Appunti su Anton Bruckner e le sue opere

Panoramica

Anton Bruckner (1824-1896) è stato un compositore austriaco noto per le sue sinfonie monumentali, la musica corale sacra e le opere per organo. La sua musica colma il divario tra il Romanticismo e il modernismo emergente della fine del XIX secolo. Ecco una panoramica della sua vita e dei suoi contributi:

Primi anni di vita e istruzione

Nascita: Nato il 4 settembre 1824 ad Ansfelden, in Austria (allora parte dell’Impero austriaco).
Background: Era il maggiore di undici figli in una famiglia modesta. Suo padre era un insegnante e organista di chiesa, il che influenzò la sua prima esposizione alla musica.
Formazione: Bruckner era un cattolico devoto e la sua prima educazione musicale era profondamente legata alla chiesa. Studiò al monastero di San Floriano, dove in seguito lavorò come organista, e proseguì gli studi formali a Vienna.

Stile musicale

Sinfonie: Bruckner compose 11 sinfonie (nove numerate, una delle prime “Sinfonia Studio” e un’altra scartata). Le sue sinfonie sono vaste, spirituali e caratterizzate da ricche armonie, contrappunti intricati e climax massicci. Spesso riflettono la sua profonda fede religiosa, con influenze di Beethoven e Wagner.
Opere sacre: i suoi contributi alla musica sacra includono messe, mottetti e il maestoso Te Deum. Queste opere mostrano la sua padronanza della polifonia e la sua venerazione per la tradizione ecclesiastica.
Musica per organo: sebbene Bruckner non abbia scritto molto per l’organo, era rinomato come virtuoso organista e ha tenuto acclamate esibizioni in tutta Europa.

Composizioni chiave

Sinfonie: le sinfonie n. 4 (“Romantica”), 7, 8 e 9 sono particolarmente celebri.
Opere corali: le sue tre grandi messe (in re minore, mi minore e fa minore) e i suoi mottetti come l’Ave Maria e Locus iste sono venerati nel repertorio corale.
Te Deum: un’opera monumentale per coro e orchestra, spesso considerata uno dei suoi più grandi successi.

Tratti personali e sfide

Fede: il cattolicesimo devoto di Bruckner ha profondamente influenzato la sua musica. Spesso si riferiva alle sue sinfonie come a “cattedrali del suono”.
Insicurezze: nonostante il suo talento, Bruckner era spesso insicuro delle sue capacità e cercava la convalida da parte di critici e colleghi. Rivedeva spesso le sue opere in risposta alle critiche.
Influenza di Wagner: ammirava Richard Wagner e faceva parte del campo “wagneriano” nel mondo musicale, anche se questo spesso lo allontanava dai sostenitori di Brahms.

L’eredità

Riconoscimento: le opere di Bruckner furono sottovalutate durante la sua vita, ma fu ammirato da compositori successivi come Gustav Mahler e Arnold Schoenberg.
Influenza: il suo approccio sinfonico, con le sue strutture espansive e l’orchestrazione innovativa, ha influenzato compositori e direttori d’orchestra del XX secolo.
Memoria: Bruckner morì l’11 ottobre 1896 a Vienna. Fu sepolto nella cripta del monastero di San Floriano, sotto l’organo che amava suonare.
La musica di Bruckner è oggi celebrata per la sua profonda spiritualità e innovazione strutturale, e le sue sinfonie sono un punto fermo del repertorio orchestrale.

Storia

Anton Bruckner nacque il 4 settembre 1824 nel piccolo villaggio austriaco di Ansfelden. Figlio di un insegnante e organista di chiesa, Bruckner crebbe circondato dalla musica e dalla fede. Fin da giovane dimostrò un talento innato per la musica e suo padre gli insegnò le basi dell’organo. Tuttavia, la tragedia colpì Bruckner in tenera età: suo padre morì quando Anton aveva solo 13 anni. Questa perdita lo costrinse a lasciare la casa di famiglia e a studiare come chierichetto nel monastero agostiniano di San Floriano, un luogo che avrebbe profondamente plasmato la sua vita e la sua musica.

A San Floriano, Bruckner si è immerso nelle ricche tradizioni della musica liturgica cattolica. Si è innamorato dell’organo del monastero, uno strumento a cui sarebbe tornato per tutta la vita. Il suo periodo a San Floriano ha anche alimentato la sua fede, che è diventata una pietra miliare della sua personalità e delle sue composizioni. Il devoto cattolicesimo di Bruckner ha plasmato la sua visione del mondo e ispirato gran parte della sua produzione creativa.

Per gran parte della sua giovinezza, Bruckner visse umilmente come insegnante e organista. Seguì le orme del padre, studiando per diventare insegnante e lavorando in varie piccole città. Durante questo periodo, continuò a perfezionare le sue capacità musicali, in particolare suonando l’organo, e la sua reputazione di organista eccezionale iniziò a crescere. Nonostante il suo talento naturale, Bruckner era tormentato dai dubbi su se stesso. Era un perfezionista che sentiva costantemente il bisogno di migliorare, spesso iscrivendosi a corsi rigorosi per studiare composizione e teoria anche da adulto.

All’età di trent’anni, Bruckner decise di fare un passo coraggioso e dedicarsi completamente alla musica. Studiò con Simon Sechter, un rinomato teorico musicale viennese, e in seguito con Otto Kitzler, che lo introdusse alle opere di Richard Wagner. Bruckner divenne un appassionato ammiratore della musica di Wagner, e questa influenza può essere ascoltata nella grandezza e nell’ambizione delle sue composizioni.

La grande occasione per Bruckner arrivò nel 1855, quando fu nominato organista a St. Florian. Da lì si trasferì a Linz, dove divenne organista della cattedrale. Le sue esibizioni gli valsero un grande successo e fece tournée in Europa, stupendo il pubblico di città come Parigi e Londra con le sue virtuose improvvisazioni. Tuttavia, nonostante il successo come organista, Bruckner desiderava essere riconosciuto come compositore.

Negli anni Sessanta dell’Ottocento, Bruckner iniziò a comporre le sinfonie che gli avrebbero assicurato un posto nella storia della musica. Queste opere erano di vasta portata, e combinavano la profondità spirituale della musica sacra con la potenza drammatica dell’opera wagneriana. Le sue prime sinfonie, tuttavia, furono accolte con reazioni contrastanti. Vienna, dove alla fine si stabilì, era una città profondamente divisa tra i seguaci di Wagner e i sostenitori di Brahms. La fedeltà di Bruckner a Wagner lo rese una figura polarizzante e la sua musica fu spesso fraintesa o aspramente criticata.

La vita personale di Bruckner era caratterizzata da semplicità e devozione. Non si sposò mai, anche se nutrì sentimenti non corrisposti per diverse giovani donne nel corso della sua vita. Le sue relazioni erano spesso imbarazzanti e venivano tinte di un’ingenua innocenza. Invece di inseguire il romanticismo, Bruckner riversò le sue energie nella musica e nella fede, partecipando quotidianamente alla messa e mantenendo uno stile di vita umile, quasi ascetico.

Come compositore, Bruckner era ossessivo. Rivedeva molte delle sue opere più volte, spesso in risposta ai feedback di amici, critici o direttori d’orchestra. Questa tendenza a rimettere in discussione se stesso ha portato a confusione su quali versioni delle sue sinfonie siano considerate definitive. La sua Nona Sinfonia, rimasta incompiuta alla sua morte, è una testimonianza toccante della sua lotta per tutta la vita per esprimere l’ineffabile.

Verso la fine della sua vita, la musica di Bruckner aveva iniziato a ottenere riconoscimenti, grazie in parte a compositori più giovani come Gustav Mahler che ne difendevano il lavoro. Tuttavia, non sfuggì mai completamente all’ombra delle sue insicurezze o al disprezzo dei suoi detrattori. Morì l’11 ottobre 1896 a Vienna, lasciando un’eredità di musica profondamente spirituale che cercava di toccare il divino.

Oggi Bruckner è celebrato come uno dei grandi sinfonisti dell’epoca romantica. La sua musica, un tempo considerata difficile e poco maneggevole, è ora venerata per la sua profonda spiritualità, la maestosa bellezza e l’uso innovativo dell’orchestrazione. Sebbene abbia vissuto una vita di lotta silenziosa, l’opera di Bruckner ha raggiunto l’immortalità che egli cercava così ardentemente.

