Jean-Michel Serres, Composer-pianist (Apfel Café Music): Website
Post-classical, Neoklassik, Indie Classical, Minimal Music, Ambient, Piano Solo, Piano & String Instrument Duo, Piano Trio / Classical Music Recording: Charles Koechlin, Gabriel Pierné, Cécile Chaminade, Mel Bonis, Erik Satie, Gabriel Fauré, Benjamin Godard, Georges Bachmann, Félix Le Couppey | Music Reviews of Nils Frahm, Akira Kosemura, Henning Schmiedt, Fabrizio Paterlini & Post-classical Artists, George Winston & Ryuichi Sakamoto | Paul Auster, Haruki Murakami & Jean-Philippe Toussaint Studies
Liste des titres:
1 Mélodie plaintive
2 Scherzino
3 Munuetto
4 Arabesque
5 Câlinerie
Enjoy the silence…
from Apfel Café Music, ACM079
released 15 November, 2024
Jean-Michel Serres (Piano, Engineering, Mixing, Mastering, Cover Design)
Cover Art – “Summer Morning, Okhoino” by Konstantin Korovin (1916)
© 2024 Apfel Café Music
℗ 2024 Apfel Café Music
Moritz Moszkowski: Piano Works
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Les 7 Gnossiennes d’Erik Satie sont une série de pièces pour piano composées entre 1889 et 1897. Elles sont parmi ses œuvres les plus célèbres, connues pour leur style unique, minimaliste et évocateur, qui rompt avec les conventions de l’époque. Ces pièces sont souvent associées à une ambiance mystérieuse et introspective, avec un caractère hypnotique et méditatif.
Origine du terme “Gnossienne”
Le mot “Gnossienne” est une invention de Satie, qui ne correspond à aucun terme musical préexistant. Plusieurs théories entourent cette appellation :
Référence à Knossos : Certains pensent qu’il s’agit d’une référence à la cité antique de Knossos en Crète, liée au mythe du labyrinthe et du Minotaure, ce qui renforce l’aspect énigmatique de la musique.
Gnosticisme : Une autre hypothèse est que le terme pourrait faire allusion au gnosticisme, une philosophie mystique et ésotérique, alignée avec l’intérêt de Satie pour des concepts spirituels et mystérieux.
Caractéristiques musicales
Structure libre : Les Gnossiennes ne suivent pas les formes musicales classiques (comme la sonate ou la danse). Elles sont dépourvues de barres de mesure, ce qui donne une grande liberté rythmique et un sentiment de flottement.
Écriture minimaliste : Satie utilise des lignes mélodiques simples et répétitives, souvent accompagnées d’harmonies statiques ou modales. Cela crée une atmosphère méditative et intemporelle.
Indications non conventionnelles : Au lieu d’utiliser des indications de tempo traditionnelles, Satie insère des annotations poétiques ou énigmatiques dans la partition, comme “Avec étonnement” ou “Demandez à vous-même”. Ces indications reflètent son sens de l’humour et son approche personnelle de l’interprétation.
Mode et harmonie : Les Gnossiennes utilisent des modes anciens (comme le mode dorien) et des harmonies ambiguës, souvent dépourvues de résolution tonale traditionnelle.
Les 7 Gnossiennes
Les trois premières Gnossiennes (composées vers 1890) sont les plus connues et ont été publiées en 1893. Elles incarnent parfaitement le style caractéristique de Satie : des mélodies étranges, des harmonies inhabituelles et une atmosphère hypnotique.
Les Gnossiennes 4 à 7 ont été composées plus tard (vers 1895-1897) et sont moins jouées, bien qu’elles conservent le même esprit introspectif et unique.
Importance culturelle
Les Gnossiennes marquent une étape importante dans le développement du style musical de Satie. Elles ont influencé des compositeurs comme Claude Debussy et Maurice Ravel, et elles préfigurent le mouvement impressionniste, bien que Satie lui-même se soit toujours tenu à l’écart des étiquettes. Leur simplicité et leur expressivité les ont rendues populaires auprès des pianistes de tous niveaux.
Interprétation
Les Gnossiennes demandent une interprétation subtile et personnelle. Le pianiste doit prêter attention au phrasé, aux nuances et à l’atmosphère générale plutôt qu’à une exécution strictement technique. Elles offrent une occasion d’explorer une palette émotionnelle riche dans une forme musicale minimaliste.
