1. N. 19 – Valzer in la minore, B. 150, KK IVb-11
1. Introduzione
Il Valzer n. 19 in la minore, B. 150, KK IVb–11, di Frédéric Chopin è una delle sue opere pianistiche postume più amate e frequentemente eseguite. Si tratta di una breve composizione lirica, caratterizzata da una melodia malinconica, da un delicato ritmo di valzer e da una struttura armonica relativamente semplice ma espressiva.
L’opera viene generalmente datata intorno al 1847–1849, durante gli ultimi anni di vita di Chopin. È considerata uno degli ultimi valzer sopravvissuti del compositore e riflette il carattere sempre più intimo, sobrio e contemplativo della sua musica tarda.
A differenza di molti dei suoi valzer da concerto più brillanti, questo brano non mette in risalto il virtuosismo o un’elaborata ornamentazione. Il suo fascino deriva invece dalla semplicità della melodia, dai sottili cambiamenti armonici e dal delicato rapporto tra la melodia della mano destra e l’accompagnamento della mano sinistra.
Il manoscritto autografo fu conservato nella collezione della famiglia Rothschild. Sono note due versioni autografe: un precedente manoscritto di lavoro e una copia in bella stesura, preparata con maggiore cura e intitolata Walec. L’opera fu pubblicata per la prima volta in facsimile nel 1955, insieme alle riproduzioni di entrambi i manoscritti, in un numero speciale de La Revue Musicale.
L’opera viene generalmente identificata come Valzer n. 19 nella sequenza comunemente adottata dei 19 valzer. Tuttavia, non possiede un numero d’opera originale ed è catalogata secondo diversi sistemi di riferimento, tra cui B. 150, KK IVb–11 e WN 63.
Contrassegnato con l’indicazione Allegretto, il valzer presenta un carattere delicato e moderatamente vivace. Il suo aspetto relativamente semplice lo rende accessibile ai pianisti di livello intermedio, sebbene sia necessaria una certa maturità musicale per ottenere un’interpretazione convincente.
La melodia è particolarmente memorabile perché combina un carattere semplice, quasi popolare, con il linguaggio armonico tipico di Chopin. Le frasi melodiche ripetute creano un’atmosfera di tranquilla malinconia, mentre i passaggi contrastanti introducono momenti di calore e luminosità.
Informazioni generali
| Voce | Dettagli |
|---|---|
| Compositore | Frédéric Chopin |
| Titolo originale | Waltz in A minor |
| Titolo comune | Valzer n. 19 in la minore |
| Numeri di catalogo | B. 150 / KK IVb–11 / WN 63 |
| Numero d’opera | Op. posth. (nessun numero d’opera originale) |
| Tonalità | La minore |
| Indicazione di tempo | 3/4 |
| Tempo | Allegretto |
| Data di composizione | Circa 1847–1849 |
| Prima pubblicazione | 1955 |
| Strumentazione | Pianoforte solo |
| Durata | Circa 2–2,5 minuti |
| Difficoltà | Intermedia |
2. Caratteristiche musicali e contesto storico
La caratteristica più distintiva di questo valzer è la combinazione di semplicità e profondità emotiva.
La melodia iniziale è delicata e lirica, con un carattere in parte nostalgico e malinconico. A differenza delle melodie brillanti di opere come il Valzer del minuto o la Grande valse brillante, questa composizione evita il virtuosismo eccessivo e si concentra sull’espressione melodica.
La mano destra presenta una melodia memorabile, sostenuta dal tradizionale accompagnamento di valzer della mano sinistra. Le note di basso stabiliscono il primo movimento di ogni battuta, mentre gli accordi di accompagnamento sul secondo e terzo movimento forniscono il caratteristico andamento ternario.
La melodia incorpora frequentemente piccoli abbellimenti, note di abbellimento e figurazioni di terzine. Questi dettagli conferiscono flessibilità alla musica e un carattere distintamente polacco, senza interromperne il delicato fluire.
L’opera presenta anche un interessante rapporto con la musica popolare e le danze tradizionali polacche. La melodia principale possiede una qualità semplice, simile a quella di una canzone, e alcuni commentatori ne hanno associato il carattere alle danze infantili polacche. Ciò conferisce alla composizione un’atmosfera intima e quasi improvvisata.
Un’altra caratteristica importante è la frequente ripetizione del materiale melodico. Invece di sviluppare i temi attraverso lunghi passaggi virtuosistici, Chopin crea interesse musicale mediante sottili cambiamenti nell’armonia, nell’ornamentazione, nelle dinamiche e nella fraseologia melodica.
Il risultato è una composizione che in superficie appare semplice, ma che premia un ascolto attento e un’interpretazione meditata.
3. Struttura formale e analisi musicale
La composizione segue una forma libera simile al rondò, che può essere rappresentata come A–B–A–C–A.
Il tema principale ricorrente conferisce unità musicale all’opera, mentre gli episodi contrastanti introducono cambiamenti nella melodia, nell’armonia e nel carattere espressivo.
Sezione A: Tema principale – La minore
La sezione iniziale presenta la melodia principale in la minore.
La mano destra suona una melodia semplice ed espressiva sopra il tradizionale accompagnamento di valzer della mano sinistra.
La melodia è caratterizzata da un movimento delicato, ascendente e discendente, con piccole figure ornamentali che arricchiscono una struttura altrimenti semplice.
La mano sinistra mantiene uno schema regolare composto da una nota di basso sul primo movimento, seguita da due accordi sul secondo e sul terzo movimento.
Questo accompagnamento stabilisce il ritmo caratteristico del valzer, consentendo al tempo stesso alla melodia della mano destra di rimanere al centro dell’attenzione musicale.
Il tema principale è memorabile grazie alla sua semplicità e alla ripetizione dei motivi melodici. Il suo carattere malinconico è rafforzato dalla tonalità minore e dal movimento armonico contenuto.
Sezione B: Primo episodio contrastante
Il primo episodio contrastante introduce un’idea musicale leggermente più animata.
Sebbene l’atmosfera malinconica rimanga presente, la melodia diventa più movimentata e contiene ulteriori passaggi ornamentali.
Un arpeggio ascendente è particolarmente evidente in questa sezione. Esso produce un breve aumento dell’energia musicale e crea un contrasto con il movimento melodico relativamente semplice del tema iniziale.