Cronologia

1824: Nasce il 4 settembre ad Ansfelden, in Austria, primogenito di undici figli.
1835: Inizia la sua istruzione formale sotto la guida del padre, insegnante e organista.
1837: Il padre muore e Anton viene mandato alla scuola del monastero di St. Florian come chierichetto.
1837-1840: Studia musica e latino a St. Florian mentre presta servizio come chierichetto.
1841: Inizia a lavorare come assistente insegnante nei villaggi vicini.
1845: Diventa insegnante a St. Florian e continua i suoi studi di organo.
1848: Nominato organista al monastero di St. Florian.
1851: Si trasferisce a Linz e diventa organista della cattedrale, guadagnandosi una solida reputazione per le sue capacità di improvvisazione.
1855: Inizia a studiare composizione con Simon Sechter a Vienna.
1861: Completa gli studi con Sechter e si unisce alla Società Corale di Linz.
1863: Studia orchestrazione e forma con Otto Kitzler, che lo introduce alla musica di Wagner.
1864: Scrive la sua Prima Messa (Messa in re minore), segnando un passo importante nella sua carriera di compositore.
1865: Assiste alla prima di Tristano e Isotta di Wagner, che lo influenza profondamente.
1868: compone la sua Sinfonia n. 1 a Linz.
1868: si trasferisce a Vienna per insegnare al Conservatorio di Vienna, concentrandosi su armonia e contrappunto.
1873: compone la Sinfonia n. 3 e la dedica a Richard Wagner, che ammira profondamente.
1874: inizia a lavorare alla Sinfonia n. 4 (“Romantica”), una delle sue opere più amate.
1877: attraversa una crisi quando i critici giudicano duramente la sua musica; la prima della sua Terza Sinfonia fallisce.
1881: prima della Sinfonia n. 4 (“Romantica”), che riceve un’accoglienza più positiva.
1884: ottiene un maggiore riconoscimento con la prima della Sinfonia n. 7 a Lipsia, dedicata a Wagner, morto l’anno precedente.
1887: Inizia a rivedere le sinfonie precedenti a causa delle critiche e del suo perfezionismo.
1889: Si ritira dall’insegnamento al Conservatorio di Vienna, ma continua a comporre.
1890: Completa la monumentale Sinfonia n. 8, considerata una delle sue opere più grandi.
1891: Riceve un dottorato onorario dall’Università di Vienna.
1894: compone il Te Deum e continua a lavorare alla Nona sinfonia, dedicandola a “Dio amato”.
1896: muore l’11 ottobre a Vienna. La sua Nona sinfonia rimane incompiuta, con solo tre movimenti completati. È sepolto nella cripta del monastero di San Floriano.

Riconoscimento postumo

Inizio del XX secolo: Gustav Mahler e altri compositori sostengono la musica di Bruckner, portandola a un pubblico più vasto.
Era moderna: le sinfonie e le opere sacre di Bruckner diventano pietre miliari del repertorio classico, celebrate per la loro profondità spirituale e innovazione orchestrale.

Caratteristiche della musica

La musica di Anton Bruckner è distinta e profondamente radicata nella sua fede devota, nell’amore per la tradizione e nell’ammirazione per il Romanticismo, in particolare per le opere di Richard Wagner. Ecco le caratteristiche chiave che definiscono le sue composizioni:

1. Strutture sinfoniche monumentali

Forme espansive: le sinfonie di Bruckner sono di vasta portata, spesso durano più di un’ora. Sono caratterizzate da un’architettura simile a una cattedrale, con un forte senso di grandezza e profondità spirituale.
Struttura ciclica: spesso utilizzava la trasformazione tematica, in cui i temi si evolvono attraverso i movimenti, creando un senso di unità e progressione.
Ritmo: le sue opere spesso alternano momenti di sublime quiete a climax drammatici e travolgenti.

2. Uso degli ottoni e dell’orchestrazione

Ottoni prominenti: le sinfonie di Bruckner sono rinomate per la loro potente scrittura per ottoni, spesso con linee di corno e tromba impennate, nonché maestosi passaggi di trombone e tuba.
Orchestrazione stratificata: la sua musica costruisce spesso trame strato dopo strato, creando un senso di grandezza e profondità.
Gamma dinamica: giustappone passaggi tranquilli e oranti a fragorosi climax orchestrali, creando contrasti drammatici.

3. Influenza spirituale e liturgica

Carattere sacro: la fede cattolica di Bruckner permea gran parte della sua musica di un senso di riverenza, in particolare le sue opere corali sacre (Messe, Te Deum, mottetti).
Melodie simili a canti: molti dei suoi temi hanno una qualità simile a un inno o ispirata a un canto, che riflette il suo profondo legame con le tradizioni ecclesiastiche.
Simbolismo tonale: la sua musica spesso trasmette un senso di infinito o divino, utilizzando progressioni armoniche per evocare la trascendenza spirituale.

4. Tempi lenti e lunghe linee melodiche

Adagi: i movimenti lenti di Bruckner, specialmente nelle sue sinfonie, sono rinomati per la loro bellezza meditativa e profondità emotiva.
Temi espansivi: le sue melodie sono lunghe e fluide, spesso richiedono tempo per svilupparsi completamente, contribuendo alla sensazione monumentale delle sue opere.

5. Influenza wagneriana

Innovazione armonica: ispirato da Richard Wagner, Bruckner abbracciò armonie cromatiche e accordi ricchi ed estesi, pur mantenendo un senso più forte di base tonale rispetto a Wagner.
Dramma orchestrale: come Wagner, Bruckner creava crescendo massicci e climax drammatici, anche se le sue opere sono meno teatrali e più contemplative.

6. Strumenti ritmici e strutturali

Modelli ostinati: spesso utilizzava figure ritmiche ripetute, soprattutto negli archi, per creare un senso di movimento e tensione.
Tecniche di punteggiatura: Bruckner alternava spesso le sezioni dell’orchestra, creando un effetto di chiamata e risposta o masse sonore contrastanti.
Pizzicato e tremolo: queste tecniche aggiungono un sottile dramma e tensione, soprattutto nelle sezioni degli archi.

7. Introduzioni e codas sinfoniche

Introduzioni maestose: molte delle sue sinfonie si aprono con introduzioni lente e misteriose che creano gradualmente tensione prima che emerga il tema principale.
Grandi codas: Bruckner concludeva spesso le sue sinfonie con codas trionfali, che riunivano i temi in una risoluzione culminante.

8. Devozione al contrappunto

Passaggi fugali: le sue sinfonie e le sue opere sacre includono spesso fughe o altre trame contrappuntistiche, che riflettono la sua padronanza della polifonia e l’omaggio alle tradizioni barocche.
Scrittura imitativa: anche nelle opere non sacre, l’uso dell’imitazione e del contrappunto da parte di Bruckner riflette la sua profonda conoscenza delle tecniche compositive tradizionali.

9. Tonalità e modalità

Relazioni chiave: la musica di Bruckner presenta spesso cambiamenti drammatici tra tonalità maggiori e minori o si sposta tra tonalità distanti, creando un senso di mistero ed esplorazione.
Influenze modali: Facendo eco al canto gregoriano e alla musica della chiesa primitiva, il suo uso dei modi conferisce alle sue opere una qualità sacra e senza tempo.

10. Profondità emotiva e spirituale

Sottotoni religiosi: la sua musica spesso sembra una meditazione sulla fede, l’eternità e il divino, conferendole un carattere spirituale unico.
Lotta umana: oltre alla spiritualità, la musica di Bruckner trasmette spesso profonde emozioni umane, dall’angoscia e il dubbio alla gioia trascendente.

Conclusione

La musica di Bruckner è una miscela unica di espressività romantica e devozione spirituale. Combina il dramma wagneriano con un profondo senso di riverenza, creando uno stile che è allo stesso tempo monumentale e profondamente personale. Le sue opere rimangono una testimonianza della sua fede incrollabile e della sua ricerca del sublime attraverso il suono.