Erik Satie’s 7 Gnossiennes are a series of piano pieces composed between 1889 and 1897. They are among his most famous works, known for their unique, minimalist and evocative style, which breaks with the conventions of the time. These pieces are often associated with a mysterious and introspective atmosphere, with a hypnotic and meditative character.
Origin of the term ‘Gnossienne
The word ‘Gnossienne’ was invented by Satie, and does not correspond to any pre-existing musical term. There are several theories surrounding this name:
Reference to Knossos: Some think it is a reference to the ancient city of Knossos in Crete, linked to the myth of the labyrinth and the Minotaur, which reinforces the enigmatic aspect of the music.
Gnosticism: Another hypothesis is that the term could allude to Gnosticism, a mystical and esoteric philosophy aligned with Satie’s interest in spiritual and mysterious concepts.
Musical characteristics
Free structure: The Gnossiennes do not follow classical musical forms (such as sonata or dance). They have no bar lines, which gives them great rhythmic freedom and a sense of floating.
Minimalist writing: Satie uses simple, repetitive melodic lines, often accompanied by static or modal harmonies. This creates a meditative and timeless atmosphere.
Unconventional indications: Instead of using traditional tempo indications, Satie inserts poetic or enigmatic annotations into the score, such as ‘Avec étonnement’ or ‘Demandez à vous-même’. These indications reflect his sense of humour and his personal approach to interpretation.
Mode and harmony: The Gnossiennes use ancient modes (such as the Dorian mode) and ambiguous harmonies, often lacking traditional tonal resolution.
The 7 Gnossiennes
The first three Gnossiennes (composed around 1890) are the best known and were published in 1893. They perfectly embody Satie’s characteristic style: strange melodies, unusual harmonies and a hypnotic atmosphere.
Gnossiennes 4 to 7 were composed later (around 1895-1897) and are less frequently performed, although they retain the same introspective and unique spirit.
Cultural significance
The Gnossiennes mark an important stage in the development of Satie’s musical style. They influenced composers such as Claude Debussy and Maurice Ravel, and foreshadowed the Impressionist movement, although Satie himself always steered clear of labels. Their simplicity and expressiveness have made them popular with pianists of all levels.
Interpretation
The Gnossiennes require a subtle and personal interpretation. The pianist must pay more attention to phrasing, nuances and overall mood than to a strictly technical performance. They offer an opportunity to explore a rich emotional palette in a minimalist musical form.
Die 7 Gnossiennes von Erik Satie sind eine Reihe von Klavierstücken, die er zwischen 1889 und 1897 komponierte. Sie gehören zu seinen berühmtesten Werken und sind für ihren einzigartigen, minimalistischen und evokativen Stil bekannt, der mit den Konventionen der damaligen Zeit brach. Diese Stücke werden oft mit einer mysteriösen und introspektiven Stimmung in Verbindung gebracht, mit einem hypnotischen und meditativen Charakter.
Ursprung des Begriffs „Gnossienne“
Das Wort „Gnossienne“ ist eine Erfindung Saties, die keinem bereits existierenden musikalischen Begriff entspricht. Um diese Bezeichnung ranken sich mehrere Theorien:
Bezugnahme auf Knossos: Einige glauben, dass es sich um eine Bezugnahme auf die antike Stadt Knossos auf Kreta handelt, die mit dem Mythos des Labyrinths und des Minotaurus verbunden ist, was den rätselhaften Aspekt der Musik verstärkt.
Gnostizismus: Eine weitere Hypothese ist, dass der Begriff auf den Gnostizismus anspielen könnte, eine mystische und esoterische Philosophie, die mit Saties Interesse an spirituellen und geheimnisvollen Konzepten abgestimmt ist.
Musikalische Merkmale
Freie Struktur: Die Gnossiennes folgen nicht den klassischen musikalischen Formen (wie der Sonate oder dem Tanz). Sie haben keine Taktstriche, was zu einer großen rhythmischen Freiheit und einem Gefühl des Schwebens führt.
Minimalistische Schreibweise: Satie verwendet einfache, sich wiederholende Melodielinien, die oft von statischen oder modalen Harmonien begleitet werden. Dies schafft eine meditative und zeitlose Atmosphäre.
