Vue d’ensemble
Sir Edward Elgar (1857-1934) était un compositeur anglais réputé pour sa musique profondément expressive et richement orchestrée. Il a joué un rôle important dans l’essor de la musique anglaise à la fin du romantisme et au début du XXe siècle. Voici un aperçu de sa vie et de son œuvre :
Début de sa vie
Né le 2 juin 1857 à Broadheath, près de Worcester, en Angleterre.
Elgar grandit dans une famille de musiciens ; son père est accordeur de piano, organiste et propriétaire d’un magasin de musique.
En grande partie autodidacte, il complète son éducation musicale en étudiant des partitions et en pratiquant le violon.
Au début de sa carrière, il travaille comme violoniste, professeur de musique et chef d’orchestre dans des établissements locaux.
Principales œuvres
La musique d’Elgar est célèbre pour sa profondeur émotionnelle, sa richesse mélodique et son orchestration novatrice. Voici quelques-unes de ses compositions les plus célèbres :
1. Variations Enigma (1899) :
Une série de 14 variations sur un thème original, chaque variation représentant un ami ou une connaissance.
La variation « Nimrod », en particulier, est très appréciée pour son émotion poignante.
2. Pomp and Circumstance Marches (1901-1930) :
Une série de cinq marches, dont la première contient la célèbre mélodie « Land of Hope and Glory » (Terre d’espoir et de gloire).
Elle est devenue un hymne à la fierté britannique et est souvent jouée lors de remises de diplômes et de cérémonies.
3. Le rêve de Gérontius (1900) :
Un chef-d’œuvre choral-orchestral basé sur un poème du cardinal Newman.
Il reflète les thèmes catholiques de la mort, du jugement et de la rédemption.
4. Concerto pour violoncelle en mi mineur (1919) :
Une œuvre profondément introspective et élégiaque, écrite après la Première Guerre mondiale.
Elle est devenue une pierre angulaire du répertoire pour violoncelle et a été défendue par Jacqueline du Pré.
5. Concerto pour violon en si mineur (1910) :
Un concerto à la fois virtuose et profondément émouvant, considéré comme l’une des plus belles œuvres du répertoire pour violon.
Style et influence
La musique d’Elgar est imprégnée des traditions du romantisme tardif, avec des harmonies luxuriantes et de vastes mélodies.
Il a été influencé par des compositeurs tels que Wagner, Brahms et Dvořák, mais a imprégné son œuvre d’un caractère typiquement anglais.
Ses compositions évoquent souvent la beauté pastorale de la campagne anglaise et reflètent à la fois l’introspection personnelle et la fierté nationale.
Reconnaissance et vie ultérieure
Elgar a été anobli en 1904 et est devenu Master of the King’s Music (1924).
Il est le premier compositeur anglais depuis plus de 200 ans à obtenir une reconnaissance internationale.
Bien que ses dernières années aient été moins productives, il est resté une figure appréciée de la musique anglaise.
Mort le 23 février 1934 à Worcester, en Angleterre.
Héritage
Elgar est considéré comme l’un des plus grands compositeurs anglais. Sa musique dégage un sentiment à la fois de grandeur et d’intimité, et ses œuvres restent au cœur du répertoire de concert. Son rôle dans la revitalisation de la musique anglaise a eu un impact durable, faisant le lien entre l’ère romantique et l’ère moderne.
Histoire
L’histoire d’Edward Elgar est celle d’une résilience, d’une autodétermination et d’un amour de la musique qui lui ont permis de transcender ses débuts modestes pour devenir l’un des plus grands compositeurs anglais. Né le 2 juin 1857 dans le petit village de Broadheath, près de Worcester, en Angleterre, Elgar a grandi dans une famille de la classe moyenne très attachée à la musique. Son père tient un magasin de musique, accorde des pianos et est organiste à l’église catholique St. Cet environnement permet au jeune Edward d’avoir accès aux instruments, aux partitions et aux œuvres des grands compositeurs, ce qui déclenche chez lui une passion qui durera toute sa vie.
Bien qu’Elgar ait reçu une formation formelle, il s’est en grande partie formé par lui-même. Il dévore les livres de théorie musicale, étudie les partitions de Beethoven, Brahms et Wagner, et perfectionne son art en jouant du violon et de l’orgue. Cette formation autodidacte a fait de lui une sorte d’outsider dans l’establishment musical anglais, dominé par des musiciens ayant suivi une formation formelle au conservatoire.
Le début de la carrière d’Elgar est marqué par des difficultés. Il travaille comme violoniste, joue dans des orchestres locaux et accepte des postes d’enseignant pour subvenir à ses besoins. Ses compositions de l’époque, bien que prometteuses, n’attirent guère l’attention. Cependant, son mariage en 1889 avec Alice Roberts, poète et fille d’un officier de l’armée britannique, marque un tournant. Alice croit fermement au génie d’Edward et l’encourage à persévérer. Son soutien indéfectible lui a donné la confiance nécessaire pour continuer à composer malgré la lenteur des progrès.
Elgar a percé en 1899 avec les Variations Enigma, une œuvre qui a capté l’attention du public et des critiques. Chaque variation de l’œuvre est un portrait musical d’un proche, mettant en évidence sa capacité à insuffler de la chaleur et de l’humanité à la musique. L’« énigme » mystérieuse qui se cache derrière l’œuvre – un thème inexprimé qui sous-tend l’œuvre – ajoute à son attrait.