Relazioni

La vita di Anton Bruckner è stata segnata da relazioni che hanno influenzato la sua musica, la sua carriera e il suo sviluppo personale. Ecco uno sguardo dettagliato alle sue relazioni dirette con compositori, interpreti, orchestre e non musicisti:

Relazioni con altri compositori

1. Richard Wagner (1813-1883)

Ammirazione: Bruckner idolatrava Wagner, definendolo il “maestro di tutti i maestri”. Le opere di Wagner, in particolare Tristano e Isotta, influenzarono profondamente il linguaggio armonico e lo stile orchestrale di Bruckner.
Legame personale: Bruckner incontrò Wagner nel 1873 e gli dedicò la sua Sinfonia n. 3. Secondo quanto riferito, Wagner apprezzò il gesto e ammirò la sincerità di Bruckner.
Impatto: le sinfonie di Bruckner riflettevano spesso la portata drammatica di Wagner, sebbene fossero più spirituali che operistiche.

2. Johannes Brahms (1833-1897)

Tesa rivalità: Brahms e Bruckner rappresentavano due correnti musicali opposte a Vienna: i tradizionalisti di Brahms contro i progressisti di Wagner-Bruckner. Anche se raramente interagivano personalmente, si dice che Brahms trovasse la musica di Bruckner noiosa. Bruckner, tuttavia, non nutriva alcuna animosità nei confronti di Brahms.
Ruolo dei critici: la rivalità fu in gran parte alimentata da critici come Eduard Hanslick, un convinto sostenitore di Brahms, che attaccava spesso la musica di Bruckner.

3. Gustav Mahler (1860-1911)

Sostenitore: Mahler, un contemporaneo più giovane, ammirava Bruckner e diresse le sue sinfonie. Mahler si riferiva alle sinfonie di Bruckner come a “cattedrali del suono”.
Eredità: le sinfonie espansive di Mahler, i temi profondamente spirituali e l’orchestrazione riflettono l’influenza di Bruckner.

4. Franz Liszt (1811-1886)

Influenza indiretta: Bruckner ammirava l’innovazione di Liszt nell’armonia e nella struttura. Sebbene non avessero un rapporto personale stretto, Bruckner fu ispirato dai poemi tonali e dai temi spirituali di Liszt.

5. Simon Sechter (1788-1867)

Insegnante: Bruckner studiò contrappunto e armonia con Sechter a Vienna. L’insegnamento rigoroso di Sechter diede a Bruckner una solida base teorica.
Guida: Sechter proibì a Bruckner di comporre durante i suoi studi, assicurandosi che si concentrasse completamente sulla teoria.

6. Otto Kitzler (1834-1915)

Mentore: Kitzler, direttore d’orchestra a Linz, introdusse Bruckner alla musica di Wagner e alle moderne tecniche di composizione.
Incoraggiamento: ispirò Bruckner a scrivere le sue prime opere orchestrali mature, tra cui la Sinfonia in fa minore.

Rapporti con artisti e orchestre

1. Filarmonica di Vienna

Collaborazioni: la Filarmonica di Vienna ha eseguito diverse sinfonie di Bruckner, anche se l’accoglienza è stata spesso contrastante.
Sfide: l’orchestra, influenzata dalle fazioni anti-Wagner, a volte ha resistito alla musica di Bruckner durante la sua vita.

2. Hans Richter (1843-1916)

Direttore d’orchestra: Richter, un importante direttore d’orchestra wagneriano, sostenne le opere di Bruckner, dirigendo le prime della Sinfonia n. 4 e di altri importanti brani.
Sostenitore: il sostegno di Richter contribuì a elevare la reputazione di Bruckner a Vienna.

3. Arthur Nikisch (1855-1922)

Direttore d’orchestra: Nikisch, un’altra figura significativa, diresse la prima della Sinfonia n. 7 di Bruckner a Lipsia nel 1884. Questa esibizione fu un punto di svolta per la carriera di Bruckner, poiché fu accolta con grande successo.

Rapporti con critici e mecenati

1. Eduard Hanslick (1825-1904)

Critico e avversario: Hanslick, un potente critico musicale di Vienna, era un feroce oppositore della musica wagneriana e criticava spesso le sinfonie di Bruckner.
Impatto: Le dure recensioni di Hanslick ferirono profondamente Bruckner, che tuttavia continuò a comporre.

2. Imperatore Francesco Giuseppe I d’Austria (1830-1916)

Riconoscimento: l’imperatore assisteva occasionalmente alle esibizioni delle opere di Bruckner e gli offriva un modesto sostegno. Bruckner fu insignito dell’Ordine di Francesco Giuseppe nel 1886.

3. Franz Schalk (1863-1931)

Direttore d’orchestra e arrangiatore: Schalk era uno studente e sostenitore della musica di Bruckner, sebbene abbia modificato e alterato alcune delle sue sinfonie per renderle più gradevoli al pubblico.

Relazioni con non musicisti

1. Alois Hüttenbrenner (1778-1867)

Amico e alleato: Hüttenbrenner fu uno dei primi a sostenere la carriera di Bruckner, aiutandolo a stabilire contatti nella scena musicale viennese.

2. Monaci di San Floriano

Famiglia spirituale: i monaci del monastero di San Floriano furono determinanti nel plasmare la prima vita musicale e spirituale di Bruckner. Rimase profondamente legato al monastero e scelse di essere sepolto nella sua cripta.

Relazioni personali

1. Amori non corrisposti

Lotte amorose: la natura goffa e riservata di Bruckner lo portò a diversi tentativi di storia d’amore senza successo, spesso con donne molto più giovani di lui. Nonostante il suo desiderio di compagnia, non si sposò mai.

2. Studenti

Insegnamento: Bruckner era un insegnante devoto al Conservatorio di Vienna e tra i suoi studenti c’erano futuri luminari come Gustav Mahler e Franz Schalk.

Legacy Relazioni

Direttori d’orchestra: dopo la sua morte, direttori d’orchestra come Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan e Leonard Bernstein hanno sostenuto le sinfonie di Bruckner, consolidando il suo posto nel repertorio.
Compositori: l’influenza di Bruckner è evidente nelle opere di compositori come Mahler, Sibelius e persino di figure del XX secolo come Schoenberg e Shostakovich.

I rapporti di Bruckner erano complessi e talvolta tesi, ma la sua sincerità e fede gli valsero dei fedeli sostenitori che assicurarono alla sua musica una lunga vita.

Compositori simili

La musica di Anton Bruckner occupa uno spazio unico nel tardo periodo romantico, fondendo monumentali strutture sinfoniche, profonda spiritualità e influenza wagneriana. Tuttavia, diversi compositori condividono con lui legami stilistici, filosofici o storici. Ecco una panoramica dei compositori simili a Bruckner e perché sono considerati simili a lui:

1. Gustav Mahler (1860-1911)

Legame: Mahler è stato direttamente influenzato dalle sinfonie espansive di Bruckner e dalla sua profonda attenzione spirituale.
Somiglianze:
Sinfonie monumentali con una portata emotiva e filosofica.
Uso di grandi orchestre e contrasti drammatici nelle dinamiche.
Una dimensione spirituale o esistenziale, che esplora profonde questioni di vita e morte.
Differenze: la musica di Mahler include spesso elementi più programmatici, con un focus sulla lotta umana e un’orchestrazione dettagliata, mentre le sinfonie di Bruckner sono più astratte e radicate nella devozione religiosa.

2. Franz Schubert (1797-1828)

Legame: Bruckner ammirava le doti melodiche e l’eredità austriaca di Schubert. Entrambi i compositori hanno legami con Vienna.
Somiglianze:
melodie liriche e fluide.
Profonda risonanza emotiva, soprattutto nei movimenti lenti.
Innovazione strutturale all’interno delle forme classiche.
Differenze: le opere di Schubert sono generalmente più brevi e più intime, mentre le composizioni di Bruckner sono più grandiose per dimensioni e orchestrazione.

3. Richard Wagner (1813-1883)

Legame: Bruckner idolatrava Wagner e gli dedicò la sua Sinfonia n. 3.
Somiglianze:
armonie ricche e cromatiche e linguaggio tonale esteso.
Grandiosità orchestrale e climax drammatici.
Influenza dello sviluppo tematico simile a un leitmotiv nelle sinfonie di Bruckner.
Differenze: mentre Wagner si concentrava sull’opera e sul dramma, la musica di Bruckner è principalmente sinfonica e sacra, enfatizzando le narrazioni spirituali piuttosto che teatrali.