L’accompagnamento della mano sinistra continua a mantenere il ritmo del valzer, mentre la mano destra introduce gesti melodici più espressivi.
Questo episodio non intende creare un cambiamento radicale di carattere. Aggiunge invece varietà alla composizione, mantenendo l’atmosfera intima del tema principale.
Ritorno della sezione A
Dopo il primo episodio ritorna la melodia iniziale.
Questa ripetizione stabilisce la struttura del rondò e ripristina l’atmosfera originale della tonalità di la minore.
L’esecutore dovrebbe mantenere lo stesso carattere musicale essenziale dell’apertura, sebbene sia possibile modellare la melodia con sottili differenze di fraseggio e dinamica.
Il ritorno del tema principale è importante perché offre all’ascoltatore un riferimento musicale familiare prima della successiva sezione contrastante.
Sezione C: Sezione centrale contrastante – La maggiore
La sezione centrale introduce un’atmosfera musicale più luminosa attraverso il passaggio da la minore a la maggiore.
Questo cambiamento è particolarmente importante perché la maggiore è la tonalità omonima maggiore di la minore. Entrambe le tonalità condividono la stessa nota tonica, ma i loro diversi modi creano un contrasto significativo.
La melodia diventa più ottimista, calda e lirica. L’atmosfera emotiva si allontana temporaneamente dalla malinconia dell’apertura.
La melodia della mano destra è più ampia e dovrebbe essere eseguita con un tocco cantabile e fluido.
La mano sinistra continua a sostenere il ritmo del valzer, ma il suono complessivo dovrebbe essere più leggero e caldo rispetto alla sezione iniziale.
Il contrasto tra la minore e la maggiore è uno dei procedimenti espressivi più efficaci della composizione.
Ritorno della sezione A e coda
Il tema originale in la minore ritorna per l’ultima volta.
Il ritorno ripristina l’atmosfera malinconica stabilita all’inizio dell’opera.
La conclusione è relativamente contenuta e non richiede un grande finale virtuosistico. La musica raggiunge invece gradualmente il proprio termine attraverso un breve passaggio conclusivo.
Questa conclusione discreta rafforza il carattere intimo e riflessivo della composizione.
La struttura complessiva ABACA dimostra come Chopin crei varietà musicale attraverso temi ricorrenti, cambiamenti di tonalità e un sottile sviluppo melodico, piuttosto che mediante un’elaborazione tecnica estesa.
4. Tonalità e analisi armonica
La tonalità principale è la minore.
La minore non presenta diesis né bemolli in chiave, il che la rende relativamente accessibile dal punto di vista della tastiera.
La struttura armonica si basa sul rapporto tra tonica, dominante e aree tonali correlate.
| Sezione musicale | Tonalità | Caratteristiche armoniche e musicali |
|---|---|---|
| A | La minore | Tema principale, carattere malinconico |
| B | La minore e aree tonali correlate | Melodia contrastante e arpeggio ascendente |
| A | La minore | Ritorno del tema principale |
| C | La maggiore | Sezione più luminosa nella tonalità omonima maggiore |
| A | La minore | Ritorno finale e conclusione |
La minore e la sua armonia di dominante
Il rapporto tra la minore e mi maggiore è fondamentale per il linguaggio armonico di questa composizione.
L’accordo di dominante di la minore è mi maggiore, che contiene la nota sol diesis. La sensibile sol diesis crea una forte tendenza a risolvere sulla nota la, rafforzando così la tonica.
L’impiego dell’armonia di dominante conferisce alla melodia un naturale senso di tensione e risoluzione.
Il rapporto tra la minore e do maggiore
Do maggiore è la relativa maggiore di la minore. Queste due tonalità condividono la stessa armatura di chiave, ma hanno centri tonali differenti.
Il rapporto tra la minore e do maggiore offre un’altra importante prospettiva armonica per l’analisi del brano.
La tonalità omonima maggiore: la maggiore
Il passaggio a la maggiore nella sezione centrale contrastante è particolarmente significativo.
La minore e la maggiore condividono la stessa tonica, ma differiscono nel terzo, sesto e settimo grado della scala.
Questo passaggio dal modo minore al modo maggiore trasforma il carattere emotivo della musica senza richiedere un cambiamento del centro tonale.
La sezione più luminosa in la maggiore può essere interpretata come un momento temporaneo di calore e ottimismo all’interno di una composizione altrimenti malinconica.
Interpretazione armonica
Anziché affidarsi a un’elaborata armonia cromatica, Chopin utilizza materiali armonici relativamente essenziali.
La ripetizione di idee melodiche e armoniche familiari conferisce all’opera il suo carattere distintivo.
Per gli studenti di pianoforte, è utile individuare le note di basso e gli accordi di accompagnamento prima di memorizzare l’intera composizione. Comprendere la progressione armonica facilita la memorizzazione della musica e aiuta ad anticipare i cambiamenti nella mano sinistra.
5. Tecniche esecutive e interpretazione musicale
① Mantenere il ritmo del valzer
La base tecnica più importante è la regolarità del ritmo in 3/4.
La mano sinistra suona una nota di basso sul primo movimento, seguita da due accordi sul secondo e sul terzo movimento.
Il primo movimento dovrebbe fornire una base calda e chiara, mentre i due accordi successivi dovrebbero essere considerevolmente più leggeri.
Evitate di attribuire lo stesso peso a tutti e tre i movimenti. Ciò renderebbe l’accompagnamento meccanico e distruggerebbe il carattere aggraziato del valzer.
Il ritmo dovrebbe rimanere stabile anche quando la melodia della mano destra utilizza un rubato espressivo.
② Far cantare la melodia della mano destra
La mano destra dovrebbe produrre una melodia fluida e lirica.
Pensate alla melodia come a una linea vocale piuttosto che a una successione di singole note di pianoforte.
Prestate attenzione alla direzione di ogni frase e lasciate che la melodia si sviluppi naturalmente verso le note più acute o più espressive.
Il suono dovrebbe essere rotondo e caldo, evitando un tocco eccessivamente brillante o percussivo.
③ Eseguire gli abbellimenti con naturalezza
La composizione comprende note di abbellimento, doppie note di abbellimento e figurazioni di terzine.
Questi abbellimenti dovrebbero essere integrati naturalmente nella linea melodica.
Non dovrebbero sembrare esercizi tecnici separati né interrompere la continuità della melodia.
