samlingen gir også en enestående innføring i harmoni, ettersom den systematiske bevegelsen gjennom toneartene utsetter eleven for et bredt spekter av harmoniske forbindelser og klangfarger.
For lærere knytter preludiene og fugene pianospill sammen med musikkteori. Elevene kan identifisere temaer, kontrapunktisk materiale, sekvenser, kadanser, modulasjoner, episoder og temainnsatser. Analyse er mest nyttig når den hjelper eleven med å høre og forme musikken, ikke når den blir en isolert akademisk øvelse.
Fugene er særlig effektive for å lære eleven å følge et musikalsk argument. Å finne hver tematisk innsats i notebildet og lytte etter den under øvingen kan styrke både memorering og tolkning. Hver stemme bør være levende i stedet for å bli en passiv bakgrunn.
Preludiene gir en utfyllende leksjon i stilistisk fleksibilitet. Ett kan kreve flytende legato, et annet tydelig artikulasjon, et tredje kontrollert akkordbalanse og et fjerde svært presis rytme. Samlingen motvirker derfor én rigid forestilling om «Bach-spill».
De 24 parene er ikke ordnet i en enkel vanskelighetsprogresjon. Toneartsrekkefølgen er systematisk, men den tekniske vanskelighetsgraden øker ikke jevnt fra C-dur til h-moll. Enkeltverk bør derfor velges etter elevens ferdigheter i stedet for nødvendigvis å studeres fortløpende.
Utvalgte preludier kan noen ganger nærmes før eleven er klar for de mer krevende fugene. Andre verk kan velges for å utvikle bestemte ferdigheter som stemmeføring, artikulasjon, ornamentikk, harmonisk bevissthet eller formforståelse.
Samlingen forbereder eleven på mye av Bachs modne klavierrepertoar, blant annet Engelske suiter, Partitaer, Fransk ouverture, Italiensk konsert, Kromatisk fantasi og fuge og Goldberg-variasjonene. Dens innflytelse på senere komponister og pianister er også enorm.
For elever ligger dens største verdi i måten den lærer dem å høre melodi, harmoni, rytme, kontrapunkt, artikulasjon og form samtidig. For lærere tilbyr den et langsiktig kurs i avansert musikalsk kunnen snarere enn bare en samling vanskelige eksamensstykker.
Det veltempererte klaver, bok I kan passende klassifiseres som sent mellomnivå til avansert repertoar som helhet, selv om de enkelte preludiene og fugene varierer sterkt. Grundig arbeid med samlingen markerer en avgjørende overgang fra mellomnivå i Bach til avansert klavierrepertoar.
8 – Toccataer BWV 910–916 (Toccaten / Toccatas)
(Sent mellomnivå til avansert)
J. S. Bachs syv klavertoccataer BWV 910–916 har en særstilling i hans klavierrepertoar. De kombinerer briljant passasjespill, uttrykksfulle langsomme avsnitt, imiterende kontrapunkt, fuger og dramatiske skifter i karakter. For pianister representerer de en bevegelse fra de mer systematiske formene i Invensjonene, Sinfoniene og Det veltempererte klaver mot friere og mer virtuost klaverspill.
Ordet toccata stammer fra det italienske toccare, «å berøre», og antyder tradisjonelt briljant og improvisatorisk klaverspill. Bachs toccataer driver denne ideen videre ved å kombinere kontrasterende seksjoner i svært individuelle strukturer. Et verk kan plutselig gå fra en fri passasje til et langsomt uttrykksfullt avsnitt og deretter til en fuge.
Denne friheten gjør Toccataene annerledes enn mye av repertoaret eleven tidligere har møtt. Pianisten må forstå raske skifter i karakter samtidig som han eller hun bevarer en overordnet følelse av struktur. En briljant passasje, et lyrisk avsnitt eller en fuge skal ha sin egen musikalske identitet uten at hele verket virker oppstykket.
Teknisk krever verkene vesentlig mer kontroll enn Bachs pedagogiske stykker. Skalaer, arpeggioer, brutte akkorder, gjentatte toner, ornamenter, store sprang, akkordisk sats og raske figurasjoner forekommer alle. Utfordringen er ikke bare å spille vanskelige toner, men å få dem til å høres rytmisk sikre, tydelig artikulerte og musikalsk meningsfulle ut.
Koordinasjonen er særlig viktig. Hendene kan bevege seg raskt mellom kontrasterende mønstre eller koordinere flere klanglag. Effektiv fingersetting, økonomiske bevegelser og avspenning er avgjørende. Elevene bør unngå unødvendig kraft, særlig i briljante passasjer.
Artikulasjonen forblir grunnleggende. Raske figurasjoner kan lett bli uklare på et moderne piano dersom de spilles med for mye legato eller pedal. Eleven bør først utvikle klarhet gjennom fingrene og bruke sustainpedalen selektivt når resonans eller bestemte klangvirkninger tilsier det.
Kombinasjonen av fri skrivemåte og strengt kontrapunkt gjør Toccataene særlig verdifulle for elever som allerede har studert invensjoner og fuger. Pianisten må kunne gå fra en fri, nesten improvisatorisk stil til disiplinert kontrapunktisk spill uten å miste den musikalske sammenhengen.
De langsomme delene kan være spesielt avslørende. Lange toner, ornamenter, forholdninger og harmoniske endringer gir liten mulighet til å skjule svakheter bak hastighet. De lærer eleven at uttrykksfullt spill avhenger av timing, resonans, frasering og oppmerksom lytting like mye som av teknisk briljans.
Toccataene gir også utmerket materiale for studiet av musikalsk arkitektur. Elevene kan identifisere frie seksjoner, langsomme satser, sekvenser, episoder og fuger og forstå hvordan Bach skaper kontrast gjennom harmoni, rytme, register, tekstur og karakter. Denne strukturelle forståelsen gjør memoreringen sikrere og hindrer at et langt verk blir en rekke uavhengige passasjer.
For lærere er samlingen en mulighet til å utvikle stilistisk fleksibilitet, retorisk frasering, ornamentikk, koordinasjon, artikulasjon og musikalsk tenkning i større skala. Læreren kan først hjelpe eleven med å forstå den overordnede strukturen før detaljert teknisk øving begynner.