4. Johannes Brahms (1833-1897)

Legame: nonostante la rivalità (alimentata dalla critica), Brahms e Bruckner condividevano la dedizione alla musica assoluta e alle forme tradizionali.
Somiglianze:
padronanza del contrappunto, ispirata alle tradizioni barocche.
Uso di strutture su larga scala nelle sinfonie.
Profondità emotiva e attenzione all’espressione musicale pura.
Differenze: la musica di Brahms è più contenuta, classica e compatta, mentre le sinfonie di Bruckner sono espansive e sfrenate nelle loro aspirazioni spirituali.

5. Franz Liszt (1811-1886)

Legame: Bruckner ammirava le innovazioni e le opere spirituali di Liszt.
Somiglianze:
Esplorazione del cromatismo e delle progressioni armoniche.
Devozione ai temi religiosi (ad esempio, la Via Crucis di Liszt e le opere corali sacre di Bruckner).
Approccio visionario alla forma e al colore orchestrale.
Differenze: le opere di Liszt spesso esplorano elementi programmatici e virtuosistici, mentre la musica di Bruckner è più introspettiva e strutturata.

6. César Franck (1822-1890)

Legame: Franck e Bruckner condividevano una profonda spiritualità nella loro musica e una forte dipendenza da trame ispirate all’organo.
Somiglianze:
Carattere profondamente religioso nelle loro composizioni.
Uso di forme cicliche, in cui i temi ricorrono e si evolvono attraverso i movimenti.
Ricco linguaggio armonico e sontuosa orchestrazione.
Differenze: le opere di Franck sono più influenzate dal romanticismo francese, mentre quelle di Bruckner sono radicate nelle tradizioni austro-tedesche.

7. Hugo Wolf (1860-1903)

Legame: devoto sostenitore di Bruckner, Wolf ha elogiato le sue sinfonie come visionarie.
Somiglianze:
linguaggio armonico tardo romantico.
Intensità emotiva e contrasti drammatici.
Influenze wagneriane nel cromatismo e nell’orchestrazione.
Differenze: Wolf si è concentrato principalmente sui Lieder (canzoni d’arte), mentre Bruckner eccelleva nella musica sinfonica e sacra.

8. Jean Sibelius (1865-1957)

Legame: Sebbene di generazione e regione diverse, Sibelius condivide somiglianze con Bruckner nella forma sinfonica e nella profondità emotiva.
Somiglianze:
Attenzione alla struttura sinfonica e allo sviluppo tematico.
Evocazione della natura e della spiritualità.
Scrittura orchestrale sottile ma potente.
Differenze: la musica di Sibelius è spesso più economica e concisa, mentre Bruckner abbraccia strutture grandi e tentacolari.

9. Felix Mendelssohn (1809-1847)

Connessione: Bruckner rispettava la maestria di Mendelssohn nel contrappunto e nella scrittura orchestrale.
Somiglianze:
Lirismo e forte senso della melodia.
Profondo rispetto per la tradizione e le forme classiche.
Differenze: La musica di Mendelssohn è più leggera ed elegante, mentre quella di Bruckner è pesante e trascendente.

10. Max Reger (1873-1916)

Legame: Reger ammirava la maestria di Bruckner nel contrappunto e nella scrittura sinfonica.
Somiglianze:
musica profondamente contrappuntistica ispirata alle tradizioni barocche.
Strutture armoniche dense e complessità orchestrale.
Carattere serio e introspettivo.
Differenze: la musica di Reger è spesso più densa e meno espansiva di quella di Bruckner, con un’attenzione particolare alle forme più piccole.

11. Camille Saint-Saëns (1835-1921)

Connessione: Saint-Saëns condivideva con Bruckner la competenza nell’organo e le ambizioni sinfoniche.
Somiglianze:
Padronanza dell’orchestrazione e ricchezza armonica.
Incorporazione di trame simili all’organo nelle opere orchestrali.
Differenze: La musica di Saint-Saëns tende alla chiarezza e all’eleganza francesi, in contrasto con la profondità spirituale germanica di Bruckner.

Sommario

Sebbene la musica di Bruckner sia unica, i suoi legami con Wagner, Mahler, Franck e Liszt, tra gli altri, riflettono valori stilistici e spirituali condivisi. Questi compositori, come Bruckner, hanno cercato di spingere la musica romantica verso nuovi regni di esplorazione emotiva, armonica e strutturale, rendendoli affascinanti confronti.

Opere notevoli per pianoforte solo

Anton Bruckner è noto principalmente per le sue sinfonie, i suoi lavori corali sacri e la sua musica per organo, ma i suoi contributi al repertorio pianistico sono limitati e relativamente oscuri. Bruckner ha scritto un piccolo numero di lavori per pianoforte, soprattutto durante i suoi primi anni, e non sono così importanti come le sue altre composizioni. Ecco i lavori per pianoforte solista più importanti di Bruckner:

1. “Erinnerung” (Ricordo), WAB 117 (1850)

Tipo: brano caratteristico.
Descrizione: un breve brano lirico in mi bemolle maggiore, che ricorda la musica romantica da salotto. Riflette un lato più intimo e sentimentale di Bruckner, distinto dal suo grande stile sinfonico.
Stile: melodico e semplice, mostra l’influenza di Schubert e Mendelssohn.

2. “Stille Betrachtung an einem Herbstabend” (Contemplazione silenziosa in una sera d’autunno), WAB 123 (1863)

Tipo: Brano meditativo.
Descrizione: Scritto in fa diesis minore, questo brano è riflessivo e cupo, con un’atmosfera introspettiva. Rivela la sensibilità di Bruckner nei confronti della natura e delle emozioni.
Stile: simile all’atmosfera della sua musica sacra, con un’atmosfera pacifica e contemplativa.

3. Quadriglia, WAB 121 (anni 1850)

Tipo: brano di danza.
Descrizione: una danza vivace e diretta scritta per pianoforte. Riflette il lato più leggero e sociale della prima carriera di Bruckner.
Stile: più funzionale e semplice, pensato per l’intrattenimento piuttosto che per un’espressione profonda.

4. Lancier-Quadrille, WAB 120 (anni 1850)

Tipo: Brano di danza.
Descrizione: Un’altra composizione di danza in stile quadriglia, che riflette i gusti musicali popolari della metà del XIX secolo.
Stile: Affascinante e ritmico, con un carattere spensierato.

5. Steiermärker, WAB 122 (anni 1850)

Tipo: Brano di danza.
Descrizione: un breve brano ispirato alle danze popolari austriache tradizionali. Mette in evidenza il legame di Bruckner con il suo retaggio rurale.
Stile: folk, semplice e ballabile.

6. Preludio in Do maggiore, WAB 129 (1845)

Tipo: preludio.
Descrizione: un’opera per pianoforte molto antica, scritta quando Bruckner era ancora studente. È semplice e funzionale, e mette in mostra le sue capacità compositive in via di sviluppo.
Stile: semplice e accademico, riflette i suoi studi con Simon Sechter.

Panoramica dello stile nelle opere per pianoforte

La musica per pianoforte di Bruckner è notevolmente diversa dalle sue monumentali sinfonie e opere sacre. Questi brani sono spesso brevi, funzionali e radicati negli stili di Schubert, Mendelssohn e altri compositori del primo Romanticismo. Mancano dell’audacia armonica e dell’ambizione strutturale che si ritrovano nella sua successiva produzione sinfonica e corale.

Perché le sue opere per pianoforte sono meno importanti?

Attenzione ad altri generi: Bruckner era più interessato alla musica orchestrale e sacra su larga scala, dove poteva esplorare le sue idee monumentali e spirituali.
Modesta produzione pianistica: a differenza di pianisti virtuosi come Liszt o Chopin, la tecnica pianistica di Bruckner non era un obiettivo primario e le sue opere per pianoforte rimangono modeste per portata e richiesta tecnica.
Sebbene i brani per pianoforte di Bruckner non siano centrali nella sua eredità, forniscono un affascinante sguardo al suo stile compositivo iniziale e alle sue espressioni musicali più leggere e personali.

