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Panoramica

Maurice Ravel (1875-1937) è stato un importante compositore francese della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo , spesso associato all’impressionismo musicale, sebbene il suo stile si sia evoluto verso elementi del neoclassicismo e persino del jazz. Noto per la sua padronanza dell’orchestrazione e il suo spiccato senso della precisione, Ravel ha lasciato un segno indelebile nella musica classica.

Ecco una panoramica della sua vita e delle sue opere:

Infanzia ed educazione

Nato a Ciboure, in Francia, da padre svizzero e madre basca , Ravel mostrò fin da piccolo un talento per la musica. Entrò al Conservatorio di Parigi all’età di 14 anni , dove studiò , tra gli altri , con Gabriel Fauré . Nonostante il suo genio, faticò a conformarsi alle rigide aspettative del Conservatorio, spesso criticandolo per la sua originalità e la “pigrizia” nel produrre rapidamente un gran numero di opere. Ciononostante, sviluppò un approccio meticoloso alla composizione, perfezionando ogni dettaglio .

Stile musicale

Lo stile di Ravel è caratterizzato da:

Un’orchestrazione brillante e colorata: era un maestro nel combinare i timbri strumentali per creare tessiture ricche e variegate .

Precisione e chiarezza formale: nonostante armonie spesso complesse, la sua musica conserva una struttura logica e un’eleganza classica .

Diverse influenze: le sue opere contengono reminiscenze della musica spagnola (eredità della madre basca ) , elementi della musica barocca e del neoclassicismo e, più tardi, tocchi di jazz, che scoprì durante una tournée negli Stati Uniti.

Una certa sensualità ed espressività, anche se lui stesso talvolta definiva il suo distacco come ” insensibilità ” , preferendo il rigore e il lavoro all’effusione .

Opere iconiche

Ravel ha composto un repertorio vario e di fama mondiale. Tra le sue opere più famose ci sono :

Bolero (1928): probabilmente il suo pezzo più iconico , un balletto che è diventato un capolavoro orchestrale, famoso per la sua progressione ritmica ipnotica e il suo crescendo costante.

Dafni e Cloe (1912): un balletto di grande ricchezza orchestrale e sontuosa bellezza, spesso eseguito come suite da concerto.

Pavane for a Dead Princess (1899): un’opera per pianoforte delicata e malinconica, che in seguito orchestrerà .

Jeux d’eau (1901): Un brano pianistico virtuoso, pioniere della scrittura pianistica ” impressionista”.

La Valse (1920): Un’opera orchestrale che evoca l’opulenza e la decadenza di un valzer viennese, con un tocco oscuro.

Concerto in sol maggiore (1931) e Concerto per la mano sinistra (1930): due concerti per pianoforte che dimostrano il suo virtuosismo nella scrittura strumentale e la sua esplorazione delle sonorità jazz.

Eredità

Maurice Ravel è considerato uno dei compositori francesi più importanti e popolari. La sua influenza si estende oltre la musica classica , toccando anche il jazz e le colonne sonore. Era un artigiano perfezionista, la cui musica continua a essere ammirata per la sua bellezza, complessità e originalità. La sua vita, sebbene discreta a livello personale (rimase single e molto legato alla madre ), fu interamente dedicata alla musica, come lui stesso affermò : “L’unica storia d’amore che abbia mai avuto è con la musica” .

Storia

Maurice Ravel nacque nel 1875 a Ciboure, un piccolo villaggio basco, da padre ingegnere svizzero ed eccentrico inventore, e da madre basca di origine spagnola. Questa doppia ascendenza, al crocevia di culture, avrebbe senza dubbio influenzato la sensibilità del futuro compositore. La famiglia si trasferì rapidamente a Parigi, dove il giovane Maurice, fin da piccolo , mostrò un evidente talento musicale. Aveva solo sette anni quando iniziò a suonare il pianoforte e a quattordici anni entrò nel prestigioso Conservatorio di Parigi.

Lì , Ravel fu uno studente brillante ma atipico . Era meno interessato a conformarsi alle rigide regole dell’istituzione che a esplorare la propria strada. I suoi insegnanti, tra cui il grande Gabriel Fauré, ne riconobbero il talento, ma a volte si preoccuparono della sua indipendenza di pensiero. Ravel era un perfezionista nato , ossessionato dalla precisione e dai dettagli. Trascorreva ore a cesellare ogni frase musicale, lucidando ogni sonorità, un requisito che gli sarebbe valso da alcuni il soprannome di “orologiaio svizzero”. Questa ricerca della perfezione era lontana dall’ardore romantico di alcuni dei suoi contemporanei; Ravel prediligeva chiarezza , equilibrio e rigore formale.

A cavallo tra il XIX e il XX secolo , Ravel iniziò a farsi un nome. Le sue prime opere per pianoforte, come Jeux d’eau, rivelano uno stile innovativo, intriso di una delicata sensualità e di una ricchezza armonica che lo avvicinarono all’Impressionismo, sebbene egli rifiutò sempre questa etichetta. Esplorò le possibilità del timbro, cercando di evocare immagini e sensazioni piuttosto che narrazioni. Fu l’inizio di un periodo di intensa creatività. Si distinse per il suo genio per l’orchestrazione, una padronanza assoluta dei colori strumentali che gli permise di trasformare una semplice melodia in una sinfonia di tessiture e sfumature.

La Prima Guerra Mondiale fu un periodo difficile per Ravel. Sebbene avesse tentato di arruolarsi, la sua debole costituzione glielo impedì e si rassegnò a prestare servizio come autista di ambulanza. La perdita di molti amici, tra cui il compositore Déodat de Séverac, lo colpì profondamente e segnò una pausa nella sua produzione.

Dopo la guerra, Ravel trovò nuova energia creativa, ma il suo stile si evolse. Si allontanò dall’Impressionismo verso un certo neoclassicismo, ricercando chiarezza formale e purezza di linea. Fu durante questo periodo che compose opere importanti come La Valse, una grandiosa e vorticosa visione di un valzer viennese che sembra collassare su se stesso , e il celebre Boléro. Quest’ultimo, commissionato da Ida Rubinstein, ballerina e mecenate , è un’opera affascinante con la sua progressione ipnotica e il suo crescendo incessante, diventando uno dei brani più riconoscibili della musica classica. Lo stesso Ravel , con il suo umorismo asciutto, lo descrisse come “un’opera orchestrale di quattordici minuti senza musica”.

Durante gli anni ’20, Ravel viaggiò, in particolare negli Stati Uniti, dove fu accolto come una vera star . Lì scoprì il jazz, di cui apprezzò il ritmo e l’energia, e che avrebbe influenzato alcune delle sue opere successive , come i concerti per pianoforte, in cui incorporò elementi di blues e sincope .

Gli ultimi anni della sua vita furono segnati da una malattia neurologica degenerativa che gli impedì di comporre . Le sue capacità cognitive diminuirono gradualmente, privandolo della capacità di scrivere musica, il che rappresentò per lui una tortura insopportabile. Nonostante un intervento chirurgico al cervello nel 1937, le sue condizioni non migliorarono e morì quello stesso anno , lasciando un catalogo di opere relativamente limitato ma di eccezionale qualità .

La vita di Ravel fu quella di un uomo discreto, persino riservato, interamente dedito alla sua arte. Non si sposò mai, non ebbe figli e la sua passione più profonda fu la musica stessa . La sua eredità è quella di un maestro dell’orchestrazione , di un melodista raffinato e di un instancabile esploratore di sonorità, la cui opera continua ad affascinare con la sua bellezza senza tempo e la sua perfezione formale.

Cronologia

1875

7 marzo: Nascita di Joseph Maurice Ravel a Ciboure, nei Pirenei Atlantici . Suo padre , Joseph Ravel, è un ingegnere svizzero e sua madre , Marie Delouart, è di origine basca.

1876

La famiglia Ravel si stabilisce a Parigi.

1882

Maurice Ravel inizia a prendere lezioni di pianoforte .

1889

Entrò al Conservatorio di Parigi, dove studiò pianoforte, armonia e contrappunto.

1897

Entrò nella classe di composizione di Gabriel Fauré al Conservatorio.

1899

Composizione della famosa Pavana per un’infanta morta per pianoforte (orchestrata più tardi nel 1910).

1901

Composizione di Jeux d’eau per pianoforte, un’opera innovativa che segna una svolta nella scrittura pianistica.

prima volta il Prix de Rome , ma non ci riuscì.

1902-1905

Tentò diverse volte il Prix de Rome , senza successo . Lo “scandalo Ravel” scoppiò nel 1905, quando la sua eliminazione causò proteste e le dimissioni del direttore del Conservatorio.

1905

Composizione della suite per pianoforte Miroirs, comprendente “Uccelli tristi” e “Una barca sull’oceano “.

1908

Composizione della suite per pianoforte Gaspard de la Nuit, considerata uno dei brani più difficili del repertorio pianistico .

1909

Creazione dell’opera comica L’Heure espagnole.

1912

Prima esecuzione del balletto Dafni e Cloe dei Balletti Russi di Sergej Djagilev, con la coreografia di Michel Fokine. Quest’opera è uno dei suoi massimi successi orchestrali.

1914-1918

Prima guerra mondiale. Ravel tentò di arruolarsi, ma fu respinto a causa della sua fragile costituzione . Alla fine prestò servizio come autista di ambulanza al fronte, un’esperienza che lo segnò profondamente .

1919

una suite per pianoforte (successivamente orchestrata ) dedicata agli amici caduti durante la guerra .

1920

Composizione de La Valse, poema coreografico per orchestra , che evoca la Vienna imperiale in un’atmosfera di sfarzo e decadenza .

1922

Arrangiò e orchestrò i Quadri di un’esposizione di Musorgskij, una versione che oggi è più famosa dell’originale per pianoforte.

1928

Viaggio trionfale negli Stati Uniti, dove incontrò in particolare George Gershwin.

Composizione del Boléro, commissionata dalla ballerina Ida Rubinstein. Quest’opera, caratterizzata da un’unica melodia ripetuta e da un crescendo costante, divenne rapidamente una delle sue opere più famose e riconoscibili .

1930-1931

Compose due concerti per pianoforte: il Concerto in Sol maggiore (brillante e scintillante) e il Concerto per la mano sinistra in Re maggiore (scuro e potente, commissionato dal pianista Paul Wittgenstein, che aveva perso un braccio durante la guerra). Queste opere dimostrano la sua assimilazione delle influenze jazz.

1932

Un incidente in taxi a Parigi segnò l’inizio di problemi neurologici che avrebbero gradualmente compromesso le sue facoltà cognitive e la sua capacità di comporre .

1937

28 dicembre : Maurice Ravel muore a Parigi dopo un intervento chirurgico per alleviare i suoi problemi neurologici. È sepolto nel cimitero di Levallois-Perret .

Caratteristiche della musica

Padronanza dell’orchestrazione e del timbro: Ravel è universalmente riconosciuto come un maestro ineguagliabile dell’orchestrazione . Possedeva un incredibile senso del colore strumentale, combinando i timbri con precisione chirurgica per creare suoni ricchi, brillanti e spesso innovativi. Ogni strumento è utilizzato al massimo delle sue potenzialità, sfruttandone registri e peculiarità. Le sue orchestrazioni sono chiare, equilibrate e straordinariamente trasparenti, anche nei passaggi più densi (si pensi naturalmente al Boléro, ma anche a Dafni e Cloé o alla sua orchestrazione dei Quadri di un’esposizione di Musorgskij).

Precisione , Chiarezza e Perfezionismo Formale: a differenza di alcuni dei suoi contemporanei più “romantici”, Ravel era un perfezionista assoluto. Ogni nota, ogni frase, ogni sfumatura era meticolosamente elaborata. La sua musica è di grande chiarezza formale, anche quando utilizza armonie complesse. Prediligeva l’eleganza e il rigore costruttivo, ereditati in parte dalla tradizione classica, e ricercava una perfezione tecnica che considerava il fine ultimo dell’artista. Questo “scrupolo di non fare qualsiasi cosa” è una celebre citazione dello stesso Ravel .

Raffinatezza armonica e modalità: sebbene associato all’impressionismo, Ravel non abbandonò mai completamente la tonalità . Tuttavia, arricchì il linguaggio armonico utilizzando accordi non convenzionali, sottili dissonanze e modi antichi o esotici. Le sue armonie sono spesso complesse e raffinate, contribuendo a un’atmosfera evocativa e onirica senza sacrificare la chiarezza melodica . Era particolarmente appassionato di progressioni di accordi paralleli e dissonanze irrisolte, che conferiscono alla sua musica un suono distintivo.

Molteplici influenze ed eclettismo:

Impressionismo: Pur rifiutando l’etichetta, Ravel condivideva con Debussy il gusto per i colori sonori, le atmosfere eteree e l’ evocazione di paesaggi o sensazioni (Jeux d’eau, Miroirs) .