De syv verkene er ikke like vanskelige, og BWV-numrene bør ikke behandles som en pedagogisk progresjon. En elev kan være klar for én toccata mens han eller hun fortsatt ikke er forberedt på en annen. Enkelte seksjoner kan også være tilgjengelige før hele verket kan spilles.
Toccataene kan være særlig givende for voksne avanserte elever fordi de viser en friere og mer dramatisk side av Bachs klaversats. De gir også verdifull forberedelse til krevende verk som Engelske suiter, Partitaer, Fransk ouverture, Italiensk konsert og Kromatisk fantasi og fuge.
En av deres største lærdommer er at frihet og disiplin ikke er motsetninger. Bach kan skape musikk som virker spontan og improvisatorisk samtidig som den beholder bemerkelsesverdig harmonisk og kontrapunktisk kontroll. Pianisten må derfor tillate uttrykksfull frihet uten å ofre rytme, struktur eller klarhet.
Toccataene BWV 910–916 kan best betraktes som sent mellomnivå til avansert repertoar som gruppe, selv om de enkelte verkene og seksjonene varierer betydelig. De bør nærmes etter at eleven har utviklet sikker rytme, artikulasjon, selvstendighet mellom hendene og kontroll over flere musikalske lag. Tålmodig studert viser de Bach som en komponist av enestående briljans, frihet, drama, intimitet og uttrykksmessig dybde.
9 – Italiensk konsert BWV 971 (Italienisches Konzert / Italian Concerto)
(Avansert)
J. S. Bachs Italienske konsert i F-dur, BWV 971, er et av hans mest berømte klaververk og en viktig milepæl for avanserte pianoelever. Selv om det ikke finnes noe orkester, skaper Bach inntrykket av en konsert for ett klaver gjennom kontrasterende teksturer, briljant passasjespill, lyriske melodier og skifter mellom solopregede og ensemblespregede satser.
Verket ble utgitt i 1735 som del av andre bind av Clavier-Übung og gjenspeiler Bachs interesse for den italienske konsertstilen som forbindes med komponister som Vivaldi. Det består av tre satser: en rask første sats i F-dur, en langsom Andante (Andante / Andante) i d-moll og en rask Presto (Presto / Presto) i F-dur.
Førstesatsen er bygd rundt kontrasten mellom «solo» og «tutti». Bach antyder disse orkesterkontrastene gjennom tekstur, register, artikulasjon, rytme og dynamisk karakter. På det moderne pianoet må pianisten gjøre disse forskjellene hørbare i stedet for å spille alle avsnitt med samme lydnivå.
Åpningssatsen er også en utmerket studie i rytmisk energi og artikulasjon. Raske skalaer, brutte akkorder, gjentatte mønstre og sprang krever lett, kontrollert teknikk og en sikker puls. Utfordringen er ikke bare å spille raskt, men å få passasjespillet til å høres uanstrengt og musikalsk meningsfullt ut.
Elevene bør også gjenkjenne tilbakevendende materiale og kontrasterende episoder som gir satsen dens storskalastruktur. Å forstå disse forbindelsene gjør både innlæring og memorering sikrere.
Andante gir en slående kontrast. Den intime, syngende karakteren krever nøye kontroll av melodi, akkompagnement, harmoni, timing og klang. Fordi alt beveger seg langsommere, blir svakheter i frasering og balanse spesielt tydelige. Det er en fremragende studie i cantabile-spill og uttrykksfull tilbakeholdenhet.
Den avsluttende Presto vender tilbake til åpningssatsens briljans. Den kontinuerlige bevegelsen krever stor konsentrasjon, smidighet, rytmisk presisjon og utholdenhet. Hastighet bør aldri bli hovedmålet; artikulasjon og rytmisk karakter må forbli tydelige.
Bach skrev verket for et to-manuals cembalo, noe som gjorde det mulig å skape kontraster mellom ulike manualer. Det moderne pianoet har bare ett klaviatur, så pianisten må gjenskape disse virkningene gjennom dynamikk, artikulasjon, stemmeføring, register og anslag. Målet er ikke mekanisk å etterligne cembaloet, men å bevare de musikalske kontrastene som ligger i Bachs sats.
Pedal bør brukes selektivt. Fingerartikulasjon og kontroll over de enkelte stemmene er viktigere enn langvarig resonans. Ornamentikken bør på samme måte integreres naturlig i rytmen og frasen i stedet for å behandles som separat dekorasjon.
For lærere samler Italiensk konsert rask teknikk, artikulasjon, stemmeføring, rytmisk kontroll, harmoni, frasestruktur, dynamisk kontrast og planlegging i stor skala. Den bør ikke behandles bare som et virtuost glansnummer: dens sentrale uttrykksidé er kontrasten mellom briljans og intimitet.
Verket nærmes naturlig etter betydelig erfaring med To-stemmige invensjoner, Sinfonier, utvalgte Franske suiter samt preludier og fuger fra Det veltempererte klaver. Deretter kan det forberede pianisten på Engelske suiter, Partitaer, Fransk ouverture og andre avanserte klaververk.
Italiensk konsert kan passende klassifiseres som avansert repertoar. Dens største lærdom er at én pianist kan antyde et helt ensemble gjennom kontrast, tekstur, artikulasjon og musikalsk fantasi.
10 – Det veltempererte klaver, bok II (Das wohltemperierte Clavier, Teil II / The Well-Tempered Clavier, Book II)
(Avansert)
J. S. Bachs Det veltempererte klaver, bok II, BWV 870–893, er en av klavermusikkens store prestasjoner og en naturlig fortsettelse av bok I. Den inneholder 24 par av preludier og fuger i alle dur- og molltonearter, men musikken virker ofte bredere, mer variert og mer moden.
Bok II ble satt sammen langt senere enn bok I, og Bach fullførte den i 1740-årene. Samlingen gjenspeiler hans ekstraordinære erfaring som komponist og klaverspiller og inneholder et stort spekter av kontrapunktiske teknikker, harmoniske ideer, teksturer og uttrykkskarakterer.
Hvert par består av et preludium fulgt av en fuge. Preludiene varierer fra lyriske og meditative stykker til svært mønsterpregede eller virtuose passasjer. Fugene krever enda større kontroll over flere selvstendige stemmer, tematiske innsatser, mellomstemmer, basslinjer og harmonisk bevegelse.