Sinfonie

Le sinfonie di Anton Bruckner costituiscono la pietra angolare della sua eredità musicale. Sono opere monumentali caratterizzate dalla loro profondità spirituale, dalle strutture espansive e dall’uso innovativo dell’armonia e dell’orchestrazione. Le sue sinfonie rappresentano un ponte tra le tradizioni di Beethoven e Schubert e le innovazioni progressive di Wagner e Mahler. Di seguito è riportata una panoramica delle sinfonie di Bruckner, delle loro caratteristiche uniche e del loro significato storico.

Panoramica delle sinfonie di Bruckner

Bruckner compose 11 sinfonie, anche se due non sono numerate ufficialmente:

La “Sinfonia studio” in fa minore (1863) e
La Sinfonia in re minore (“n. 0”) (1869).
Le sue nove sinfonie numerate sono considerate il fulcro della sua produzione sinfonica. Le sinfonie di Bruckner sono state spesso sottoposte a numerose revisioni, creando diverse versioni della stessa opera, il che ha suscitato continui dibattiti sulla performance e l’autenticità.

Caratteristiche principali delle sinfonie di Bruckner

Struttura:

Le sinfonie di Bruckner seguono generalmente una struttura tradizionale in quattro movimenti:

I. Allegro (forma sonata)
II. Adagio (movimento lento)
III. Scherzo (movimento veloce e ritmico)
IV. Finale (grande conclusione, che spesso rispecchia o risolve temi precedenti).
I primi movimenti spesso iniziano con un’introduzione lenta e misteriosa, che porta a momenti culminanti monumentali.

Orchestrazione:

orchestrazione ricca, wagneriana, con frequente uso di ottoni e archi per creare momenti culminanti potenti.
Le sinfonie di Bruckner sono caratterizzate da “cattedrali di suoni”, con temi simili a corali e trame ispirate all’organo.

Armonia:

Armonie audaci e progressive, che spesso spingono i limiti della tonalità.
Modulazioni e cromatismi frequenti, influenzati da Wagner ma radicati nell’originalità di Bruckner.

Profondità spirituale:

Molte delle sue sinfonie hanno una qualità profondamente spirituale e meditativa, che riflette la sua devota fede cattolica.
Spesso sembrano preghiere o inni, alternando momenti di riverenza e trionfo.

Sviluppo tematico:

Uso di temi lunghi e ampi che si sviluppano gradualmente.
Temi ricorrenti, che a volte collegano ciclicamente i movimenti.

Le sinfonie in dettaglio

1. Sinfonia n. 1 in do minore (1866, rivista nel 1891)

Soprannome: occasionalmente chiamata “La fanciulla sbarazzina”.
Descrizione:
audace e giovanile, ma con una struttura disciplinata.
Mostra la sua crescente sicurezza e originalità.
Stile: classico nella forma, con energia drammatica e un’orchestrazione innovativa.

2. Sinfonia n. 2 in do minore (1872, rivista in seguito)

Descrizione:
Più espansiva e introspettiva della Prima Sinfonia.
Nota per il suo movimento lento di struggente bellezza e per le pause prominenti.
Stile: Un’opera di transizione, che bilancia la chiarezza classica con l’espressività romantica.

3. Sinfonia n. 3 in re minore (1873, rivista in seguito)

Soprannome: “Sinfonia di Wagner” (dedicata a Richard Wagner).
Descrizione:
Presenta influenze wagneriane nel suo linguaggio drammatico e armonico.
Introduce i grandi climax tipici di Bruckner.
Notevole: lo scherzo è particolarmente energico e memorabile.

4. Sinfonia n. 4 in mi bemolle maggiore (1874, rivista in seguito)

Soprannome: “Sinfonia romantica”.
Descrizione:
evocativa e pastorale, ispirata ai paesaggi e alle battute di caccia medievali.
Il terzo movimento (Scherzo) raffigura una scena di caccia con vivaci richiami di corno.
Popolarità: Una delle sinfonie più eseguite e accessibili di Bruckner.

5. Sinfonia n. 5 in si bemolle maggiore (1875-1876)

Descrizione:
Un capolavoro monumentale e intellettuale.
Presenta un contrappunto complesso, inclusa una magnifica doppia fuga nel finale.
Stile: Altamente strutturato e profondamente spirituale, spesso chiamato la “Chiesa della fede”.

6. Symphony No. 6 in A Major (1879–1881)

Descrizione:
Più breve e concisa rispetto alle altre sinfonie di Bruckner.
Nota per la sua vitalità ritmica e la bellezza lirica.
Notevole: Il secondo movimento (Adagio) è una delle creazioni più sentite di Bruckner.

7. Symphony No. 7 in E Major (1881–1883)

Descrizione:
Scritta in omaggio a Wagner, con un commovente Adagio che lamenta la morte di Wagner.
Raggiunse un’immensa popolarità durante la vita di Bruckner.
Stile: Maestoso ed espansivo, con uno dei movimenti lenti più memorabili di Bruckner.

8. Sinfonia n. 8 in do minore (1884-1890)

Soprannome: “Sinfonia apocalittica”.
Descrizione:
La sinfonia più grande e complessa di Bruckner, spesso considerata il suo capolavoro.
La musica esplora profondi temi esistenziali e spirituali.
Notevole: la sua vastità e i suoi potenti climax la rendono una delle preferite dagli appassionati di Bruckner.

9. Sinfonia n. 9 in re minore (incompiuta, 1887-1896)

Dedica: “Al Dio amato”.
Descrizione:
L’ultima sinfonia di Bruckner, rimasta incompiuta alla sua morte. Solo tre movimenti sono stati completati.
L’Adagio è uno dei brani più commoventi e trascendenti della letteratura sinfonica.
Eredità: Vari compositori e musicologi hanno tentato di completare il quarto movimento incompiuto.

Altre sinfonie

Sinfonia da studio in fa minore (1863)

Descrizione:
Un lavoro giovanile che mostra lo stile in evoluzione di Bruckner.
Manca dell’originalità delle sue sinfonie successive, ma contiene accenni della sua voce matura.

Sinfonia n. 0 in re minore (“Die Nullte”, 1869)

Descrizione:
Bruckner ritirò questa sinfonia, ritenendola indegna del suo canone ufficiale.
Nonostante ciò, è un’opera coinvolgente e accessibile, che mostra la sua crescita stilistica.

L’eredità delle sinfonie di Bruckner

Le sinfonie di Bruckner sono state spesso fraintese durante la sua vita a causa della loro lunghezza, complessità e della rivalità tra le fazioni di Brahms e Wagner.
Oggi sono celebrate come monumentali conquiste dell’era romantica, che combinano la grandiosità architettonica di Beethoven con la profondità emotiva di Wagner.
Hanno influenzato compositori come Gustav Mahler, Jean Sibelius e persino figure del XX secolo come Shostakovich.

Le sinfonie di Bruckner sono vere e proprie cattedrali spirituali e musicali, che riflettono la sua profonda fede e la sua arte visionaria.

Opere corali

Le opere corali di Anton Bruckner sono alcune delle espressioni più profonde della sua profonda fede cattolica e della sua maestria nella polifonia e nell’armonia. La sua produzione in questo genere comprende opere sacre e profane per coro a cappella, nonché composizioni su larga scala con accompagnamento orchestrale. Questi brani riflettono la sua profonda spiritualità, il ricco linguaggio armonico e il fascino per la musica di compositori precedenti come Palestrina e Bach, pur risentendo dell’influenza dello stile romantico.

Ecco una panoramica delle opere corali di Bruckner:

Opere corali sacre

1. Messe

Bruckner compose tre messe importanti e alcune più brevi, dimostrando la sua capacità di fondere elementi liturgici tradizionali con l’espressività romantica.

Messa n. 1 in re minore (1864)

Per coro, solisti, orchestra e organo.
Caratterizzata da contrasti drammatici e polifonia complessa.
Un’opera monumentale ed espressiva che mostra lo stile in evoluzione di Bruckner.

Messa n. 2 in mi minore (1866)

Per coro e strumenti a fiato.
Più austera e intima, con un’attenzione particolare alle trame contrappuntistiche.
Riflette l’ammirazione di Bruckner per la polifonia rinascimentale.