Il commento esecutivo dell’Edizione nazionale di Chopin raccomanda di suonare le doppie note di abbellimento con leggerezza e rapidità, preferibilmente facendo coincidere la loro prima nota con la nota corrispondente della mano sinistra. È accettabile anche eseguirle leggermente prima della mano sinistra. La qualità e la leggerezza del suono sono più importanti della precisione assoluta del momento esecutivo.
④ Controllare l’accompagnamento della mano sinistra
La mano sinistra dovrebbe rimanere subordinata alla melodia della mano destra.
Un problema comune consiste nel suonare il secondo e il terzo movimento troppo forte.
Questo rende il valzer pesante e può coprire la melodia.
Praticate separatamente la nota di basso e i due accordi di accompagnamento, prestando particolare attenzione alle rispettive dinamiche.
Il basso dovrebbe essere sonoro senza diventare eccessivamente potente, mentre gli accordi di accompagnamento dovrebbero essere morbidi e controllati.
⑤ Utilizzare il rubato
Il rubato espressivo è un elemento importante del linguaggio musicale di Chopin.
La melodia della mano destra può procedere leggermente in anticipo o in ritardo rispetto alla pulsazione di base, creando una naturale flessibilità musicale.
Tuttavia, il rubato non dovrebbe distruggere il ritmo fondamentale del valzer.
Un approccio utile consiste nel mantenere relativamente stabile l’accompagnamento della mano sinistra, consentendo al tempo stesso alla melodia della mano destra una maggiore libertà espressiva.
La melodia può respirare naturalmente alla fine delle frasi ed espandersi delicatamente verso le note importanti.
⑥ Uso del pedale
Il pedale dovrebbe sostenere l’armonia senza creare una risonanza eccessiva.
Utilizzate il pedale di risonanza per collegare le note di basso e gli accordi, preservando al tempo stesso la chiarezza della progressione armonica.
In generale, cambiate il pedale in corrispondenza dei cambiamenti armonici, spesso all’inizio di ogni battuta.
Evitate di mantenere il pedale premuto attraverso diverse armonie non correlate.
Poiché quest’opera presenta una trama relativamente trasparente, un uso attento e moderato del pedale è particolarmente importante. Henle la considera inoltre un’introduzione utile alla tecnica del pedale per gli studenti di pianoforte.
⑦ Creare un contrasto tra minore e maggiore
Il contrasto tra la minore e la maggiore dovrebbe essere chiaramente udibile.
La sezione iniziale dovrebbe avere un carattere piuttosto introspettivo e malinconico.
La sezione in la maggiore dovrebbe suonare più calda, luminosa e ottimista.
Questo contrasto può essere ottenuto attraverso sottili cambiamenti nel colore del suono, nelle dinamiche, nell’articolazione e nel fraseggio, piuttosto che mediante differenze eccessive di volume.
6. Tutorial di pianoforte per gli studenti
La seguente procedura di studio è pensata per aiutare gli studenti di pianoforte di livello intermedio ad affrontare l’opera in modo sistematico.
Passaggio 1: Imparare la melodia della mano destra
Iniziate esercitandovi con la sola melodia della mano destra.
Prestate attenzione al profilo melodico, ai valori delle note e agli abbellimenti.
Suonate inizialmente la melodia lentamente, senza cercare di raggiungere subito il tempo definitivo.
Assicuratevi che ogni frase abbia un inizio, uno sviluppo e una conclusione ben definiti.
Esercitatevi separatamente sulle note di abbellimento e sulle terzine prima di inserirle nella linea melodica completa.
Quando la melodia diventa familiare, provate a cantarla mentre suonate. Questo può aiutarvi a sviluppare un fraseggio più naturale.
Passaggio 2: Imparare l’accompagnamento della mano sinistra
Successivamente, esercitatevi separatamente con la mano sinistra.
Iniziate dalle note di basso sui primi movimenti delle battute.
Henle consiglia di memorizzare le note di basso iniziali e di esercitarle ripetutamente con il quinto dito della mano sinistra, fino a familiarizzare con le loro posizioni.
Dopo aver imparato le note di basso, aggiungete gli accordi corrispondenti sul secondo e sul terzo movimento.
Esercitatevi lentamente e regolarmente sull’intero schema di accompagnamento.
L’obiettivo è stabilire un ritmo di valzer rilassato e affidabile.
Passaggio 3: Combinare entrambe le mani
Una volta acquisita sicurezza nell’uso di ciascuna mano separatamente, unitele.
Iniziate a un tempo lento e concentratevi sul mantenimento di un ritmo regolare in 3/4.
La mano destra dovrebbe rimanere indipendente ed espressiva, mentre la mano sinistra fornisce una base stabile.
Prestate particolare attenzione alla sincronizzazione tra le note di basso e la melodia della mano destra.
Evitate di aumentare il tempo prima che entrambe le mani riescano a suonare insieme con naturalezza.
Passaggio 4: Esercitarsi sugli abbellimenti
Isolate i passaggi che contengono note di abbellimento, doppie note di abbellimento e terzine.
Esercitatevi su ciascun abbellimento lentamente e con precisione.
Successivamente, aumentate gradualmente la velocità mantenendo un tocco leggero e rilassato.
Non permettete agli abbellimenti di interrompere la linea melodica.
L’obiettivo più importante è farli suonare come ornamenti naturali, anziché come aggiunte puramente tecniche.
Passaggio 5: Studiare gli episodi contrastanti
Studiate separatamente le sezioni B e C.
Nella sezione B, prestate attenzione al movimento melodico più attivo e all’arpeggio ascendente.
Esercitatevi sull’arpeggio con un movimento uniforme delle dita e il polso rilassato.
Nella sezione C, concentratevi sul passaggio a la maggiore.
La melodia più luminosa dovrebbe essere suonata con un suono più caldo e aperto.
Assicuratevi che il cambiamento armonico sia chiaramente udibile.
Passaggio 6: Sviluppare un fraseggio espressivo
Una volta acquisite sicurezza nelle note e nei ritmi, iniziate a modellare le frasi musicali.
Individuate i punti culminanti della melodia e i cambiamenti armonici più importanti.
Utilizzate crescendo e diminuendo sottili per creare una direzione musicale naturale.
Evitate di accentuare ogni nota. Lasciate invece che la melodia si sviluppi come una linea musicale continua.