À partir de là, la carrière d’Elgar s’épanouit. Son The Dream of Gerontius (1900), une œuvre chorale de grande envergure basée sur un poème catholique, a consolidé sa réputation malgré des réactions initiales peu enthousiastes. Ses marches Pomp and Circumstance ont suivi, une mélodie devenant synonyme de fierté nationale britannique. Au début du XXe siècle, Elgar est considéré comme un trésor national. Il a été anobli en 1904 et célébré à la fois dans son pays et à l’étranger.
Pourtant, le succès d’Elgar n’a pas effacé ses insécurités. Il se sentait souvent comme un étranger – sa foi catholique dans l’Angleterre protestante et son manque d’éducation d’élite lui pesaient. Sa musique, bien qu’imprégnée de traditions romantiques, était empreinte d’une intensité personnelle qui reflétait ces luttes.
Le début de la Première Guerre mondiale marque une période d’introspection pour Elgar. Les ravages de la guerre l’ont profondément affecté et ses œuvres ont pris un ton plus sombre et plus réfléchi. Son concerto pour violoncelle en mi mineur (1919), écrit au lendemain de la guerre, en est un exemple poignant, empreint de mélancolie et de nostalgie.
À la fin de sa vie, Elgar compose moins, en partie à cause de la perte d’Alice en 1920. Il se retira dans la campagne du Worcestershire, trouvant du réconfort dans les paysages qui avaient inspiré une grande partie de sa musique. Malgré le déclin de sa production, il est resté vénéré, a été maître de la musique du roi et a influencé une nouvelle génération de compositeurs anglais.
Edward Elgar s’est éteint le 23 février 1934, laissant derrière lui un héritage musical qui capture l’esprit de l’Angleterre et les profondeurs de l’émotion humaine. Son parcours – d’un garçon de village autodidacte à un compositeur de renommée internationale – reste un témoignage inspirant du talent, de la persévérance et du pouvoir de la foi.
Chronologie
1857 : Né le 2 juin à Broadheath, dans le Worcestershire, en Angleterre. Il est le quatrième des sept enfants d’une famille de musiciens.
1860s : Il est exposé à la musique grâce au magasin de musique de son père et à son poste d’organiste.
1863 : Il commence à prendre des leçons de violon et à apprendre la composition en étudiant des partitions.
1866 : Quitte l’école à 15 ans pour travailler dans le magasin de musique de son père, tout en continuant à étudier la musique de manière indépendante.
1877 : Il devient chef d’orchestre de l’orchestre de l’asile de fous de Worcester et du comté, ce qui lui permet d’acquérir une expérience pratique.
1882 : Déménage à Londres pour tenter de s’établir en tant que musicien professionnel, mais se heurte à des difficultés financières. Il retourne dans le Worcestershire.
1889 : Épouse Alice Roberts, une poétesse qui devient sa plus fervente supportrice et avocate. C’est à partir de ce moment qu’il se consacre à la composition.
1890 : Il compose Froissart, une ouverture orchestrale, sa première œuvre importante.
1897 : Il écrit la Marche impériale pour le jubilé de diamant de la reine Victoria, ce qui lui vaut l’attention de la royauté.
1899 : Création des Variations Enigma, qui font d’Elgar un compositeur majeur.
1900 : The Dream of Gerontius (Le Rêve de Gérontius) est créé ; bien que mal accueilli au départ, il deviendra plus tard l’un de ses chefs-d’œuvre.
1901 : La Pomp and Circumstance March No. 1 est créée, et son trio (« Land of Hope and Glory ») devient emblématique.
1904 : Il est fait chevalier par le roi Édouard VII et acquiert une renommée internationale.
1908 : Création de la Symphonie n° 1, qui est jouée plus de 100 fois au cours de la première année.
1910 : Il compose le Concerto pour violon en si mineur, un chef-d’œuvre de virtuosité et d’émotion.
1911 : Il écrit la Symphonie n° 2, qui marque l’apogée de ses réalisations orchestrales.
1914 : Il compose de petites œuvres pendant les premières années de la Première Guerre mondiale.
1919 : Création du Concerto pour violoncelle en mi mineur, une réflexion mélancolique sur la guerre et ses conséquences.
1920 : Alice, sa femme et sa muse, meurt, entraînant une période de déclin créatif.
1924 : Il est nommé maître de la musique du roi.
1931 : Il dirige des enregistrements de plusieurs de ses œuvres majeures, contribuant ainsi à préserver son héritage.
1934 : Décès le 23 février à Worcester, en Angleterre, après avoir lutté contre un cancer colorectal.
L’héritage
La musique d’Elgar continue d’être célébrée pour sa profondeur émotionnelle, sa beauté lyrique et son caractère anglais distinctif. Des œuvres comme les Variations Enigma, The Dream of Gerontius et le Concerto pour violoncelle restent des incontournables du répertoire classique.
Caractéristiques de la musique
La musique d’Edward Elgar se distingue par sa profondeur émotionnelle, sa riche orchestration et son caractère typiquement anglais, qui allie les traditions romantiques à une sensibilité moderne. Voici les principales caractéristiques de sa musique :
1. Orchestration luxuriante
Elgar était un maître de l’orchestration, capable de créer des paysages sonores riches et texturés qui font ressortir les nuances émotionnelles de ses compositions.
Sa musique présente une large gamme dynamique, avec des apogées fulgurantes et des moments intimes et délicats.