Messa n. 3 in fa minore (1868)

Per coro, solisti e orchestra completa.
La più romantica delle sue messe, con grandi tessiture orchestrali e intensità emotiva.
A volte chiamata la “Grande Messa” per le sue dimensioni e ambizione.

Missa solemnis in si bemolle minore (1854)

Scritta all’inizio della sua carriera e raramente eseguita oggi.
Mostra la prima voce compositiva di Bruckner, con influenze di Mozart e Haydn.

2. Mottetti

I mottetti di Bruckner sono tra le sue opere corali più famose e più eseguite. Questi brevi brani a cappella mettono in risalto la sua maestria nella polifonia, nell’armonia e nell’impostazione del testo.

Ave Maria, WAB 6 (1856)

Uno dei suoi primi capolavori, che fonde la chiarezza rinascimentale con il calore romantico.

Christus factus est, WAB 11 (1884)

Un mottetto profondamente commovente, con ricche armonie cromatiche e drammatica intensità.

Locus iste, WAB 23 (1869)

Un mottetto sereno e perfettamente equilibrato, spesso eseguito nelle consacrazioni delle chiese.

Os justi, WAB 30 (1879)

Scritto in modo lidio, dimostra il fascino di Bruckner per le tradizioni rinascimentali e gregoriane.

Tota pulchra es, WAB 46 (1878)

Un inno mariano di grande bellezza e sensibilità.

3. Te Deum, WAB 45 (1881-1884)

Una grandiosa e gioiosa versione del testo del Te Deum per coro, solisti, orchestra e organo.
Bruckner la descrisse come il suo “orgoglio e gioia” e ordinò che potesse essere utilizzata come finale per la sua incompiuta Sinfonia n. 9.
L’opera alterna sezioni trionfali e celebrative a momenti di profonda devozione.

4. Impostazioni dei salmi

Salmo 150, WAB 38 (1892)

Un’opera festosa ed edificante per coro, orchestra e soprano solista.
Una delle poche composizioni di Bruckner che trasmette pura gioia e celebrazione.

Salmo 114, WAB 36 (1852) e Salmo 112, WAB 35 (1863)

Prime composizioni, che mostrano il suo stile emergente e il legame con i testi sacri.

Opere corali profane

1. Cori maschili

Bruckner compose numerose opere per cori maschili, spesso per società corali locali e per concorsi. Questi brani, sebbene meno profondi delle sue opere sacre, rivelano il suo amore per le tradizioni popolari e la cultura austriaca.

Der Abendhimmel, WAB 56

Un brano sereno che cattura la bellezza del cielo serale.

Germanenzug, WAB 70

Un’opera patriottica che celebra l’eroismo germanico.
Helgoland, WAB 71 (1893)
Un’opera su larga scala per coro maschile e orchestra, basata su una poesia di August Silberstein.
Ritrae un evento storico drammatico, fondendo la grandezza romantica con la maestosità corale.
2. Altre opere profane
Brevi brani e cori scritti per occasioni e festival locali, spesso per celebrare la natura, l’amore o il patrimonio austriaco.
Caratteristiche della musica corale di Bruckner
Devozione alla fede:

la musica sacra di Bruckner è profondamente radicata nel suo cattolicesimo, con un’enfasi sull’umiltà e la riverenza.
Maestria polifonica:

le sue opere corali mostrano la sua profonda comprensione del contrappunto, ispirato da Palestrina e Bach.
Innovazione armonica:

l’uso del cromatismo e delle armonie estese da parte di Bruckner riflette la sua ammirazione per Wagner e il suo linguaggio sinfonico.
Gamma dinamica:

La sua musica corale spesso contrappone momenti di riverenza sommessa a climax potenti e trionfali.
Sensibilità testuale:

le composizioni di Bruckner di testi sacri riflettono una profonda comprensione del loro contenuto spirituale ed emotivo, con una musica che ne amplifica il significato.

L’eredità delle opere corali di Bruckner

Sebbene Bruckner sia noto soprattutto per le sue sinfonie, le sue opere corali, in particolare i mottetti, sono considerate tra i migliori esempi di musica sacra romantica.
Vengono spesso eseguite in chiese e sale da concerto di tutto il mondo, ammirate per la loro profondità spirituale, la brillantezza tecnica e la bellezza senza tempo.
La sua musica sacra, in particolare, ha avuto una notevole influenza sui compositori di musica liturgica e corale del XX secolo, tra cui Stravinsky, Duruflé e Penderecki.

La musica corale di Bruckner è una testimonianza della sua fede, della sua maestria e della sua capacità unica di fondere le tradizioni del passato con le innovazioni dell’era romantica.

(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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Appunti su Florent Schmitt e le sue opere

Panoramica

Florent Schmitt (1870-1958): uno spirito libero della musica francese

Florent Schmitt è un compositore francese la cui opera si estende per oltre 70 anni, coprendo la fine del romanticismo, l’impressionismo e l’era moderna. Spesso paragonato a Ravel e Debussy, si distingue per uno stile potente, colorato ed espressivo, che mescola influenze impressioniste, post-romantiche e talvolta persino orientali.

1. Un compositore eclettico e audace

Un maestro dell’orchestrazione: la sua scrittura orchestrale è fiammeggiante, spesso paragonata a quella di Ravel e Stravinsky.
Un temperamento indipendente: a differenza dei suoi contemporanei, rifiuta di aderire pienamente all’impressionismo e mantiene una libertà stilistica.
Un linguaggio armonico ricco: utilizza armonie audaci, a volte vicine alla politonalità.

2. Opere significative

La Tragédie de Salomé (1907, rivista nel 1910): la sua opera più famosa, un balletto dal clima misterioso e sensuale, influenzato dall’orientalismo.
Psalm XLVII (1904): monumentale opera corale con una sontuosa orchestrazione.
Antonio e Cleopatra (1920): musica di scena ispirata a Shakespeare, di una ricchezza orchestrale sorprendente.
Quintetto per pianoforte e archi (1908): un capolavoro da camera, di una rara intensità drammatica.

3. Un compositore da riscoprire

A lungo messo in ombra da Ravel e Debussy, Schmitt è oggi rivalutato per la sua audacia e il suo genio orchestrale. Rappresenta un ponte tra la musica francese del XIX e del XX secolo, tra tardo romanticismo, impressionismo e modernità.

Storia

Florent Schmitt nacque nel 1870 a Blâmont, in Lorena, una regione ancora tranquilla prima di essere segnata dalla tumultuosa storia del XX secolo. Fin da piccolo dimostrò una predisposizione per la musica e la sua passione lo portò al Conservatorio di Parigi, dove studiò con grandi maestri come Massenet e Fauré. Ma Schmitt non è il tipo che segue docilmente i sentieri battuti: ha un temperamento indipendente, a volte provocatorio, e un’insaziabile curiosità per i nuovi suoni.

Nel 1900, dopo diversi tentativi infruttuosi, vinse finalmente il prestigioso Prix de Rome, che gli aprì molte porte. Durante il suo soggiorno a Villa Medici, viaggiò in Italia e in Oriente, alimentando la sua immaginazione musicale con influenze esotiche. Al suo ritorno, compose alcune delle sue opere più importanti, in particolare il Salmo XLVII (1904), un affresco corale abbagliante, e La Tragédie de Salomé (1907), che colpisce per la sua audacia orchestrale e la sua atmosfera ammaliante. Quest’ultimo lavoro, dopo essere stato rivisto nel 1910, diventerà il suo più famoso, e persino Stravinsky lo riconoscerà come un’influenza sul suo Sacre du printemps.

Ma nel 1914 scoppia la guerra e Schmitt mette da parte la musica per arruolarsi come corrispondente di guerra. Ciò che vede al fronte lo segna profondamente e il suo linguaggio musicale, già intenso, diventa più cupo e tormentato. Dopo il conflitto, riprende la sua carriera con rinnovato slancio, scrivendo opere piene di energia e colori, come Antoine et Cléopâtre (1920) o il suo Quintetto per pianoforte e archi (1908), capolavoro della musica da camera francese.

Il temperamento di Schmitt, a volte pungente e beffardo, gli attira inimicizie. Non esita a criticare violentemente alcuni dei suoi contemporanei e si mostra spesso provocatorio nelle sue prese di posizione. Negli anni ’30 divenne membro dell’Académie des Beaux-Arts e giornalista musicale, il che gli diede una tribuna dove esprimere le sue opinioni nette. Tuttavia, il suo atteggiamento ambiguo durante l’occupazione gli valse di essere messo da parte dopo la guerra, anche se non fu mai ufficialmente compromesso con il regime di Vichy.