Sperimentate un rubato delicato, mantenendo relativamente stabile l’accompagnamento della mano sinistra.
Passaggio 7: Esercitarsi nell’uso del pedale
Iniziate esercitandovi sul brano senza utilizzare il pedale.
Questo aiuta a sviluppare il controllo del legato digitale e permette di ascoltare chiaramente i cambiamenti armonici.
Successivamente, introducete il pedale di risonanza per collegare le note di basso e gli accordi.
Cambiate il pedale quando cambia l’armonia e ascoltate attentamente per evitare di confondere il suono.
Il pedale dovrebbe arricchire la musica, non sostituire una corretta tecnica delle dita.
Passaggio 8: Eseguire l’intera opera
Infine, esercitatevi a suonare l’intera composizione dall’inizio alla fine.
Prestate attenzione alla struttura complessiva ABACA e al contrasto tra le diverse sezioni.
Il tema principale dovrebbe mantenere un carattere coerente a ogni sua ricomparsa, ma sottili variazioni nel fraseggio e nel colore del suono possono rendere le ripetizioni più espressive.
La sezione in la maggiore dovrebbe creare un contrasto evidente rispetto alle sezioni circostanti in la minore.
Il ritorno finale dovrebbe condurre gradualmente la musica verso la sua conclusione discreta.
L’obiettivo è creare un’interpretazione naturale e coerente, anziché limitarsi a suonare correttamente ogni nota.
7. Conclusione
Il Valzer n. 19 in la minore, B. 150, KK IVb–11, di Chopin è un bellissimo esempio di come una semplice struttura musicale possa creare una composizione profondamente espressiva.
A differenza di molti dei suoi valzer tecnicamente più impegnativi, quest’opera non dipende da un virtuosismo brillante né da passaggi elaborati. Il suo fascino risiede nella melodia memorabile, nei delicati cambiamenti armonici, nel ritmo aggraziato del valzer e nella sua atmosfera musicale intima.
La struttura ABACA offre un quadro chiaro per comprendere l’opera, mentre il contrasto tra la minore e la maggiore conferisce alla composizione il suo carattere emotivo distintivo.
Per gli studenti di pianoforte, quest’opera offre preziose opportunità per sviluppare il tocco lirico, il controllo dell’accompagnamento della mano sinistra, la tecnica ornamentale, il rubato espressivo e le basi dell’uso del pedale.
Sebbene le esigenze tecniche siano relativamente modeste, per ottenere un’esecuzione convincente è necessaria una particolare sensibilità alla qualità del suono, al fraseggio e all’equilibrio musicale.
In definitiva, il Valzer in la minore dimostra una delle maggiori qualità musicali di Chopin: la sua capacità di trasformare una modesta forma di danza in una composizione pianistica poetica ed emotivamente memorabile.
Riferimenti e spartiti
- PTNA Piano Music Encyclopedia – Valzer in la minore, KK IVb–11. Contesto storico, data di composizione e struttura musicale.
- G. Henle Verlag – Consigli didattici per il pianoforte: Chopin, Valzer in la minore, KK IVb n. 11. Forma ABACA, esercizi per la mano sinistra, memorizzazione armonica e uso del pedale.
- Edizione nazionale di Chopin – Valzer: commenti sulle fonti e sull’esecuzione. Informazioni sui due manoscritti autografi e sull’interpretazione degli abbellimenti.
- IMSLP – Valzer in la minore, B. 150. Edizioni storiche, manoscritti e registrazioni.
- Broekmans & Van Poppel – Due pezzi dimenticati per pianoforte. Storia della pubblicazione e informazioni sui manoscritti.
Nota storica sulla pubblicazione: È opportuno menzionare due distinti momenti nella storia della pubblicazione di quest’opera. Il valzer apparve nel 1860 come n. 3 delle Quatre pièces pour piano di Charlotte de Rothschild, pubblicato a suo nome. I manoscritti autografi furono successivamente donati alla biblioteca del Conservatoire di Parigi nel 1901, e l’opera venne pubblicata con l’attribuzione a Chopin nell’edizione facsimilare del 1955 de La Revue Musicale. La data di composizione generalmente accettata è circa 1847–1849, sebbene la data esatta rimanga incerta.
2. N. 18 – Valzer in mi bemolle maggiore, B. 133, KK IVb-10 (Sostenuto)
1. Introduzione
Il Valzer n. 18 in mi bemolle maggiore, B. 133, KK IVb–10, di Frédéric Chopin, comunemente conosciuto come Sostenuto, è una breve e delicata composizione pianistica scritta nel 1840.
A differenza di molti dei valzer più brillanti e tecnicamente impegnativi di Chopin, questa miniatura si caratterizza per la sua semplicità, il delicato movimento melodico e l’atmosfera musicale intima. Il suo principale fascino non risiede nel virtuosismo, ma nel delicato equilibrio tra melodia e accompagnamento.
L’opera possiede una storia insolita. Chopin scrisse il brano nell’album autografo del suo amico e allievo Émile Gaillard, a Parigi, il 20 luglio 1840. Il manoscritto fu scoperto nel 1941 da Jacques Chailley, allora direttore del Conservatorio di Parigi, e la composizione venne pubblicata nel 1955.
Chopin non diede alla composizione un titolo ufficiale e non la identificò esplicitamente come un valzer. La parola Sostenuto, che significa sostenuto o caratterizzato da un andamento sostenuto, appare all’inizio dell’autografo. La denominazione Valzer venne adottata in occasione della successiva pubblicazione e classificazione.
Di conseguenza, sebbene venga comunemente inclusa come n. 18 nelle raccolte dei 19 valzer di Chopin, il suo genere originale non è del tutto certo. Alcuni studiosi la considerano un pezzo d’album dal carattere simile a quello di un valzer, piuttosto che una composizione di danza convenzionale.
La caratteristica più distintiva di questo brano è l’insolita distribuzione del materiale melodico tra le due mani. Nella prima sezione, la mano destra esegue la melodia principale, mentre la mano sinistra fornisce l’accompagnamento. Nella seconda sezione, questi ruoli si invertono: la mano sinistra assume la melodia e la mano destra fornisce gli accordi di accompagnamento.
Questo cambiamento crea un interessante dialogo musicale tra le due mani, rendendo la composizione un esercizio prezioso per sviluppare il controllo melodico, l’equilibrio e l’indipendenza musicale.