L’utilisation des cordes est particulièrement importante, car elles portent souvent des thèmes lyriques et expressifs.
2. L’élégance mélodique
La musique d’Elgar est connue pour ses mélodies mémorables et faciles à chanter, souvent empreintes de noblesse ou de nostalgie.
Nombre de ses thèmes, comme ceux de Nimrod des Variations Enigma ou du mouvement lent du Concerto pour violoncelle, ont un caractère émotionnel immédiat qui trouve un écho profond chez les auditeurs.
3. Profondeur et complexité émotionnelles
Sa musique explore fréquemment des paysages émotionnels profonds, allant de la fierté et de la grandeur à l’introspection et à la mélancolie.
Des œuvres comme The Dream of Gerontius et le Concerto pour violoncelle reflètent les thèmes de la spiritualité, de la mortalité et de la lutte humaine.
4. Noblesse et patriotisme
La musique d’Elgar dégage souvent un sentiment de grandeur et de fierté nationale, reflétant son association avec l’Angleterre de la fin de l’époque victorienne et de l’époque édouardienne.
Des pièces telles que Pomp and Circumstance Marches et Land of Hope and Glory sont emblématiques de la musique cérémonielle britannique et restent des icônes des célébrations nationales.
5. L’influence du romantisme
Profondément ancrée dans la tradition romantique, la musique d’Elgar s’inspire de compositeurs tels que Brahms, Wagner et Dvořák.
Il utilise des harmonies luxuriantes, des contrastes dramatiques et des formes à grande échelle typiques de l’ère romantique.
6. Utilisation de l’« énigme » et du symbolisme
Elgar inclut souvent des significations cachées et des références cryptiques dans sa musique, notamment dans les Variations Enigma, où le thème de l’« énigme » reste un mystère.
Ces éléments confèrent à sa musique une dimension intellectuelle et ludique, invitant à une analyse plus approfondie.
7. Rythme et cadence
L’écriture rythmique d’Elgar a souvent une qualité distinctive et fluide, donnant à sa musique un sens de grandeur et d’inévitabilité.
Il trouve un équilibre entre les phrases longues et larges et les moments de vitalité rythmique, comme on peut l’entendre dans ses concertos et ses symphonies.
8. Qualités pastorales et anglaises
Sa musique évoque la beauté de la campagne anglaise, en particulier dans des œuvres comme Introduction et Allegro pour cordes et Sérénade pour cordes.
Ces éléments pastoraux sont exprimés par un lyrisme doux, des harmonies modales et un sentiment de calme et de réflexion.
9. Chromatisme et innovation harmonique
Elgar utilise le chromatisme pour renforcer l’expression émotionnelle, créant des moments de tension et de résolution qui enrichissent sa musique.
Son langage harmonique mêle la tonalité traditionnelle à des progressions aventureuses, anticipant les tendances modernistes sans les adopter complètement.
10. Des accents spirituels
De nombreuses œuvres d’Elgar reflètent sa foi catholique, notamment The Dream of Gerontius et The Apostles. Ces œuvres explorent les thèmes de la rédemption, du salut et du voyage de l’âme humaine.
Résumé
La musique d’Elgar allie la puissance émotionnelle, la brillance technique et un lien profond avec son identité culturelle et personnelle. Sa capacité à intégrer la noblesse, l’introspection et une sensibilité typiquement anglaise dans ses compositions a fait de lui l’un des plus grands compositeurs de la fin de l’ère romantique.
Relations
La carrière et la musique d’Edward Elgar ont été façonnées par une variété de relations avec des compositeurs, des interprètes, des orchestres et des personnalités influentes, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur du monde de la musique. Voici un aperçu de ses principales relations :
Relations avec les compositeurs
Johannes Brahms, Richard Wagner et Antonín Dvořák (influence) :
Elgar ne connaissait pas personnellement ces compositeurs, mais il a été fortement influencé par leurs œuvres. Le chromatisme et la profondeur émotionnelle de Wagner, la maîtrise structurelle de Brahms et la couleur orchestrale de Dvořák sont évidents dans les compositions d’Elgar.
Hubert Parry et Charles Villiers Stanford :
Figures de proue de la musique anglaise au début de la carrière d’Elgar, Parry et Stanford représentaient l’establishment dont Elgar s’est d’abord senti exclu. Cependant, ils ont fini par admirer et soutenir son travail, et Parry aurait été ému par The Dream of Gerontius.
Arthur Sullivan :
Elgar admire le savoir-faire et le style de composition de Sullivan, en particulier la façon dont il a élevé la musique anglaise, même dans des formes populaires comme l’opérette.
Gustav Holst et Ralph Vaughan Williams :
Bien que leur musique diffère sur le plan stylistique, Holst et Vaughan Williams respectent les réalisations d’Elgar et reconnaissent son rôle dans le renouveau de la musique anglaise sur la scène internationale.
Relations avec les interprètes
Jacqueline du Pré (influence posthume) :
Des décennies après la mort d’Elgar, la violoncelliste Jacqueline du Pré a donné une nouvelle vie à son Concerto pour violoncelle en mi mineur, en faisant l’une des œuvres les plus appréciées du répertoire.
Fritz Kreisler :
Le légendaire violoniste a créé le Concerto pour violon en si mineur d’Elgar en 1910. Cette collaboration a été un événement marquant, la virtuosité de Kreisler s’accordant parfaitement avec la composition profondément émotionnelle d’Elgar.