Negli ultimi anni continua a comporre, con una forza sorprendente nonostante l’età avanzata. Fino alla sua morte nel 1958, rimane un compositore a parte, ammirato per la ricchezza della sua scrittura orchestrale, ma anche spesso incompreso. Oggi la sua opera viene gradualmente riscoperta e il suo genio orchestrale è finalmente riconosciuto per il suo giusto valore.

Cronologia

Florent Schmitt (1870-1958) è un compositore francese spesso associato all’impressionismo e al post-romanticismo. Ecco una cronologia della sua vita e della sua carriera:

Gioventù e formazione (1870-1900)

28 settembre 1870: Nascita a Blâmont, in Lorena.
1889: Entra al Conservatorio di Parigi, dove studia con Gabriel Fauré, Jules Massenet e Théodore Dubois.
1900: Vince il Premio di Roma con la sua cantata Sémiramis. Questo gli permette di soggiornare alla Villa Medici a Roma, e poi di viaggiare in Germania, Austria e Russia.

Gli inizi e il riconoscimento (1900-1914)

1904: Composizione del Salmo 47, una delle sue opere più famose, caratterizzata da una spettacolare orchestrazione e da un’influenza orientaleggiante.
1907-1910: Scrive il suo balletto sinfonico La Tragedia di Salomè, che influenzerà Stravinsky ne La Sagra della primavera.
1912: Composizione di “Antoine et Cléopâtre”, una suite orchestrale ispirata a Shakespeare.
1913: Primo successo di “La Tragédie de Salomé” sotto la direzione di Inghelbrecht.

Guerra e maturità artistica (1914-1939)

1914-1918: Mobilitato durante la prima guerra mondiale. Durante questo periodo compone poco.
1920: scrive Dionysiaques, un’opera per orchestra di fiati che rimane un punto di riferimento in questo repertorio.
1921: compone Suite en rocaille, un omaggio a Rameau.
1924: diventa critico musicale per il quotidiano Le Temps, dove difende i giovani compositori ed esprime opinioni spesso controverse.
1930: Produce importanti opere di musica da camera, come il suo Quintetto per pianoforte e archi, un capolavoro del genere.
1936-1939: Direttore del Conservatorio di Lione.

Seconda guerra mondiale e ultimi anni (1939-1958)

1939-1945: Rimane in Francia durante la guerra e continua a comporre.
1947: scrive Récits et contre-récits per pianoforte.
1953: compone Musiques intimes, una serie di brani per pianoforte.
1957: viene eseguita la sua ultima grande opera, Légende, per sassofono e orchestra.
17 agosto 1958: muore a Neuilly-sur-Seine, lasciando un’importante eredità musicale spesso misconosciuta.

Florent Schmitt fu un compositore eclettico, influenzato da Debussy e Ravel, ma con uno stile personale caratterizzato da una ricca orchestrazione e da un’intensa espressività.

Caratteristiche della musica

La musica di Florent Schmitt (1870-1958) è al crocevia di molteplici influenze, mescolando impressionismo, post-romanticismo e una certa modernità armonica. Il suo stile è caratterizzato da una ricca orchestrazione, un senso del ritmo affermato e un’espressività a volte audace. Ecco le caratteristiche principali del suo linguaggio musicale:

1. Una sontuosa e colorata orchestrazione

Schmitt era un maestro dell’orchestra, capace di creare trame sonore di grande ricchezza. Si inserisce nella tradizione di Ravel e Strauss, con una particolare attenzione alle sfumature strumentali.
➡ Esempio: La Tragédie de Salomé (1907, riorchestrata nel 1910) è una dimostrazione eclatante della sua maestria orchestrale, con suoni evocativi e una tavolozza armonica audace.

2. Un lirismo espressivo e sensuale

La sua musica è spesso appassionata, con linee melodiche lunghe ed espressive. A volte attinge a influenze orientali o esotiche, rafforzando così il carattere ammaliante delle sue opere.
➡ Esempio: Salmo 47 (1904), che emana un’impressionante potenza drammatica e fervore mistico.

3. Un linguaggio armonico audace

Schmitt spinge i limiti della tonalità tradizionale senza mai cadere nell’atonalità. Predilige accordi complessi, modulazioni inaspettate e armonie ricche che ricordano Debussy e Ravel, ma con un approccio più massiccio e drammatico.
➡ Esempio: Quintetto per pianoforte e archi (1908), un’opera di musica da camera con armonie tese e contrasti marcati.

4. Energia ritmica e marcata dinamicità

A differenza dell’impressionismo puro, che spesso predilige atmosfere sfocate e ondeggianti, Schmitt infonde una ritmica vigorosa e incisiva in molte opere. Spesso sfrutta ritmi asimmetrici e accenti inaspettati.
➡ Esempio: Dionysiaques (1913), un brano per orchestra sinfonica in cui l’energia ritmica è onnipresente, che ricorda i balletti di Stravinsky.

5. Un’influenza del post-romanticismo e del simbolismo

Sebbene sia stato contemporaneo di Debussy e Ravel, Schmitt si distingue per una scrittura più epica e drammatica, a volte vicina a Richard Strauss o addirittura a Wagner in alcune opere orchestrali. È anche influenzato dal simbolismo, in particolare nelle sue opere ispirate a testi letterari (Shakespeare, Salmi biblici).
➡ Esempio: Antony and Cleopatra (1920), una musica di scena con forti accenti narrativi.

6. Un gusto per l’esotismo e le ispirazioni orientali

Schmitt ha spesso esplorato sonorità orientaleggianti, sia nelle sue melodie che nella sua orchestrazione. Segue così la tendenza di alcuni compositori francesi dell’inizio del XX secolo, come Ravel (Shéhérazade) o Debussy (Pagodes).
➡ Esempio: Salmo 47, che integra influenze modali e una monumentale scrittura corale ispirata alla musica del Medio Oriente.

7. Una musica da camera intensa e sofisticata

Meno conosciuta delle sue opere orchestrali, la sua musica da camera è tuttavia di grande finezza. Combina l’intimità delle trame con armonie audaci e un intenso lirismo.
➡ Esempio: Sonata per violino e pianoforte (1919), che alterna tensione drammatica a momenti di calma introspettiva.

Conclusione

Florent Schmitt è un compositore singolare, al confine tra diversi stili: impressionista nel suo gusto per il colore orchestrale, post-romantico nella sua espressività e modernista nella sua audacia armonica e ritmica. La sua opera, a lungo sottovalutata, merita di essere riscoperta per la sua originalità e forza evocativa.

Relazioni

Florent Schmitt (1870-1958) ha intrattenuto varie relazioni con i suoi contemporanei, sia nel campo musicale che con personalità esterne al mondo della musica. Ecco alcune delle sue interazioni degne di nota:

Relazioni con altri compositori

Gabriel Fauré e Jules Massenet

Schmitt studiò con Gabriel Fauré e Jules Massenet al Conservatorio di Parigi. Fauré ebbe un notevole influsso sul suo stile armonico e sul suo senso del lirismo, anche se in seguito Schmitt sviluppò un linguaggio più audace.

Claude Debussy e Maurice Ravel

Schmitt fu spesso paragonato a Debussy e Ravel, anche se si distinse da loro per uno stile più massiccio ed espressivo.

Ammirava la loro musica, ma aveva un temperamento più impetuoso.
Debussy gli scrisse una nota di ammirazione dopo la creazione del Salmo 47, ma Schmitt non esitò a criticare alcune opere del maestro dell’impressionismo.
Ravel, che aveva una personalità più riservata, sembrava stimarlo, anche se non erano vicini.

Igor Stravinsky

Schmitt incontrò Stravinsky nella Parigi musicale degli anni ’10. Alcuni critici ritengono che La Tragedia di Salomè (1907) abbia influenzato La Sagra della primavera (1913). Lo stesso Stravinsky avrebbe riconosciuto che quest’opera di Schmitt aveva avuto un impatto sul suo approccio orchestrale e ritmico.