For eleven er hovedutfordringen polyfon kontroll. Pianisten må høre flere stemmer samtidig uten at teksturen blir utydelig. Temaet kan opptre i hvilken som helst stemme, og dets fremtredende rolle kan endres gjennom verket. Dette gjør raffinert stemmeføring avgjørende.
Ferdighetene som utvikles i To-stemmige invensjoner og Sinfonier løftes her til et langt mer sofistikert nivå. Klar artikulasjon, nøye tonelengder, rytmisk stabilitet og kontrollert balanse er avgjørende. Overdreven romantisk legato og pedal kan skjule kontrapunktet, så fingerkontroll bør fortsatt være grunnlaget.
Samlingen er også en enestående studie i harmoni. Den systematiske bevegelsen gjennom alle toneartene gjør det mulig for eleven å oppleve modulasjon, kromatikk, forholdninger, sekvenser og kadanser som uttrykksfulle musikalske krefter snarere enn bare teoretiske begreper.
For lærere gir bok II en rik forbindelse mellom analyse og fremføring. Elevene kan identifisere temainnsatser, episoder, harmoniske landemerker og kontrapunktiske virkemidler og deretter bruke denne forståelsen til å forme musikken og styrke memoreringen.
Artikulasjonen må fortsatt være fleksibel, ikke mekanisk ensartet. Noen stykker krever flytende linjer, andre skarp artikulasjon, akkordkontroll, teknikk med gjentatte toner eller delikat melodisk spill. Pianisten må tilpasse anslaget til hver individuelle komposisjon.
Det moderne pianoet gir uttrykksmessige fordeler, men kan også gjøre teksturen for tett. Nøye stemmeføring, tilbakeholden pedalbruk og tydelig avslutning av toner bidrar til å bevare selvstendigheten mellom stemmene.
Bok II bør ikke læres strengt i BWV-rekkefølge. Katalogrekkefølgen er ikke en undervisningsprogresjon, og de enkelte parene varierer sterkt i vanskelighetsgrad. Utvalgte preludier kan være tilgjengelige før eleven er klar for de tilsvarende fugene. Eleven kan derfor arbeide med enkelte par etter sitt nåværende nivå.
Memorering blir også mer sofistikert på dette nivået. Visuell, fysisk, harmonisk, strukturell og auditiv hukommelse bør støtte hverandre. Å forstå temaet og den formale strukturen er særlig verdifullt i fuger, der ren fingerhukommelse kan være upålitelig.
Bok II forbereder pianisten på Engelske suiter, Partitaer, Fransk ouverture, Goldberg-variasjonene og Die Kunst der Fuge. Den er også et langsiktig prosjekt som kan tas opp igjen flere ganger etter hvert som pianistens forståelse utvikler seg.
For pianoelever er dens største lærdom evnen til samtidig å høre melodi, harmoni, rytme, kontrapunkt, artikulasjon og form. For lærere er den langt mer enn en samling avanserte eksamensstykker: den er et omfattende kurs i moden musikalsk kunnen.
Det veltempererte klaver, bok II kan passende klassifiseres som avansert repertoar som helhet, selv om de enkelte preludiene og fugene varierer sterkt i vanskelighetsgrad. Det er best å nærme seg samlingen etter en solid Bach-grunn og betydelig erfaring med bok I.
11 – Engelske suiter BWV 806–811 (Englische Suiten / English Suites)
(Avansert)
J. S. Bachs Engelske suiter BWV 806–811 er blant de mest omfattende verkene i hans klavierrepertoar. De kombinerer stiliserte danser med krevende kontrapunkt, briljant passasjespill, ornamentikk og musikalske strukturer i stor skala. For pianister representerer de et viktig steg videre fra Franske suiter og annet Bach-repertoar på mellomnivå.
De seks suitene kalles tradisjonelt Engelske suiter, selv om det ikke finnes sikre beviser for at Bach skrev dem spesielt for en engelsk oppdragsgiver eller at tittelen stammer fra ham. De nøyaktige datoene er også usikre. Suitene gjenspeiler Bachs syntese av flere europeiske musikalske tradisjoner snarere enn en snevert engelsk stil.
De seks verkene er i A-dur, a-moll, g-moll, F-dur, e-moll og d-moll. Hver begynner med et omfattende preludium, fulgt av danser som vanligvis omfatter en Allemande, Courante, Sarabande, tilleggdanser og en avsluttende Gigue.
De innledende preludiene er spesielt viktige. Sammenlignet med de franske suitene er de ofte lengre og teknisk mer krevende og inneholder raske figurasjoner, sekvenser, brutte akkorder, imitasjon og omfattende kontrapunktisk sats. De krever at pianisten opprettholder en musikalsk idé over et langt større tidsrom.
Dansesatsene lærer ulike former for rytmisk og uttrykksmessig kontroll. Allemanden oppmuntrer til flytende frasering; Couranten krever rytmisk liv; Sarabanden krever tilbakeholdenhet og frasering i stor skala; og Giguen krever smidighet, klarhet og utholdenhet.
Suitene er også utmerkede for utvikling av artikulasjon. Overdreven romantisk legato kan gjøre musikken tung og skjule dens rytmiske og kontrapunktiske karakter. Elevene bør utvikle fleksibel fingerartikulasjon og unngå å være sterkt avhengige av pedal.
Ornamentikk er et annet viktig område. Triller, mordenter, vendinger og andre ornamenter er en del av det musikalske språket og bør integreres naturlig i frasen. Å forstå deres harmoniske og rytmiske funksjon er viktigere enn bare å utføre dem korrekt.
Suitene gir store muligheter for stemmeføring. Selvstendige stemmer kan forekomme inne i dansene, særlig i preludiene og de kontrapunktiske satsene. En bass- eller mellomstemme kan iblant være viktigere enn topplinjen, noe som krever en stadig skiftende balanse.
De tilbyr også utmerket materiale for studiet av harmoni og form. Elevene kan undersøke kadanser, modulasjoner, sekvenser, gjentatte seksjoner og tonale forhold. Å forstå strukturen hjelper både tolkning og memorering.