Musica spagnola: le origini basche della madre hanno profondamente influenzato il suo lavoro. Ritmi e melodie di ispirazione spagnola si ritrovano in molti brani, come l’Habanera, L’Heure espagnole e, naturalmente, il Boléro .

Neoclassicismo : nella seconda parte della sua carriera , Ravel si orientò verso una chiarezza e un rigore formale che ricordavano l’estetica classica e barocca (Le Tombeau de Couperin, Concerto in sol maggiore). Ammirava la semplicità e l’equilibrio delle forme antiche.

Jazz: Affascinato dal jazz durante i suoi viaggi negli Stati Uniti, incorporò elementi ritmici e armonici di questo genere nelle sue ultime opere, in particolare nei due concerti per pianoforte e nella Sonata per violino.

Importanza della melodia e della danza: Ravel attribuiva grande importanza alla melodia . I suoi temi sono spesso caratterizzati dalla loro eleganza e dalla capacità di catturare l’ascoltatore. La danza, stilizzata o direttamente coreografata, occupa un posto centrale nella sua opera. Dalla Pavana al Bolero, passando per Il Valzer e Dafni e Cloe, movimento e ritmo sono motori essenziali della sua creatività .

Sensibilità ed espressività contenuta: nonostante la sua reputazione di compositore “freddo” o “intellettuale”, la musica di Ravel è intrisa di una profonda sensibilità e di un’espressività spesso velata . L’emozione non è espressa in modo esplosivo, ma si rivela attraverso tessiture delicate , armonie sottili e una discreta malinconia , lasciando all’ascoltatore il compito di interpretarne le sfumature. Vi è spesso un contrasto tra il rigore formale e una tenerezza di fondo.

In breve, la musica di Ravel è un mix unico di virtuosismo tecnico, raffinatezza estetica e profonda musicalità , in cui ogni elemento è realizzato con magistrale precisione per creare opere di una bellezza senza tempo.

Impatti e influenze

Maurice Ravel, attraverso il suo genio creativo e il suo rigore artistico, ha lasciato un segno indelebile nella storia della musica, influenzando molti compositori e segnando profondamente il XX secolo . Il suo impatto e le sue influenze possono essere osservati da diverse angolazioni:

1. L’impatto sull’orchestrazione e sul suono sinfonico:

Questa è forse l’eredità più ovvia e potente di Ravel . La sua impareggiabile padronanza dell’orchestrazione ha ridefinito le possibilità sonore dell’orchestra. Ha dimostrato come combinare gli strumenti in modi innovativi , utilizzando i timbri con una precisione e una chiarezza rivoluzionarie . La sua orchestrazione dei Quadri di un’esposizione di Musorgskij è diventata uno standard , spesso eseguita più frequentemente dell’esecuzione pianistica originale. Molti compositori dopo di lui hanno studiato le sue partiture per apprendere l’arte della strumentazione, e la sua influenza si percepisce nella musica da film, dove i ricchi colori orchestrali sono fondamentali. Ha elevato l’orchestrazione a una forma d’arte a sé stante .

2. Influenza sui compositori del XX secolo :

Ravel influenzò una generazione di compositori che ammiravano il suo rigore formale e il suo senso dell’innovazione.

Compositori francesi : Naturalmente, fu una figura chiave per molti dei suoi compatrioti, ispirando chiarezza ed eleganza nella scrittura francese . Sebbene a volte avesse rapporti complessi con alcuni membri del gruppo Les Six, la sua ricerca della perfezione e la sua raffinatezza armonica lasciarono il segno.

L’ integrazione del jazz: Ravel fu uno dei primi compositori “classici” ad abbracciare e integrare pienamente gli elementi del jazz (ritmi sincopati, armonie blues) nella sua musica. I suoi Concerti per pianoforte e la Sonata per violino ne sono la prova. Questa apertura aprì la strada ad altri compositori (come Darius Milhaud) per esplorare questa fusione, e ebbe persino un impatto reciproco su alcuni musicisti jazz che trovarono ispirazione nelle sue armonie e melodie .

Neoclassicismo: il passaggio a uno stile più raffinato e formale dopo la prima guerra mondiale , denominato neoclassicismo, contribuì a questa importante tendenza dei primi anni del XX secolo , favorendo un ritorno alle forme classiche con un linguaggio armonico moderno.

3. La rinascita della musica dance:

L’importanza della danza nell’opera di Ravel è considerevole. I suoi balletti, in particolare Dafni e Cloe e Bolero, dimostrarono la capacità della musica di creare mondi sonori ricchi ed evocativi per il movimento. Infuse nuova vita a forme di danza stilizzate (pavane, valzer), elevandole al rango di capolavori da concerto.

4. La ricerca della perfezione e dell’abilità musicale:

Il perfezionismo di Ravel ha lasciato un’eredità di rigore e standard elevati. Ha dimostrato che un compositore può realizzare le sue opere con la precisione di un artigiano, rifiutando le opzioni facili e ricercando l’espressione più accurata. Questo approccio ha ispirato coloro che cercavano di padroneggiare la propria arte con disciplina esemplare. Igor Stravinskij lo soprannominò persino “orologiaio svizzero”, riferendosi alla complessità e alla precisione delle sue opere.

5. L’ ampliamento del repertorio pianistico:

Le sue opere per pianoforte, come Jeux d’eau, Miroirs e Gaspard de la nuit, hanno spinto i limiti tecnici ed espressivi dello strumento, creando nuove tessiture e sonorità. Sono pilastri del repertorio pianistico e hanno influenzato la scrittura pianistica di generazioni di compositori.

6. L’influenza sulla musica cinematografica e sull’immaginario collettivo:

La capacità di Ravel di creare atmosfere potenti e immagini sonore vivide trovò naturale eco nel cinema. Le sue tecniche di orchestrazione e il suo senso di drammaticità latente sono stati fonte di ispirazione per i compositori cinematografici, e brani tratti dalle sue opere sono spesso utilizzati per il loro potere evocativo (Boléro ne è l’esempio più eclatante).

In breve, Maurice Ravel non è stato solo un grande compositore, ma anche un innovatore e un meticoloso artigiano che ha arricchito il linguaggio musicale del suo tempo. Il suo impatto risiede nella capacità di fondere tradizione e modernità , di padroneggiare l’orchestrazione come nessun altro e di infondere una precisione artistica che continua ad affascinare e ispirare musicisti e ascoltatori di tutto il mondo.

Stile di musica

Sebbene Maurice Ravel sia spesso associato all’impressionismo musicale, il suo stile è in realtà più sfumato e in continua evoluzione, incorporando influenze diverse e caratterizzato da grande originalità. Può essere definito da diversi tratti distintivi:

Impressionismo (e oltre ) :

Colore sonoro e atmosfera : come Debussy, Ravel era affascinato dalla capacità della musica di evocare colori, luci , stati d’animo e paesaggi. I suoi brani come Jeux d’eau e Miroirs (in particolare “Oiseaux tristes” e “Une barque sur l’océan”) sono esempi perfetti di questa ricerca di un suono cangiante ed evanescente , dove le armonie sono spesso suggestive piuttosto che strettamente funzionali.

Utilizzo di modi e scale esotici: spesso utilizzava modi antichi, scale pentatoniche o suoni ispirati all’Estremo Oriente o alla Spagna, il che conferisce alla sua musica una qualità eterea e talvolta misteriosa , lontana dalle convenzioni armoniche tradizionali.

Rifiuto dell’etichetta: È importante notare che Ravel stesso rifiutò l’etichetta di impressionista, preferendo considerarsi un artigiano preciso e rigoroso, attento alla chiarezza formale .

Precisione e chiarezza formale:

Rigore e struttura: questo è un punto chiave che lo distingue da Debussy. Ravel è un “orologiaio”, un compositore di estrema meticolosità . Le sue opere, anche le più armonicamente complesse, sono sempre di grande chiarezza strutturale. Ogni nota, ogni frase è cesellata con meticolosa precisione. Non c’è spazio per l’improvvisazione o la vaghezza.

Eleganza classica : eredita il senso dell’equilibrio e delle proporzioni da compositori classici francesi come Couperin e Rameau. Questa eleganza si riflette nella finezza delle sue linee melodiche e nella logica delle sue costruzioni .

Padronanza dell’orchestrazione :

Virtuosismo strumentale : Ravel è senza dubbio uno dei più grandi orchestratori della storia della musica. Aveva una conoscenza approfondita delle possibilità di ogni strumento e sapeva come combinarle per creare tessiture sonore di ineguagliabile ricchezza e trasparenza .

Colori e texture: usava l’orchestra come la tavolozza di un pittore, creando effetti di luce e ombra, contrasti sorprendenti e sottili dissolvenze. La sua orchestrazione dei Quadri di un’esposizione di Musorgskij è un capolavoro di questa abilità.

Influenze ed eclettismo:

Musica spagnola: profondamente radicata nella sua eredità materna, l’influenza spagnola è onnipresente nella sua opera, da brani come La Habanera o Alborada del gracioso al famoso Boléro , intriso di ritmi, melodie e atmosfere iberiche .

Neoclassicismo : dopo la prima guerra mondiale , Ravel si rivolse a uno stile più puro , con un ritorno alla chiarezza delle forme del XVII e XVIII secolo . Le Tombeau de Couperin ne è un perfetto esempio, dove le forme barocche vengono rivisitate con un linguaggio armonico moderno.

Jazz: i suoi viaggi negli Stati Uniti lo avvicinarono al jazz, di cui integrò le sincopi, i ritmi e alcune inflessioni armoniche (in particolare le “blue note”) in opere come i Concerti per pianoforte e la Sonata per violino.

Sensibilità ed espressività contenuta:

Sebbene abbia la reputazione di compositore “obiettivo” o “distaccato ” , la musica di Ravel è permeata da una profonda sensibilità, spesso velata dalle sue esigenze formali. Una certa malinconia, una tenerezza o una discreta nostalgia emerge da molte delle sue opere (Pavane pour une infante dé funte, “Le Jardin féerique” da Ma Mère l’Oye). L’emozione è suggerita piuttosto che espressa in modo effusivo.

In sintesi , lo stile di Maurice Ravel è una sintesi unica di raffinatezza armonica e melodica, orchestrazione brillante e precisa, grande rigore formale ereditato dal classicismo e apertura a diverse influenze (spagnolo, jazz). È l’artefice di una musica di una bellezza senza tempo , dove la chiarezza espressiva compete con la ricchezza del colore e la sottigliezza delle emozioni.

Il rapporto tra Ravel e Debussy

Il rapporto tra Maurice Ravel e Claude Debussy è al tempo stesso complesso e affascinante, segnato da un’iniziale reciproca ammirazione, da una certa rivalità esacerbata dai rispettivi sostenitori e, infine, da un crescente allontanamento. Sebbene siano spesso raggruppati sotto l’etichetta di impressionisti, le loro personalità e i loro approcci musicali differivano notevolmente.

Un’ammirazione iniziale e un’amicizia altalenante:

All’inizio della loro carriera , Ravel, di 13 anni più giovane di Debussy, ammirava profondamente il suo predecessore . Lo considerava un pioniere e un genio che stava aprendo nuove strade nella musica francese . Ravel faceva persino parte del gruppo degli “Apaches”, un circolo di artisti e intellettuali che sostenevano con entusiasmo la musica innovativa di Debussy, in particolare la sua opera Pelléas et Mélisande. Si dice che Ravel abbia assistito a ogni rappresentazione di quest’opera nel 1902. La loro amicizia, sebbene mai eccessivamente stretta , durò più di un decennio.

Punti di contesa e rivalità :

Tuttavia, diversi fattori hanno gradualmente avvelenato la loro relazione:

Lo “Scandalo Ravel” del Prix de Rome (1905): i ripetuti fallimenti di Ravel nel vincere il prestigioso Prix de Rome, inclusa la sua eliminazione nel 1905 nonostante fosse già un compositore affermato , causarono un’ondata di indignazione pubblica. Critici e sostenitori di Ravel puntarono il dito contro l’establishment conservatore del Conservatorio e spesso paragonarono Ravel a Debussy, sostenendo che il sistema impediva l’ emergere di nuovi talenti ” alla maniera di Debussy”. Sebbene Debussy non fosse direttamente coinvolto nella giuria, questa vicenda creò una certa tensione.

Gelosia e sospetti di plagio: ammiratori di entrambe le parti iniziarono a formare fazioni, creando una rivalità artificiale. Scoppiarono discussioni sulla cronologia delle loro opere e su chi avesse influenzato chi. Alcuni critici accusarono Ravel di copiare lo stile di Debussy, soprattutto per quanto riguarda la scrittura pianistica o l’uso dei modi. Ravel si difese enfatizzando le proprie innovazioni e il proprio rigore formale. Questo continuo confronto li infastidì entrambi.