Unkonventionelle Angaben: Anstatt traditionelle Tempoangaben zu verwenden, fügt Satie poetische oder rätselhafte Anmerkungen in die Partitur ein, wie „Avec étonnement“ oder „Demandez à vous vous-même“. Diese Angaben spiegeln seinen Sinn für Humor und seine persönliche Herangehensweise an die Interpretation wider.
Modus und Harmonie: Die Gnossiennes verwenden alte Modi (wie den dorischen Modus) und mehrdeutige Harmonien, denen oft die traditionelle tonale Auflösung fehlt.
Die sieben Gnossiennes
Die ersten drei Gnossiennes (um 1890 komponiert) sind die bekanntesten und wurden 1893 veröffentlicht. Sie verkörpern perfekt den charakteristischen Stil Saties: seltsame Melodien, ungewöhnliche Harmonien und eine hypnotische Atmosphäre.
Die Gnossiennes 4 bis 7 wurden später komponiert (ca. 1895-1897) und werden seltener gespielt, obwohl sie denselben introspektiven und einzigartigen Geist beibehalten.
Kulturelle Bedeutung
Die Gnossiennes markieren einen wichtigen Schritt in der Entwicklung von Saties musikalischem Stil. Sie beeinflussten Komponisten wie Claude Debussy und Maurice Ravel und sind ein Vorbote der impressionistischen Bewegung, obwohl Satie selbst sich stets von Etiketten fernhielt. Ihre Einfachheit und Ausdruckskraft haben sie bei Pianisten aller Niveaus beliebt gemacht.
Interpretation
Die Gnossiennes erfordern eine subtile und persönliche Interpretation. Der Pianist sollte eher auf die Phrasierung, die Nuancen und die allgemeine Atmosphäre achten als auf eine streng technische Ausführung. Sie bieten eine Gelegenheit, eine reiche emotionale Palette in einer minimalistischen musikalischen Form zu erkunden.
Le 7 Gnossiennes di Erik Satie sono una serie di brani per pianoforte composti tra il 1889 e il 1897. Sono tra le sue opere più famose, note per il loro stile unico, minimalista ed evocativo, che rompe con le convenzioni dell’epoca. Questi brani sono spesso associati a un’atmosfera misteriosa e introspettiva, con un carattere ipnotico e meditativo.
Origine del termine “Gnossienne
Il termine “Gnossienne” è stato inventato da Satie e non corrisponde ad alcun termine musicale preesistente. Ci sono diverse teorie che circondano questo nome:
Riferimento a Cnosso: alcuni pensano che sia un riferimento all’antica città di Cnosso a Creta, legata al mito del labirinto e del Minotauro, che rafforza l’aspetto enigmatico della musica.
Gnosticismo: un’altra ipotesi è che il termine possa alludere allo gnosticismo, una filosofia mistica ed esoterica in linea con l’interesse di Satie per i concetti spirituali e misteriosi.
Caratteristiche musicali
Struttura libera: le Gnossiennes non seguono forme musicali classiche (come la sonata o la danza). Non hanno battute, il che conferisce loro una grande libertà ritmica e un senso di fluttuazione.
Scrittura minimalista: Satie utilizza linee melodiche semplici e ripetitive, spesso accompagnate da armonie statiche o modali. Questo crea un’atmosfera meditativa e senza tempo.
Indicazioni non convenzionali: invece di utilizzare le tradizionali indicazioni di tempo, Satie inserisce nella partitura annotazioni poetiche o enigmatiche, come “Avec étonnement” o “Demandez à vous-même”. Queste indicazioni riflettono il suo senso dell’umorismo e il suo approccio personale all’interpretazione.
Modalità e armonia: le Gnossiennes utilizzano modalità antiche (come il modo dorico) e armonie ambigue, spesso prive della tradizionale risoluzione tonale.
Le 7 Gnossiennes
Le prime tre Gnossiennes (composte intorno al 1890) sono le più conosciute e furono pubblicate nel 1893. Incarnano perfettamente lo stile caratteristico di Satie: strane melodie, armonie insolite e un’atmosfera ipnotica.
Le Gnossiennes dalla 4 alla 7 sono state composte più tardi (intorno al 1895-1897) e vengono eseguite meno frequentemente, anche se mantengono lo stesso spirito introspettivo e unico.