De seks suitene er ikke ordnet i en enkel vanskelighetsrekkefølge. BWV-numrene er katalognumre og ikke en gradert progresjon, og en enkelt sats kan være betydelig lettere eller vanskeligere enn en annen. Elevene kan derfor studere utvalgte satser uten å fullføre hver suite i nummerrekkefølge.
De innledende preludiene kan også være vanskeligere enn dansene som følger. En elev kan være klar for flere satser fra en suite samtidig som han eller hun ennå ikke er forberedt på preludiet, og det er helt greit å studere disse satsene separat.
For lærere er Engelske suiter særlig verdifulle fordi de kombinerer teknikk med musikalsk tolkning. Elevene lærer å kontrollere komplekse teksturer, opprettholde rytmisk karakter, håndtere ornamentikk og bevare konsentrasjonen gjennom et komplett verk i flere satser.
De passer naturlig etter To-stemmige invensjoner, Sinfonier og utvalgte Franske suiter og kan studeres sammen med Det veltempererte klaver. De gir også viktig forberedelse til Partitaene.
Engelske suiter kan passende klassifiseres som avansert repertoar som samling, selv om enkeltsatser varierer fra øvre mellomnivå til svært avansert. Deres sentrale lærdom er at teknisk kontroll må tjene rytme, struktur, dansepreg og musikalsk uttrykk.
12 – Partitaer BWV 825–830 (Partiten / Partitas)
(Avansert til svært avansert)
J. S. Bachs seks klaverpartitaer, BWV 825–830, er blant de høyeste prestasjonene innen barokkens klaversuite. De kombinerer dansesatser, intrikat kontrapunkt, uttrykksfulle melodier, briljant passasjespill, ornamentikk og en enestående variasjonsrikdom. For pianoelever representerer de et stort steg videre fra Franske suiter og Engelske suiter.
De seks partitaene er i B-dur, c-moll, a-moll, D-dur, G-dur og e-moll. De ble utgitt individuelt mellom 1726 og 1730 og samlet i 1731 som første bind av Bachs Clavier-Übung. Åpningssatsene er uvanlig varierte og omfatter Praeludium, Sinfonia, Fantasia, Ouverture og Toccata.
Denne variasjonen er en av samlingens største attraksjoner. Hver partita krever en forskjellig kombinasjon av rytme, tekstur, kontrapunkt, ornamentikk og uttrykk. Pianisten kan ikke stole på én enkel oppskrift for hvordan alle seks verkene skal spilles.
I sentrum står kjente barokkdanser som Allemande, Courante, Sarabande, Gavotte, Bourrée og Gigue. Bach forvandler disse dansene til sofistikert konsertmusikk og bevarer deres rytmiske identitet samtidig som han utvider deres musikalske muligheter.
Allemandene krever flytende frasering og rytmisk stabilitet; Courantene krever livlig, men kontrollert bevegelse; Sarabandene krever ekstraordinær uttrykksmessig tilbakeholdenhet; og Giguene setter smidighet, klarhet, rytmisk vitalitet og utholdenhet på prøve.
Partitaene er særlig verdifulle for utvikling av stemmeføring. Viktige musikalske ideer kan forekomme i mellomstemmer eller i bassen, og deres relative betydning kan endre seg fra frase til frase. Elevene må derfor lære å kontrollere flere musikalske lag og skape et overbevisende hierarki.
Artikulasjon er like viktig. Overdreven legato og pedal kan gjøre teksturene uklare, mens for løsrevet spill kan fragmentere den musikalske linjen. Pianisten trenger et fleksibelt spekter av anslag som gjenspeiler karakteren i hver sats.
Ornamentikk bør på samme måte behandles som en del av det musikalske språket. Triller, mordenter, vendinger og beslektede figurer må utføres naturlig og rytmisk, med oppmerksomhet på deres harmoniske og melodiske funksjon.
For lærere kombinerer partitaene nesten alle sentrale sider ved avansert Bach-studium. Ulike satser kan brukes til å utvikle artikulasjon, ornamentikk, kontrapunkt, stemmeføring, raske passasjer, harmoni og frasering i stor skala. De er også utmerkede for å lære større musikalsk form, siden pianisten må forstå forholdet mellom flere kontrasterende satser.
Gjentatte seksjoner fortjener musikalsk fantasi. Når strukturen først er sikker, kan forskjeller i artikulasjon, frasering, ornamentikk eller betoning gi det gjentatte materialet ny karakter uten å bli vilkårlige.
De seks partitaene utgjør ikke en streng undervisningsprogresjon. Enkeltsatser varierer sterkt i vanskelighetsgrad, og en elev kan være klar for én sats mens han eller hun fortsatt ikke er forberedt på en annen. Lærere kan derfor velge enkelte Allemandes, Sarabandes eller andre satser før en komplett partita forsøkes.
De tekniske kravene omfatter raske passasjer, sprang, komplekse ornamenter, akkordiske teksturer og samtidige stemmer. Effektiv fingersetting og økonomiske bevegelser er avgjørende; overdreven kraft er sjelden effektiv.
En komplett partita krever også betydelig konsentrasjon. Pianisten må opprettholde oppmerksomheten gjennom flere kontrasterende satser og bevare stilistisk sammenheng gjennom hele verket. Dette gjør samlingen verdifull som forberedelse til konsertfremføring.
For voksne elever kan partitaene bli givende langsiktige prosjekter fordi deres musikalske dybde vokser ved gjentatt studium. For yngre avanserte elever gir utvalgte satser en viktig innføring i Bachs store konsertrepertoar.
I en progressiv Bach-plan følger partitaene naturlig etter omfattende erfaring med Franske suiter, Engelske suiter, Sinfonier og utvalgte stykker fra Det veltempererte klaver. De kan også studeres sammen med Italiensk konsert og andre avanserte verk.
Partitaene regnes generelt som de mest krevende av Bachs tre store samlinger av klaversuiter. Dette betyr ikke at hver sats er vanskeligere enn hver sats i de Franske eller Engelske suitene, men at samlingen som helhet stiller større krav til pianisten.
De kan passende klassifiseres som avansert til svært avansert repertoar. Deres sentrale lærdom er at teknisk virtuositet alltid må tjene musikalsk karakter, struktur, rytme, kontrapunkt og uttrykk.