Il brano è relativamente breve e dura generalmente circa 1,5–2 minuti. Le sue esigenze tecniche sono modeste rispetto ai valzer da concerto di Chopin, il che lo rende adatto a pianisti dal livello intermedio iniziale a quello intermedio. Tuttavia, per ottenere una bella esecuzione è necessaria un’attenta cura del legato, del fraseggio e della qualità del suono.
Informazioni generali
| Voce | Dettagli |
|---|---|
| Compositore | Frédéric Chopin |
| Indicazione originale | Sostenuto |
| Titolo comune | Valzer in mi bemolle maggiore |
| Numerazione standard | N. 18 |
| Numeri di catalogo | B. 133 / KK IVb–10 |
| Numero d’opera | Nessuno |
| Tonalità | Mi bemolle maggiore |
| Indicazione di tempo | 3/4 |
| Carattere | Sostenuto |
| Data di composizione | 1840 |
| Data dell’autografo | 20 luglio 1840 |
| Anno di pubblicazione | 1955 |
| Strumentazione | Pianoforte solo |
| Durata | Circa 1,5–2 minuti |
| Difficoltà | Dal livello intermedio iniziale a quello intermedio |
2. Caratteristiche musicali e contesto storico
La caratteristica più notevole di Sostenuto è l’insolita distribuzione della melodia e dell’accompagnamento tra la mano destra e la mano sinistra.
Nella prima sezione, la mano destra suona una singola linea melodica, mentre la mano sinistra fornisce un accompagnamento accordale relativamente leggero. Tuttavia, l’accompagnamento non segue sempre il modello convenzionale del valzer, costituito da una nota di basso seguita da due accordi.
Vi sono diversi punti in cui il primo movimento rimane in silenzio e l’accompagnamento utilizza accordi seguiti da note singole. Ciò crea un carattere ritmico più delicato e meno prevedibile rispetto a quello di un tradizionale valzer da sala da ballo.
La melodia stessa è semplice e lirica. Consiste principalmente in movimenti per grado congiunto e piccoli intervalli, conferendole una qualità intima, simile a quella di una canzone.
Un passaggio particolarmente interessante si trova verso la fine della prima sezione, dove la mano destra sviluppa una trama a due voci. Il pianista deve mantenere l’indipendenza delle voci producendo al tempo stesso una linea melodica fluida e collegata.
Nella seconda sezione, la mano sinistra assume la melodia. Questa inversione dei ruoli musicali è insolita e conferisce all’opera la sua struttura distintiva.
La mano destra suona ora accordi e note di accompagnamento, mentre la mano sinistra porta la linea melodica principale. Il pianista deve quindi modificare l’equilibrio tra le due mani senza interrompere la continuità della musica.
L’indicazione Sostenuto è particolarmente importante. Essa indica che le note devono avere una qualità sostenuta e collegata. La melodia dovrebbe risultare continua e cantabile, anziché staccata o ritmicamente meccanica.
Invece di trattare il brano come una danza veloce, gli esecutori dovrebbero affrontarlo come una piccola composizione lirica dal delicato carattere di valzer.
3. Struttura formale e analisi musicale
La composizione presenta una struttura compatta in due parti, costituita da una sezione iniziale A e da una sezione contrastante B.
La prima sezione è lunga circa 16 battute, mentre la seconda sezione è lunga circa 8 battute. Nella sezione iniziale la melodia è affidata alla mano destra; nella seconda sezione la responsabilità melodica viene trasferita alla mano sinistra.
In alcune edizioni e tradizioni esecutive può essere indicato un ritorno della sezione iniziale mediante un da capo. È opportuno verificare le precise indicazioni di ripetizione nella partitura utilizzata.
Sezione A: Tema iniziale – Mi bemolle maggiore (battute 1–16)
La sezione iniziale introduce l’idea melodica principale in mi bemolle maggiore.
La mano destra suona la melodia, utilizzando principalmente note singole, mentre la mano sinistra fornisce l’accompagnamento accordale.
La melodia è delicata e lirica, con una struttura ritmica relativamente semplice.
A differenza di un valzer convenzionale, l’accompagnamento della mano sinistra non enfatizza costantemente il primo movimento di ogni battuta. In diversi casi il primo movimento contiene una pausa, creando un’impressione più leggera e meno accentuata.
Questa è una caratteristica importante della composizione. Il fluire musicale non è guidato da un forte ritmo da sala da ballo, ma dal movimento naturale della melodia.
Le battute iniziali stabiliscono il carattere melodico fondamentale, mentre le frasi successive sviluppano il materiale musicale attraverso cambiamenti di registro, direzione melodica e sostegno armonico.
Un interessante aspetto armonico è che la tonica di mi bemolle maggiore viene stabilita più chiaramente intorno alla battuta 9. Le frasi iniziali presentano quindi una base armonica relativamente delicata prima che la tonica diventi più esplicita.
Battute 1–8
La melodia iniziale si sviluppa attraverso brevi frasi.
La mano destra dovrebbe mantenere un suono fluido e collegato, mentre la mano sinistra suona piano.
Poiché l’accompagnamento contiene pause e accordi distribuiti in modo irregolare, il pianista dovrebbe prestare particolare attenzione al rapporto tra le due mani.
Battute 9–13
Il centro tonale di mi bemolle maggiore viene stabilito più chiaramente.
La melodia continua nella mano destra, sostenuta dagli accordi della mano sinistra.
Le frasi musicali diventano più sviluppate e il pianista dovrebbe mantenere una direzione melodica coerente.
Battute 14–16
Questo passaggio è particolarmente interessante perché la mano destra sviluppa una trama a due voci.
Il pianista deve distinguere la linea melodica superiore dalla voce di accompagnamento, mantenendo al tempo stesso il legato.
Il passaggio funge inoltre da transizione verso la seconda sezione.
Sezione B: Tema contrastante – Melodia nella mano sinistra (battute 17–24)
La seconda sezione introduce un cambiamento significativo nella disposizione del materiale musicale.
La mano sinistra suona ora la melodia principale, mentre la mano destra fornisce l’accompagnamento accordale.
Questa inversione rappresenta la caratteristica strutturale più distintiva dell’intera composizione.
La melodia della mano sinistra ha un carattere più evidente e indipendente rispetto all’accompagnamento della sezione iniziale.