Importanza culturale
Le Gnossiennes segnano una tappa importante nello sviluppo dello stile musicale di Satie. Hanno influenzato compositori come Claude Debussy e Maurice Ravel e hanno anticipato il movimento impressionista, sebbene Satie stesso si sia sempre tenuto alla larga dalle etichette. La loro semplicità ed espressività li ha resi popolari tra i pianisti di ogni livello.
Interpretazione
Le Gnossiennes richiedono un’interpretazione sottile e personale. Il pianista deve prestare più attenzione al fraseggio, alle sfumature e allo stato d’animo generale che a un’esecuzione strettamente tecnica. Offrono l’opportunità di esplorare una ricca tavolozza emotiva in una forma musicale minimalista.
Las 7 Gnossiennes de Erik Satie son una serie de piezas para piano compuestas entre 1889 y 1897. Se encuentran entre sus obras más famosas, conocidas por su estilo único, minimalista y evocador, que rompe con las convenciones de la época. Estas piezas se asocian a menudo con una atmósfera misteriosa e introspectiva, de carácter hipnótico y meditativo.
Origen del término «Gnossienne
La palabra «Gnossienne» fue inventada por Satie, y no corresponde a ningún término musical preexistente. Existen varias teorías en torno a este nombre:
Referencia a Cnosos: Algunos piensan que es una referencia a la antigua ciudad de Cnosos en Creta, vinculada al mito del laberinto y el Minotauro, lo que refuerza el aspecto enigmático de la música.
Gnosticismo: Otra hipótesis es que el término podría aludir al gnosticismo, una filosofía mística y esotérica alineada con el interés de Satie por los conceptos espirituales y misteriosos.
Características musicales
Estructura libre: Las Gnossiennes no siguen formas musicales clásicas (como la sonata o la danza). No tienen líneas de compás, lo que les confiere una gran libertad rítmica y una sensación de flotación.
Escritura minimalista: Satie utiliza líneas melódicas sencillas y repetitivas, a menudo acompañadas de armonías estáticas o modales. Esto crea una atmósfera meditativa y atemporal.
Indicaciones poco convencionales: en lugar de utilizar las indicaciones de tempo tradicionales, Satie inserta anotaciones poéticas o enigmáticas en la partitura, como «Avec étonnement» o «Demandez à vous-même». Estas indicaciones reflejan su sentido del humor y su enfoque personal de la interpretación.
Modo y armonía: las Gnossiennes utilizan modos antiguos (como el modo dórico) y armonías ambiguas, a menudo carentes de resolución tonal tradicional.
Las 7 Gnossiennes
Las tres primeras Gnossiennes (compuestas hacia 1890) son las más conocidas y se publicaron en 1893. Encarnan a la perfección el estilo característico de Satie: melodías extrañas, armonías insólitas y una atmósfera hipnótica.
Las Gnossiennes 4 a 7 fueron compuestas más tarde (hacia 1895-1897) y se interpretan con menos frecuencia, aunque conservan el mismo espíritu introspectivo y único.
Importancia cultural
Las Gnossiennes marcan una etapa importante en el desarrollo del estilo musical de Satie. Influyeron en compositores como Claude Debussy y Maurice Ravel, y prefiguraron el movimiento impresionista, aunque el propio Satie siempre huyó de las etiquetas. Su sencillez y expresividad las han hecho populares entre pianistas de todos los niveles.
Interpretación
Las Gnossiennes requieren una interpretación sutil y personal. El pianista debe prestar más atención al fraseo, a los matices y al estado de ánimo general que a una ejecución estrictamente técnica. Ofrecen la oportunidad de explorar una rica paleta emocional en una forma musical minimalista.
Tracklist:
1ère Gnossienne, Lent (1890)
2ème Gnossienne, avec étonnement (1890)
3ème Gonosienne, Lent (1890)
4ème Gonosienne, Lent sans presser (22 janvier 1891)
5ème Gonosienne, Moderato (8 juillet 1889)
6ème Gonosienne, Avec conviction et avec une tristesse rigoureuse (janvier 1897)
7ème Gnossienne, Allez (1891, du « Fils des étoiles »)
Enjoy the silence…
from Apfel Café Music, ACM077
released 1 Novembre, 2024
Jean-Michel Serres (Piano, Engineering, Mixing, Mastering, Cover Design)
Cover Art – « L’étoile » ou « La danseuse sur la scene » de Edgar Degas (1878)
© 2024 Apfel Café Music
℗ 2024 Apfel Café Music
Erik Satie: L’œuvre pour piano
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Les “Scènes enfantines,” Op. 92 de Mel Bonis (1858-1937) sont une collection de dix pièces courtes pour piano composées en 1908. Elles reflètent à la fois le style romantique tardif et l’approche poétique et évocatrice typique de cette compositrice française. Comme le titre le suggère, ces pièces s’inspirent de l’univers de l’enfance, avec des titres descriptifs qui évoquent des moments, des jeux et des scènes simples mais pleines de charme et d’émotion.