Landon Ronald :
Chef d’orchestre et pianiste, Ronald a défendu les œuvres d’Elgar et a dirigé certaines de ses pièces majeures, contribuant ainsi à asseoir sa réputation.
Clara Butt :
La célèbre contralto a souvent interprété les chansons et les oratorios d’Elgar. Elle fut la première à chanter Sea Pictures lors de sa création en 1899.
Relations avec les orchestres et les chefs d’orchestre
Hans Richter :
Richter a dirigé la première des Variations Enigma d’Elgar en 1899, contribuant ainsi à établir la carrière d’Elgar. Il a été l’un des premiers champions d’Elgar.
Orchestre symphonique de Londres :
Elgar a entretenu une relation étroite avec le LSO, avec lequel il a dirigé un grand nombre de ses œuvres.
Orchestre du festival de Birmingham :
The Dream of Gerontius d’Elgar a été créé ici en 1900, bien que l’exécution ait été insuffisamment répétée au départ.
Adrian Boult :
Boult, chef d’orchestre anglais de premier plan, a été l’un des principaux défenseurs des œuvres d’Elgar, en particulier au milieu du XXe siècle.
Relations avec des non-musiciens
Alice Roberts (Lady Elgar) :
Alice était l’épouse, la muse et la plus fervente supportrice d’Elgar. Poète et écrivain, elle lui apporta un soutien émotionnel et pratique, l’encourageant à poursuivre ses compositions même dans les moments difficiles.
August Jaeger :
Jaeger, éditeur de musique à la maison d’édition Novello, était l’un des amis les plus proches d’Elgar. Immortalisé sous le nom de « Nimrod » dans les Variations Enigma, Jaeger lui a apporté des critiques constructives et un soutien moral.
George Bernard Shaw :
Le dramaturge et critique était un admirateur de la musique d’Elgar, louant ses œuvres comme des contributions au renouveau culturel de l’art anglais.
Le roi Édouard VII et le roi George V :
Elgar a bénéficié du patronage de la royauté britannique, ce qui a contribué à consolider son statut de compositeur national. Il est fait chevalier par le roi Édouard VII en 1904.
Le chanoine Charles Gorton :
Un ecclésiastique local et un ami qui a aidé Elgar à obtenir ses premières commandes, comme l’écriture de la musique pour l’église Saint-George de Worcester.
Relations avec les étudiants et les jeunes compositeurs
Herbert Howells et Ivor Gurney :
L’héritage d’Elgar a influencé une génération de compositeurs anglais, dont Howells et Gurney, qui admiraient ses œuvres orchestrales et chorales.
William Walton :
Walton a été profondément influencé par la musique d’Elgar et a reconnu son rôle de pionnier dans l’écriture orchestrale anglaise.
Connexions culturelles et institutionnelles
Festival des trois chœurs :
Elgar a souvent participé à ce prestigieux festival, qui a joué un rôle important dans la promotion de ses premières œuvres.
Cathédrale de Worcester :
Elgar a grandi autour de cette cathédrale, qui a inspiré son amour de la musique sacrée et de la tradition chorale.
Novello & Co :
Cette maison d’édition musicale a joué un rôle crucial dans la diffusion des compositions d’Elgar. August Jaeger, un éditeur de Novello, a joué un rôle particulièrement important dans la promotion de son travail.
Les relations d’Elgar reflètent l’enchevêtrement des dynamiques personnelles, professionnelles et culturelles qui ont façonné sa musique et son héritage en tant que l’un des plus grands compositeurs anglais.
Compositeurs similaires
La musique d’Edward Elgar occupe une place unique dans le répertoire de la fin du romantisme et du début du XXe siècle, alliant une riche orchestration, une profondeur émotionnelle et un sens distinct de l’identité anglaise. Bien qu’aucun compositeur ne lui soit identique, plusieurs partagent des similitudes stylistiques, temporelles ou culturelles :
1. Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
Vaughan Williams, comme Elgar, est une pierre angulaire de la musique anglaise et partage un lien profond avec la campagne anglaise et l’identité culturelle.
Sa musique, comme The Lark Ascending et Fantasia on a Theme by Thomas Tallis, reflète les qualités pastorales d’Elgar, mais penche souvent vers des harmonies modales et une esthétique plus simple, d’inspiration folklorique.
2. Gustav Holst (1874-1934)
Holst, contemporain d’Elgar, a créé des œuvres profondément enracinées dans les traditions anglaises, mais avec une influence plus cosmopolite.
Sa suite The Planets met en évidence l’orchestration dramatique et la variété émotionnelle qui caractérisent les symphonies et les oratorios d’Elgar.
3. Hubert Parry (1848-1918)
Parry était l’une des figures de proue de la musique anglaise avant l’ascension d’Elgar.
Ses œuvres chorales, telles que Jerusalem et I Was Glad, partagent le sens de la grandeur et de la noblesse d’Elgar, bien que le style de Parry soit plus conservateur.
4. Charles Villiers Stanford (1852-1924)
Stanford, comme Parry, a été le mentor de la nouvelle génération de compositeurs anglais.
Ses œuvres orchestrales et chorales, bien que plus sobres, partagent une sensibilité romantique et un caractère britannique similaires à ceux de la musique d’Elgar.
5. Jean Sibelius (1865-1957)
Les symphonies et les poèmes sonores du compositeur finlandais, comme Finlandia et la Symphonie n° 2, partagent avec Elgar une maîtrise de la couleur orchestrale et de la profondeur émotionnelle.