Le “Tre poesie di Stéphane Mallarmé ” (1913): un evento degno di nota fu la composizione simultanea, da parte dei due compositori, di cicli di melodie basati sulle stesse poesie di Stéphane Mallarmé . Ravel aveva iniziato a lavorare a “Soupir”, “Placet futile” e “Surgi de la croup et du bond”, e Debussy annunciò poco dopo che stava componendo anche lui su questi stessi testi . Ciò fu percepito come una provocazione o una competizione diretta.

Differenze personali e sostegno per l’ex moglie di Debussy: le loro personalità erano molto diverse . Debussy era più estroverso e le sue relazioni personali erano spesso tumultuose. Ravel, d’altra parte , era notoriamente silenzioso e riservato . Un dettaglio rivelatore della loro tensione personale è il fatto che quando Debussy lasciò la sua prima moglie , Lilly Texier, per andare a vivere con Emma Bardac nel 1904, Ravel, insieme ad amici comuni, contribuì finanziariamente per sostenere Lilly. Questo gesto, motivato dalla compassione per Lilly, potrebbe essere stato percepito da Debussy come un’interferenza o un giudizio.

Distanza e ammirazione mantenute nonostante tutto:

Col tempo, i rapporti tra Ravel e Debussy si fecero tesi. Non interagivano più allo stesso modo e i commenti diretti tra loro divennero rari e talvolta aspri (si dice che Debussy abbia criticato la scrittura orchestrale di Ravel, definendola troppo meccanica, mentre Ravel a volte trovava lo stile di Debussy “vago”).

Tuttavia, nonostante questa rivalità e questo distacco, perdurò una reciproca ammirazione professionale. Ravel riconobbe sempre il genio di Debussy. Lo definì addirittura ” il genio più fenomenale nella storia della musica francese “. Dopo la morte di Debussy nel 1918, Ravel gli rese omaggio, e si può osservare nel suo Concerto per la mano sinistra (1930), o persino nel crescente rigore del suo stile tardo, una forma di dialogo postumo con l’opera del suo predecessore , in cui Ravel spinge più avanti certe indagini sul timbro e sulla struttura.

In breve, il loro rapporto fu un complesso mix di ispirazione, rivalità e rispetto reciproco, alimentato dal pubblico e dalla critica che cercavano di metterli l’uno contro l’altro. Rimasero le due figure tutelari dell’Impressionismo musicale francese , le cui differenze finirono per arricchire e diversificare il paesaggio sonoro del loro tempo.

Rapporto tra Ravel e Satie

Il rapporto tra Maurice Ravel ed Erik Satie è complesso e sfumato quanto quello di Ravel con Debussy. Era caratterizzato da reciproca ammirazione, da un certo sostegno artistico, ma anche da divergenze estetiche e, a volte, da un pizzico di ironia o rivalità .

Ammirazione e sostegno iniziali:

Erik Satie, nato nel 1866, aveva nove anni più di Ravel . All’inizio del XX secolo , Satie era già una figura piuttosto marginale ma affascinante nella vita musicale parigina, noto per il suo umorismo eccentrico, il suo umorismo anticonformista e le sue composizioni essenziali che sfidavano le convenzioni accademiche.

Ravel, allora giovane compositore al Conservatorio, era molto incuriosito e ammirava il carattere innovativo di Satie. Vedeva in lui uno spirito libero che osava rompere con il romanticismo e l’opulenza dell’epoca. Ravel fu persino uno dei primi, insieme ad altri musicisti del gruppo “Apaches”, a interessarsi seriamente alla musica di Satie e a difenderla pubblicamente . In particolare, contribuì a far conoscere opere come le Gymnopédies e le Sarabande, considerate oggi emblematiche dello stile di Satie. Ravel stesso orchestrava due delle Gymnopédies (la prima e la terza ) e una delle Sarabande, contribuendo così a farle eseguire in contesti più ampi e a renderle accessibili a un pubblico più vasto. Questo gesto di orchestrazione dimostra il suo rispetto per il materiale musicale di Satie.

Divergenze estetiche e critiche:

Nonostante questa iniziale ammirazione, i loro approcci musicali divergevano fondamentalmente.

Satie ricercava semplicità , chiarezza , un umorismo a volte assurdo e un certo distacco emotivo in forme spesso molto brevi e ripetitive . La sua musica era spesso deliberatamente “piccola” e antiromantica.

Ravel, pur essendo attento alla chiarezza , era un perfezionista meticoloso, ossessionato dal virtuosismo tecnico, dalla brillante orchestrazione e dalla rigorosa struttura formale. La sua musica è molto più densa ed elaborata di quella di Satie.

Queste differenze hanno talvolta dato origine a commenti caustici. La critica più famosa di Satie a Ravel è senza dubbio: “Ravel ha appena rifiutato la Legion d’Onore, ma tutta la sua musica l’accetta”. Questa frase, al tempo stesso arguta e acidula, riassume bene la percezione di Satie: vedeva Ravel come qualcuno che, nonostante le sue proteste di indipendenza (Ravel rifiutò la Legion d’Onore), produceva musica che in definitiva era troppo “ben fatta”, troppo perfetta accademicamente e quindi, in un certo senso , conformista agli occhi dell’iconoclasta Satie.

Un’influenza reciproca, ma asimmetrica:

L’influenza più notevole sul giovane Ravel fu Satie. Brani come la Pavane pour une infante morte (1899) di Ravel sono spesso paragonati alle Gymnopédies (1888) di Satie per la loro delicatezza e apparente semplicità melodica . Presentano una certa forma di “falsa” nota fondamentale e accordi di settima o nona irrisolti , caratteristiche stilistiche che Satie aveva esplorato molto prima di Ravel.

Tuttavia, l’influenza di Ravel su Satie fu meno diretta e meno evidente, poiché Satie aveva già forgiato il suo stile unico e molto personale .

In sintesi :

Il rapporto tra Ravel e Satie fu quello di due menti brillanti e innovative sulla scena musicale parigina. Il giovane Ravel fu inizialmente un fervente difensore di Satie e della sua visione avanguardistica, arrivando persino ad orchestrare alcune delle sue opere. Tuttavia , le loro personalità e la loro estetica divergenti portarono a una distanza e a scambi talvolta venati di ironia, con Satie che criticava Ravel per un certo eccessivo perfezionismo. Ciononostante, entrambi contribuirono, ciascuno a modo suo , a liberare la musica francese dalle convenzioni post-romantiche e ad aprire la strada a nuove sonorità nel XX secolo .

Il rapporto tra Ravel e Koechlin

Il rapporto tra Maurice Ravel e Charles Koechlin, sebbene meno famoso o conflittuale di quello di Ravel con Debussy o Satie, era quello di rispettosi colleghi , a volte amici, che condividevano l’attaccamento alla musica francese e all’arte della composizione.

Un rapporto di mentoring e ammirazione reciproca

Charles Koechlin (1867-1950) era di otto anni più grande di Ravel . Probabilmente si incontrarono al Conservatorio di Parigi, dove entrambi studiarono , sebbene in momenti leggermente diversi . Koechlin, noto per la sua erudizione e la sua padronanza del contrappunto, dell’armonia e dell’orchestrazione, era una figura rispettata nei circoli musicali parigini .

dimostrò fin da subito una grande ammirazione per Ravel e fu uno dei suoi ferventi difensori. Fu persino uno dei primi a riconoscere e lodare pubblicamente il genio di Ravel . Si dice che Koechlin sia rimasto particolarmente colpito dal Quartetto per archi in Fa maggiore di Ravel ( completato nel 1903) e lo abbia vivamente incoraggiato .

Questa ammirazione era reciproca. Ravel, sempre alla ricerca della perfezione tecnica, nutriva un profondo rispetto per Koechlin per la sua vasta conoscenza della teoria musicale e dell’orchestrazione. Si dice persino che Ravel abbia talvolta consultato Koechlin su questioni tecniche di orchestrazione o armonia, riconoscendone la competenza.

Affinità estetiche e differenze temperamentali

Sebbene le loro personalità fossero diverse ( Ravel più riservato e attento alla forma concisa, Koechlin più prolifico, espansivo e talvolta più sperimentale), condividevano diverse affinità estetiche :

Rifiuto dell’enfasi romantica: entrambi cercarono di allontanarsi dagli eccessi del Romanticismo tedesco e francese della fine del XIX secolo , privilegiando chiarezza , sobrietà e una certa finezza.

La ricerca del colore strumentale: come Ravel, Koechlin era un maestro dell’orchestrazione e dell’uso dei timbri. I suoi trattati sull’orchestrazione sono, inoltre , dei punti di riferimento .

Interesse per la modalità e le sonorità non tradizionali: entrambi esplorarono armonie e modalità arricchite, ampliando il linguaggio tonale.

Legame con la musica francese : Entrambi seguivano la tradizione musicale francese , caratterizzata da eleganza , precisione e chiarezza .

Tuttavia, c’erano anche delle differenze . Koechlin fu forse più audace in alcuni dei suoi esperimenti armonici e formali, e molto più prolifico di Ravel, producendo una quantità colossale di opere, molte delle quali rimangono inesplorate . Ravel, d’altra parte, era un artigiano meticoloso che lucidava ogni opera al massimo .

relazione discreta ma duratura
Il loro rapporto non fu mai costellato da scandali o grandi dichiarazioni pubbliche, come nel caso di Debussy. Fu più discreto , basato sul rispetto reciproco per le rispettive competenze e i rispettivi approcci artistici. Koechlin continuò a difendere e analizzare la musica di Ravel per tutta la vita, sottolineando sempre la bellezza e la perfezione della sua opera .

In breve, il rapporto tra Maurice Ravel e Charles Koechlin fu di profonda stima professionale, dove il maggiore riconosceva e sosteneva il talento del fratello minore, e dove quest’ultimo rispettava l’erudizione e la competenza del collega . Un’amicizia discreta , ma radicata in un amore condiviso per l’arte della composizione.

Il rapporto tra Ravel e Fauré

Il rapporto tra Maurice Ravel e Gabriel Fauré fu di fondamentale importanza nella vita e nella formazione del giovane Ravel. Più che un semplice incontro, fu un rapporto maestro – allievo che si trasformò in una profonda stima reciproca e in un’amicizia profonda, sebbene Ravel avrebbe poi sviluppato uno stile diverso da quello del suo maestro.

Un incontro decisivo al Conservatorio

Gabriel Fauré (1845-1924), allora professore di composizione e figura influente nella musica francese , ebbe un ruolo decisivo nella formazione di Ravel. Maurice Ravel entrò al Conservatorio di Parigi nel 1889 e nel 1897 si unì alla classe di composizione di Fauré . Fauré era rinomato per il suo approccio aperto all’insegnamento, che incoraggiava l’originalità e la personalità dei suoi studenti piuttosto che imporre uno stile rigido.

Questa libertà fu cruciale per Ravel, che, nonostante il suo genio, faticò a conformarsi alle aspettative conservatrici del Conservatorio. Fauré riconobbe l’ eccezionale talento di Ravel , la sua sensibilità armonica e il suo innato senso per l’orchestrazione, sebbene il giovane studente fosse spesso percepito come “pigro” o “troppo originale” dagli altri insegnanti.

Lo “scandalo Ravel” e il sostegno incrollabile di Fauré
Il rapporto tra Ravel e Fauré fu messo a dura prova dai celebri insuccessi di Ravel al Prix de Rome, prestigioso concorso di cui anche Fauré fu vincitore. Nel 1905, l’eliminazione di Ravel al primo turno del concorso, nonostante avesse già scritto opere importanti come Jeux d’eau e il Quartetto per archi , suscitò un enorme scandalo. L’opinione pubblica e gran parte della stampa denunciarono l’ingiustizia e il conservatorismo dell’istituzione.

Nel cuore di questa tempesta , Gabriel Fauré difese il suo allievo con fermezza e integrità . Divenuto direttore del Conservatorio quello stesso anno , Fauré non esitò a difendere Ravel e a mettere in discussione il sistema di selezione . Questo sostegno incondizionato, sebbene non fece vincere direttamente a Ravel il premio , rafforzò il loro legame e dimostrò la stima di Fauré per il suo ex allievo . Questo episodio portò anche alle dimissioni di diversi membri della giuria e a una parziale riforma dei criteri di valutazione .

Un’influenza profonda ma un’individualità decisa

L’influenza di Fauré su Ravel è innegabile, in particolare in:

La chiarezza e l’eleganza della scrittura: Fauré, con il suo stile raffinato , trasmise a Ravel il gusto per la chiarezza delle linee, la concisione e l’equilibrio formale, lontano dalle effusioni romantiche.

Armonia e modalità : Ravel ereditò da Fauré una certa audacia armonica , l’uso sottile dei modi e una sensibilità agli accordi di settima o di nona , che danno un colore particolare alla sua musica.