13 – Fransk ouverture BWV 831 (Französische Ouvertüre / French Overture)
(Svært avansert)
J. S. Bachs Franske ouverture, BWV 831, er et av hans mest imponerende og sofistikerte klaververk. Det kombinerer storheten i fransk ouverturestil med intrikat kontrapunkt, forseggjort ornamentikk, rik harmoni og krevende klaversats. Det representerer et stort steg videre fra Franske suiter, Engelske suiter og Partitaer.
Verket ble utgitt i 1735 som del av andre bind av Clavier-Übung, sammen med Italiensk konsert, og setter med hensikt franske og italienske musikalske stiler ved siden av hverandre. Den utgitte versjonen er i h-moll, selv om en versjon i c-moll også er bevart.
Åpningen følger det karakteristiske mønsteret for fransk ouverture: en langsom, høytidelig seksjon med punkterte rytmer og rikelig ornamentikk etterfulgt av raskere kontrapunktisk skriving. Pianisten må gi åpningen storhet og retorisk tyngde uten å gjøre den stiv eller tung.
Ornamentikken er særlig viktig her. Triller, mordenter, vendinger, forslagsnoter og annen utsmykning er en del av det musikalske språket. Elevene bør forstå den underliggende melodiske strukturen slik at ornamentene forblir naturlige og uttrykksfulle i stedet for forhastede eller mekanisk innsatte.
Den raske seksjonen som følger krever en helt annen tilnærming. Rytmisk energi og kontrapunktisk klarhet erstatter åpningens seremonielle karakter. Pianisten må endre anslag og artikulasjon på en overbevisende måte samtidig som kontinuiteten i den større strukturen bevares.
Verket fortsetter deretter gjennom kontrasterende danser, blant annet Courante, Gavotte, Passepied, Sarabande, Bourrée og Gigue. Hver krever sin egen rytmiske identitet og uttrykksmessige karakter.
Sarabanden er spesielt verdifull for avanserte elever fordi det langsomme tempoet avslører hver detalj i frasering, harmoni, artikulasjon, ornamentikk og tone. Pianisten må skape intensitet gjennom harmonisk retning, timing, balanse og kontrollert resonans, ikke bare ved å øke volumet.
Den avsluttende Giguen gir en kontrasterende teknisk utfordring. Hastigheten og den kontrapunktiske teksturen krever smidighet, rytmisk nøyaktighet, utholdenhet og nøye stemmekontroll. Klarhet bør ha prioritet fremfor ren hastighet.
Verket er også en utmerket studie i storform. Elevene må opprettholde en musikalsk idé gjennom en utvidet rekke kontrasterende satser. Studiet av tonale forbindelser, kadanser, tilbakevendende gester og teksturskifter kan styrke både memorering og tolkning.
Stemmeføring er avgjørende gjennom hele verket. Et viktig tema kan forekomme i en mellomstemme eller bass i stedet for i topplinjen. Pianisten må derfor hele tiden justere balansen i stedet for automatisk å la overstemmen dominere.
Bach skrev verket for et to-manuals cembalo, så den moderne pianisten står overfor problemet med å gjenskape skifter i registrering og tekstur uten et ekstra klaviatur. Dynamikk, artikulasjon, stemmeføring, register og selektiv pedalbruk kan gi overbevisende moderne løsninger.
Pedalen bør brukes med forsiktighet. For mye resonans kan gjøre den raske kontrapunktiske skrivemåten uklar og svekke danserytmenes identitet. Fingerkontroll og tydelig artikulasjon bør fortsatt være grunnlaget.
Tempoet krever også skjønn. Kontrasten mellom langsomme og raske seksjoner er grunnleggende, men de enkelte satsene trenger tilstrekkelig fleksibilitet til å romme ornamentikk og retorikk uten å miste den underliggende pulsen.
For lærere tilbyr Fransk ouverture en avansert syntese av danserytme, ornamentikk, kontrapunkt, stemmeføring, harmoni, artikulasjon og formstruktur. Enkeltsatser kan studeres før hele verket, avhengig av elevens nivå.
En solid bakgrunn i utvalgte preludier og fuger fra Det veltempererte klaver, omfattende satser fra Engelske suiter og flere satser fra partitaene er svært nyttig før hele komposisjonen forsøkes.
Fransk ouverture kan passende klassifiseres som svært avansert repertoar. Dens største lærdom er at storhet kommer gjennom kontroll snarere enn kraft: rytmisk tyngde, artikulasjon, harmoni, ornamentikk og proporsjon skaper den seremonielle karakteren.
Som del av Clavier-Übung gir den også en fascinerende sammenligning med Italiensk konsert. Sammen viser de to verkene Bachs evne til å absorbere forskjellige europeiske stiler og forvandle dem til svært individuell klavermusikk.
14 – Kromatisk fantasi og fuge BWV 903 (Chromatische Fantasie und Fuge / Chromatic Fantasia and Fugue)
(Svært avansert / konsertnivå)
J. S. Bachs Kromatiske fantasi og fuge i d-moll, BWV 903, er et av de mest dramatiske verkene i klavermusikken. Det kombinerer en uvanlig fri og uttrykksfull Kromatisk fantasi med en strengt organisert Fuge. Kontrasten mellom improvisatorisk frihet og kontrapunktisk orden er sentral for verkets karakter.
Den nøyaktige komposisjonsdatoen er usikker, og Bach ser ut til å ha revidert verket i løpet av livet. Den frie stilen knytter det til tradisjonen med klaverfantasier og gjør det ganske annerledes enn mer systematisk organiserte samlinger.
Fantasiaen utforsker kromatisk harmoni, arpeggioer, raske skalaer, uttrykksfulle gester, pauser og resitativlignende passasjer. Selv om den kan høres spontan ut, er den ikke tilfeldig. Den harmoniske utviklingen og de retoriske gestene skaper et nøye formet musikalsk argument.
For elever gir det kromatiske språket en viktig leksjon i harmonisk uttrykk. Halvtonetrinn, dissonans og forsinket oppløsning skaper kraftig spenning. Å forstå basslinjen og harmoniske landemerker kan gjøre musikken mye lettere å høre og huske.