Les deux compositeurs se sont inspirés de leurs paysages et de leurs traditions nationales.
6. Richard Strauss (1864-1949)
L’orchestration luxuriante de Strauss et sa capacité à transmettre des émotions profondes dans des œuvres comme Don Juan et Ein Heldenleben s’alignent sur les symphonies et les concertos d’Elgar.
Les deux compositeurs ont excellé dans la création d’œuvres grandioses et d’un romantisme radical.
7. Antonín Dvořák (1841-1904)
L’influence de Dvořák est évidente dans la musique d’Elgar, en particulier son utilisation de thèmes folkloriques et d’une orchestration chaleureuse.
Des œuvres comme la Symphonie n° 9 ( » Du nouveau monde ») et le Concerto pour violoncelle en si mineur de Dvořák ont une résonance émotionnelle et un esprit romantique similaires à ceux des symphonies et du Concerto pour violoncelle d’Elgar.
8. Johannes Brahms (1833-1897)
Les symphonies et concertos de Brahms ont influencé le sens de la structure d’Elgar et sa capacité à transmettre complexité et profondeur.
Les deux compositeurs partagent l’amour des harmonies riches et des thèmes longs et lyriques.
9. Benjamin Britten (1913-1976)
Bien que Britten ait appartenu à une génération ultérieure, il a hérité et développé la tradition musicale anglaise qu’Elgar a contribué à faire revivre.
Des œuvres comme War Requiem font écho aux oratorios d’Elgar par leur profond impact émotionnel et leur importance nationale.
10. Richard Wagner (1813-1883)
Wagner a exercé une influence considérable sur le langage harmonique et l’orchestration dramatique d’Elgar.
Bien que les œuvres d’Elgar soient moins opératiques, sa musique reflète le sens de la grandeur et le poids émotionnel de Wagner.
Autres mentions notables
William Walton (1902-1983) : Les œuvres orchestrales de Walton, telles que Belshazzar’s Feast et la Symphonie n° 1, perpétuent le style orchestral dramatique d’Elgar.
Frederick Delius (1862-1934) : La musique de Delius, comme celle d’Elgar, évoque la beauté naturelle et l’introspection, bien que Delius penche vers l’impressionnisme.
Gustav Mahler (1860-1911) : Bien que plus cosmopolite, l’intensité émotionnelle et les innovations orchestrales de Mahler trouvent un écho dans les symphonies et les concertos d’Elgar.
Résumé
Des compositeurs comme Ralph Vaughan Williams et Gustav Holst partagent la sensibilité anglaise d’Elgar, tandis que des personnalités comme Sibelius, Dvořák et Strauss partagent son brio orchestral et son registre émotionnel. La musique d’Elgar jette un pont entre le romantisme et la modernité, créant un héritage qui a influencé de nombreux compositeurs en Angleterre et au-delà.
Ouvrages notables pour piano solo
Edward Elgar n’est pas principalement connu pour ses compositions pour piano, sa réputation reposant essentiellement sur sa musique orchestrale, chorale et de chambre. Il a cependant composé un nombre modeste d’œuvres pour piano solo, qui témoignent de son talent lyrique et de sa sensibilité romantique. Voici quelques œuvres remarquables d’Elgar pour piano solo :
1. Vesper Voluntaries, op. 14 (1889)
Écrit à l’origine pour l’orgue, cet ensemble de huit courtes pièces a ensuite été adapté pour le piano.
Ces œuvres de réflexion et de méditation se caractérisent par leur simplicité et leur charme.
Les Volontaires offrent un aperçu du style précoce d’Elgar, avec des qualités pastorales et hymniques.
2. Dream Children, op. 43 (1902)
Bien que composé à l’origine pour orchestre, Dream Children a été transcrit pour piano solo.
Les deux mouvements (Andante et Allegretto) sont délicats et introspectifs, inspirés par l’essai du même nom de Charles Lamb.
3. Salut d’Amour, op. 12 (1888)
Bien qu’elle soit surtout connue dans ses versions pour violon et orchestre, cette œuvre existe également en version piano solo.
Il s’agit d’une pièce lyrique et romantique, dédiée à sa femme Alice en gage d’amour, qui incarne son charme mélodique.
4. Skizze (1884)
Une courte pièce inédite pour piano, remarquable par sa date précoce dans la carrière d’Elgar.
Cette pièce est légère et exploratoire, reflétant le développement de son style.
5. In Smyrna (1905)
Une pièce pour piano indépendante inspirée par les voyages d’Elgar au Moyen-Orient.
La musique a un caractère exotique et contemplatif, mettant en évidence la capacité d’Elgar à évoquer l’atmosphère.
6. Sonate en sol majeur (inachevée)
Elgar a commencé à composer une sonate pour piano mais ne l’a jamais achevée.
Les esquisses existantes montrent qu’il avait l’intention d’écrire une œuvre substantielle pour piano solo, bien qu’il ait finalement orienté son énergie créatrice ailleurs.
Transcriptions et arrangements pour piano
Elgar a participé à la transcription et à l’arrangement pour piano de certaines de ses œuvres orchestrales, qui sont souvent jouées :
Pomp and Circumstance March No. 1 (transcrite pour piano solo).
Nimrod des Variations Enigma, souvent arrangé pour le piano.
Chanson de Matin et Chanson de Nuit, à l’origine pour violon et piano, sont souvent interprétées comme solos de piano.