Il trattamento della melodia: Sebbene le loro melodie fossero diverse , Fauré instillò in Ravel l’importanza della cantilena e di una linea melodica lirica ed espressiva.

Tuttavia, Ravel sviluppò rapidamente una propria voce. Fauré, grazie alla sua apertura mentale, permise a Ravel di fiorire senza confinarlo nel suo stile. Ravel spinse la finezza dell’orchestrazione ben oltre Fauré e incorporò influenze (come il jazz o i ritmi spagnoli) che erano assenti nel suo maestro .

Un’amicizia duratura e rispettosa

Fino alla morte di Fauré , nel 1924, i due uomini mantennero un rapporto di profondo rispetto e affetto. Ravel espresse sempre la sua gratitudine a Fauré, considerandolo un padre spirituale e una guida essenziale nella sua carriera di compositore. Partecipò attivamente anche a tributi ed eventi in suo onore .

In sintesi, il rapporto tra Maurice Ravel e Gabriel Fauré fu esemplare: quello di un maestro illuminato che, riconoscendo il genio del suo allievo , seppe incoraggiarlo a forgiare la propria identità musicale, e quello di un allievo grato che, pur tracciando la propria strada, conservò sempre stima e amore filiale per colui che lo aveva formato .

Relazioni con altri compositori

Maurice Ravel, uomo riservato e artista esigente, interagiva con molti compositori del suo tempo, instaurando rapporti che andavano dalla profonda ammirazione a una certa cortese distanza, fino a scambi proficui. Oltre a figure iconiche come Debussy, Satie e Koechlin (di cui abbiamo già parlato ), ecco alcuni dei suoi rapporti diretti con altri compositori:

Igor Stravinsky (1882-1971): stima e ammirazione reciproche
Ravel e Stravinsky, pur rappresentando estetiche diverse (raffinatezza francese per l’uno, forza primitiva russa per l’altro), condividevano una reciproca ammirazione e una profonda comprensione della musica dell’altro. Si incontrarono a Parigi all’inizio del XX secolo , un periodo vibrante per la creazione artistica.

Stravinsky riconobbe il genio di Ravel, arrivando persino a soprannominarlo ” orologiaio svizzero” per la sua precisione e la perfezione meccanica della sua scrittura, un complimento venato di ammirazione. Si dice che abbia assistito alla tempestosa prima de La Sagra della Primavera di Stravinsky nel 1913, e Stravinsky avrebbe affermato che Ravel fu uno dei pochi ad aver compreso immediatamente l’opera. Ravel, da parte sua , era affascinato dall’energia e dall’originalità di Stravinsky .

Il loro rapporto si evolse da una certa vicinanza a una certa distanza, dovuta alle loro diverse origini personali ed estetiche. Tuttavia, il rispetto reciproco tra questi due giganti della musica del XX secolo rimase intatto. Stravinsky partecipò persino al funerale di Ravel nel 1937.

George Gershwin (1898-1937): ammirazione transatlantica e opportunità mancata
L’incontro tra Ravel e George Gershwin è uno dei più celebri e rivelatori dell’apertura mentale di Ravel. Nel 1928, durante la sua trionfale tournée negli Stati Uniti, Ravel incontrò il giovane e dinamico Gershwin. Ravel era affascinato dal jazz americano, un genere che considerava una forza musicale vitale e innovativa , e di cui aveva già incorporato elementi nelle sue composizioni .

A una festa a New York, si dice che Gershwin abbia suonato la Rapsodia in blu di Ravel e il brano “The Man I Love”. Ravel rimase profondamente colpito dall’innato talento melodico di Gershwin e dalla sua padronanza del linguaggio jazz. Quando Gershwin, desideroso di approfondire la sua conoscenza della composizione classica, chiese a Ravel di prendere lezioni , Rashwin rifiutò gentilmente. La sua risposta divenne leggendaria: “Perché vuoi diventare un Ravel di seconda categoria quando sei già un Gershwin di prima categoria ?” O, secondo un’altra versione, “Sarebbe meglio scrivere un buon Gershwin che un cattivo Ravel”.

Questo rifiuto non era un segno di disprezzo, ma piuttosto un segno di rispetto per l’originalità di Gershwin, poiché Ravel riteneva di non dover diluire il proprio genio cercando di imitare uno stile che non gli apparteneva. Questo aneddoto sottolinea la reciproca ammirazione tra i due uomini, morti nello stesso anno , il 1937, entrambi per problemi neurologici .

I Sei (Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger, Georges Auric, Louis Durey, Germaine Tailleferre): Un’influenza indiretta e un rispetto lontano
Il Gruppo dei Sei, attivo negli anni ’20, cercò di allontanarsi dall’estetica impressionista di Debussy e Ravel, che a volte consideravano troppo eterea o complessa, per promuovere una musica più semplice e diretta, radicata nella vita quotidiana. Guidati da Jean Cocteau, abbracciarono uno spirito antiromantico e moderno, spesso influenzato dal music-hall, dal circo e dal jazz (molto prima che Ravel lo incorporasse ).

Nonostante il loro desiderio di prendere le distanze, l’influenza di Ravel, figura di spicco della musica francese , fu inevitabile. Alcuni membri, come Francis Poulenc e Darius Milhaud, mostrarono un certo rispetto per Ravel, riconoscendone la perfezione compositiva. Si possono persino individuare legami con Milhaud nell’interesse per il jazz (come ne La Création du Monde, che precede i concerti di Ravel). Germaine Tailleferre, unica donna del gruppo, fu particolarmente attenta a Ravel e Satie nella sua esplorazione di stili musicali.

Ravel, da parte sua , osservava questo nuovo movimento con una certa curiosità. Pur non aderendo a tutte le loro provocazioni, ne riconosceva indubbiamente la vitalità e il desiderio di rinnovamento. Il suo rapporto con loro era quello di una figura affermata di fronte a una nuova generazione , caratterizzato da un rispetto distaccato piuttosto che da una stretta collaborazione o da una rivalità diretta .

Arnold Schoenberg (1874-1951): ammirazione coraggiosa e riconoscimento intellettuale
Sebbene i loro linguaggi musicali fossero agli estremi opposti dello spettro (Ravel legato alla tonalità arricchita , Schoenberg pioniere dell’atonalità e della dodecafonia), Maurice Ravel dimostrò un notevole coraggio intellettuale e una mentalità aperta nei confronti di Arnold Schoenberg.

Negli anni Venti, la musica tedesca, e in particolare quella di compositori più “radicali” come Schoenberg, fu spesso bandita dalle sale da concerto parigine a causa delle tensioni del primo dopoguerra . Eppure Ravel, che si interessava principalmente all’arte, non alle nazionalità, difese pubblicamente Schoenberg. Quando l’École Normale de Musique di Parigi invitò Schoenberg a tenere una conferenza, Ravel fu uno dei pochi musicisti francesi di rilievo a sostenerlo apertamente, denunciando il dilagante nazionalismo artistico.

Ravel considerò sempre Schoenberg un compositore importante e un profondo pensatore musicale, sebbene non adottò mai il suo sistema ecafonico dodecafonico . Questo rapporto si basava quindi più sul rispetto intellettuale e sul riconoscimento dell’innovazione, piuttosto che sull’amicizia personale o sull’influenza stilistica diretta.

Questi esempi illustrano la posizione unica di Maurice Ravel nel panorama musicale del suo tempo: quella di un artista rigoroso, profondamente radicato nella sua tradizione, ma anche incredibilmente aperto alle novità e ai talenti del suo tempo, qualunque ne fosse l’origine o l’estetica.

Maurice Ravel, compositore meticoloso e perfezionista, manteneva rapporti complessi e spesso precisi con esecutori e orchestre. Era noto per la sua esigenza nel rispettare le sue partiture e le sue intenzioni, ma sapeva anche riconoscere e valorizzare il talento di coloro che si mettevano al servizio della sua musica.

Rapporti con gli interpreti : una richiesta di perfezione
Ravel era estremamente rigoroso nell’interpretazione delle sue opere. Detestava qualsiasi forma di eccesso sentimentale o di eccessiva libertà. Per lui, la partitura era sacra e l’esecutore doveva fare un passo indietro di fronte alla musica. Tuttavia, questo requisito non escludeva la collaborazione e i consigli.

Ricardo Viñes (1875-1943): l’amico di una vita e il “primo raveliano”
Ricardo Viñes , pianista spagnolo e amico d’infanzia di Ravel, fu probabilmente l’interprete più intimo e importante di Ravel. Come compagni di corso, condividevano affinità musicali e letterarie. Viñes fu il primo interprete di molte delle opere per pianoforte di Ravel, tra cui Jeux d’eau (1902), la suite Miroirs (1906) e Gaspard de la Nuit (1909). Il loro rapporto era di profonda fiducia reciproca. Viñes comprendeva intuitivamente il linguaggio di Ravel, e Ravel si affidava al suo amico per dare vita alle sue partiture . Fu grazie a Viñes che le opere per pianoforte di Ravel furono ampiamente diffuse e riconosciute fin dall’inizio .

Marguerite Long (1874-1966): la musa dei concerti
Marguerite Long, rinomata pianista francese e influente insegnante, ebbe un rapporto professionale molto stretto con Ravel , soprattutto negli ultimi anni della sua vita . Ravel si dedicò a lei e collaborò strettamente alla prima esecuzione dei suoi due capolavori concertistici: il Concerto in sol maggiore (1931) e il Concerto per la mano sinistra (1930). Ravel lavorò direttamente con Long, spiegandone le intenzioni, il fraseggio e i tempi, assicurandosi che l’esecutore catturasse accuratamente lo spirito delle sue composizioni. Marguerite divenne l’ interprete principale di questi concerti e una fervente promotrice della sua musica.

Vlado Perlemuter ( 1904-2001 ) : lo studioso privilegiato dell’opera completa
Vlado Perlemuter, pianista franco-polacco, ricevette una serie di lezioni intensive da Ravel nel 1927, durante le quali studiò l’ opera completa per pianoforte del compositore . Ravel rimase colpito dal rigore e dalla serietà di Perlemuter. Queste sessioni di lavoro furono cruciali per Perlemuter, che registrò accuratamente tutte le istruzioni di Ravel, fornendo una preziosa testimonianza delle intenzioni del compositore. Successivamente, Perlemuter registrò l’opera completa per pianoforte di Ravel, che divenne un punto di riferimento per decenni .

Alfred Cortot (1877-1962): Rispetto reciproco nonostante i diversi temperamenti
Cortot, un altro grande pianista dell’epoca, eseguì anche la musica di Ravel . Sebbene le loro personalità siano talvolta viste come opposte (Cortot più romantico, Ravel più “classico” e riservato ) , tra i due esisteva un reciproco rispetto professionale. Cortot era un musicista immenso e Ravel ne riconobbe il talento, anche se non nutriva la stessa affinità personale che aveva con Viñes o Long.

Rapporti con orchestre e direttori: Un compositore che ha anche diretto
Ravel era un geniale orchestratore, e quindi era naturalmente molto coinvolto nell’esecuzione delle sue opere orchestrali . Ebbe l’opportunità di dirigere le proprie composizioni, in particolare durante la sua trionfale tournée negli Stati Uniti nel 1928, dove diresse orchestre prestigiose come la Boston Symphony Orchestra e la Chicago Symphony Orchestra.

Serge Koussevitzky (1874-1951): il mecenate dei “Tableaux”
Serge Koussevitzky, direttore d’orchestra e mecenate russo , ebbe un ruolo cruciale nella diffusione della musica di Ravel. Commissionò a Ravel l’orchestrazione dei Quadri di un’esposizione di Musorgskij nel 1922. Koussevitzky sostenne con fervore la versione di Ravel, eseguendone la prima mondiale a Parigi e successivamente con la Boston Symphony Orchestra (di cui fu direttore musicale). Detenne i diritti esclusivi su questa orchestrazione per diversi anni, contribuendo notevolmente alla sua popolarità e a quella di Ravel.

Pierre Monteux (1875-1964): Il creatore di “Dafni e Cloe ”
direttore d’ orchestra francese , è famoso per aver diretto la prima mondiale del balletto Dafni e Cloe dei Balletti Russi di Diaghilev nel 1912. La collaborazione con Ravel fu intensa, con quest’ultimo molto coinvolto nella coreografia e nella messa in scena . Monteux, con la sua precisione e il suo senso del ritmo, era il direttore ideale per un’opera così complessa e innovativa.

Manuel Rosenthal (1904-2003): Lo studente e l’assistente
Manuel Rosenthal, compositore e direttore d’orchestra, fu uno dei pochi studenti privati di composizione di Ravel. Divenne il suo assistente e confidente negli ultimi anni della sua vita , aiutandolo persino a scrivere i suoi appunti e a comunicare con lui mentre la malattia del compositore peggiorava. Rosenthal fu un fervente difensore e interprete dell’opera di Ravel, fungendo da garante dei suoi desideri esecutivi .