La mano destra suona accordi e occasionali note di passaggio, fornendo sostegno armonico senza sopraffare la melodia.
La linea melodica della mano sinistra contiene diverse note di abbellimento. Questi ornamenti aggiungono espressività e dovrebbero essere eseguiti naturalmente, senza disturbare il fluire ritmico.
La seconda sezione comprende anche passaggi in cui le due mani suonano contemporaneamente note di abbellimento, creando un caratteristico effetto armonico e ritmico.
Battute 17–20
La mano sinistra presenta la melodia, sostenuta dagli accordi della mano destra.
Questo è un passaggio particolarmente importante per sviluppare l’indipendenza melodica della mano sinistra.
Il pianista dovrebbe assicurarsi che le note melodiche emergano più chiaramente rispetto agli accordi di accompagnamento.
Battute 21–24
L’idea melodica continua con ulteriori ornamenti e dettagli armonici.
Le battute finali creano una conclusione delicata, anziché un finale virtuosistico e drammatico.
Il pianista dovrebbe preservare il carattere sostenuto e lirico dell’opera fino all’ultima nota.
Struttura formale complessiva
| Sezione | Battute | Caratteristiche musicali |
|---|---|---|
| A | 1–8 | Melodia iniziale nella mano destra |
| A (continuazione) | 9–16 | Sviluppo della melodia e passaggio a due voci |
| B | 17–20 | Trasferimento della melodia alla mano sinistra |
| B (continuazione) | 21–24 | Melodia della mano sinistra con ornamenti |
| Da capo, quando indicato | 1–16 | Ritorno della sezione iniziale |
La semplicità formale di questa composizione è uno dei suoi maggiori punti di forza. Invece di sviluppare diversi temi contrastanti, Chopin crea interesse musicale attraverso un cambiamento nella distribuzione del materiale melodico tra le mani.
4. Tonalità e analisi armonica
La tonalità principale della composizione è mi bemolle maggiore.
Mi bemolle maggiore presenta tre bemolli in chiave: si bemolle, mi bemolle e la bemolle.
Il brano mantiene una chiara identità tonale in mi bemolle maggiore e non si affida a modulazioni estese per creare contrasti musicali.
Il linguaggio armonico è relativamente semplice rispetto a molte delle composizioni pianistiche più ampie di Chopin. Tuttavia, la distribuzione degli accordi e delle note melodiche crea sottili cambiamenti di colore ed espressione.
| Elemento musicale | Caratteristiche |
|---|---|
| Tonalità principale | Mi bemolle maggiore |
| Armatura di chiave | Tre bemolli |
| Indicazione di tempo | 3/4 |
| Centro armonico principale | Tonica di mi bemolle maggiore |
| Relazione di dominante | Si bemolle maggiore |
| Trama principale | Melodia con accompagnamento accordale |
| Trama contrastante | Melodia nella mano sinistra con accordi nella mano destra |
| Carattere armonico | Prevalentemente tonale, con occasionali dettagli cromatici e ornamentali |
Il rapporto tra tonica e dominante
La principale relazione armonica è quella tra l’accordo di tonica, mi bemolle maggiore (Mi♭–Sol–Si♭), e la sua dominante, si bemolle maggiore (Si♭–Re–Fa).
Queste armonie forniscono la base tonale fondamentale dell’opera.
Il rapporto tra tonica e dominante crea un naturale senso di movimento musicale e risoluzione, sebbene la composizione non utilizzi una struttura armonica elaborata.
L’importanza dell’armonia iniziale
La frase iniziale non stabilisce immediatamente la tonica con la stessa chiarezza delle battute successive.
L’accompagnamento è relativamente essenziale e la presenza di pause sul primo movimento contribuisce a creare un’impressione armonica leggermente sospesa e delicata.
Intorno alla battuta 9, il centro tonale di mi bemolle maggiore diventa più chiaro.
Melodia e accompagnamento
Uno degli aspetti più interessanti della struttura armonica è il modo in cui cambia il ruolo dell’accompagnamento.
Nella prima sezione, la mano sinistra sostiene la melodia della mano destra attraverso accordi e occasionali note singole.
Nella seconda sezione, la mano sinistra diventa la principale voce melodica, mentre la mano destra fornisce il sostegno armonico.
Questa disposizione permette allo stesso quadro tonale di produrre due differenti trame musicali.
Per gli studenti di pianoforte, è utile analizzare le singole note di basso e gli accordi, anziché considerare l’accompagnamento come una serie di movimenti delle mani non correlati tra loro.
Comprendere la loro funzione armonica facilita la memorizzazione e contribuisce a creare un’esecuzione più coerente.
5. Tecniche esecutive e interpretazione musicale
① Comprendere il carattere Sostenuto
La parola Sostenuto significa sostenuto o caratterizzato da un suono mantenuto.
È l’indicazione espressiva più importante della partitura.
Il pianista dovrebbe mantenere un suono collegato e cantabile durante l’intero brano.
Evitate uno staccato eccessivo o un’esecuzione troppo distaccata. Le note dovrebbero fluire naturalmente l’una nell’altra, laddove la notazione lo consenta.
Tuttavia, sostenuto non significa necessariamente suonare estremamente lentamente. Il movimento musicale dovrebbe rimanere naturale e conservare il suo delicato carattere di valzer.
② Produrre una bella melodia legata
La melodia della mano destra nella sezione iniziale dovrebbe suonare come una linea vocale.
Ogni frase dovrebbe avere una direzione naturale, con sottili aumenti e diminuzioni dell’intensità.
Evitate di attribuire lo stesso peso a ogni nota. Individuate invece le note melodiche più importanti e lasciate che quelle circostanti conducano naturalmente verso di esse.
Le dita dovrebbero rimanere vicine ai tasti, utilizzando movimenti controllati per creare un suono uniforme e collegato.
③ Equilibrare melodia e accompagnamento
Nella prima sezione, la mano destra deve essere leggermente più in evidenza rispetto all’accompagnamento della mano sinistra.
Gli accordi della mano sinistra dovrebbero essere sufficientemente delicati da consentire alla melodia di rimanere chiaramente udibile.
Tuttavia, l’accompagnamento non dovrebbe diventare così piano da far scomparire la base armonica.
Nella seconda sezione, i ruoli si invertono. La melodia della mano sinistra dovrebbe ora essere più evidente, mentre gli accordi della mano destra rimangono subordinati.