Importance
Bien que les œuvres pour piano solo d’Elgar ne soient pas aussi célèbres que sa musique orchestrale ou chorale, elles offrent un aperçu intime de sa voix compositionnelle. Elles sont souvent lyriques, pleines de caractère et adaptées à des cadres plus restreints et réfléchis, reflétant sa sensibilité romantique et son don mélodique.
Variations Enigma
Les Variations Enigma, officiellement intitulées Variations sur un thème original, opus 36, sont l’une des œuvres les plus célèbres et les plus appréciées d’Edward Elgar. Composée en 1898-1899, elle a marqué un tournant dans la carrière d’Elgar, l’élevant au rang de star internationale. L’œuvre est célébrée pour sa profondeur émotionnelle, sa brillance orchestrale et le mystère intrigant qui entoure son « énigme ».
Vue d’ensemble
Le compositeur : Edward Elgar
Année de composition : 1898-1899
Première : 19 juin 1899, à Londres, sous la direction de Hans Richter
Forme : Série de 14 variations sur un thème original
Instrumentation : Orchestre complet
Dédicace : « Mes amis représentés à l’intérieur
Concept et structure
Les Variations Enigma sont un thème à 14 variations, chacune représentant une personne différente du cercle d’amis ou de connaissances d’Elgar. Elgar a donné à chaque variation un titre ou des initiales identifiant le sujet qu’elle dépeint, souvent en capturant sa personnalité ou une anecdote à son sujet.
L’énigme
L’« énigme » fait référence à un thème sous-jacent qui, selon Elgar, n’est jamais joué ou énoncé explicitement dans l’œuvre. Il a laissé entendre qu’il s’agissait d’une « mélodie bien connue », mais il n’a jamais révélé de quoi il s’agissait, laissant les spécialistes et les auditeurs spéculer pendant plus d’un siècle. Les candidats possibles sont Auld Lang Syne, Rule, Britannia et God Save the Queen, mais aucune solution définitive n’a été trouvée.
Les Variations
Thème (Andante) : Un thème d’ouverture noble et contemplatif donne le ton aux variations.
Variation I. C.A.E. (Caroline Alice Elgar) : Un portrait doux et affectueux de l’épouse d’Elgar.
Variation II. H.D.S.-P. (Hew David Steuart-Powell) : Une représentation vivante d’un ami pianiste.
Variation III. R.B.T. (Richard Baxter Townshend) : Saisit le caractère excentrique d’un ami connu pour ses performances comiques.
Variation IV. W.M.B. (William Meath Baker) : Une esquisse vigoureuse d’un ami connu pour sa personnalité imposante.
Variation V. R.P.A. (Richard Penrose Arnold) : Une variation réfléchie et lyrique qui dresse le portrait d’un ami philosophe.
Variation VI. Ysobel (Isabel Fitton) : Une élève d’Elgar à l’alto, représentée par une mélodie enjouée à l’alto.
Variation VII. Troyte (Arthur Troyte Griffith) : Une pièce endiablée, presque chaotique, qui imite une personnalité orageuse.
Variation VIII. W.N. (Winifred Norbury) : Léger et gracieux, évoquant une dame charmante et raffinée.
Variation IX. Nimrod (August Jaeger) : La variation la plus célèbre, une élégie émouvante à l’ami proche et au partisan d’Elgar, symbolisant une amitié profonde et le réconfort.
Variation X. Dorabella (Dora Penny) : Un portrait enjoué et élégant d’une jeune amie.
Variation XI. G.R.S. (George Robertson Sinclair) : Une représentation humoristique d’un bouledogue tombant dans la rivière Wye et s’en sortant à l’aide de ses griffes.
Variante XII. B.G.N. (Basil G. Nevinson) : Une variation tendre et sincère pour un ami violoncelliste.
Variation XIII. *** (Romanza) : Cette variation, qui représenterait Lady Mary Lygon, est nostalgique et mystérieuse, faisant peut-être allusion à une relation à distance.
Variation XIV. E.D.U. (Elgar lui-même) : Finale triomphante combinant des éléments du thème original et des variations précédentes, symbolisant la personnalité d’Elgar et son triomphe créatif.
Caractéristiques principales
Orchestration : L’œuvre met en valeur la maîtrise d’Elgar en matière de couleurs orchestrales, avec une écriture luxuriante pour les cordes, des moments audacieux pour les cuivres et des passages délicats pour les bois.
Émotion et personnalité : Chaque variation est profondément personnelle, capturant l’esprit de l’individu qu’elle représente tout en restant universellement relatable.
L’immortalité de Nimrod : La neuvième variation (Nimrod) est devenue l’une des pièces les plus emblématiques de la musique classique, fréquemment jouée lors d’occasions solennelles telles que les cérémonies commémoratives et les funérailles nationales.
Importance historique
Les Variations Enigma ont été la première œuvre à faire d’Elgar un compositeur de stature internationale. Créée en grande pompe, elle a été défendue par le légendaire chef d’orchestre Hans Richter et est devenue une pierre angulaire du répertoire orchestral anglais. Elle a également symbolisé une renaissance de la musique anglaise, conduisant à une reconnaissance plus large des contributions de l’Angleterre à la tradition classique.
Le mystère de l’énigme
Malgré de nombreuses théories, l’identité du « thème caché » n’a toujours pas été élucidée. Elgar a déclaré un jour : « Je n’expliquerai pas l’énigme – son “mot sombre” doit rester inconnu, et je vous préviens que le lien entre les Variations et le thème est souvent d’une texture très légère ». Cette ambiguïté délibérée n’a fait qu’ajouter à l’attrait de l’œuvre.