In breve, Ravel mantenne un rapporto esigente da maestro d’arte con interpreti e orchestre . Non cercava l’ego di un solista o di un direttore d’orchestra, ma una fedele incarnazione del suo pensiero musicale. Questa esigenza, unita alla chiarezza della sua scrittura, rese le sue partiture punti di riferimento e le sue collaborazioni momenti chiave che plasmarono la storia dell’esecuzione musicale.

Rapporti con gli artisti e le orchestre

Maurice Ravel, compositore meticoloso e perfezionista, manteneva rapporti complessi e spesso precisi con esecutori e orchestre. Era noto per la sua esigenza nel rispettare le sue partiture e le sue intenzioni, ma sapeva anche riconoscere e valorizzare il talento di coloro che si mettevano al servizio della sua musica.

Rapporti con gli interpreti : una richiesta di perfezione

Ravel era estremamente rigoroso nell’interpretazione delle sue opere. Detestava qualsiasi forma di eccesso sentimentale o di eccessiva libertà. Per lui, la partitura era sacra e l’esecutore doveva fare un passo indietro di fronte alla musica. Tuttavia, questo requisito non escludeva la collaborazione e i consigli.

Ricardo Viñes (1875-1943): l’amico di una vita e il “primo raveliano”

Ricardo Viñes , pianista spagnolo e amico d’infanzia di Ravel, fu probabilmente l’interprete più intimo e importante di Ravel. Come compagni di corso, condividevano affinità musicali e letterarie. Viñes fu il primo interprete di molte delle opere per pianoforte di Ravel, tra cui Jeux d’eau (1902), la suite Miroirs (1906) e Gaspard de la Nuit (1909). Il loro rapporto era di profonda fiducia reciproca. Viñes comprendeva intuitivamente il linguaggio di Ravel, e Ravel si affidava al suo amico per dare vita alle sue partiture . Fu grazie a Viñes che le opere per pianoforte di Ravel furono ampiamente diffuse e riconosciute fin dall’inizio .

Marguerite Long (1874-1966): la musa dei concerti

Marguerite Long, rinomata pianista francese e influente insegnante, ebbe un rapporto professionale molto stretto con Ravel , soprattutto negli ultimi anni della sua vita . Ravel si dedicò a lei e collaborò strettamente alla prima esecuzione dei suoi due capolavori concertistici: il Concerto in sol maggiore (1931) e il Concerto per la mano sinistra (1930). Ravel lavorò direttamente con Long, spiegandone le intenzioni, il fraseggio e i tempi, assicurandosi che l’esecutore catturasse accuratamente lo spirito delle sue composizioni. Marguerite divenne l’ interprete principale di questi concerti e una fervente promotrice della sua musica.

Vlado Perlemuter ( 1904-2001 ) : lo studioso privilegiato dell’opera completa

Vlado Perlemuter, pianista franco-polacco, ricevette una serie di lezioni intensive da Ravel nel 1927, durante le quali studiò l’ opera completa per pianoforte del compositore . Ravel rimase colpito dal rigore e dalla serietà di Perlemuter. Queste sessioni di lavoro furono cruciali per Perlemuter, che registrò accuratamente tutte le istruzioni di Ravel, fornendo una preziosa testimonianza delle intenzioni del compositore. Successivamente, Perlemuter registrò l’opera completa per pianoforte di Ravel, che divenne un punto di riferimento per decenni .

Alfred Cortot (1877-1962): Rispetto reciproco nonostante i diversi temperamenti

Cortot, un altro grande pianista dell’epoca, eseguì anche la musica di Ravel . Sebbene le loro personalità siano talvolta viste come opposte (Cortot più romantico, Ravel più “classico” e riservato ) , tra i due esisteva un reciproco rispetto professionale. Cortot era un musicista immenso e Ravel ne riconobbe il talento, anche se non nutriva la stessa affinità personale che aveva con Viñes o Long.

Rapporti con orchestre e direttori: Un compositore che ha anche diretto

Ravel era un geniale orchestratore, e quindi era naturalmente molto coinvolto nell’esecuzione delle sue opere orchestrali . Ebbe l’opportunità di dirigere le proprie composizioni, in particolare durante la sua trionfale tournée negli Stati Uniti nel 1928, dove diresse orchestre prestigiose come la Boston Symphony Orchestra e la Chicago Symphony Orchestra.

Serge Koussevitzky (1874-1951): il mecenate dei “Tableaux”

Serge Koussevitzky, direttore d’orchestra e mecenate russo , ebbe un ruolo cruciale nella diffusione della musica di Ravel. Commissionò a Ravel l’orchestrazione dei Quadri di un’esposizione di Musorgskij nel 1922. Koussevitzky sostenne con fervore la versione di Ravel, eseguendone la prima mondiale a Parigi e successivamente con la Boston Symphony Orchestra (di cui fu direttore musicale). Detenne i diritti esclusivi su questa orchestrazione per diversi anni, contribuendo notevolmente alla sua popolarità e a quella di Ravel.

Pierre Monteux (1875-1964): Il creatore di “Dafni e Cloe ”

direttore d’ orchestra francese , è famoso per aver diretto la prima mondiale del balletto Dafni e Cloe dei Balletti Russi di Diaghilev nel 1912. La collaborazione con Ravel fu intensa, con quest’ultimo molto coinvolto nella coreografia e nella messa in scena . Monteux, con la sua precisione e il suo senso del ritmo, era il direttore ideale per un’opera così complessa e innovativa.

Manuel Rosenthal (1904-2003): Lo studente e l’assistente

Manuel Rosenthal, compositore e direttore d’orchestra, fu uno dei pochi studenti privati di composizione di Ravel. Divenne il suo assistente e confidente negli ultimi anni della sua vita , aiutandolo persino a scrivere i suoi appunti e a comunicare con lui mentre la malattia del compositore peggiorava. Rosenthal fu un fervente difensore e interprete dell’opera di Ravel, fungendo da garante dei suoi desideri esecutivi .

In breve, Ravel mantenne un rapporto esigente da maestro d’arte con interpreti e orchestre . Non cercava l’ego di un solista o di un direttore d’orchestra, ma una fedele incarnazione del suo pensiero musicale. Questa esigenza, unita alla chiarezza della sua scrittura, rese le sue partiture punti di riferimento e le sue collaborazioni momenti chiave che plasmarono la storia dell’esecuzione musicale.

Rapporti tra Ravel e personaggi di altri generi

Maurice Ravel, sebbene il cuore della sua vita battesse al ritmo della musica, non era un artista solitario. Coltivò relazioni significative con figure esterne al rigore della musica, collaborazioni che a volte alimentarono il suo lavoro e amicizie che arricchirono la sua vita.

Sergej Diaghilev e i Balletti Russi: una danza complicata

Forse la collaborazione più clamorosa di Ravel con il mondo non musicale fu quella con Sergej Diaghilev, il brillante e visionario impresario dei Balletti Russi. Diaghilev fu un catalizzatore artistico, capace di riunire i talenti più brillanti del suo tempo – compositori, ballerini, coreografi, pittori – per creare spettacoli che avrebbero rivoluzionato il palcoscenico mondiale.

Fu Diaghilev a commissionare a Ravel la scrittura del balletto Dafni e Cloe nel 1909 (la cui prima fu nel 1912). Quest’impresa fu al tempo stesso un’intensa fonte di ispirazione e una sfida. Ravel, noto per la sua lentezza e meticolosità , faticò a rispettare le scadenze di Diaghilev, uomo frettoloso ed esigente. Nacquero tensioni, in particolare riguardo alla lunghezza dell’opera e ai vincoli imposti dal coreografo Michel Fokine. Nonostante queste tensioni, il risultato fu un capolavoro assoluto, in cui la sontuosa musica di Ravel si fondeva perfettamente con la coreografia e le scenografie .

Questa collaborazione non solo diede vita a una delle partiture più importanti di Ravel, ma lo immerse anche nel cuore dell’avanguardia artistica parigina. Lì, entrò in contatto con figure iconiche come il ballerino Vaslav Nijinsky, il pittore e scenografo Léon Bakst e lo scrittore Jean Cocteau, ampliando così i suoi orizzonti artistici.

Colette: la poetessa delle parole e dei suoni

-Gabrielle Colette, l’illustre letterata francese , instaurò una deliziosa collaborazione artistica con Maurice Ravel. Scrisse il libretto per l’opera – fiaba L’Enfant et les Sortilèges ( debuttata nel 1925).

Colette scrisse originariamente questa “fantasia lirica” nel 1918, con il titolo “Balletto per mia figlia”. Ravel, profondamente colpito dalla poesia, dalla sconfinata immaginazione e dall’umorismo del testo, decise di musicarlo. La loro collaborazione fu armoniosa e rispettosa. Colette ammirò il modo in cui Ravel riuscì a tradurre in musica il mondo onirico e a dare vita ai personaggi di oggetti e animali (la tazza cinese, il fuoco, il gatto, la libellula, ecc.). L’opera è una brillante dimostrazione del genio di Ravel per la caratterizzazione musicale e l’orchestrazione evocativa .

Gli “Apache”: un cerchio di spiriti liberi

Prima che la fama lo raggiungesse , Ravel faceva parte di un gruppo informale di artisti e intellettuali chiamato “Apache”. Questo nome, che si erano dati scherzosamente in riferimento alle bande di delinquenti dell’epoca, si riferiva a una cerchia di amici che si incontravano regolarmente a cavallo tra il XIX e il XX secolo . Il gruppo comprendeva musicisti, ma anche molti non musicisti: scrittori, poeti e pittori.

Tra loro c’erano figure come il poeta Léon – Paul Fargue, con cui Ravel condivideva una profonda amicizia e un comune amore per Parigi. In questo contesto stimolante, Ravel poteva discutere liberamente di idee estetiche , condividere le sue scoperte musicali e letterarie e beneficiare di un supporto intellettuale e amichevole, cruciale per lo sviluppo del suo stile e del suo pensiero artistico.

Influenze letterarie e spirito parigino

Ravel, nonostante la sua naturale discrezione, era un assiduo frequentatore dei salotti parigini e dei circoli artistici del suo tempo. Il suo abbigliamento elegante , la sua vivace arguzia e il suo umorismo pungente lo resero popolare in questi circoli dell’alta società. Amava la compagnia di scrittori e artisti ed era curioso di tutte le forme d’arte. La sua passione per la meccanica e gli automi (ereditata dal padre ) , così come il suo amore per i viaggi, testimoniano una curiosità che si estendeva ben oltre la pura musica.

Fu in questi ambienti che avrebbe potuto immergersi nel mondo di poeti come Stéphane Mallarmé , i cui versi ispirarono le sue Tre Poesie di Stéphane Mallarmé . Naturalmente , Mallarmé era morto prima della composizione dell’opera, ma Ravel attinse all’essenza della sua poesia per trarne ispirazione musicale.

In breve, sebbene l’arte del suono fosse la sua unica vera passione, Maurice Ravel era comunque un uomo aperto al mondo, che coltivava relazioni arricchenti con figure di altre discipline. Queste interazioni non solo alimentarono la sua visione artistica, ma a volte ispirarono e plasmarono direttamente le sue opere più emblematiche, a dimostrazione che l’arte, in tutta la sua diversità, è un dialogo costante.

Jean Cocteau

Parentela: Ravel e il poeta , drammaturgo e regista Jean Cocteau si conoscevano bene e avevano scambi artistici. Cocteau espresse la sua ammirazione per la musica di Ravel e spesso ne fece riferimento nelle proprie opere.
Impatto: la loro relazione favorì un dialogo tra musica e arti visive, e Ravel partecipò ad alcune esecuzioni di brani di Cocteau .

Vaslav Nijinsky

Rapporto: Sebbene non avessero una collaborazione diretta, Nijinsky era una figura chiave nel mondo della danza e Ravel ammirava il suo lavoro. Le opere di Ravel, in particolare ” Bolero ” , sono state spesso utilizzate nei balletti contemporanei.
Impatto : la loro associazione simboleggia l’interconnessione tra musica e danza, influenzando il modo in cui la musica di Ravel è stata interpretata sul palco .

Maurizio Maeterlinck

Parentela: Il drammaturgo belga premio Nobel ebbe un impatto su Ravel, sebbene non ci fosse una collaborazione diretta. Ravel fu influenzato dai temi simbolisti presenti nelle opere di Maeterlinck.
Impatto: Questa relazione arricchì l’interesse di Ravel per l’opera e la musica teatrale , riflettendo temi poetici ed emozionali .
Conclusione
Maurice Ravel ebbe rapporti diretti e significativi con diverse figure di vari generi artistici. Queste interazioni arricchirono la sua musica e favorirono uno scambio creativo di idee tra musica, letteratura e danza, evidenziando l’interconnessione delle arti all’inizio del XX secolo .

