Panoramica
Aaron Copland (1900-1990) è stato uno dei più influenti compositori americani del XX secolo, spesso definito il “decano della musica americana”. Ha svolto un ruolo cruciale nel plasmare un suono distintamente americano nella musica classica ed era noto per le sue composizioni accessibili ma sofisticate che celebravano lo spirito degli Stati Uniti.
Vita e formazione
Nato a Brooklyn, New York, da genitori immigrati ebrei lituani, Copland dimostrò un talento musicale precoce.
Studiò composizione a Parigi con la celebre insegnante Nadia Boulanger, la cui guida plasmò in modo significativo la sua voce artistica.
Stile e contributi
Suono americano: Copland si è ispirato al jazz, alle canzoni popolari e alla musica popolare, oltre che alle forme classiche tradizionali. La sua musica evoca spesso la vastità del paesaggio americano e l’ottimismo della sua gente.
Opere famose: Tra i suoi brani più noti ricordiamo:
Appalachian Spring (1944): Un balletto vincitore del Premio Pulitzer che contiene l’inno Shaker “Simple Gifts”.
Rodeo (1942): Un balletto che celebra il West americano, con l’iconico Hoe-Down.
Fanfare for the Common Man (1942): Un’opera per ottoni e percussioni che divenne un inno patriottico durante la Seconda Guerra Mondiale.
Billy the Kid (1938): Un balletto che esplora i temi della frontiera americana.
Partiture per film: Copland compose anche per Hollywood, ottenendo un Oscar per The Heiress (1949).
Sostegno ed eredità
Copland si impegnò a fondo per rendere accessibile la musica classica. Tenne conferenze, scrisse libri e diresse orchestre per promuovere la musica contemporanea.
Sostenne i colleghi compositori, soprattutto americani, e contribuì a definire il moderno repertorio orchestrale americano.
Più tardi nella sua carriera, esplorò tecniche più all’avanguardia, tra cui il serialismo, anche se i suoi primi lavori rimangono i più celebri.
Riconoscimenti
Copland ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui la Medaglia presidenziale della libertà, il Premio Pulitzer e un Oscar. La sua musica rimane una pietra miliare della musica classica americana e viene eseguita frequentemente.
Storia
La vita di Aaron Copland è la storia affascinante di un compositore che ha cercato di definire il suono dell’America. Nato il 14 novembre 1900 a Brooklyn, New York, Copland era il più giovane di cinque figli di una famiglia di immigrati ebrei lituani. I suoi genitori possedevano un piccolo grande magazzino e, pur non essendo particolarmente musicali, sostennero i suoi interessi. Copland si avvicinò alla musica grazie alla sorella maggiore, che gli insegnò il pianoforte, e già da adolescente decise di voler diventare un compositore.
Nel 1921, Copland si recò a Parigi per studiare musica, una decisione che si sarebbe rivelata trasformativa. Si iscrisse al Conservatorio americano di Fontainebleau e studiò composizione con Nadia Boulanger, un’insegnante rinomata che ebbe una profonda influenza su di lui. Sotto la sua guida, Copland affinò le sue capacità e ampliò la sua comprensione della musica, in particolare del modernismo europeo. Tuttavia, fu proprio durante questi anni parigini che Copland iniziò a riflettere su come creare uno stile musicale che si sentisse distintamente americano.
Tornato negli Stati Uniti a metà degli anni Venti, Copland sperimentò inizialmente elementi jazz in opere come Musica per il teatro (1925) e Concerto per pianoforte e orchestra (1926). Questi brani riflettono la vibrante energia urbana dell’Età del Jazz, ma sono ancora radicati nella tradizione classica. Tuttavia, mentre la Grande Depressione attanagliava la nazione, Copland sentì la crescente responsabilità di scrivere musica che potesse risuonare con un pubblico più ampio. Questo cambiamento di filosofia lo portò ad adottare uno stile più accessibile e populista negli anni Trenta e Quaranta.
In questo periodo Copland compose molte delle sue opere più iconiche, tra cui Appalachian Spring, Rodeo e Billy the Kid. Questi balletti, spesso ispirati alla musica e ai temi popolari americani, dipingono immagini vivaci della vita rurale e di frontiera. Nel 1942 scrisse Fanfare for the Common Man, un emozionante tributo agli americani comuni durante la Seconda Guerra Mondiale. Queste opere cementarono la sua reputazione di compositore in grado di catturare in musica l’essenza dell’identità americana.
Oltre alle sue composizioni, Copland fu un instancabile sostenitore della musica contemporanea. Scrisse articoli e libri, tenne conferenze e organizzò concerti per promuovere il lavoro di altri compositori. Si cimentò anche nella realizzazione di colonne sonore per film, vincendo un Oscar per L’ereditiera (1949). Negli anni Cinquanta, Copland iniziò a esplorare tecniche più all’avanguardia, tra cui il serialismo, anche se le sue opere successive non raggiunsero mai la stessa popolarità dei suoi primi pezzi populisti.
Con l’avanzare dell’età, Copland compose meno, ma rimase un attivo direttore d’orchestra e mentore. Ricevette numerosi riconoscimenti, tra cui la Medaglia presidenziale della libertà nel 1964. Copland trascorse gli ultimi anni dividendosi tra la sua casa di New York e il suo ritiro a Peekskill, componendo sporadicamente ma godendo dell’eredità del suo contributo alla musica americana.