Mélange de pédagogie et d’expression artistique
Les Scènes enfantines ne sont pas de simples pièces pédagogiques. Bien qu’elles soient accessibles à des pianistes de niveau intermédiaire, elles exigent une sensibilité musicale et une attention particulière au caractère de chaque morceau. Leur écriture combine une mélodie claire avec des harmonies délicates et un sens narratif, dans l’esprit des pièces de Robert Schumann (Kinderszenen, Op. 15) ou Claude Debussy (Children’s Corner).
Contenu de l’œuvre
Voici une liste des dix pièces avec une brève description de leur caractère :
Réveil (Awakening)
Une pièce douce et lumineuse qui symbolise le début de la journée, avec une mélodie simple et joyeuse.
Jeux (Games)
Rythmique et vivante, cette pièce capture l’énergie ludique des jeux d’enfants.
Douce plainte (Sweet Complaint)
Un morceau tendre et mélancolique, rappelant la sensibilité romantique de Chopin.
La leçon de piano (The Piano Lesson)
Avec une structure presque didactique, elle illustre les moments d’apprentissage musical.
La poupée malade (The Sick Doll)
Une pièce empreinte de tristesse et d’empathie, évoquant la fragilité d’une poupée brisée ou malade.
Berceuse (Lullaby)
Une mélodie apaisante et lyrique, dans la grande tradition des berceuses romantiques.
Ronde (Round Dance)
Animée et joyeuse, cette pièce évoque une danse en cercle pleine de vitalité.
Chanson de Toinette (Toinette’s Song)
Une mélodie chantante et délicate, probablement inspirée par un personnage enfantin.
Le petit mendiant (The Little Beggar)
Une pièce poignante qui illustre la simplicité et l’innocence dans un contexte plus sérieux.
Retour de fête (Return from the Party)
Éclatante et festive, elle conclut la collection sur une note joyeuse et triomphante.
Style musical
Poésie et simplicité : Chaque pièce raconte une petite histoire ou peint une scène avec des moyens musicaux modestes mais efficaces.
Harmonies subtiles : Mel Bonis utilise des couleurs harmoniques délicates, parfois inspirées par Debussy et Fauré.
Caractère narratif : Les titres évocateurs ajoutent une dimension presque visuelle à la musique, et l’interprète est invité à traduire ces images en sons.
Contexte et importance
Mel Bonis, une compositrice largement sous-estimée en son temps, a écrit des œuvres qui allient sensibilité romantique et modernité subtile. Les Scènes enfantines démontrent sa capacité à capturer des moments de vie avec émotion et élégance, tout en créant un répertoire accessible pour les pianistes.
Interprétation
Expressivité : Chaque pièce demande une interprétation imaginative pour capturer son caractère unique.
Dynamique subtile : Travailler les nuances et les contrastes pour donner vie aux “scènes.”
Fluidité technique : Bien que techniquement abordables, certaines pièces demandent un toucher délicat et un contrôle de la pédale.
Die „Scènes enfantines,“ Op. 92 von Mel Bonis (1858-1937) sind eine Sammlung von zehn kurzen Klavierstücken, die 1908 komponiert wurden. Sie spiegeln sowohl den spätromantischen Stil als auch den für diese französische Komponistin typischen poetischen und beschwörenden Ansatz wider. Wie der Titel schon andeutet, sind diese Stücke von der Welt der Kindheit inspiriert, mit beschreibenden Titeln, die einfache Momente, Spiele und Szenen heraufbeschwören, die jedoch voller Charme und Emotionen sind.
Mischung aus Pädagogik und künstlerischem Ausdruck.