De frie passasjene krever også retorisk frasering. De bør høres ut som musikalsk tale, med gester, spørsmål, pauser og betoning. Friheten bør oppstå fra harmonien og den musikalske gesten snarere enn fra vilkårlige temposkifter.
Raske skalaer og arpeggioer krever betydelig kontroll, men de bør aldri behandles bare som virtuose oppvisninger. Deres rolle er som regel å intensivere harmonien, forbinde gester eller skape dramatisk fremdrift.
Fugen skaper en helt annen verden. Pianisten må gå fra frihet til disiplin, følge temaet gjennom etterfølgende stemmer og opprettholde klarhet i en kompleks kontrapunktisk tekstur.
Stemmeføring er avgjørende. Temaet bør være hørbart når det kommer inn, men bør ikke alltid overdrives gjennom volum. Artikulasjon, klang, timing og subtil betoning kan gjøre temaet tydelig uten å ødelegge balansen mellom stemmene.
Mellomstemmene krever særlig omsorg på moderne piano. Å øve enkeltstemmer separat kan hjelpe eleven å høre hvordan hver linje bidrar til helheten. Det endelige målet er likevel å oppfatte stemmene som én musikalsk samtale.
Rytmisk stabilitet er spesielt viktig i Fugen. I motsetning til den friere Fantasiaen avhenger strukturen her av en sikker puls. Pianisten bør øve langsomt nok til å høre hver innsats klart og deretter gradvis etablere et tempo som bevarer den kontrapunktiske tydeligheten.
Pedalbruken må også være tilbakeholden. Pedal kan støtte resonansen i Fantasiaen, men overdreven sustain kan gjøre både de kromatiske harmoniene og fugens selvstendige stemmer uklare. Fingerartikulasjon bør forbli grunnleggende.
Memorering blir lettere når musikken forstås konseptuelt. I Fantasiaen gir harmoniske landemerker og retoriske seksjoner et mentalt kart; i Fugen gir temaet og dets innsatser strukturelle orienteringspunkter. Dette er langt sikrere enn å stole på fingerhukommelsen alene.
Verket bør læres gradvis, med Fantasiaen delt inn etter dens harmoniske og retoriske gester og Fugen etter temaets innsatser, episoder og større strukturelle avsnitt.
For lærere gjør kontrasten mellom de to delene verket til en enestående studie i to komplementære former for musikalsk kunnen. Fantasiaen lærer frihet, retorikk, kromatisk uttrykk og timing; Fugen lærer disiplin, imitasjon, balanse, artikulasjon og kontrapunktisk organisering.
Verket nærmes best etter betydelig erfaring med To-stemmige invensjoner, Sinfonier, utvalgte satser fra Franske og Engelske suiter samt flere preludier og fuger fra Det veltempererte klaver. Dette gir det nødvendige grunnlaget for de avanserte kontrapunktiske kravene.
Det forbereder også pianisten på Goldberg-variasjonene og Die Kunst der Fuge, samtidig som det utdyper elevens forståelse av de mest forseggjorte fugene i Det veltempererte klaver.
Kromatisk fantasi og fuge kan passende klassifiseres som svært avansert / konsertnivå. Vanskeligheten ligger ikke bare i fingerteknikken, men i den musikalske modenheten som kreves for å forene uttrykksmessig frihet, harmonisk spenning og strengt kontrapunkt.
Til syvende og sist viser BWV 903 Bachs evne til å forene emosjonell intensitet med strukturell kontroll. For den avanserte pianisten er dette ikke bare et vanskelig stykke, men en utdanning i retorikk, harmoni, kontrapunkt, stemmeføring, rytme og musikalsk frihet.
15 – Goldberg-variasjonene BWV 988 (Goldberg-Variationen / Goldberg Variations)
(Svært avansert / konsertnivå)
J. S. Bachs Goldberg-variasjonene, BWV 988, er blant klavermusikkens ypperste mesterverk. De ble utgitt i 1741 som fjerde og siste del av Clavier-Übung og består av en Aria, tretti variasjoner og en tilbakevending til Aria. Bachs originale tittel angir et to-manuals cembalo, noe som gjenspeiler verkets betydelige tekniske og musikalske omfang.
For pianoelever representerer Goldberg-variasjonene et av de høyeste stadiene i Bach-studiet. De kombinerer kontrapunktisk lytting, stemmeføring, artikulasjon, ornamentikk, rytmisk presisjon, klaverteknikk, harmoni, strukturanalyse, hukommelse, konsentrasjon og tolkning i monumental skala.
Den innledende Aria er et 32-takters, sarabandelignende stykke i G-dur. De tretti variasjonene er først og fremst basert på dens underliggende bass- og harmonistruktur, ikke bare på dekorasjon av melodien. Bach skaper dermed enorm variasjon fra ett felles grunnlag.
Det er viktig å forstå dette prinsippet. Variasjonene blir danser, kanoner, virtuose satser, uttrykksfulle stykker og kontrapunktiske konstruksjoner, men de forblir knyttet sammen gjennom sin felles harmoniske struktur. Når Aria vender tilbake til slutt, fullføres den store musikalske buen.
Hver tredje variasjon, fra variasjon 3 til og med variasjon 27, er en kanon. Mellom disse kanoniske satsene plasserer Bach et ekstraordinært spekter av kontrasterende former og karakterer. Den store rekkefølgen krever at pianisten tenker utover de enkelte stykkene og vurderer hvilken rolle hver variasjon spiller i den komplette syklusen.
Dette gjør kontrast og proporsjon til sentrale tolkningsutfordringer. En briljant variasjon skal ikke høres ut som en langsom lyrisk variasjon, og en tett kontrapunktisk sats skal ikke ha samme karakter som en lett dans. Hver variasjon trenger individualitet samtidig som den bidrar til helhetens enhet.
Kanonene viderefører den kontrapunktiske opplæringen som begynte i To-stemmige invensjoner og Sinfonier, men på et langt høyere nivå. Pianisten må bevare selvstendigheten til to stemmer samtidig som deres imitasjon blir tydelig og uttrykksfull.
Stemmeføring er en av de største utfordringene gjennom hele syklusen. Viktig materiale kan forekomme i en mellomstemme eller bass i stedet for i topplinjen. På moderne piano kan flere klanglag lett smelte sammen, så pianisten må kontinuerlig justere balanse, anslag og artikulasjon.