Aaron Copland si è spento il 2 dicembre 1990, all’età di 90 anni. La sua vita e il suo lavoro hanno lasciato un segno indelebile nel mondo della musica classica, definendo il significato di creare un suono veramente americano.
Cronologia
1900: Aaron Copland nasce il 14 novembre a Brooklyn, New York, il più giovane di cinque figli di una famiglia di immigrati ebrei lituani.
1913: Inizia a prendere lezioni di pianoforte con la sorella Laurine e sviluppa rapidamente una passione per la musica.
1917: Frequenta la sua prima lezione di teoria musicale e decide di intraprendere la carriera di compositore.
1921: Si reca a Parigi per studiare al Conservatorio americano di Fontainebleau, dove diventa allievo di Nadia Boulanger.
1924: Completa la Sinfonia per organo e orchestra, la sua prima opera importante, che viene eseguita a New York con la Boulanger come solista.
1925: Torna negli Stati Uniti e inizia a comporre opere che incorporano elementi jazz, come Musica per il teatro (1925) e Concerto per pianoforte e orchestra (1926).
1929: Esegue la prima della sua Sinfonia per orchestra (Short Symphony), che fonde tecniche moderniste con un tono decisamente americano.
1930s: Durante la Grande Depressione, Copland si orienta verso uno stile più accessibile per raggiungere un pubblico più vasto. Incorpora la musica folk ed esplora i temi della vita americana.
1938: Compone Billy the Kid, un balletto che rappresenta la vita del leggendario fuorilegge, segnando l’inizio della sua fase “populista americana”.
1942: Scrive Fanfare for the Common Man in onore degli americani comuni durante la Seconda Guerra Mondiale.
1944: Esegue la prima di Appalachian Spring, un balletto che vince il Premio Pulitzer e diventa una delle sue opere più amate.
1939-1949: Lavora a Hollywood, componendo colonne sonore di film come Of Mice and Men (1939), Our Town (1940) e The Heiress (1949), che gli vale un Oscar.
1940s: Diventa una figura di spicco della musica americana, celebrato per la sua capacità di fondere le tradizioni classiche con elementi tipicamente americani.
1950s: Esplora il serialismo dodecafonico, una tecnica modernista, in opere come Piano Quartet (1950) e Connotations (1962).
1953: Testimonia davanti al Congresso durante l’allarme rosso, affrontando domande sulle sue presunte affiliazioni comuniste, ma evita gravi conseguenze.
Anni ’60-’70: Riduce gradualmente la sua produzione compositiva e si concentra sulla direzione d’orchestra, diventando uno dei principali interpreti delle sue opere.
1964: Riceve la Medaglia presidenziale della libertà per il suo contributo alla musica americana.
Anni ’70-’80: Dirige ampiamente, registra le sue opere e gode dell’eredità delle sue composizioni precedenti.
1990: Muore il 2 dicembre all’età di 90 anni a North Tarrytown (ora Sleepy Hollow), New York.
La carriera di Copland riflette l’evoluzione della musica americana nel XX secolo, dai primi esperimenti modernisti allo sviluppo di un’identità musicale nazionale.
Caratteristiche della musica
La musica di Aaron Copland è famosa per la sua capacità di catturare lo spirito dell’America, fondendo al contempo tecniche moderniste e accessibilità. Il suo stile si è evoluto nel corso dei decenni, ma diverse caratteristiche chiave definiscono il suo lavoro:
1. Nazionalismo americano
Copland è noto soprattutto per aver creato un suono “distintamente americano”. Ha ottenuto questo risultato ispirandosi a:
Canzoni popolari: Incorporando melodie popolari americane, canzoni di cowboy e inni (ad esempio, Appalachian Spring contiene l’inno Shaker “Simple Gifts”).
Il paesaggio americano: Evocazione della vastità e dell’apertura della campagna americana, in particolare in opere come Rodeo e Billy the Kid.
Temi della vita quotidiana: Celebrazione dell’uomo comune attraverso opere come Fanfare for the Common Man.
2. Stile chiaro e accessibile
Suono aperto e spazioso: Copland utilizzò intervalli ampi e armonie aperte (come le quarte e le quinte perfette) per imitare la vastità delle pianure americane. Questo divenne un segno distintivo del suo stile “populista”.
Ritmi e melodie semplici: Pur essendo ritmicamente dinamiche, le sue opere populiste impiegano spesso melodie e ritmi semplici per rendere la musica più accessibile.
Orchestrazione trasparente: L’uso di Copland dell’orchestrazione è spesso paragonato a quello di un pittore che lavora con colori puliti e luminosi. A ogni strumento o sezione viene data chiarezza e risalto.
3. Vitalità ritmica
Copland utilizza spesso sincopi, cambi di metro e ritmi irregolari, riflettendo le influenze del jazz e della musica popolare americana.
Le sue opere incorporano spesso energici ritmi di danza, come in Rodeo’s Hoe-Down.
4. Influenze moderniste
All’inizio della sua carriera, Copland fu influenzato dal modernismo europeo e da compositori come Igor Stravinsky. Ciò è evidente nel suo uso di:
Politonalità: La stratificazione simultanea di diverse tonalità, come nel suo Concerto per pianoforte e orchestra.
Dissonanza e strutture complesse: In particolare in opere come Musica per il teatro e Variazioni per pianoforte.
Negli anni Cinquanta sperimentò il serialismo dodecafonico, anche se queste opere rimasero meno popolari rispetto alla sua musica precedente.