Die Kinderszenen sind keine reinen Lehrstücke. Obwohl sie für fortgeschrittene Pianisten zugänglich sind, erfordern sie musikalisches Feingefühl und eine besondere Aufmerksamkeit für den Charakter jedes Stücks. Ihre Schreibweise verbindet eine klare Melodie mit zarten Harmonien und einem erzählerischen Sinn, ganz im Sinne der Stücke von Robert Schumann (Kinderszenen, Op. 15) oder Claude Debussy (Children’s Corner).
Inhalt des Werkes
Hier eine Liste der zehn Stücke mit einer kurzen Beschreibung ihres Charakters :
Weckruf (Awakening)
Ein sanftes, helles Stück, das den Beginn des Tages symbolisiert, mit einer einfachen, fröhlichen Melodie.
Spiele (Games)
Rhythmisch und lebendig, fängt dieses Stück die spielerische Energie von Kinderspielen ein.
Sweet Complaint (Süße Klage)
Ein zartes, melancholisches Stück, das an Chopins romantische Empfindsamkeit erinnert.
Die Klavierstunde (The Piano Lesson).
Mit einer fast didaktischen Struktur veranschaulicht es die Momente des musikalischen Lernens.
Die kranke Puppe (The Sick Doll)
Ein von Traurigkeit und Empathie geprägtes Stück, das die Zerbrechlichkeit einer zerbrochenen oder kranken Puppe thematisiert.
Wiegenlied (Lullaby)
Eine beruhigende, lyrische Melodie in der großen Tradition der romantischen Wiegenlieder.
Rund (Round Dance)
Lebhaft und fröhlich, erinnert dieses Stück an einen vitalen Kreistanz.
Lied von Toinette (Toinette’s Song)
Eine zarte, singende Melodie, die wahrscheinlich von einer kindlichen Figur inspiriert wurde.
Der kleine Bettler (The Little Beggar)
Ein ergreifendes Stück, das Einfachheit und Unschuld in einem ernsteren Kontext veranschaulicht.
Rückkehr von der Party (Return from the Party)
Glänzend und festlich, schließt die Kollektion mit einer fröhlichen und triumphalen Note ab.
Musikalischer Stil
Poesie und Einfachheit: Jedes Stück erzählt eine kleine Geschichte oder malt eine Szene mit bescheidenen, aber effektiven musikalischen Mitteln.
Subtile Harmonien: Mel Bonis verwendet zarte harmonische Farben, die manchmal von Debussy und Fauré inspiriert sind.
Narrativer Charakter: Die vielsagenden Titel fügen der Musik eine fast visuelle Dimension hinzu, und der Interpret ist aufgefordert, diese Bilder in Klänge umzusetzen.
Hintergrund und Bedeutung
Mel Bonis, eine zu ihrer Zeit weitgehend unterschätzte Komponistin, schrieb Werke, die romantische Sensibilität mit subtiler Modernität verbinden. Die Scènes enfantines zeigen ihre Fähigkeit, Momente des Lebens mit Gefühl und Eleganz einzufangen und gleichzeitig ein zugängliches Repertoire für Pianisten zu schaffen.
Interpretation
Expressivität: Jedes Stück erfordert eine fantasievolle Interpretation, um seinen einzigartigen Charakter einzufangen.
Subtile Dynamik: Arbeiten Sie mit Nuancen und Kontrasten, um die „Szenen“ zum Leben zu erwecken.
Technischer Fluss: Obwohl technisch erschwinglich, erfordern einige Stücke einen zarten Anschlag und Pedalkontrolle.
The ‘Scènes enfantines,’ Op. 92 by Mel Bonis (1858-1937) are a collection of ten short pieces for piano composed in 1908. They reflect both the late Romantic style and the poetic, evocative approach typical of this French composer. As the title suggests, these pieces are inspired by the world of childhood, with descriptive titles that evoke moments, games and scenes that are simple yet full of charm and emotion.
A blend of education and artistic expression
Children’s Scenes are not simply educational pieces. Although they are accessible to intermediate-level pianists, they require musical sensitivity and particular attention to the character of each piece. Their writing combines a clear melody with delicate harmonies and a sense of narrative, in the spirit of pieces by Robert Schumann (Kinderszenen, Op. 15) or Claude Debussy (Children’s Corner).
Content of the work
Here is a list of the ten pieces with a brief description of their character:
Réveil (Awakening)
A gentle, bright piece that symbolises the start of the day, with a simple, joyful melody.