De tekniske kravene varierer enormt. Noen variasjoner inneholder skalaer, arpeggioer, gjentatte mønstre, sprang, ornamenter eller håndkryssing; andre er først og fremst krevende på grunn av sine subtile krav til stemmeføring og uttrykk. Teknisk nøyaktighet alene er ikke nok: hvert mønster må ha rytmisk karakter og harmonisk retning.
Rytmisk kontroll er like viktig. Variasjonene har svært ulike rytmiske personligheter, men hver må beholde en sikker underliggende puls. Litt uttrykksmessig fleksibilitet kan være passende, men ustabilt tempo kan skade den større strukturen.
Ornamentikk er et annet stort studieområde. Triller, mordenter, vendinger, forslagstoner og andre figurer er en del av Bachs musikalske språk. Elevene bør forstå deres forhold til harmoni og frase i stedet for å behandle dem som isolerte tekniske dekorasjoner.
Den innledende Aria viser hvorfor langsom musikk kan være like vanskelig som virtuost spill. Den relative enkelheten eksponerer frasering, tone, balanse, timing og harmonisk forståelse. Pianisten kan ikke stole på teknisk briljans for å skjule svakheter.
Bachs spesifikasjon av et to-manuals cembalo er også viktig. Enkelte passasjer utnytter de fysiske mulighetene ved to klaviaturer, særlig i håndkryssing og kontrasterende teksturer. På det moderne pianoet må disse virkningene tenkes på nytt gjennom anslag, stemmeføring, dynamikk og resonans.
Pedalen bør derfor brukes forsiktig. Det moderne pianoets lange etterklang kan lett gjøre de kontrapunktiske teksturene uklare. Fingerartikulasjon og kontroll over tonenes lengde bør være det primære middelet til å bevare klarheten.
Memorering støttes best av flere former for forståelse: visuell, fysisk, harmonisk, strukturell og auditiv. Å gjenkjenne den tilbakevendende bassen og det harmoniske grunnlaget gir pianisten et begrepsmessig kart over hele syklusen.
Goldberg-variasjonene bør betraktes som et langsiktig prosjekt. Enkelte variasjoner kan studeres selvstendig før man forsøker hele syklusen, og nummereringen bør ikke tolkes som en enkel vanskelighetsprogresjon.
Variasjon 30 er en Quodlibet, som bruker melodier fra tyske folkelige sanger i en humoristisk og uventet avslutning. Når Aria vender tilbake etterpå, skapes en enestående følelse av fullendelse.
For pianoelever gir syklusen en overlegen leksjon i musikalsk fortelling i stor skala. Gjentakelse, kontrast, variasjon og tilbakevending kan skape en kraftfull opplevelse av en reise uten å være avhengig av en konvensjonell fortelling.
For lærere er det best å nærme seg verket gradvis. Ulike variasjoner kan velges for å utvikle bestemte ferdigheter: raske passasjer, stemmeføring, kontrapunkt, ornamentikk eller lyrisk frasering. Elevene bør alltid forstå hvordan hvert teknisk problem tjener den større musikalske forestillingen.
Goldberg-variasjonene gir også en dyp leksjon i variasjonsteknikk. Bach viser hvordan én felles harmonisk struktur kan skape en ekstraordinær mangfoldighet av rytme, melodi, tekstur og karakter.
I en progressiv Bach-plan samler de mange av ferdighetene som er utviklet gjennom Noteboken for Anna Magdalena Bach, De små preludiene, To-stemmige invensjoner, Sinfonier, suiter og Det veltempererte klaver. De kan studeres sammen med Partitaene og Fransk ouverture som en del av det høyeste nivået i Bachs klavierrepertoar.
Goldberg-variasjonene kan passende klassifiseres som svært avansert / konsertnivå. De enkelte variasjonene varierer sterkt i vanskelighetsgrad, men en komplett fremføring krever eksepsjonell teknisk sikkerhet, konsentrasjon, kontrapunktisk kontroll, stilforståelse og musikalsk modenhet.
Til syvende og sist lærer BWV 988 at ekstraordinær variasjon kan vokse frem fra ekstraordinær enhet. Bach forvandler ett harmonisk grunnlag til tretti kontrasterende musikalske verdener og vender deretter tilbake til begynnelsen. For den avanserte pianisten er studiet av verket en utdanning i teknikk, lytting, struktur og musikalsk tenkning.
16 – Die Kunst der Fuge BWV 1080 (Die Kunst der Fuge / The Art of Fugue)
(Svært avansert / spesialistrepertoar)
J. S. Bachs Die Kunst der Fuge, BWV 1080, er et av de største monumentene innen kontrapunktisk musikk. Verket representerer kulminasjonen av Bachs livslange utforskning av fuge, kanon, imitasjon og musikalsk transformasjon. I stedet for først og fremst å fungere som en samling konvensjonelle klaverstykker er det en dyp undersøkelse av hva som kan skapes ut fra et sentralt musikalsk tema.
Verket ble komponert og revidert i løpet av det siste tiåret av Bachs liv og utgitt etter hans død i 1751. Bach angav ikke noe instrument, og de bevarte kildene presenterer musikken hovedsakelig i partiturform. Dette har ført til fortsatt diskusjon om hvilket fremføringsmedium som var tiltenkt, selv om moderne fremføringer på cembalo og piano er godt etablerte.
Verket utforsker et hovedtema gjennom en rekke kontrapunktiske teknikker. Den utgitte syklusen inneholder en stor gruppe Contrapuncti og fire kanoner, mens det bevarte manuskriptet og den posthume utgaven skiller seg fra hverandre i organisering og innhold.
For pianoelever er hovedbegrepet kontrapunkt: selvstendige melodiske linjer må forbli individuelt meningsfulle samtidig som de danner en sammenhengende helhet. Et tema introdusert av én stemme kan besvares av en annen, forvandles gjennom omvending, augmentasjon, diminusjon, stretto eller kanonisk imitasjon og kombineres med annet materiale.
Dette krever et eksepsjonelt avansert nivå av polyfon lytting. Flere stemmer er aktive samtidig, og et viktig tema kan forekomme i en mellomstemme i stedet for i sopranen. Pianisten må derfor kontrollere hierarkiet mellom stemmene samtidig som deres selvstendighet bevares.