5. Schiettezza emotiva
La musica di Copland colpisce spesso il pubblico in modo emotivo. Le sue opere bilanciano semplicità e raffinatezza, creando un senso di calore, ottimismo e umanità.
Pezzi come Appalachian Spring e Our Town emanano una qualità nostalgica e riflessiva che risuona profondamente.
6. Versatilità di genere
Copland ha composto in molti generi, tra cui balletti (Rodeo, Billy the Kid), opere orchestrali (Sinfonia n. 3), musica da camera (Quartetto per pianoforte) e colonne sonore di film (The Heiress).
La sua capacità di adattare il suo stile a contesti diversi – che si tratti di sale da concerto classiche o di film hollywoodiani – dimostra la sua versatilità.
7. Uso del silenzio e dello spazio
Copland ha spesso lasciato momenti di silenzio o di spazio nella sua musica, permettendo al suono di “respirare”. Questa tecnica, unita alle sue trame rade, ha contribuito al senso di apertura della sua musica.
8. Influenza del jazz
Soprattutto nei primi lavori, Copland incorporò elementi jazz come sincopi, note blu e ritmi vibranti, come si vede in Musica per il teatro e Concerto per pianoforte e orchestra.
Evoluzione nel tempo
Anni ’20-’30: Opere moderniste e influenzate dal jazz (Variazioni per pianoforte, Concerto per pianoforte).
Anni ’30-’40: Stile populista con particolare attenzione ai temi americani (Appalachian Spring, Rodeo).
Anni ’50-’60: Sperimentazione del serialismo (Connotations, Piano Fantasy).
Anni successivi: Riduzione della produzione compositiva, concentrandosi sulla direzione d’orchestra e sulla conservazione della sua eredità.
La capacità di Copland di fondere la raffinatezza con la semplicità, il modernismo con il senso del luogo, lo ha reso uno dei compositori più amati e duraturi della storia della musica americana.
Relazioni
La vita e la carriera di Aaron Copland hanno comportato numerose relazioni dirette con compositori, interpreti, direttori d’orchestra, orchestre e figure influenti nel mondo dell’arte. Ecco una panoramica dei suoi legami principali:
Compositori
Nadia Boulanger
Copland studiò con la Boulanger a Parigi negli anni Venti, che divenne un mentore e un sostenitore per tutta la vita. I suoi insegnamenti contribuirono a formare le basi musicali di Copland e lo introdussero alle tecniche moderniste.
Leonard Bernstein
Bernstein era un amico intimo e un ammiratore di Copland. Copland fu un mentore per Bernstein e i due condivisero un’influenza reciproca. Bernstein diresse spesso le opere di Copland, promuovendole al pubblico di tutto il mondo.
Igor Stravinsky
Copland fu profondamente influenzato dall’uso di Stravinsky del ritmo, dell’orchestrazione e delle tecniche moderniste. Sebbene non fossero amici intimi, Copland considerava Stravinsky una figura fondamentale per la musica del XX secolo.
Carlos Chávez
Compositore e direttore d’orchestra messicano, Chávez divenne un amico intimo di Copland. I due si scambiarono idee su come incorporare l’identità nazionale nella loro musica. Copland visitò spesso il Messico e dedicò a Chávez alcune opere, tra cui El Salón México.
Samuel Barber
Pur non essendo particolarmente vicini, Copland e Barber erano contemporanei e rispettavano il lavoro dell’altro. Spesso sono stati considerati i leader della musica classica americana della metà del XX secolo.
Virgil Thomson
Copland e Thomson erano colleghi che cercavano entrambi di definire un suono distintamente americano. Condivisero un’amicizia professionale e un rispetto reciproco, sebbene i loro approcci stilistici fossero diversi.
Interpreti e direttori d’orchestra
William Warfield
Warfield, celebre baritono afroamericano, eseguì e registrò le Old American Songs di Copland, contribuendo a renderle popolari.
Martha Graham
La leggendaria ballerina e coreografa moderna collaborò con Copland per Appalachian Spring. La loro collaborazione ha dato vita a uno dei più iconici balletti americani.
Serge Koussevitzky
In qualità di direttore musicale della Boston Symphony Orchestra, Koussevitzky è stato uno dei principali sostenitori delle opere di Copland. Gli commissionò la Sinfonia n. 3 e altri brani, dando un notevole impulso alla carriera di Copland.
Ruth Page
Coreografa che ha collaborato con Copland per il balletto Hear Ye! Hear Ye!, che mette in luce la sua versatilità nella musica per la danza.
Andre Kostelanetz
Kostelanetz, direttore d’orchestra, commissionò a Copland la composizione di Lincoln Portrait durante la Seconda Guerra Mondiale, un’opera che combinava musica orchestrale e narrazione parlata.
Orchestre ed ensemble
Orchestra sinfonica di Boston
Ha eseguito spesso e in prima assoluta le opere di Copland, soprattutto sotto la direzione di Serge Koussevitzky.
Filarmonica di New York
Diretta da Leonard Bernstein e altri, l’orchestra ha svolto un ruolo fondamentale nella divulgazione delle composizioni di Copland.
Orchestra Sinfonica di Cincinnati
Commissionò ed eseguì in prima assoluta Fanfare for the Common Man nel 1942, sotto la direzione di Eugene Goossens.
Studi di Hollywood
Le partiture cinematografiche di Copland (ad esempio, The Heiress, Our Town) lo collegarono alla scena musicale di Hollywood e a registi di spicco come William Wyler.