Jeux (Games)
Rhythmic and lively, this piece captures the playful energy of children’s games.
Sweet Complaint
A tender, melancholy piece, reminiscent of Chopin’s romantic sensibility.
The Piano Lesson
With an almost didactic structure, it illustrates the moments of musical apprenticeship.
The Sick Doll
A piece imbued with sadness and empathy, evoking the fragility of a broken or sick doll.
Lullaby
A soothing, lyrical melody in the grand tradition of romantic lullabies.
Ronde (Round Dance)
Lively and joyful, this piece evokes a lively round dance.
Toinette’s Song
A lilting, delicate melody, probably inspired by a child character.
Le petit mendiant (The Little Beggar)
A poignant piece that illustrates simplicity and innocence in a more serious context.
Return from the Party
Bright and festive, this concludes the collection on a joyous and triumphant note.
Musical style
Poetry and simplicity: each piece tells a short story or paints a scene with modest but effective musical means.
Subtle harmonies: Mel Bonis uses delicate harmonic colours, sometimes inspired by Debussy and Fauré.
Narrative character: The evocative titles add an almost visual dimension to the music, and the performer is invited to translate these images into sound.
Context and significance
Mel Bonis, a composer widely underestimated in her day, wrote works that combine romantic sensibility with subtle modernity. The Scènes enfantines demonstrate her ability to capture moments of life with emotion and elegance, while creating a repertoire that is accessible to pianists.
Interpretation
Expressiveness: Each piece requires imaginative interpretation to capture its unique character.
Subtle dynamics: Working with nuances and contrasts to bring the ‘scenes’ to life.
Technical fluidity: Although technically accessible, some pieces require a delicate touch and pedal control.
Las «Scènes enfantines», Op. 92 de Mel Bonis (1858-1937) son una colección de diez piezas cortas para piano compuestas en 1908. Reflejan tanto el estilo romántico tardío como el enfoque poético y evocador típico de este compositor francés. Como sugiere el título, estas piezas se inspiran en el mundo de la infancia, con títulos descriptivos que evocan momentos, juegos y escenas sencillas pero llenas de encanto y emoción.
Una mezcla de educación y expresión artística
Las Escenas infantiles no son simples piezas educativas. Aunque son accesibles a pianistas de nivel intermedio, requieren sensibilidad musical y una atención particular al carácter de cada pieza. Su escritura combina una melodía clara con armonías delicadas y un sentido narrativo, en el espíritu de piezas de Robert Schumann (Kinderszenen, Op. 15) o Claude Debussy (Children’s Corner).
Contenido de la obra
He aquí una lista de las diez piezas con una breve descripción de su carácter:
Réveil (Despertar)
Una pieza suave y luminosa que simboliza el comienzo del día, con una melodía sencilla y alegre.
Jeux (Juegos)
Rítmica y animada, esta pieza capta la energía lúdica de los juegos infantiles.
Dulce queja
Una pieza tierna y melancólica, que recuerda la sensibilidad romántica de Chopin.
La lección de piano
Con una estructura casi didáctica, ilustra los momentos del aprendizaje musical.
La muñeca enferma
Una pieza impregnada de tristeza y empatía, que evoca la fragilidad de una muñeca rota o enferma.
Canción de cuna
Una melodía calmante y lírica en la gran tradición de las canciones de cuna románticas.
Ronde (Danza circular)
Vivaz y alegre, esta pieza evoca una animada danza en ronda.
Canción de Toinette
Una melodía cadenciosa y delicada, probablemente inspirada en un personaje infantil.
Le petit mendiant (El pequeño mendigo)
Una pieza conmovedora que ilustra la sencillez y la inocencia en un contexto más serio.
El regreso de la fiesta
Brillante y festiva, concluye la colección con una nota alegre y triunfal.
Estilo musical
Poesía y sencillez: cada pieza cuenta una breve historia o pinta una escena con medios musicales modestos pero eficaces.
Armonías sutiles: Mel Bonis utiliza colores armónicos delicados, a veces inspirados en Debussy y Fauré.
Carácter narrativo: los títulos evocadores añaden una dimensión casi visual a la música, y se invita al intérprete a traducir estas imágenes en sonido.