Compositori simili

Claude Debussy (1862-1918): l’impressionista per eccellenza

Questo è il paragone più ovvio e frequente. Debussy è il fondatore dell’impressionismo musicale. Condivide con Ravel la ricerca di colori sonori, l’uso di modi non tradizionali, armonie eteree e il desiderio di suggerire piuttosto che descrivere . Tuttavia, Ravel è spesso percepito come più classico nella sua struttura, più preciso e rigoroso, mentre Debussy è più fluido e “sfocato” nelle sue forme.

Gabriel Fauré ( 1845-1924): Il Maestro e l’Influenza

Maestro di Ravel, Fauré influenzò il suo allievo con la sua eleganza , la chiarezza di scrittura e la raffinatezza armonica. Fauré incarna una certa essenza della musica francese , caratterizzata da melodie delicate e armonie sottili. La stessa attenzione per la bellezza della linea e la raffinatezza armonica si ritrova in Ravel , sebbene quest’ultimo abbia spinto l’orchestrazione e l’integrazione di influenze (come il jazz o la musica spagnola) molto più in là.

Emmanuel Chabrier (1841-1894): il precursore dell’esotismo e dei colori

Chabrier, sebbene precedente a Ravel, è spesso citato come precursore dei compositori francesi “moderni” . La sua opera España ( 1883) è un fulgido esempio del suo audace uso di ritmi e colori spagnoli, un’influenza fondamentale che anche Ravel abbracciò e sviluppò pienamente (si pensi a Boléro o L’ Heure espagnole). Chabrier apporta una certa freschezza e vitalità orchestrale che può ricordare Ravel.

Paul Dukas (1865-1935): Maestro di orchestrazione e fantasia

Noto principalmente per L’Apprendista Stregone, Dukas condivide con Ravel un’eccezionale padronanza dell’orchestrazione e un gusto per le sonorità fantastiche ed evocative . La sua musica è inoltre caratterizzata da grande rigore formale e da una scrittura brillante.

Compositori spagnoli influenzati dalla Francia:

Manuel de Falla (1876-1946): amico di Ravel, de Falla è il più grande compositore spagnolo della sua generazione . Condivide con Ravel una profonda affinità per i ritmi e le melodie spagnole, ma li tratta con un linguaggio armonico modernizzato e un’orchestrazione raffinata. Opere come Notti nei giardini di Spagna e Il cappello a tre punte risuonano di certi colori raveliani.

Isaac Albéniz (1860-1909): Sebbene più radicate nel Romanticismo, le sue suite per pianoforte come Iberia sono capolavori della scrittura pianistica di ispirazione spagnola, con ricche trame e colori che potrebbero aver influenzato Ravel.

Compositori del XX secolo influenzati dal neoclassicismo e dal jazz:

Francis Poulenc (1899-1963): membro dei Les Six, Poulenc si allontanò dall’Impressionismo, ma condivideva con Ravel la chiarezza di scrittura, l’ eleganza melodica e, a tratti, un senso di intrattenimento o un tocco di velata malinconia . Il suo interesse per il jazz e il music hall ricorda l’ouverture di Ravel.

Darius Milhaud (1892-1974): altro membro dei Les Six, Milhaud ha anche esplorato il jazz in modo significativo (La Création du Monde), a volte prima di Ravel, ma con un approccio diverso .

Igor Stravinsky (1882-1971): Stravinsky e Ravel condividevano una reciproca ammirazione. Sebbene i loro stili fossero molto diversi , Stravinsky esplorò anche il neoclassicismo e una scrittura orchestrale di grande precisione , a volte descritta come ” meccanica”, che risuona con l'”orologiaio svizzero” Ravel.

In definitiva, la musica di Ravel rimane unica nella sua combinazione di precisione , virtuosismo orchestrale , raffinatezza armonica e diverse influenze stilistiche. Tuttavia, esplorando i compositori sopra menzionati, si possono trovare echi e affinità che amplieranno la vostra comprensione del suo universo musicale.

Come pianista

Maurice Ravel, pur essendo uno dei compositori più innovativi e influenti del suo tempo, non fu un virtuoso pianista da concerto come Franz Liszt o Sergej Rachmaninov . Tuttavia, il pianoforte ebbe un ruolo centrale e profondo nella sua vita e nel suo processo compositivo.

Uno studente promettente ma anticonformista

Ravel iniziò a suonare il pianoforte all’età di sette anni ed entrò nel prestigioso Conservatorio di Parigi a quattordici. Vi vinse il primo premio per pianoforte nel 1891, dimostrando un certo talento e una buona tecnica. Tuttavia, non era uno studente convenzionale . Era più interessato alla sperimentazione musicale e alla composizione che alla pratica ripetitiva necessaria per diventare un pianista concertista di alto livello. I suoi insegnanti a volte lo consideravano “pigro” o troppo originale, ma ne riconoscevano l’intelligenza musicale .

Il pianoforte come laboratorio di composizione

Per Ravel, il pianoforte non era tanto uno strumento da virtuoso quanto un laboratorio essenziale per la sua creazione musicale. Lavorava costantemente alla tastiera, sperimentando armonie, tessiture e sonorità prima di fissarle sulla carta. Fu al pianoforte che la maggior parte delle sue idee prese forma e che le “nuove tendenze” del suo stile apparvero per la prima volta.

Le sue opere per pianoforte solo sono di formidabile complessità tecnica e di sorprendente ricchezza armonica e timbrica. Brani come Jeux d’eau (1901), Miroirs (1905) e soprattutto Gaspard de la Nuit (1908), con i suoi movimenti “Ondine”, “Le Gibet” e il terrificante “Scarbo”, spingono i confini del virtuosismo pianistico. Richiedono non solo una tecnica impeccabile, ma anche una padronanza del tocco, delle sfumature e del colore per rendere giustizia alle loro atmosfere suggestive .

Un interprete preciso ma tecnicamente limitato

Ravel eseguì le sue opere in privato e in alcune occasioni pubbliche, ma non fu un pianista concertista in senso lato. I suoi contemporanei lo descrissero come un esecutore molto preciso e fedele , che evitava effetti superflui o eccessivo sentimentalismo . Privilegiava la chiarezza , il fraseggio netto e l’evidenziazione delle strutture, riflettendo la sua estetica perfezionista.

Tuttavia, aveva dei limiti tecnici. Verso la fine della sua vita, i suoi problemi neurologici resero suonare il pianoforte molto difficile , se non impossibile. Si dice persino che scherzasse sul fatto che i suoi amici avrebbero potuto discutere se fosse peggio come pianista o come direttore d’orchestra.

Le registrazioni: testimoni preziosi ma controversi

Ravel fu uno dei primi compositori a comprendere l’importanza delle registrazioni per la diffusione della sua musica. Realizzò diverse registrazioni delle sue opere per pianoforte su rulli per pianoforte meccanico (Welte-Mignon e Duo-Art) negli anni Dieci e Venti, e alcune registrazioni acustiche in seguito.

Queste registrazioni hanno un immenso valore storico, poiché ci offrono una visione diretta delle sue intenzioni interpretative. Tuttavia, a volte sono controverse e non sempre riflettono un brillante virtuosismo tecnico. Evidenziano il suo rigore ritmico e la sua ricerca di chiarezza , sebbene la qualità tecnica della sua esecuzione non fosse sempre impeccabile su questi primi supporti.

Il pianista al servizio del compositore

In breve, Maurice Ravel non era il tipo di pianista che entusiasmava il pubblico con il suo spettacolare virtuosismo. Il suo rapporto con il pianoforte era quello di un compositore che rifletteva sullo strumento, usandolo come strumento essenziale per esplorare nuove sonorità, perfezionare le armonie e costruire le sue opere con una precisione da orologiaio. Era un “pianista del compositore” per eccellenza, il cui genio alla tastiera si manifestava meno nella brillantezza delle sue esecuzioni che nella profondità e nell’innovazione della sua scrittura.

Famose opere per pianoforte solo

Maurice Ravel ha composto diversi capolavori per pianoforte solo, tutti frutto di esplorazioni di colore, virtuosismo e innovazione. Ecco alcune delle sue opere più famose :

Jeux d’eau (1901): Ispirato alla poesia simbolista e all’acqua in movimento, questo brano è uno dei primi a mettere in mostra lo stile impressionista di Ravel. Con le sue texture scintillanti e il suo virtuosismo, Jeux d’eau è spesso paragonato a Reflets dans l’eau di Debussy .

Miroirs (1904-1905 ) : questa raccolta di cinque brani , ciascuno dedicato a un amico di Ravel, è un’esplorazione poetica di diverse atmosfere . I brani più noti sono Oiseaux tristes, che evoca la malinconia degli uccelli nella foresta , e Alborada del gracioso , che fonde ritmi spagnoli con un virtuosismo abbagliante. Une barque sur l’ océan è anch’esso rinomato per la sua complessità e l’evocazione del mare.

Sonatina (1903-1905 ) : Questo brano in tre movimenti (Moderato , Minuetto, Vivace) è breve ma ricco di delicatezza e raffinatezza. Presenta una scrittura classica venata di modernità, e la parte finale è piena di energia e dinamismo.

Gaspard de la nuit (1908): Ispirata alle poesie di Aloysius Bertrand, questa raccolta in tre movimenti (Ondine, Le Gibet e Scarbo) è una delle opere più difficili del repertorio pianistico. Scarbo, in particolare, è famoso per il suo estremo virtuosismo e il suo carattere misterioso e minaccioso . Ravel esplora nuove tessiture e atmosfere insolite .

Minuetto Antico (1895, rivisto nel 1903): Composto mentre Ravel era ancora studente, questo brano si rifà alle forme di danza barocca . Si distingue per la sua grazia ed eleganza , con un marcato stile neoclassico .

Pavana per una principessa morta (1899): originariamente scritto per pianoforte e successivamente orchestrato, questo brano è una nostalgica evocazione di una danza lenta ed elegante . Ravel lo descrisse come ” una danza che una piccola principessa potrebbe eseguire, nello spirito di un dipinto di Velázquez ” .

Valzer Nobili e Sentimentali (1911): Questa raccolta di otto valzer è un omaggio a Franz Schubert, autore a sua volta di Valzer Nobili e Sentimentali. Con armonie audaci e una struttura complessa, Ravel esplora sentimenti diversi, che spaziano dalla tenerezza all’esuberanza .

Le Tombeau de Couperin (1914–1917 ) : questa raccolta in sei movimenti, dedicata alla memoria degli amici caduti durante la Prima Guerra Mondiale , è un omaggio ai clavicembalisti francesi del XVIII secolo . Brani come il Prélude , la Forlane e la Toccata presentano una scrittura virtuosa e raffinata , integrando elementi barocchi in uno stile moderno.

“Alla maniera di… Chabrier” e “Alla maniera di… Borodin” (1913): due brevi brani in cui Ravel imita lo stile dei suoi colleghi compositori , Emmanuel Chabrier e Aleksandr Borodin. È un esercizio di umorismo e pastiche, leggero e virtuoso.

Preludio (1913): Composto come brano da concorso per il Conservatorio di Parigi, questo brevissimo preludio esplora armonie complesse e un tocco delicato, pur mantenendo una struttura relativamente semplice.

Queste opere dimostrano l’ingegno e la fantasia di Ravel, che amava integrare influenze diverse, dalla musica barocca ai ritmi spagnoli, sfruttando appieno le capacità espressive e tecniche del pianoforte.

Famosi pianisti hanno suonato Ravel

Le opere di Maurice Ravel sono state eseguite da molti pianisti famosi , che hanno contribuito alla fama della sua opera e alla diversità delle sue interpretazioni. Ecco alcuni dei grandi nomi che hanno segnato la storia delle sue interpretazioni :

Alfred Cortot: leggendario pianista francese, Cortot interpretò Ravel , sebbene il suo stile fosse più romantico. Tuttavia, apportò una sensibilità unica, conferendo all’opera di Ravel una particolare profondità poetica .

Marguerite Long: amica intima di Ravel, eseguì la prima esecuzione del suo Concerto per la mano sinistra e del Concerto in sol maggiore nel 1932. La sua interpretazione è diventata un punto di riferimento per l’autenticità e la fedeltà alle intenzioni del compositore. Ha persino pubblicato un libro intitolato “Al pianoforte con Ravel”, che offre preziosi spunti sull’interpretazione delle sue opere .

Samson François : pianista francese di grande talento , Samson François è rinomato per le sue interpretazioni delle opere di Ravel, tra cui Gaspard de la nuit e Miroirs. Ha suonato con un’espressività e una sensibilità che hanno messo in risalto le sfumature e l’atmosfera impressionistica della musica di Ravel.

Vlado Perlemuter: Anche lui vicino a Ravel, Perlemuter ha lavorato direttamente con il compositore, il che rende le sue interpretazioni uniche in termini di autenticità. Le sue interpretazioni di Jeux d’ eau , Gaspard de la nuit e Le Tombeau de Couperin sono considerate punti di riferimento .