Figure non musicali
Emily Dickinson
Copland mise in musica 12 poesie di Emily Dickinson nel suo Twelve Poems of Emily Dickinson, evidenziando l’influenza di quest’ultima sul suo lavoro.
Abraham Lincoln
Copland celebrò l’eredità di Lincoln in Lincoln Portrait, che combinava estratti parlati dei discorsi di Lincoln con musica orchestrale.
Alfred Stieglitz e Georgia O’Keeffe
Il pittore e la fotografa facevano parte della cerchia di amici di Copland. La loro attenzione nel catturare i temi americani era parallela agli obiettivi musicali di Copland.
Paul Rosenfeld
Critico musicale e scrittore che sostenne il lavoro di Copland e si schierò a favore dello sviluppo di un’identità musicale americana.
Istituzioni artistiche
Centro musicale di Tanglewood
Copland è stato per lungo tempo membro della facoltà di Tanglewood, facendo da mentore a giovani compositori e lavorando a stretto contatto con Leonard Bernstein e Koussevitzky.
Alleanza dei compositori americani
Copland ha contribuito a fondare questa organizzazione per promuovere i compositori americani contemporanei.
Lega dei compositori
Copland ne è stato un membro attivo, impegnandosi nella difesa della nuova musica e nella creazione di una comunità di supporto per i compositori.
Figure politiche e culturali
Eleanor Roosevelt
Roosevelt ammirava la Fanfara per l’uomo comune di Copland e altre opere che celebravano i valori americani.
Franklin D. Roosevelt
Anche se non direttamente collegata, la musica di Copland risuonava spesso con gli ideali dell’era del New Deal e gli furono commissionati brani che riflettessero lo spirito dell’epoca.
HUAC (Comitato per le attività antiamericane)
Copland fu interrogato durante l’allarme rosso degli anni Cinquanta a causa delle sue affiliazioni politiche di sinistra, anche se non fu mai formalmente inserito nella lista nera.
Queste relazioni riflettono l’ampia influenza di Copland e la sua capacità di collegare mondi classici e popolari, musicali e politici per creare un’eredità duratura.
Compositori simili
Se siete interessati a compositori simili ad Aaron Copland, eccone alcuni i cui stili, temi o approcci sono in linea con il suo lavoro. Questi compositori hanno in comune con Copland l’attenzione al nazionalismo, alle tradizioni popolari, al modernismo o il loro contributo alla musica classica americana.
Compositori americani
Leonard Bernstein
Amico intimo di Copland, la musica di Bernstein fonde elementi classici, jazz e popolari con un’identità americana. Opere come West Side Story e Chichester Psalms dimostrano il suo eclettismo e la sua capacità di entrare in contatto con un vasto pubblico.
Charles Ives
Compositore americano, Ives incorporò melodie popolari americane, inni e tecniche sperimentali. Le sue opere, come Three Places in New England, condividono una simile fascinazione per l’identità americana.
Samuel Barber
Lo stile lussureggiante e lirico di Barber differisce dal suono aperto di Copland, ma le sue opere, come Knoxville: Summer of 1915 e Adagio for Strings, evocano una profondità emotiva e americana che completa la musica di Copland.
Virgil Thomson
Come Copland, Thomson abbracciò le tradizioni popolari americane e compose opere dal carattere spiccatamente nazionalistico, come le colonne sonore di The Plow That Broke the Plains e The River.
Roy Harris
Le sinfonie di Harris, in particolare la Sinfonia n. 3, sono spesso descritte come evocative del paesaggio e dello spirito americano, in modo simile alle opere di Copland.
Howard Hanson
La musica di Hanson ha un carattere lussureggiante e romantico, ma il suo uso di melodie espansive e le evocazioni del paesaggio americano risuonano con lo stile di Copland.
Compositori messicani
Carlos Chávez
Amico intimo di Copland, anche Chávez cercò di creare una voce musicale nazionalistica per il Messico. Le sue opere, come Sinfonía India, utilizzano melodie e ritmi indigeni, parallelamente all’uso di Copland di temi folk americani.
Silvestre Revueltas
Contemporaneo di Copland e Chávez, le opere di Revueltas, come Sensemayá e Noche de los Mayas, fondono il modernismo con elementi folkloristici messicani.
Compositori europei con temi folkloristici/nazionalisti
Ralph Vaughan Williams (Inghilterra)
L’uso da parte di Vaughan Williams di melodie popolari inglesi e temi pastorali, come in The Lark Ascending e Fantasia on a Theme by Thomas Tallis, condivide una parentela con l’evocazione dell’America di Copland.
Béla Bartók (Ungheria)
L’incorporazione da parte di Bartók della musica popolare dell’Europa orientale nelle sue opere moderniste, come la Musica per archi, percussioni e celesta, rispecchia l’integrazione da parte di Copland delle tradizioni popolari americane.
Jean Sibelius (Finlandia)
Le opere sinfoniche di Sibelius, in particolare quelle che evocano il paesaggio finlandese (Finlandia, Sinfonia n. 2), sono parallele alla capacità di Copland di catturare il senso del luogo nella musica.
Darius Milhaud (Francia)
I ritmi vibranti e l’uso di elementi folkloristici di Milhaud, soprattutto nelle opere influenzate dall’America Latina (Saudades do Brasil), si allineano all’energia ritmica e alle tendenze moderniste di Copland.