L’héritage
Les Variations Enigma restent l’une des œuvres les plus durables d’Elgar, célèbre pour sa gamme d’émotions, son ingéniosité musicale et sa profonde humanité. C’est un élément essentiel du répertoire orchestral et un témoignage du génie d’Elgar en tant que compositeur.
Marches de pompe et de circonstance
Les marches Pomp and Circumstance, opus 39, d’Edward Elgar, sont une série de cinq marches orchestrales qui comptent parmi ses œuvres les plus célèbres et les plus durables. Elles témoignent de la maîtrise de l’orchestration d’Elgar, de sa capacité à créer des mélodies mémorables et de son sens de la grandeur et de la cérémonie. Le titre est tiré de la pièce Othello de Shakespeare (acte III, scène 3) : « Pride, pomp, and circumstance of glorious war » (Fierté, pompe et circonstances d’une guerre glorieuse).
Vue d’ensemble
Compositeur : Edward Elgar
Opus : 39
Nombre de marches : Cinq (bien qu’il existe des esquisses pour une sixième marche)
Années de composition : 1901-1930
Première exécution : Première de la Marche n° 1 en octobre 1901 à Liverpool, sous la direction du compositeur.
Forme : Marches orchestrales avec alternance de grands thèmes nobles et de sections contrastées.
Marches individuelles
1. Marche no 1 en ré majeur (1901)
Cette marche est la plus célèbre de la série, grâce à sa section en trio, qui est devenue la mélodie de l’hymne patriotique Land of Hope and Glory (Terre d’espoir et de gloire).
La mélodie planante du trio est depuis lors devenue synonyme de cérémonies de remise de diplômes aux États-Unis et est un symbole de fierté nationale en Grande-Bretagne.
Elle a été jouée pour la première fois à Liverpool en 1901 et a reçu un accueil formidable, poussant le public à exiger un rappel immédiat.
2. Marche n° 2 en la mineur (1901)
Plus introspective et dramatique que la première marche, elle oppose des sections solennelles et sombres à des explosions d’énergie.
Son ton plus sombre et ses mélodies entraînantes témoignent de la capacité d’Elgar à transmettre une vaste gamme d’émotions.
3. Marche no 3 en do mineur (1904)
Moins souvent jouée que les deux premières marches, cette marche présente un caractère noble et réfléchi.
La section du trio est lyrique et chaleureuse, offrant un sentiment de dignité et de retenue.
4. Marche no 4 en sol majeur (1907)
Cette marche est lumineuse et festive, avec une énergie jubilatoire et une mélodie en trio mémorable.
Elle est parfois considérée comme le pendant de la première marche par son optimisme et sa grandeur.
5. Marche no 5 en do majeur (1930)
Dernière des marches achevées, elle est plus calme et pastorale que les autres.
Elle reflète un Elgar plus mûr, avec un mélange de grandeur majestueuse et de lyrisme mélancolique.
Le lien avec le « Land of Hope and Glory
La section en trio de la Marche n° 1 a ensuite été adaptée en chanson patriotique Land of Hope and Glory, avec des paroles d’A.C. Benson. Cette adaptation est devenue étroitement associée à l’identité britannique et est régulièrement interprétée lors d’événements tels que la Last Night of the Proms et d’autres célébrations nationales.
Caractéristiques
Majesté et grandeur :
Les cinq marches se caractérisent par leur caractère cérémoniel, alliant une grandeur majestueuse à des rythmes entraînants et à une riche orchestration.
Mélodies mémorables :
Elgar avait le don d’écrire des thèmes immédiatement reconnaissables et profondément émouvants, en particulier dans les sections en trio.
Contraste :
Chaque marche alterne entre une section d’ouverture audacieuse et martiale et un trio lyrique, souvent noble, créant un jeu d’humeur dramatique.
Orchestration :
Les riches textures orchestrales d’Elgar, en particulier dans les cuivres et les cordes, contribuent à l’impression de grandeur et d’éclat.
Héritage
Cérémonies de remise des diplômes :
Aux États-Unis, le trio de la Marche no 1 est devenu synonyme de cérémonie de remise des diplômes. Cette tradition a débuté en 1905, lors de la visite d’Elgar à l’université de Yale, où la marche a été jouée lors de la cérémonie de remise de son doctorat honorifique.
Identité nationale :
En Grande-Bretagne, les marches sont des pièces emblématiques de la musique patriotique, régulièrement jouées lors d’événements royaux et nationaux.
Impact culturel :
Les marches font partie intégrante du répertoire orchestral et sont appréciées dans le monde entier pour leur attrait cérémoniel et émotionnel.
Sixième marche inachevée
Elgar a commencé à esquisser une sixième marche Pomp and Circumstance, mais celle-ci est restée inachevée au moment de sa mort en 1934. Plus tard, le compositeur Anthony Payne a reconstitué les esquisses et la marche qui en résulte a été créée en 2006.
Conclusion
Les marches Pomp and Circumstance témoignent de la capacité d’Elgar à combiner une musique majestueuse et festive avec une grande profondeur émotionnelle. Elles restent parmi les œuvres les plus connues de la musique classique, célébrées pour leur grandeur cérémonielle et leur attrait durable.