Arturo Benedetti Michelangeli: famoso per la sua tecnica impeccabile e il suo approccio analitico, Michelangeli ha conferito un’incredibile chiarezza alle opere di Ravel, in particolare a Gaspard de la nuit. La sua padronanza del tocco e il suo perfezionismo lo hanno reso un interprete straordinario delle opere complesse e dettagliate di Ravel .

Martha Argerich: Pianista argentina dallo stile intenso ed energico, Argerich ha spesso eseguito Ravel , in particolare Gaspard de la nuit, che ha eseguito con un virtuosismo e una forza che ne sottolineano il carattere misterioso e poetico .

Jean-Yves Thibaudet: pianista francese contemporaneo , Thibaudet è rinomato per le sue interpretazioni delle opere di Ravel, che esegue con eleganza e una moderna sensibilità impressionista. La sua registrazione dell’opera pianistica completa di Ravel è molto apprezzata per la sua finezza e raffinatezza.

Alicia de Larrocha: pianista spagnola nota soprattutto per le sue interpretazioni di compositori spagnoli, ha interpretato anche Ravel con uno stile preciso e sottile, evidenziando i colori iberici di alcune opere, come la Rapsodia spagnola e l’Alborada del gracioso.

Ognuno di questi pianisti ha apportato una prospettiva unica alla musica di Ravel, affrontandola con stili diversi, che spaziano dalla profondità poetica allo smagliante virtuosismo , rafforzando l’impatto e la notorietà dell’opera di questo grande compositore francese .

Mia madre oca

Madre Oca per pianoforte a quattro mani: un viaggio magico

Ma Mère l’Oye è una delle opere più affascinanti e poetiche di Maurice Ravel, originariamente concepita per pianoforte a quattro mani nel 1910. Sebbene in seguito la orchestri e la adatti in un balletto, la versione originale per pianoforte a quattro mani conserva una particolare intimità e delicatezza che rivelano il genio di Ravel nella sua forma più pura.

Genesi dell’opera : Un dono per i bambini

L’idea di “Madre Oca” nacque dall’affetto di Ravel per i figli dei suoi amici Cipa e Ida Godebski: Mimi e Jean. Affascinato dal loro mondo giocoso e dalla loro innocenza, Ravel volle offrire loro una serie di brani ispirati alle fiabe che amavano leggere. Lui stesso descrisse l’opera come “cinque pezzi per bambini ” . A differenza di opere virtuose come “Gaspard de la Nuit”, Ravel progettò deliberatamente “Madre Oca” per essere tecnicamente accessibile , anche se l’espressione musicale rimase estremamente sottile. Voleva che Mimi e Jean fossero in grado di suonarle da soli .

La magia dei racconti musicali

L’ opera è composta da cinque brani , ognuno tratto da una famosa fiaba :

Pavana della Bella Addormentata: il primo brano , una pavana lenta e sognante , raffigura il sonno profondo della principessa. È un tema semplice ma molto tenero, che crea l’atmosfera fiabesca dell’insieme .

Pollicino: Questo brano evoca la storia di Pollicino e dei suoi sassolini. La melodia è esitante, quasi fragile, punteggiata da brevi silenzi che suggeriscono i passi cauti di Pollicino e il sentiero che si lascia alle spalle, con figure leggere che rappresentano gli uccelli che vengono a mangiare le sue briciole.

Laideronnette, Imperatrice delle Pagode: Ispirata a un racconto di Madame d’Aulnoy, quest’opera raffigura una principessa brutta ma affascinante, la cui vasca da bagno è decorata con statuette di porcellana a forma di pagoda che cantano e suonano. Ravel utilizza armonie esotiche, scale pentatoniche e suoni di gamelan per creare un’atmosfera orientale e leggermente kitsch, ricca di colori delicati .

Le conversazioni della Bella e della Bestia : un brano che illustra il dialogo tra la dolce ed elegante Bella (rappresentata da un leggiadro valzer) e la Bestia , la cui bruttezza è suggerita da frasi lente, profonde e a volte dissonanti, suonate nel registro più basso. La musica descrive la loro conversazione fino alla trasformazione finale della Bestia in un Principe.

Il Giardino delle Fate : conclusione della suite, questo brano è un tripudio di splendore luminoso e gioia traboccante . Rappresenta il momento in cui tutti gli incantesimi si spezzano e il giardino si illumina. Il tema finale , maestoso e lirico, offre una magnifica risoluzione e un senso di meraviglia.

Un capolavoro di musica per bambini

Ma Mère l’Oye per pianoforte a quattro mani è un perfetto esempio della capacità di Ravel di creare musica di grande raffinatezza armonica e orchestrale (anche al pianoforte), pur mantenendo una semplicità e un’accessibilità che la rendono comprensibile e toccante per un pubblico di tutte le età . Ogni brano è una miniatura finemente realizzata , in cui Ravel usa il suo genio per il colore e il dettaglio per descrivere i personaggi e le situazioni dei racconti con incredibile economia di mezzi e precisione. È un’opera che continua ad affascinare per la sua poesia, tenerezza e bellezza senza tempo .

Trio per pianoforte

I Trii per pianoforte di Maurice Ravel: un’opera unica ed eccezionale
Maurice Ravel compose un solo trio per pianoforte, ma quest’opera unica è considerata uno dei vertici del repertorio cameristico. Il Trio per pianoforte in la minore fu completato nel 1914 , proprio allo scoppio della Prima Guerra Mondiale , ed è il risultato di un intenso periodo di creatività per il compositore.

Contesto e Genesi
Ravel aveva iniziato a lavorare al suo trio per pianoforte nel 1914, poco prima dello scoppio della Prima Guerra Mondiale . L’imminenza del conflitto e il suo ardente desiderio di arruolarsi (effettuò numerosi tentativi di arruolarsi nell’esercito) infondevano senza dubbio all’opera una particolare intensità emotiva , sebbene Ravel fosse un compositore che rifuggiva l’espressionismo sfrenato . Lo compose rapidamente, con notevole concentrazione, completando il movimento finale mentre stava per arruolarsi nell’esercito come autista.

L’opera è dedicata al suo maestro e amico Gabriel Fauré, in segno di rispetto e ammirazione per l’uomo che tanto aveva sostenuto Ravel.

Struttura e caratteristiche musicali
il linguaggio armonico e l’inventiva ritmica propri di Ravel :

Moderato : Questo primo movimento si apre con un tema pianistico lirico e malinconico , sostenuto dalla malinconia del violino e del violoncello. Ravel esplora suoni eterei , con armonie ricche e complesse e una raffinata scrittura polifonica . Si percepisce già la padronanza timbrica di Ravel , con ogni strumento che ha una propria voce distinta pur fondendosi in un insieme coerente .

Pantoum (Abbastanza vivace): Il secondo movimento è una forma unica nella musica di Ravel, ispirata al pantoum, una forma poetica malese. Questa struttura prevede la ripetizione di versi in diverse strofe , creando un effetto di intreccio e variazione continua. Musicalmente, questo si traduce in temi che ritornano in forme modificate, con una scrittura piena di vitalità ritmica e virtuosismo. Pianoforte, violino e violoncello si scambiano motivi con grande agilità , creando un’atmosfera vivace e giocosa , ma con un tocco di stranezza .

Passacaglia (Molto Grande ): Questo è il cuore emotivo dell’opera. La passacaglia è una forma barocca basata sulla ripetizione ostinata di un motivo al basso, su cui si sviluppano variazioni melodiche e armoniche. Qui, Ravel utilizza un tema cupo e solenne al pianoforte, che viene ripreso e sviluppato con crescente profondità e intensità dal violoncello, poi dal violino. Questo movimento è di grande potenza espressiva, evocando un senso di fatalità o di profonda meditazione, forse influenzato dal contesto bellico.

Finale (Animato ): Il movimento finale è un turbine di energia e virtuosismo. È caratterizzato da ritmi vivaci, motivi vorticosi e armonie audaci. Ravel sfoggia un pianoforte e una musica da camera di grande impegno, facendo dialogare i tre strumenti con crescente intensità fino a una conclusione brillante e drammatica. Alcuni vi ravvisano elementi di ispirazione basca, in particolare nei ritmi dinamici.

Importanza e patrimonio
Il Trio in la minore di Ravel è un brano fondamentale del repertorio cameristico. È ammirato per:

La sua maestria strutturale : Ravel adotta un’architettura rigorosa e complessa, mescolando forme classiche e innovazioni.

La sua ricchezza armonica e melodica: le armonie sono di grande raffinatezza e le melodie sono sia melodiose che espressive.

Il suo genio per la scrittura strumentale: ogni strumento è trattato con una conoscenza approfondita delle sue possibilità , creando un perfetto equilibrio tra le tre voci. Ravel riesce a dare l’impressione di una ricchezza sonora quasi orchestrale con soli tre strumenti.

La sua profondità emotiva: nonostante la fama di Ravel per la sua distanza emotiva, questo trio rivela un’intensità e un’espressività nascoste che lo rendono profondamente toccante.

Si tratta di un’opera impegnativa per gli esecutori , ma immensamente gratificante, che continua ad affascinare musicisti e pubblico con la sua bellezza senza tempo e la perfezione della scrittura .

Concerto per pianoforte in sol maggiore

chiamato semplicemente “Concerto in sol”) è una delle opere più famose di Maurice Ravel. Fu composto tra il 1929 e il 1931.

Ecco alcuni punti chiave da ricordare riguardo a questo lavoro:

Genere: Concerto per pianoforte e orchestra.

Movimenti: È composto da tre movimenti:

Allegramente

Adagio Assai

Presto

Stile: Il concerto è rinomato per la sua miscela unica di influenze classiche (con echi mozartiani), jazz (in particolare nel primo e terzo movimento ) e il brillante e colorito stile orchestrale di Ravel . È caratterizzato da un virtuosismo pianistico, melodie liriche e ritmi incalzanti .

Contesto compositivo: Ravel inizialmente pensò di eseguirla lui stesso , ma problemi di salute glielo impedirono . La prima mondiale fu infine eseguita da Marguerite Long il 14 gennaio 1932 a Parigi, sotto la direzione dello stesso Ravel .

Accoglienza : Il concerto fu immediatamente acclamato e rimane ancora oggi una delle opere da concerto più eseguite e registrate del repertorio pianistico.

Concerto per la mano sinistra in re maggiore

Commissione e dedicatario: Fu commissionato dal pianista austriaco Paul Wittgenstein, che aveva perso il braccio destro durante la Prima Guerra Mondiale . È quindi concepito per essere suonato con la sola mano sinistra del solista, creando al contempo l’illusione sonora di una parte a due mani.

Composizione: Ravel la compose tra il 1929 e il 1931, contemporaneamente al Concerto in sol maggiore.

Struttura: A differenza della maggior parte dei concerti tradizionali, è in un unico movimento, sebbene comprenda più sezioni che si susseguono (Lento – Andante – Allegro – Più vivo ed accelerando – Tempo I° – Allegro).

Stile e atmosfera : l’opera è spesso descritta come più cupa, drammatica e seria del Concerto in Sol maggiore. Esplora sonorità ricche e profonde, e il virtuosismo della mano sinistra è spinto all’estremo , creando una trama densa e potente . Presenta elementi jazz , ma anche una certa ” veemenza tragica” e una qualità meditativa .

Prima rappresentazione : la prima mondiale ebbe luogo a Vienna il 5 gennaio 1932 , con Paul Wittgenstein al pianoforte e Robert Heger come direttore .

Questo concerto è una straordinaria testimonianza della capacità di Ravel di superare un vincolo tecnico (suonare con una sola mano) per creare un’opera di rara profondità e potenza musicale. È diventato un pilastro del repertorio pianistico e una sfida per i più grandi virtuosi.

Opere sinfoniche

Maurice Ravel non compose una sinfonia nel senso tradizionale e completo del termine (ovvero un’opera in più movimenti per orchestra in rigorosa forma sonata, come quelle di Beethoven o Brahms). Il suo genio orchestrale si espresse invece attraverso un’ampia varietà di opere sinfoniche , spesso sotto forma di poemi coreografici , suite di balletto, concerti o orchestrazioni di brani preesistenti .

un elenco delle sue opere sinfoniche più famose :

Famose opere sinfoniche di Maurice Ravel
Bolero (1928): probabilmente la sua opera più iconica e riconoscibile, è un balletto basato su un’unica melodia e un accompagnamento ritmico ripetuto più e più volte , con un crescendo orchestrale continuo che conduce a un climax clamoroso .

Dafni e Cloe (1912): Originariamente un balletto commissionato da Sergej Diaghilev per i Balletti Russi, Ravel ne compose due suite sinfoniche (Suite n. 1 e Suite n. 2 ), che vengono spesso eseguite in concerto. La Suite n. 2 , in particolare, è famosa per la luminosa “Alba”, la sensuale “Pantomima” e la frenetica “Danza Generale ” . È una delle opere di Ravel più ricche e sontuose dal punto di vista orchestrale .