Compositori modernisti/accessibili
Igor Stravinsky
La vitalità ritmica e lo stile neoclassico di Stravinsky, soprattutto in opere come Pulcinella e Il rito della primavera, hanno influenzato la prima fase modernista di Copland.
Benjamin Britten
La capacità di Britten di scrivere musica moderna e allo stesso tempo accessibile (ad esempio, Simple Symphony, Peter Grimes) è parallela all’approccio populista di Copland.
Michael Tippett
Le opere di Tippett, come A Child of Our Time, riflettono un simile equilibrio tra modernismo e accessibilità, con un’attenzione particolare all’umanità e ai temi sociali.
Compositori contemporanei e successivi
John Adams
Conosciuto per le sue opere minimaliste dall’identità americana, i brani di Adams come Harmonielehre e Short Ride in a Fast Machine riprendono l’uso dell’energia ritmica e della trasparenza di Copland.
Joan Tower
La musica di Tower spesso celebra l’America e utilizza un’orchestrazione vibrante, come in Fanfare for the Uncommon Woman, che fa riferimento diretto a Fanfare for the Common Man di Copland.
Jennifer Higdon
Le opere orchestrali di Higdon, come Blue Cathedral, sono celebri per la loro accessibilità e per le texture lussureggianti, continuando la tradizione di Copland di entrare in contatto con il pubblico.
Questi compositori offrono approcci diversi, ma condividono l’interesse di Copland nel creare musica che rifletta un senso di luogo, cultura e umanità. Desiderate approfondire le opere di questi compositori?
Opere notevoli per pianoforte solo
Le opere per pianoforte di Aaron Copland, sebbene in numero minore rispetto alle sue composizioni orchestrali e di balletto, sono significative per i loro elementi modernisti, la vitalità ritmica e l’uso occasionale di temi di ispirazione popolare. Di seguito sono riportate alcune delle sue più importanti opere per pianoforte solo:
Opere giovanili e moderniste
Variazioni per pianoforte (1930)
Pietra miliare del repertorio pianistico di Copland, quest’opera è un capolavoro del modernismo. Presenta dissonanze taglienti, melodie spigolose e una struttura di temi e variazioni strettamente costruita.
Nota per la sua intensità drammatica e lo stile austero, è uno dei brani più impegnativi e intellettualmente impegnativi di Copland.
Passacaglia (1922)
Una delle prime opere mature di Copland, scritta durante gli studi con Nadia Boulanger a Parigi.
Il brano dimostra l’abilità di Copland nello scrivere variazioni su una linea di basso ripetuta e il suo crescente interesse per il contrappunto e la struttura.
Sonata per pianoforte (1941)
Un’opera di grandi dimensioni scritta durante un periodo di transizione nella carriera di Copland. La sonata fonde tendenze moderniste con momenti di lirismo e introspezione.
Si compone di tre movimenti e si distingue per la profondità espressiva e la chiarezza strutturale.
Opere americane e di ispirazione popolare
Quattro blues per pianoforte (1926-1948)
Una serie di quattro brevi pezzi che riflettono l’interesse di Copland per il jazz e il blues. Ogni brano è dedicato a un amico diverso e offre una miscela unica di malinconia e spensieratezza.
Queste opere sono più introspettive e intime rispetto alle sue composizioni su larga scala.
Il gatto e il topo (1920)
Uno scherzo umoristico e giocoso ispirato a una favola di Jean de La Fontaine. Questo primo lavoro mette in mostra l’arguzia di Copland e la sua voce in via di sviluppo come compositore.
È un brano molto apprezzato dai pianisti per il suo fascino e le sue sfide tecniche.
Tre stati d’animo (1921)
Un insieme di tre brevi pezzi di carattere che riflettono diversi stati emotivi:
Amareggiato: Cupo e teso.
Malinconico: Delicato e lirico.
Jazzy: Spensierato e influenzato dal jazz.
Queste miniature mostrano le prime sperimentazioni di Copland con i ritmi e le armonie del jazz.
Opere successive e sperimentali
Pensieri notturni (1972)
Sottotitolato Omaggio a Ives, questo brano introspettivo fu scritto per il Concorso Pianistico Internazionale Van Cliburn.
Mostra lo stile successivo di Copland, che incorpora una tessitura più rada e modernista e uno stato d’animo riflessivo e meditativo.
Fantasia per pianoforte (1957)
Una delle opere pianistiche più ambiziose di Copland, che combina le tecniche dodecafoniche con il suo stile lirico.
Questa composizione in un unico movimento e su larga scala è allo stesso tempo virtuosistica e introspettiva e rappresenta l’esplorazione del serialismo da parte di Copland negli anni Cinquanta.
Arrangiamenti e trascrizioni
El Salón México (arrangiato per pianoforte, 1937)
Arrangiamento per pianoforte di un suo brano orchestrale, che conserva l’energia ritmica e il fascino popolare dell’originale.
Billy the Kid Suite (Estratti per pianoforte, anni ’40)
Copland trascrive per pianoforte solo alcune sezioni del suo balletto, catturando l’essenza della musica a tema western.
Queste opere mostrano la versatilità di Copland come compositore, dai primi pezzi influenzati dal jazz agli esperimenti modernisti e alle creazioni di ispirazione folk.
La primavera degli Appalachi
Appalachian Spring è una delle opere più iconiche e amate di Aaron Copland, celebrata per il suo suono quintessenzialmente americano e per la sua capacità di evocare lo spirito della frontiera americana. Composta originariamente come balletto, divenne in seguito molto conosciuta come suite orchestrale.