Contexto e importancia
Mel Bonis, compositora ampliamente subestimada en su época, escribió obras que combinan la sensibilidad romántica con una sutil modernidad. Las Scènes enfantines demuestran su capacidad para captar momentos de la vida con emoción y elegancia, creando al mismo tiempo un repertorio accesible a los pianistas.
Interpretación
Expresividad: Cada pieza requiere una interpretación imaginativa para captar su carácter único.
Dinámica sutil: Trabajo con matices y contrastes para dar vida a las «escenas».
Fluidez técnica: Aunque técnicamente accesibles, algunas piezas requieren un toque delicado y control del pedal.
Le “Scènes enfantines”, Op. 92 di Mel Bonis (1858-1937) sono una raccolta di dieci brevi brani per pianoforte composti nel 1908. Riflettono sia lo stile tardo-romantico sia l’approccio poetico ed evocativo tipico di questo compositore francese. Come suggerisce il titolo, questi brani sono ispirati al mondo dell’infanzia, con titoli descrittivi che evocano momenti, giochi e scene semplici ma pieni di fascino ed emozione.
Un mix di educazione ed espressione artistica
Le Scene per bambini non sono semplici brani didattici. Pur essendo accessibili a pianisti di livello intermedio, richiedono sensibilità musicale e particolare attenzione al carattere di ogni brano. La loro scrittura combina una melodia chiara con armonie delicate e un senso della narrazione, nello spirito di brani di Robert Schumann (Kinderszenen, Op. 15) o Claude Debussy (Children’s Corner).
Contenuto dell’opera
Ecco un elenco dei dieci brani con una breve descrizione del loro carattere:
Réveil (Risveglio)
Un brano dolce e luminoso che simboleggia l’inizio della giornata, con una melodia semplice e gioiosa.
Jeux (Giochi)
Ritmico e vivace, questo brano cattura l’energia giocosa dei giochi dei bambini.
Dolce lamento
Un brano tenero e malinconico, che ricorda la sensibilità romantica di Chopin.
La lezione di pianoforte
Con una struttura quasi didattica, illustra i momenti dell’apprendistato musicale.
La bambola malata
Un brano intriso di tristezza ed empatia, che evoca la fragilità di una bambola rotta o malata.
Ninna nanna
Una melodia lirica e rilassante nella grande tradizione delle ninne nanne romantiche.
Ronde (danza rotonda)
Vivace e gioioso, questo brano evoca una vivace danza rotonda.
Canzone di Toinette
Una melodia leggera e delicata, probabilmente ispirata a un personaggio infantile.
Le petit mendiant (Il piccolo mendicante)
Un brano struggente che illustra la semplicità e l’innocenza in un contesto più serio.
Ritorno dalla festa
Brillante e festosa, conclude la raccolta con una nota gioiosa e trionfale.
Stile musicale
Poesia e semplicità: ogni brano racconta una breve storia o dipinge una scena con mezzi musicali modesti ma efficaci.
Armonie sottili: Mel Bonis utilizza colori armonici delicati, talvolta ispirati a Debussy e Fauré.
Carattere narrativo: i titoli evocativi aggiungono una dimensione quasi visiva alla musica e l’esecutore è invitato a tradurre queste immagini in suono.
Contesto e significato
Mel Bonis, compositrice ampiamente sottovalutata ai suoi tempi, ha scritto opere che combinano la sensibilità romantica con una sottile modernità. Le Scènes enfantines dimostrano la sua capacità di catturare momenti di vita con emozione ed eleganza, creando un repertorio accessibile ai pianisti.
Interpretazione
Espressività: ogni brano richiede un’interpretazione fantasiosa per catturare il suo carattere unico.
Dinamica sottile: lavorare con sfumature e contrasti per dare vita alle “scene”.
Fluidità tecnica: sebbene tecnicamente accessibili, alcuni brani richiedono un tocco delicato e un controllo dei pedali.
Tracklist:
1 Aubade
2 Joyeux réveil
3 Cache-cache
4 Valse lente
5 Marche militaire
6 Frère Jacques
7 Bébé s’endort
8 Carillon
Enjoy the silence…
from Apfel Café Music, ACM076
released 25 October, 2024
Jean-Michel Serres (Piano, Engineering, Mixing, Mastering, Cover Design)
Cover Art – « Paysage de Divonne » de Marie Bracquemond
© 2024 Apfel Café Music
℗ 2024 Apfel Café Music