Questo cambiamento di equilibrio è essenziale per la struttura musicale dell’opera.
④ Sviluppare il controllo melodico della mano sinistra
La seconda sezione è particolarmente utile per migliorare l’indipendenza della mano sinistra.
Molti studenti di pianoforte sono abituati a utilizzare la mano sinistra principalmente per l’accompagnamento.
In questa composizione, la mano sinistra deve produrre una melodia fluida ed espressiva.
Esercitatevi separatamente sulla melodia della mano sinistra, prestando attenzione al suo fraseggio e alla direzione dinamica.
Le note melodiche dovrebbero avere una qualità calda e sostenuta, anziché sembrare normali note di accompagnamento.
⑤ Suonare le note di abbellimento con naturalezza
Nella seconda sezione compaiono diverse note di abbellimento.
Questi ornamenti dovrebbero essere suonati con leggerezza e naturalezza, senza interrompere il ritmo sottostante.
In questo brano, le note di abbellimento possono essere considerate piccoli gesti espressivi che conducono alle note melodiche principali.
Esiste una certa flessibilità interpretativa riguardo alla possibilità di anticipare alcuni ornamenti oppure di eseguirli sul tempo.
L’obiettivo principale è mantenere un fluire melodico naturale ed evitare che gli ornamenti risultino eccessivamente meccanici.
⑥ Mantenere il carattere di valzer
Sebbene l’accompagnamento della mano sinistra non segua sempre un modello convenzionale di valzer, il carattere ternario dovrebbe rimanere percepibile.
Il pianista dovrebbe mantenere una pulsazione ritmica delicata, anziché enfatizzare tutti i movimenti allo stesso modo.
Evitate di far suonare la musica come una rigida danza da sala da ballo.
Il ritmo dovrebbe sostenere la melodia, consentendo al tempo stesso una sottile flessibilità espressiva.
⑦ Utilizzare il rubato
Una piccola quantità di rubato può valorizzare la qualità lirica della composizione.
La melodia può procedere leggermente in anticipo o in ritardo rispetto alla pulsazione di base, soprattutto verso la fine delle frasi.
Tuttavia, è opportuno evitare cambiamenti di tempo eccessivi.
Il flusso musicale complessivo dovrebbe rimanere calmo e coerente.
⑧ Uso del pedale
Il manoscritto autografo non contiene indicazioni specifiche sull’uso del pedale.
Il pianista dispone quindi di una notevole libertà nel decidere quanto pedale utilizzare.
Un uso leggero del pedale di risonanza può aiutare a collegare le armonie e a creare un suono più caldo.
Cambiate il pedale quando cambia l’armonia ed evitate una risonanza eccessiva.
Poiché la composizione presenta una trama relativamente trasparente, un uso eccessivo del pedale può facilmente oscurare la melodia e gli accordi di accompagnamento.
6. Tutorial di pianoforte per gli studenti
La seguente procedura di studio si concentra sulle sfide tecniche e musicali più importanti della composizione.
Passaggio 1: Studiare la partitura e comprendere la struttura
Prima di iniziare a suonare, esaminate attentamente la partitura.
Individuate le due sezioni principali e comprendete come la melodia passi da una mano all’altra.
Nella prima sezione, la mano destra suona la melodia e la mano sinistra l’accompagnamento.
Nella seconda sezione, la mano sinistra assume la melodia, mentre la mano destra suona gli accordi.
Segnare le note melodiche e gli accordi di accompagnamento con colori diversi può aiutarvi a comprendere la struttura musicale.
Individuate inoltre le pause, le note di abbellimento e il passaggio a due voci verso la fine della prima sezione.
Passaggio 2: Esercitarsi sulla melodia della mano destra
Iniziate con la melodia della mano destra nelle battute 1–16.
Esercitatevi lentamente e concentratevi sulla linea melodica.
Prestate attenzione alla durata di ogni nota e al collegamento tra le note consecutive.
Dividete la melodia in brevi frasi ed esercitatevi separatamente su ciascuna di esse.
Quando le singole frasi risultano familiari, collegatele in una linea musicale continua.
Nelle battute 14–16, esercitatevi attentamente sul passaggio a due voci.
Assicuratevi che la voce superiore rimanga chiara mentre quella inferiore si muove indipendentemente.
Passaggio 3: Esercitarsi sull’accompagnamento della mano sinistra
Successivamente, esercitatevi sull’accompagnamento della mano sinistra nella prima sezione.
L’accompagnamento non segue sempre un regolare schema formato da una nota di basso e due accordi.
Alcune battute contengono pause sul primo movimento, mentre altre utilizzano differenti disposizioni di accordi e note singole.
Studiate attentamente il ritmo prima di provare a suonare a tempo pieno.
Esercitatevi sugli accordi con un tocco morbido e uniforme, mantenendo una base ritmica costante.
Evitate di aggiungere accenti dove la partitura non li richiede.
Passaggio 4: Unire entrambe le mani nella sezione A
Quando la melodia della mano destra e l’accompagnamento della mano sinistra risultano familiari, unite le due mani.
Iniziate con un tempo lento e controllato.
L’obiettivo è mantenere una chiara distinzione tra melodia e accompagnamento.
La mano destra dovrebbe rimanere più in evidenza, mentre la mano sinistra fornisce un delicato sostegno armonico.
Esercitatevi separatamente sulle prime otto battute prima di passare alle battute 9–16.
Prestate particolare attenzione al passaggio a due voci alla fine di questa sezione.
Passaggio 5: Esercitarsi sulla melodia della mano sinistra nella sezione B
La seconda sezione presenta una sfida diversa, poiché la mano sinistra diventa ora la principale voce melodica.
Iniziate esercitandovi sulle battute 17–24 utilizzando soltanto la mano sinistra.
Concentratevi sulla produzione di una melodia fluida e collegata.
Esercitatevi separatamente sulle note di abbellimento, quindi integratele nella frase completa.
La mano sinistra non dovrebbe suonare pesante semplicemente perché si trova nel registro grave.
Cercate invece di ottenere un suono caldo e cantabile.
Passaggio 6: Esercitarsi sull’accompagnamento accordale della mano destra
Successivamente, esercitatevi sugli accordi della mano destra nella sezione B.