Contesto e commissione
Commissione: Nel 1942 Martha Graham, pioniera della danza moderna e coreografa, commissionò a Copland la composizione di una partitura per la sua compagnia. Il lavoro fu finanziato dalla Elizabeth Sprague Coolidge Foundation.
Prima: La prima del balletto avvenne il 30 ottobre 1944 presso la Biblioteca del Congresso di Washington, con la Graham stessa nel ruolo di protagonista.
Titolo: È interessante notare che il titolo Appalachian Spring fu suggerito dalla Graham, tratto da una poesia di Hart Crane. Copland aveva terminato la partitura prima che fosse deciso il titolo, quindi la musica non fa riferimento direttamente all’Appalachia o alla primavera, ma piuttosto cattura un senso generale di pastorale americana.
Narrazione e temi
Il balletto racconta la storia di una giovane coppia che costruisce una vita insieme nella Pennsylvania rurale all’inizio del XIX secolo. Descrive le sfide, le speranze e le gioie della vita dei pionieri ed esplora i temi della comunità, dell’amore, della fede e della resilienza.
I personaggi chiave del balletto sono:
Una sposa e uno sposo.
Un predicatore pioniere.
Un piccolo gruppo di seguaci.
La storia è incentrata sulla loro preparazione a una nuova vita insieme, con momenti di introspezione, celebrazione e solennità.
Stile e struttura musicale
La musica di Copland per Appalachian Spring si caratterizza per la sua chiarezza, semplicità e per il suono aperto e “spazioso”, che evoca la vastità del paesaggio americano. L’orchestrazione presenta trame trasparenti e intervalli ampi, creando una sensazione di apertura e possibilità.
Forma: La partitura originale del balletto dura circa 25 minuti, mentre la suite (1945) la riduce a circa 20 minuti.
Sezioni: La suite è composta da otto sezioni continue, ognuna delle quali rappresenta una scena o uno stato d’animo diverso del balletto. Queste includono momenti di calma riflessione, di energica celebrazione e di solennità simile a un inno.
Punti salienti della musica
Melodia Shaker – “Simple Gifts” (Doni semplici)
La parte più famosa di Appalachian Spring è l’uso che Copland fa dell’inno Shaker Simple Gifts. Appare nella settima sezione della suite e rappresenta i temi della semplicità e della spiritualità.
Copland trasforma la melodia attraverso variazioni, iniziando con una dichiarazione tranquilla e delicata e costruendo un climax trionfale prima di tornare a una conclusione pacifica.
Apertura pastorale
L’opera inizia con una melodia serena che si svolge lentamente, evocando l’alba e la tranquillità della campagna.
Ritmi di danza
Le sezioni energiche e vivaci catturano la gioia della celebrazione, riflettendo i ritmi di ispirazione folk e l’esuberanza della vita dei pionieri.
Sezioni simili a inni
L’uso da parte di Copland di armonie simili a quelle di un inno crea un senso di spiritualità e forza comunitaria.
Versioni
Partitura per balletto (1944)
La versione originale è stata realizzata per un’orchestra da camera di 13 strumenti per adattarsi al piccolo spazio della Biblioteca del Congresso.
Suite orchestrale (1945)
Copland rielaborò il balletto in una suite per orchestra completa, che oggi è la versione più eseguita.
Partitura completa per orchestra del balletto (1954)
Copland creò una versione per orchestra completa, conservando l’intera partitura originale.
Eredità
Impatto culturale: Appalachian Spring è diventata un simbolo dell’America, incarnando ideali di ottimismo, semplicità e comunità. È spesso associata a temi di speranza e rinnovamento.
Premi: La partitura originale del balletto è valsa a Copland il Premio Pulitzer per la musica nel 1945.
Accoglienza popolare: La bellezza lirica e l’accessibilità emotiva dell’opera l’hanno resa un punto fermo della musica classica americana.
Fanfara per l’uomo comune
La Fanfara per l’uomo comune di Aaron Copland è una delle opere più iconiche e riconosciute della musica classica americana. La sua grandezza e semplicità l’hanno resa un potente simbolo di democrazia, eroismo e unità.
Contesto e Commissione
Commissione: Nel 1942, durante la Seconda Guerra Mondiale, il direttore Eugene Goossens dell’Orchestra Sinfonica di Cincinnati commissionò 18 fanfare a vari compositori americani. Queste fanfare avevano lo scopo di onorare lo spirito bellico e il morale degli Stati Uniti. La Fanfara per l’uomo comune di Copland fu una delle commissioni più importanti.
Ispirazione: Il titolo fu ispirato da un discorso del vicepresidente Henry A. Wallace, che in un discorso del 1942 parlò del “secolo dell’uomo comune”. Copland abbracciò questo concetto, dedicando la sua fanfara alla gente comune piuttosto che ai capi militari o alla nobiltà.
Prima e ricevimento
Prima: Il pezzo fu eseguito per la prima volta il 12 marzo 1943, dalla Cincinnati Symphony Orchestra e diretto da Eugene Goossens.
Accoglienza: Fu subito accolta come un’opera emozionante e patriottica, che risuonò profondamente con il pubblico durante la guerra. Con il tempo, divenne un simbolo di resilienza e democrazia, trascendendo il suo contesto originale.