Stemmeføring er en av de største utfordringene. Dersom alle toner spilles med samme tyngde, kan musikken høres ut som en udifferensiert strøm. Ulike stemmer trenger forskjellig grad av fremtredelse og ulike former for artikulasjon, mens den lange klangen på moderne piano lett kan få dem til å smelte sammen.
Verket er også et enestående kurs i kontrapunktisk transformasjon. Omvending snur den melodiske retningen, augmentasjon forlenger noteverdiene, diminusjon forkorter dem, og stretto plasserer temainnsatsene tett sammen. Dette er ikke bare teoretiske prosedyrer; Bach gjør dem om til hørbare musikalske forhold.
For lærere gir Die Kunst der Fuge en ideell forbindelse mellom analyse og fremføring. Elevene kan markere temainnsatser, omvendinger, episoder, kadanser og transformasjoner i partituret og deretter lytte etter dem ved pianoet. Dette styrker både forståelse og hukommelse.
Kanonene gir konsentrerte studier i imitasjon, balanse og stemmeføring. Enkelte kanoner kan være nyttig repertoar også når eleven ikke er klar for å studere hele syklusen.
Rytmisk stabilitet er fortsatt grunnleggende. Kompleks kontrapunktisk sats krever en sikker indre puls, men musikken bør ikke høres mekanisk metronomisk ut. Frasering, artikulasjon, harmonisk spenning og kontrapunktisk betoning må skape rytmisk liv.
Det moderne pianoet gir både utfordringer og muligheter. Fordi instrumentasjonen i verket er usikker, er pianisten ikke bundet til én bestemt klangløsning. I stedet bør klarhet i stemmeføringen og troskap mot den musikalske strukturen styre tolkningen.
Pedalen bør generelt brukes med stor tilbakeholdenhet. For mye resonans kan skjule nettopp de forbindelsene som gjør verket fascinerende. Fingerartikulasjon, balanse og kontroll over tonenes lengde må komme først.
Memorering bør på samme måte være avhengig av mer enn fingerhukommelse. Visuell, fysisk, harmonisk, strukturell og auditiv hukommelse bør arbeide sammen. Å lære hovedtemaet i dets forskjellige transformasjoner gir pianisten et særlig nyttig mentalt rammeverk.
Verket bør nærmes som et langsiktig studium. Enkelte Contrapuncti kan læres grundig uten at man umiddelbart forsøker hele syklusen, og stykkene danner ikke en enkel progresjon fra lett til vanskelig.
Die Kunst der Fuge krever også enestående intellektuell konsentrasjon. Pianisten må følge flere stemmer, forstå transformasjonene deres og samtidig være oppmerksom på den større arkitekturen. Dette gjør verket fundamentalt annerledes enn et verk der hovedutfordringen er hastighet eller fysisk virtuositet.
Et særlig berømt trekk er den uferdige avsluttende fugen, vanligvis kjent som Contrapunctus XIV. I Bachs bevarte manuskript brytes fugen av etter at et tema som staver B-A-C-H er introdusert. Carl Philipp Emanuel Bach tilføyde en merknad om at faren døde mens han arbeidet med fugen. Den nøyaktige kronologien og kildehistorien er mer komplisert enn den velkjente fortellingen antyder, og senere fullføringer må ikke forveksles med Bachs bevarte musikk.
For elever gir dette en mulighet til å lære at musikkhistorien noen ganger inneholder uavklarte spørsmål. Ulike utgaver kan gjøre forskjellige redaksjonelle valg når det gjelder rekkefølge, instrumentasjon, versjoner og fullføringer. En seriøs pianist bør skille mellom Bachs bevarte notasjon og senere tilføyelser.
Den tilsynelatende intellektuelle kompleksiteten i Die Kunst der Fuge blir stadig mer forståelig når lytteren lærer å gjenkjenne temaet, svarene, omvendingene og de kanoniske forholdene. Verkets kompleksitet er ikke et mål i seg selv: kontrapunkt skaper bevegelse, spenning, balanse, overraskelse og skjønnhet.
I en progressiv Bach-plan hører Die Kunst der Fuge hjemme på slutten eller nær slutten. Den følger naturlig etter To-stemmige invensjoner, Sinfonier, suiter og Det veltempererte klaver. Goldberg-variasjonene kan studeres parallelt som en annen overlegen utforskning av enhet og transformasjon.
De to verkene skiller seg betydelig fra hverandre: Goldberg-variasjonene skaper enorm variasjon fra et felles harmonisk grunnlag, mens Die Kunst der Fuge konsentrerer seg om mulighetene som ligger i et kontrapunktisk tema. Sammen demonstrerer de to ekstraordinære sider ved Bachs kompositoriske fantasi.
For pianoelever er Die Kunst der Fuge ikke bare en prøve på avansert teknikk. Den er en prøve på evnen til å lytte, analysere, huske og tenke musikalsk mens man spiller. For lærere gir den en enestående ressurs for utvikling av selvstendige stemmer, stemmeføring, artikulasjon, rytme, struktur og kontrapunktisk forståelse.
Die Kunst der Fuge kan passende klassifiseres som svært avansert / spesialistrepertoar. Dens virkelige vanskelighet ligger ikke bare i teknisk kontroll, men i å opprettholde flere selvstendige musikalske linjer og forstå forholdet mellom dem gjennom en omfattende syklus.
Til syvende og sist viser BWV 1080 hvordan et svært begrenset musikalsk utgangspunkt kan skape ekstraordinær variasjon. Med utgangspunkt i ett eneste tema utforsker Bach et forbløffende spekter av kontrapunktiske transformasjoner og kanoner. For den avanserte pianisten representerer verket høydepunktet i Bach-studiet, ikke fordi det ganske enkelt er det vanskeligste, men fordi det krever at teknikk, hørsel, intelligens, struktur og musikalsk uttrykk virker sammen på høyeste nivå.
(Artikkelen er skrevet med bistand fra Gemini og ChatGPT. Den er kun et referansedokument for å oppdage musikk du ennå ikke kjenner. Innholdet i artikkelen garanteres ikke å være fullstendig korrekt. Vennligst kontroller opplysningene mot pålitelige kilder.)