Le songe de Gérontius
Le Rêve de Gérontius, opus 38, est l’une des œuvres les plus importantes et les plus vénérées d’Edward Elgar. Composée en 1900, cette œuvre chorale et orchestrale de grande envergure est basée sur le poème du même nom du cardinal John Henry Newman. Il s’agit d’une composition profonde et profondément spirituelle, qui reflète la foi catholique d’Elgar et sa capacité à transmettre des expériences émotionnelles et spirituelles intenses par le biais de la musique.
Vue d’ensemble
Le compositeur : Edward Elgar
Opus : 38
Année de composition : 1900
Source du texte : Poème du Cardinal John Henry Newman (1865)
Première : 3 octobre 1900, au Birmingham Triennial Music Festival
Forme : Oratorio sacré en deux parties
Instrumentation : orchestre complet, chœur (SATB) : Orchestre complet, chœur (SATB) et trois solistes (ténor, mezzo-soprano, basse).
Durée de l’œuvre : Environ 90-95 minutes
Texte et thème
L’œuvre est basée sur le poème de Newman, qui explore le voyage de l’âme après la mort. Elle est profondément théologique et philosophique, réfléchissant aux thèmes de la mort, du jugement et de la rencontre de l’âme avec Dieu.
Résumé de l’intrigue
Première partie :
Gérontius, un chrétien dévot, est en train de mourir et de faire face à la fin de sa vie terrestre.
Le ténor soliste (Gerontius) exprime la peur, l’espoir et la résignation, soutenu par le chœur et l’orchestre, qui dépeignent le drame de ses derniers instants.
Ses amis prient pour son âme, et l’âme de Gérontius est confiée à Dieu.
Deuxième partie :
L’âme de Gérontius entreprend son voyage vers l’au-delà, guidée par un ange gardien (mezzo-soprano).
L’âme rencontre des démons, entend des chœurs angéliques et s’approche de la présence de Dieu.
Dans un moment culminant, l’âme fait brièvement l’expérience de la présence écrasante de Dieu avant d’être emmenée au purgatoire pour y attendre le salut final.
La pièce se termine par une prière pour le repos éternel.
Principales caractéristiques musicales
Solos lyriques et expressifs :
Le rôle du ténor (Gerontius) est très exigeant, nécessitant une profondeur émotionnelle et une maîtrise technique.
La mezzo-soprano (Ange) interprète certaines des musiques les plus tendres et les plus consolantes de l’œuvre.
La basse (prêtre/ange de l’agonie) ajoute de la gravité, en particulier dans les moments de prière solennelle et de jugement.
Écriture chorale :
Le chœur joue de multiples rôles, des amis de Gérontius priant pour son âme aux démons le narguant en passant par les anges chantant des hymnes éthérés.
La variété des textures chorales met en évidence l’habileté d’Elgar à mélanger les éléments dramatiques et spirituels.
L’orchestration :
L’orchestration d’Elgar est luxuriante, colorée et dramatique, évoquant le voyage émotionnel et mystique de l’âme.
Les moments de drame intense, comme la confrontation avec les démons, contrastent avec des passages d’une beauté sereine, comme les chœurs angéliques.
Leitmotivs :
Elgar utilise des thèmes musicaux récurrents (leitmotivs) pour représenter des idées clés, telles que le voyage de l’âme, la présence de Dieu et les prières des fidèles.
Contexte historique et réception
Première : La première représentation à Birmingham (1900) a été marquée par un temps de répétition insuffisant et un chœur inexpérimenté, ce qui s’est traduit par des débuts décevants.
Succès ultérieur : En dépit de cette première imparfaite, l’œuvre a rapidement été acclamée en Grande-Bretagne et dans le monde entier. Les représentations suivantes, dont une dirigée par Elgar à Düsseldorf (1902), ont été accueillies avec beaucoup d’enthousiasme.
Controverse religieuse : En tant qu’œuvre à thème catholique dans une Angleterre majoritairement protestante, The Dream of Gerontius a d’abord rencontré une certaine résistance, mais ses thèmes spirituels universels ont fini par transcender les frontières confessionnelles.
L’héritage
Le chef-d’œuvre d’Elgar : Le Songe de Gerontius est souvent considéré comme la plus grande œuvre chorale d’Elgar et un sommet de la musique chorale anglaise.
Exécutions modernes : L’œuvre reste un élément essentiel du répertoire choral-orchestral et est fréquemment jouée dans les salles de concert et les lieux de culte du monde entier.
Un impact spirituel profond : La combinaison de la profondeur théologique, de l’intensité émotionnelle et de l’éclat musical de l’œuvre continue de trouver un écho auprès des publics religieux et profanes.
Extraits remarquables
« Sanctus fortis » : La prière de Gerontius pour la foi et la force face à la mort.
« Praise to the Holiest in the Height » (Louange au plus saint dans les hauteurs) : Un puissant hymne choral de louange à Dieu.
L’adieu de l’ange : Une conclusion sereine et sincère alors que l’Ange guide Gérontius vers le purgatoire.
Conclusion
The Dream of Gerontius témoigne du génie d’Elgar, qui a su allier sa foi catholique romaine, son langage musical romantique et sa profonde sensibilité pour créer une œuvre d’une importance spirituelle et artistique durable. C’est un voyage à travers les thèmes universels de la vie, de la mort et de l’espoir d’une paix éternelle.
(Cet article est généré par ChatGPT. Et ce n’est qu’un document de référence pour découvrir des musiques que vous ne connaissez pas encore.)
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