Stile e struttura musicale
Strumentazione: L’opera è composta da ottoni (4 corni, 3 trombe, 3 tromboni, tuba) e percussioni (timpani, grancassa e tam-tam), che le conferiscono un carattere audace e maestoso.
Forma e struttura:
La fanfara si apre con un’introduzione solenne e ritmata dai timpani e dalla grancassa.
Segue il nobile e svettante tema degli ottoni, che viene ripetuto e sviluppato, crescendo di intensità.
La struttura complessiva è semplice ma molto efficace, con pause drammatiche che aggiungono gravitas all’opera.
Tonalità e armonia: L’opera è centrata in si bemolle maggiore, con intervalli aperti (quarte e quinte) che creano un senso di ampiezza e grandezza.
Simbolismo ed eredità
Ideali democratici:
Dedicando l’opera all’“uomo comune”, Copland enfatizzò l’inclusività e la dignità della gente comune, allineandosi agli ideali democratici.
Impatto culturale:
La fanfara è stata utilizzata in numerosi contesti al di fuori della sala da concerto, tra cui eventi politici, cerimonie sportive e colonne sonore di film. Le sue note iniziali sono immediatamente riconoscibili.
Influenza:
Copland incorporò in seguito Fanfare for the Common Man nel movimento finale della sua Sinfonia n. 3 (1946), cementando ulteriormente il suo posto nel repertorio classico americano.
Esecuzioni e adattamenti famosi
Esecuzioni in concerto:
Eseguito spesso in occasione di eventi patriottici e cerimoniali, è diventato un punto fermo del repertorio di ottoni e percussioni.
Adattamenti rock:
Il gruppo progressive rock Emerson, Lake & Palmer ha creato un famoso arrangiamento della fanfara nel 1977, introducendola a un nuovo pubblico.
Eventi politici e culturali:
La fanfara è stata suonata in occasione di inaugurazioni presidenziali, memoriali dell’11 settembre e altri momenti significativi della storia degli Stati Uniti.
Perché resiste
La combinazione di semplicità, profondità emotiva e temi universali rende Fanfare for the Common Man intramontabile. Parla della resilienza, dell’unità e della forza tranquilla degli individui di tutti i giorni, garantendo la sua continua attualità.
Rodeo
Rodeo è una delle opere più popolari di Aaron Copland e una quintessenza della musica classica americana. Composto come balletto, cattura lo spirito del West americano con i suoi ritmi vivaci, le melodie di ispirazione popolare e la vivace orchestrazione. La musica è energica, giocosa e nostalgica ed evoca immagini di cowboy, vita nei ranch e paesaggi aperti.
Contesto e creazione
Commissione: Rodeo fu commissionato dal Ballet Russe de Monte Carlo e presentato per la prima volta il 16 ottobre 1942 a New York.
Coreografo: Il balletto è stato coreografato da Agnes de Mille, che ha anche danzato il ruolo principale della Cowgirl alla prima.
Ispirazione: Il balletto racconta una storia spensierata e romantica ambientata in un ranch, esplorando i temi dell’amore, della competizione e dello spirito robusto del West americano.
Panoramica della trama
Il balletto segue la storia di una cowgirl maschiaccio che cerca l’attenzione del capo Wrangler ma fatica a conquistare il suo affetto. Attraverso una serie di danze e interazioni, la ragazza riesce infine a conquistare l’attenzione del campione Roper, rendendosi conto che l’amore può assumere forme inaspettate.
Il balletto presenta cinque sezioni principali:
Buckaroo Holiday: Un’introduzione vivace che cattura l’eccitazione della vita nei ranch. La Cowgirl cerca di inserirsi tra i cowboy, ma è impacciata e consapevole di sé.
Corral Nocturne: Una sezione più introspettiva e lirica che riflette i sentimenti di solitudine e nostalgia della Cowgirl.
Ranch House Party: Una sequenza di danza giocosa che mostra le dinamiche sociali del ranch.
Valzer del sabato sera: Un valzer affascinante e tenero in cui le coppie si accoppiano per ballare, ma la Cowgirl rimane in disparte.
Hoe-Down: l’esuberante finale del balletto, pieno di danze ad alta energia e spirito celebrativo. La Cowgirl si unisce e alla fine conquista l’ammirazione del campione Roper.
Stile e caratteristiche musicali
Ispirazione popolare: Copland ha incorporato e adattato le tradizionali melodie popolari americane, conferendo autenticità e fascino alla musica. Esempi notevoli sono:
“Bonaparte’s Retreat” in Hoe-Down.
“McLeod’s Reel” in Buckaroo Holiday.
Orchestrazione: La musica presenta un’orchestrazione brillante e audace, con un uso prominente di ottoni e percussioni per evocare l’energia robusta del West.
Vitalità ritmica: L’opera è caratterizzata da ritmi sincopati, slancio energico e contrasti tra sezioni vivaci e liriche.
Stile accessibile: Come gran parte della musica “populista” di Copland, Rodeo è intonata e accessibile, pensata per rivolgersi a un vasto pubblico.
Suite orchestrale
Dopo il successo del balletto, Copland creò una suite orchestrale basata sulla sua musica, omettendo alcune sezioni e rielaborandone altre per l’esecuzione in concerto. La suite divenne immensamente popolare e viene spesso eseguita dalle orchestre di tutto il mondo.