La Valse, po è me chorégraphique (1920): descritto da Ravel come un ” poema coreografico per orchestra”, questo pezzo evoca la grandezza e la decadenza di un valzer viennese, con un’atmosfera che oscilla tra l’opulenza e una sorta di turbine infernale.

un’opera in quattro movimenti per orchestra, permeata dello spirito e dei ritmi della Spagna. Include sezioni celebri come l'”Habanera” e la “Feria”.

Mother Goose (Ballet Suite) (1911): Originariamente composta per pianoforte a quattro mani, Ravel orchestra questa suite fiabesca trasformandola in un balletto delicato e colorato. La suite orchestrale è molto apprezzata per la sua finezza e magia.

Le Tombeau de Couperin (suite orchestrale) (1919): Ravel orchestrò quattro dei sei movimenti della sua suite per pianoforte, un omaggio ai compositori barocchi francesi e ai loro amici caduti durante la Prima Guerra Mondiale . L’orchestrazione aggiunge una nuova dimensione di colore e trasparenza a queste danze stilizzate .

Concerto in sol maggiore per pianoforte e orchestra (1931): un concerto brillante, vivace ed elegante , che incorpora elementi jazz , in particolare nei movimenti esterni. Il movimento lento centrale è liricamente bello e di una semplicità commovente.

Una barca sull’oceano (1906): l’orchestrazione di Ravel di uno dei brani della sua suite per pianoforte “Miroirs”. Evoca il dolce movimento e i riflessi dell’acqua.

Alborada del Gracioso (1918): Anche questa è un’orchestrazione di Ravel di un brano tratto da Miroirs. È un brano brillante ed energico , ispirato alla figura del “gracioso” spagnolo, con ritmi di chitarra e colori vivaci.

Quadri di un’esposizione (orchestrazione di Mussorgsky) (1922): Sebbene non sia un’opera originale di Ravel, la sua orchestrazione del ciclo per pianoforte di Modest Mussorgsky è diventata la versione più famosa e più frequentemente eseguita . È un capolavoro di orchestrazione, che rivela la capacità di Ravel di arricchire l’opera di un altro compositore con il proprio genio timbrico.

Queste opere dimostrano l’incomparabile talento di Ravel per l’orchestrazione, la sua capacità di creare atmosfere diverse e la sua evoluzione stilistica nel corso della sua carriera .

Altre opere famose

Musica da camera

Quartetto per archi in Fa maggiore (1903): una delle opere cameristiche più importanti del primo Novecento . Di grande ricchezza armonica e melodica, questo quartetto è ammirato per la sua impeccabile struttura e raffinatezza.

Sonata per violino e violoncello (1922): Dedicata alla memoria di Claude Debussy, questa sonata è un’opera impegnativa e austera , che segna una svolta verso uno stile più scarno e contrappuntistico.

Sonata per violino n. 2 in sol maggiore (1927): questa sonata è notevole per il suo secondo movimento , il “Blues”, che incorpora in modo audace e stilizzato elementi del jazz americano , un’influenza che Ravel apprezzava molto .

Introduzione e Allegro per arpa, flauto, clarinetto e quartetto d’archi ( 1905): Un’opera scintillante e delicata, che mette in risalto i timbri dell’arpa e dei legni, con una scrittura virtuosa e raffinata .

Melodie (Canzoni )

Ravel è anche un compositore di melodie di grande finezza, nelle quali dimostra una sensibilità poetica e uno spiccato senso della prosodia francese .

Sheherazade (1903): Ciclo di tre melodie per voce e orchestra (o pianoforte), su poesie di Tristan Klingsor. Queste melodie evocano l’Oriente con colori lussureggianti e grande sensualità :

“Asia”

“Il flauto magico ”

“L’indifferenza ”

Racconti Naturali (1906): un ciclo di cinque melodie per voce e pianoforte su testi di Jules Renard. Ravel dimostra un sottile umorismo e una grande precisione nella descrizione musicale degli animali (Il Pavone, Il Grillo, Il Cigno, Il Martin Pescatore , La Faraona).

Tre poesie di Stéphane Mallarmé (1913): per voce, pianoforte, due flauti, due clarinetti e quartetto d’archi . Queste melodie sono esempi della raffinatezza armonica e della chiarezza contrappuntistica di Ravel , ispirate alla poesia simbolista di Mallarmé .

Opera

L’Heure espagnole (1911): un’opera comica in un atto. È una farsa ambientata a Tolèze , nel meccanismo dell’orologio di un marito tradito. L’opera è piena di arguzia, ritmi spagnoli e una brillante orchestrazione che mette in risalto l’agitazione dei meccanismi dell’orologio.

L’Enfant et les Sortilèges ( 1925): un’opera -fantasia in due parti, su libretto di Colette. È un’opera magica e fantasiosa in cui un bambino turbolento vede oggetti e animali ribellarsi contro di lui. Ravel dimostra un’incredibile capacità di caratterizzare musicalmente ogni personaggio (tazza, teiera , fuoco , gatto, orologio, ecc.) con un’orchestrazione piena di ingegno.

Attività al di fuori della musica

Maurice Ravel, nonostante la sua reputazione di compositore perfezionista e dandy riservato , aveva interessi e attività al di fuori della musica che rivelavano altri aspetti della sua personalità. Sebbene la musica fosse centrale nella sua vita, non era un artista chiuso nella sua torre d’avorio.

Un gusto spiccato per l’estetica e l’eleganza

Ravel era un vero dandy. Era noto per la sua impeccabile eleganza sartoriale, sempre vestito in modo impeccabile , anche a casa. Attribuiva grande importanza al suo aspetto, un tratto che a volte contrastava con la sua personalità discreta . Questa ricerca estetica si rifletteva nella sua vita quotidiana e nei suoi beni.

Passione per oggetti d’arte e curiosità

Aveva un gusto spiccato per gli oggetti d’arte, le curiosità e i ninnoli. La sua casa a Montfort -l’Amaury, che arredava con cura , rifletteva questa passione. Lì collezionava oggetti d’antiquariato, giocattoli meccanici, carillon e souvenir dei suoi viaggi. Questo interesse per gli automi e i meccanismi ingegnosi potrebbe anche essere legato all’influenza di suo padre , Joseph Ravel, ingegnere e inventore. Si dice che lo stesso Boléro , con il suo carattere ripetitivo e ipnotico , possa essere stato ispirato dalla ” folle bellezza delle macchine”.

L’amore per i gatti e il mondo dell’infanzia

Ravel era un grande amante dei gatti. Si dice che ne avesse sempre diversi al suo fianco in casa. Questo affetto per gli animali, unito al suo interesse per i giocattoli e le fiabe, rivela una tenerezza e un fascino per il mondo dell’infanzia che si ritrovano in opere come “Mamma Oca” e “Il bambino e gli incantesimi” .

Viaggi e scoperte culturali

Nonostante la sua natura solitaria, Ravel amava viaggiare. Le sue tournée di concerti, in particolare quella negli Stati Uniti del 1928, gli offrirono l’opportunità di scoprire nuove culture e di aprirsi a influenze inaspettate. Fu durante questo viaggio che venne particolarmente a contatto con il jazz , una musica che lo affascinò e i cui elementi incorporò nelle sue opere successive . Questi viaggi gli permisero di ampliare i suoi orizzonti e arricchire la sua tavolozza di ispirazione.

Un impegno discreto ma certo
Sebbene Ravel fosse un uomo molto riservato , non rimase del tutto indifferente agli eventi del suo tempo.

Prima guerra mondiale : tentò più volte di arruolarsi al fronte. Rifiutato come pilota a causa della sua fragilità fisica, prestò servizio come autista di ambulanza nell’esercito francese , un’esperienza che lo segnò profondamente e dimostrò il suo senso del dovere.

Sostegno artistico: dimostrò anche un certo impegno difendendo la musica dei compositori che ammirava (come Erik Satie agli esordi , o Arnold Schoenberg di fronte a un certo nazionalismo musicale) o prendendo parte al sostegno degli amici nei momenti difficili.

Insomma, al di là dell’immagine del compositore esigente chino sulle sue partiture, Maurice Ravel era un uomo sensibile alle bellezze del mondo, curioso delle innovazioni (anche tecnologiche), attento al suo ambiente personale, e capace di un impegno discreto ma sincero .

Episodi e aneddoti

Maurice Ravel, nonostante il suo carattere discreto e riservato , è stato protagonista di numerosi episodi e aneddoti che mettono in luce la sua personalità singolare , le sue esigenze artistiche e il suo sottile umorismo.

Lo “Scandalo Ravel” al Prix de Rome (1905)

È uno degli aneddoti più famosi e rivelatori del suo tempo . Ravel, già compositore di brani importanti come Jeux d’eau e il suo Quartetto per archi , tentò ripetutamente di aggiudicarsi il prestigioso Prix de Rome, una borsa di studio molto ambita . Nell’edizione del 1905, fu eliminato al primo turno , mentre furono selezionati candidati meno talentuosi. Questa assurda decisione provocò un clamore. Il quotidiano Le Figaro pubblicò un articolo virulento che denunciava lo “scandalo Ravel”, puntando il dito contro lo sclerotico accademismo del Conservatorio di Parigi e del suo direttore, Théodore Dubois. La vicenda si diffuse a tal punto da portare alle dimissioni di Dubois e alla nomina di Gabriel Fauré, professore di Ravel, a capo dell’istituzione. Questo episodio rafforzò l’immagine di Ravel come genio incompreso dall’establishment, ma anche come figura d’avanguardia.

L'”orologiaio svizzero” e la sua ricerca della perfezione

Ravel era leggendario per la sua meticolosità . Il compositore Igor Stravinskij, che lo ammirava molto, lo soprannominò affettuosamente “orologiaio svizzero”. Questo soprannome sottolineava la precisione chirurgica di Ravel nella sua composizione, la sua capacità di assemblare i minimi dettagli con una perfezione quasi meccanica. Ravel stesso riconobbe questa tendenza: si dice che trascorresse ore a perfezionare una singola battuta, lavorando alle sue partiture con la meticolosità di un artigiano. Quando gli veniva chiesto se avesse ispirazione, spesso rispondeva con umorismo: “Ispirazione? È il risultato di duro lavoro “.

Il rifiuto della Legion d’Onore e la frecciatina di Satie

Nel 1920, Maurice Ravel fu nominato per la Legion d’Onore, una delle più alte onorificenze francesi . Con sorpresa generale , Ravel rifiutò il premio. Questo gesto fu visto da molti come un segno del suo spirito indipendente e del suo rifiuto di sottomettersi alle istituzioni ufficiali. Il suo amico e collega Erik Satie, noto per il suo umorismo caustico, commentò l’ evento con una delle sue celebri frecciatine: “Ravel ha appena rifiutato la Legion d’Onore, ma tutta la sua musica l’accetta”. Questa frase, al tempo stesso ironica e pungente , riassumeva la percezione di Satie che, nonostante il gesto ribelle di Ravel, la sua musica fosse di una tale perfezione formale da risultare in definitiva molto ” accademica ” ai suoi occhi.

“Perché diventare un cattivo Ravel, quando sei un eccellente Gershwin?”

Durante il suo trionfale tour negli Stati Uniti nel 1928, Ravel incontrò George Gershwin, il talentuoso giovane compositore jazz americano. Gershwin, desideroso di approfondire la sua conoscenza della composizione classica, chiese lezioni a Ravel . La risposta di Ravel divenne leggendaria: “Perché vuoi diventare un cattivo Ravel, quando sei un eccellente Gershwin?”. Questo aneddoto illustra non solo l’umiltà di Ravel, ma anche il suo profondo rispetto per l’originalità e il genio di ogni artista. Riconobbe il valore del jazz e l’importanza per Gershwin di sviluppare un proprio stile unico piuttosto che imitare un altro compositore.

Amore per i gatti e le curiosità meccaniche

Ravel era un grande amante dei gatti. La sua casa di Montfort-l’Amaury, che decorò con gusto squisito, era nota per ospitare diversi felini. Apprezzava la loro discreta compagnia e la loro indipendenza. La sua casa era anche piena di giocattoli meccanici, automi e ninnoli, a dimostrazione di una passione per l’ingegneria e i meccanismi di precisione, forse ereditata dal padre inventore . Questa passione per gli ingranaggi e la precisione si rifletteva nella sua musica, dove ogni elemento sembrava incastrarsi perfettamente .

Questi aneddoti, sebbene non rivelino tutta la complessità dell’uomo, offrono uno spaccato delizioso della personalità di Maurice Ravel: un artista esigente, un uomo di spirito e una figura singolare nel mondo della musica.

(Questo articolo è stato generato da Gemini. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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