Questi accordi sostengono la melodia della mano sinistra e dovrebbero essere suonati con un tocco controllato e relativamente morbido.
Prestate attenzione ai cambiamenti degli accordi e al movimento delle singole note tra le diverse armonie.
Evitate di colpire ogni accordo con la stessa forza.
L’accompagnamento dovrebbe contribuire all’espressione musicale senza sopraffare la melodia della mano sinistra.
Passaggio 7: Unire entrambe le mani nella sezione B
Quando entrambe le mani risultano sufficientemente sicure se esercitate separatamente, unitele.
Concentratevi sull’equilibrio tra la melodia della mano sinistra e gli accordi della mano destra.
Le battute 23–24 richiedono particolare attenzione perché le note di abbellimento eseguite da entrambe le mani creano un problema di coordinazione più complesso.
Esercitatevi lentamente su queste battute, assicurandovi che gli ornamenti non disturbino il ritmo sottostante.
Aumentate gradualmente il tempo mantenendo un suono fluido.
Passaggio 8: Esercitarsi sulla transizione tra le sezioni
La transizione dalla sezione A alla sezione B è uno dei momenti strutturali più importanti.
La responsabilità musicale passa dalla mano destra alla mano sinistra.
Esercitatevi insieme sulle battute finali della sezione A e sulle battute iniziali della sezione B.
Il cambiamento della mano responsabile della melodia dovrebbe risultare completamente naturale.
Evitate di creare un’interruzione evidente semplicemente perché le mani hanno cambiato ruolo.
Passaggio 9: Sviluppare l’espressione musicale
Una volta acquisite sicurezza nelle note e nei ritmi, iniziate a lavorare sull’interpretazione musicale.
Nella sezione A, mettete in risalto la qualità lirica della melodia della mano destra.
Nella sezione B, fate emergere la melodia della mano sinistra mantenendo un accompagnamento morbido nella mano destra.
Utilizzate sottili cambiamenti dinamici e il rubato per modellare le frasi.
La parola Sostenuto dovrebbe rimanere il principio espressivo centrale durante l’intera esecuzione.
Passaggio 10: Esercitarsi sull’intera composizione
Infine, suonate l’intera composizione seguendo le indicazioni di ripetizione e da capo presenti nella vostra edizione.
Concentratevi sulla continuità della melodia e sull’equilibrio tra le due mani.
La sezione iniziale dovrebbe risultare delicata ed espressiva, mentre la seconda sezione dovrebbe creare un interessante cambiamento di trama attraverso il trasferimento della melodia alla mano sinistra.
Evitate dinamiche eccessive e un rubato esagerato.
L’esecuzione finale dovrebbe essere intima, aggraziata e musicalmente coerente.
7. Conclusione
Il Valzer n. 18 in mi bemolle maggiore, B. 133, KK IVb–10 (Sostenuto), di Chopin è una miniatura affascinante e distintiva che dimostra la capacità del compositore di creare musica espressiva utilizzando materiali musicali relativamente semplici.
Sebbene venga comunemente incluso tra i 19 valzer di Chopin, la sua indicazione originale Sostenuto e la sua insolita struttura melodica lo distinguono dai suoi tradizionali valzer da sala da ballo.
La caratteristica più importante è il trasferimento della melodia principale dalla mano destra nella prima sezione alla mano sinistra nella seconda sezione.
Ciò offre agli studenti di pianoforte l’opportunità di sviluppare l’indipendenza melodica, l’equilibrio tra le mani, il legato e la sensibilità per il fraseggio musicale.
La composizione offre inoltre un valido esercizio per l’esecuzione delle note di abbellimento, il controllo dell’accompagnamento accordale e l’impiego di un rubato sottile.
Nonostante la breve durata e le esigenze tecniche relativamente modeste, richiede una notevole attenzione alla qualità del suono e all’espressione musicale.
In definitiva, Sostenuto dimostra che una bella esecuzione pianistica non dipende sempre dal virtuosismo tecnico. Attraverso una melodia semplice, armonie delicate e trame musicali attentamente equilibrate, Chopin crea una composizione intima e memorabile.
Riferimenti e spartiti
- PTNA Piano Music Encyclopedia – Sostenuto (Valzer) in mi bemolle maggiore, KK IVb–10. Contesto storico, forma binaria e trasferimento della melodia tra le mani.
- Informance – Sostenuto in mi bemolle: Introduzione. Manoscritto autografo, Émile Gaillard e contesto storico.
- Informance – Sostenuto in mi bemolle: Analisi dettagliata (1). Legato, suono cantabile, fraseggio melodico ed equilibrio.
- IMSLP – Valzer in mi bemolle maggiore, B. 133. Manoscritto autografo, edizioni storiche e spartito.
- Hyperion Records – Sostenuto in mi bemolle maggiore, KK IVb–10. Informazioni sulla registrazione e sulla provenienza del manoscritto.
- Practising the Piano – Il Sostenuto in mi bemolle di Chopin. Consigli pratici sull’esecuzione, note di abbellimento e da capo.
Nota storica ed editoriale: Il manoscritto autografo è conservato presso la Bibliothèque nationale de France (MS–16279). È datato Parigi, 20 luglio 1840, ed è l’unica fonte conosciuta per questa composizione. L’opera fu scoperta nel 1941 e pubblicata nel 1955. La denominazione Valzer n. 18 è una convenzione successiva di catalogazione e di raccolta, non un titolo o un numero assegnato dallo stesso Chopin.
Chopin: Valzer su IMSLP (Link alle pagine delle opere)
Waltz No. 5, Op. 42 (Grande valse)
Waltz No. 14, B. 56, KK IVa/15
Waltz No. 15, B. 44 / KK IVa/12
Waltz No. 16, B. 21 / KK IVa/13
Waltz No. 17, B. 46 / KK IVa/14
Waltz No. 18, B. 133 / KK IVb/10
Waltz No. 19, B. 150 / KK IVb/11
(Avvertenza sull’IA: Questo articolo è stato scritto da un modello linguistico di intelligenza artificiale (ChatGPT). Sebbene siano stati compiuti sforzi per garantire l’accuratezza delle informazioni, potrebbero essere presenti errori o imprecisioni. Non è possibile garantire la completa accuratezza e affidabilità dei contenuti di questo articolo. Si consiglia di consultare fonti ufficiali o altri riferimenti affidabili, se necessario.)