La suite comprende:
Buckaroo Holiday
Notturno del Corral
Valzer del sabato sera
Hoe-Down
La sezione Hoe-Down, in particolare, ha raggiunto uno status iconico ed è spesso presente in spot pubblicitari, film e altri media.
Eredità
Impatto culturale: Hoe-Down è diventato particolarmente famoso nella cultura pop, utilizzato in pubblicità come “Beef. It’s What’s for Dinner” e in vari film e programmi televisivi.
Pietra miliare del balletto: L’innovativa coreografia di Agnes de Mille, combinata con la vibrante musica di Copland, stabilì un nuovo standard per il balletto americano, fondendo forme classiche con temi vernacolari.
Simbolo dell’America: Come Appalachian Spring e Fanfare for the Common Man, Rodeo cattura l’essenza dell’identità americana ed è diventato un simbolo del patrimonio culturale della nazione.
Lavori degni di nota
La carriera di Aaron Copland è definita da un’ampia gamma di opere che racchiudono l’essenza della musica classica americana, da balletti e sinfonie a colonne sonore e musica da camera. Ecco una panoramica delle sue opere più importanti nei diversi generi:
Balletti
Primavera degli Appalachi (1944)
Una delle sue opere più iconiche, celebre per l’uso della melodia Shaker Simple Gifts.
Cattura lo spirito dell’America rurale e i temi della speranza e del rinnovamento.
Ha vinto il Premio Pulitzer per la musica nel 1945.
Rodeo (1942)
Una vivace rappresentazione del West americano, con il famoso Hoe-Down.
Incorpora melodie folk tradizionali ed è noto per la sua energia ritmica.
Billy the Kid (1938)
Un balletto che racconta la storia del famigerato fuorilegge Billy the Kid.
Evoca la frontiera americana attraverso melodie folk e armonie aperte.
Sinfonia di danza (1929)
Una prima opera di balletto, adattata dalla sinfonia rifiutata per i Ballets Russes.
Opere orchestrali
Fanfara per l’uomo comune (1942)
Una potente fanfara per ottoni e percussioni scritta durante la Seconda Guerra Mondiale, che simboleggia la resilienza e la democrazia.
In seguito è stata incorporata nella Sinfonia n. 3.
Sinfonia n. 3 (1946)
Spesso considerata la più grande sinfonia di Copland, fonde il modernismo con un suono decisamente americano.
Presenta una rielaborazione della Fanfara per l’uomo comune nel suo movimento finale.
El Salón México (1936)
Un poema tonale ispirato alla musica popolare messicana e all’atmosfera vibrante di una sala da ballo.
Segna l’inizio dell’interesse di Copland per l’incorporazione di elementi folk nella sua musica.
Ritratto di Lincoln (1942)
Un’opera orchestrale patriottica con estratti parlati dai discorsi di Abraham Lincoln.
Eseguita spesso in concerti in onore dell’eredità americana.
Opere da camera e da solista
Variazioni per pianoforte (1930)
Un’opera modernista e spigolosa, che mette in luce l’abilità di Copland nello sviluppo tematico.
Uno dei suoi contributi più significativi alla letteratura per pianoforte solo.
Sonata per violino e pianoforte (1943)
Un’opera lirica e introspettiva dedicata a un amico morto nella Seconda Guerra Mondiale.
Duo per flauto e pianoforte (1971)
Un’opera tardiva nella carriera di Copland, che fonde chiarezza e semplicità lirica.
Opere corali
Vecchie canzoni americane (1950, 1952)
Due serie di arrangiamenti di canzoni popolari tradizionali americane, come Simple Gifts e I Bought Me a Cat.
Amati per il loro fascino e la loro accessibilità.
In the Beginning (1947)
Una breve cantata corale ambientata sul testo biblico del Libro della Genesi.
Nota per la sua scrittura vocale intricata ed evocativa.
Partiture per film
Uomini e topi (1939)
Partitura per l’adattamento cinematografico del romanzo di John Steinbeck, che valse a Copland la prima nomination all’Oscar.
La nostra città (1940)
Una partitura lirica e struggente per l’adattamento dell’opera teatrale di Thornton Wilder.
La sua semplicità rispecchia l’ambientazione della piccola città americana.
Il pony rosso (1949)
Una partitura affascinante ed evocativa per un film basato sulla novella di Steinbeck.
Spesso eseguita come suite nelle sale da concerto.
L’ereditiera (1949)
La colonna sonora di Copland per questo film gli valse un Oscar.
Opere liriche
La tenera terra (1954)
Un’opera di formazione ambientata nell’America rurale, che affronta i temi dell’amore, della comunità e dell’indipendenza.
Include la popolare aria “The Promise of Living”.
Concerti
Concerto per clarinetto (1948)
Scritto per Benny Goodman, fonde elementi jazz con passaggi lirici.
Uno dei concerti per clarinetto più famosi del repertorio.
Concerto per pianoforte (1926)
Un’opera influenzata dal jazz che mostra i primi esperimenti di Copland con la vitalità ritmica e l’armonia modernista.
Eredità
Queste opere dimostrano complessivamente la capacità di Copland di sintetizzare le tecniche moderniste con le tradizioni popolari, creando musica che risuona con un vasto pubblico. Il suo distinto “suono americano”, caratterizzato da armonie aperte, ritmi sincopati e melodie di ispirazione popolare, lo ha reso uno dei compositori più celebri della storia della musica americana.
(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)
Contenuto della musica classica
Best Classical Recordings
on YouTube
Best Classical Recordings
on Spotify