Richard Strauss

Schmitt era un grande ammiratore di Richard Strauss e condivideva con lui una scrittura orchestrale densa ed espressiva. Si incontrarono e Strauss avrebbe apprezzato l’approccio audace di Schmitt.

Darius Milhaud e i membri del Gruppo dei Sei

Schmitt, sebbene fosse amico di alcuni membri del Groupe des Six, in particolare di Darius Milhaud, non aderiva alla loro estetica neoclassica e anti-impressionista. Era più attratto da una scrittura orchestrale opulenta.

Relazioni con interpreti e orchestre

André Cluytens e Charles Munch

Questi direttori d’orchestra francesi hanno sostenuto la musica di Schmitt negli anni 1940-1950. Charles Munch, in particolare, ha contribuito a far conoscere Salmo 47 e La Tragédie de Salomé a un pubblico più vasto.

Jacques Ibert e gli interpreti di musica da camera

Schmitt era vicino a Jacques Ibert, che condivideva con lui il gusto per l’esotismo e i colori orchestrali.
La sua musica da camera è stata eseguita da grandi interpreti, in particolare dai membri del Quatuor Capet e dal pianista Alfred Cortot.

Relazioni con non musicisti

Paul Dukas e i critici musicali
Schmitt fu critico musicale per il quotidiano Le Temps (1929-1939). In questa veste sviluppò opinioni nette, criticando talvolta violentemente alcuni compositori. Questo gli valse alcune inimicizie, sebbene fosse rispettato per la sua indipendenza di pensiero.

Amici artisti e scrittori

Schmitt si muoveva negli ambienti artistici di Parigi e frequentava scrittori come André Gide e pittori vicini al simbolismo. Il suo stile musicale, molto narrativo, mostra un’affinità con la letteratura e la pittura del suo tempo.

Relazioni controverse durante la seconda guerra mondiale
Durante l’occupazione, Schmitt fu talvolta percepito come ambiguo politicamente. Sebbene non fosse un collaboratore, alcune delle sue posizioni gli valsero critiche dopo la guerra.

Conclusione

Florent Schmitt era un compositore dal carattere forte, ammirato da alcuni e temuto da altri. Ha intrattenuto vari rapporti con le grandi figure musicali del suo tempo, ha influenzato compositori come Stravinsky e ha avuto un impatto duraturo sull’orchestrazione francese del XX secolo.

Compositori simili

Florent Schmitt (1870-1958) occupa un posto unico nella musica francese del XX secolo, al crocevia tra impressionismo, post-romanticismo e modernismo. La sua scrittura orchestrale abbondante, la sua intensa espressività e le sue audaci ritmiche lo avvicinano a diversi compositori francesi ed europei. Ecco alcuni compositori con stili simili:

1. Albert Roussel (1869-1937)

Punti in comune:

Un linguaggio armonico raffinato, che oscilla tra impressionismo e neoclassicismo.
Un’orchestrazione robusta e ritmata.
Un gusto per l’esotismo e le ispirazioni orientali (Padmâvatî, Évocations).

Esempio di opera vicina a Schmitt:

Bacchus et Ariane (1930) – balletto orchestrale pieno di vitalità e sensualità, sulla scia de La Tragédie de Salomé di Schmitt.

2. Maurice Ravel (1875-1937)

Punti in comune:

Un’orchestrazione sontuosa e raffinata.
Un’influenza orientaleggiante in alcune opere (Shéhérazade di Ravel vs. Psaume 47 di Schmitt). Una scrittura armonica audace, soprattutto nella musica da camera. Esempio di opera affine
Un’influenza orientaleggiante in alcune opere (Shéhérazade di Ravel vs. Psaume 47 di Schmitt).
Una scrittura armonica audace, soprattutto nella musica da camera.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

Daphnis et Chloé (1912) – balletto che evoca un’atmosfera sensuale e colorata simile a La Tragédie de Salomé.

3. Paul Dukas (1865-1935)

Punti in comune:
Un’orchestrazione densa e una scrittura drammatica.
Una ricerca del grandioso e dello spettacolare.
Una certa austerità in alcune opere, compensata da un potente lirismo.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

La Péri (1912) – poema danzato con una scrittura orchestrale ricca e raffinata, simile a quella di Schmitt.

4. Richard Strauss (1864-1949)

Punti in comune:

Un’orchestrazione abbondante ed espressiva.
Un gusto per i vasti affreschi sonori.
Una certa affinità con il simbolismo e le atmosfere orientaleggianti.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

Salomé (1905) – opera dal cromatismo ammaliante e dalla potente orchestrazione, che ha probabilmente influenzato La Tragédie de Salomé.

5. Igor Stravinsky (1882-1971) [Periodo russo]

Punti in comune:

Un uso incisivo del ritmo.
Un’orchestrazione percussiva ed energica.
Un’ispirazione nelle culture antiche e rituali.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

La Sagra della primavera (1913) – vicina a Dionysiaques (1913) di Schmitt, nella loro potenza ritmica e nella loro ferocia orchestrale.

6. Alexander Skrjabin (1872-1915)

Punti in comune:

Un’armonia abbondante e visionaria.
Un’atmosfera mistica e sensuale.
Un’espressività orchestrale intensa.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

Il poema dell’estasi (1908) – un’opera dalle tessiture orchestrali cangianti, che potrebbe riecheggiare gli slanci mistici del Salmo 47 di Schmitt.

7. Ottorino Respighi (1879-1936)

Elementi in comune:

Un’orchestrazione opulenta e colorata.
L’uso del folklore e dell’influenza antica.
Una musica evocativa e narrativa.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

Feste Romane (1928) – un’orchestrazione vibrante e spettacolare, che ricorda alcuni affreschi orchestrali di Schmitt.

8. Joseph Guy Ropartz (1864-1955) & Jean Cras (1879-1932) [compositori bretoni]

Punti in comune:

una fusione tra influenze impressioniste e post-romantiche.
Un’orchestrazione elaborata e suggestiva.
Un certo gusto per l’esotismo e per paesaggi sonori evocativi.

Esempio di opera vicina a Schmitt:

Sinfonia n. 3 di Ropartz (1909) – un affresco orchestrale che condivide con Schmitt un senso drammatico e lirico.

Conclusione

Florent Schmitt si inserisce in una corrente musicale post-romantica, impressionista e modernista, in cui si mescolano potenza orchestrale, ricchezza armonica e audacia ritmica. Condivide affinità con Roussel, Ravel e Dukas in Francia, così come con Strauss, Scriabin e Respighi all’estero. La sua opera rimane unica per la sua esuberanza e intensità drammatica e merita di essere riscoperta accanto a questi compositori.

Opere celebri per pianoforte solo

Ecco alcune delle opere più famose per pianoforte solo di Florent Schmitt, che testimoniano il suo stile raffinato, spesso audace, tra impressionismo, post-romanticismo e modernismo.

1. Ombres, op. 64 (1912-1913)

👉 Il suo capolavoro pianistico
Ciclo di tre brani dalle atmosfere contrastanti, di grande ricchezza armonica.

I. Jubilé: un affresco sonoro energico e ritmato.
II. Tristesse au jardin: un brano meditativo e impressionista, che ricorda Debussy.
III. Poursuite dans la nuit: una toccata impetuosa, che evoca una caccia notturna, con una virtuosità quasi stravinskiana.

2. Trois Danses, op. 42 (1908)

Ciclo ispirato a danze antiche, ma con un tocco moderno.

I. Gaîment
II. Vite
III. Très lent
Questi brani mostrano il lato più leggero di Schmitt, con ritmi vivaci e armonie raffinate.

3. Mirages, op. 70 (1920-1921)

Due brani di grande sensualità e di sorprendente modernità armonica:

I. Perpetuum mobile: Un flusso di note in perenne movimento, quasi ipnotico.
II. Tristesse joyeuse: un brano meditativo, in cui la melodia fluttua su sottili armonie.

4. Crépuscules, op. 56 (1911)

Quattro brevi brani, sognanti e misteriosi al tempo stesso, che ricordano l’estetica impressionista:

I. Élégie
II. Réminiscence
III. Clarté de lune
IV. Notturno

5. Riflessi di Germania, op. 28 (1903-1905)

Suite di dieci brani ispirati alle città e ai paesaggi della Germania, scritta dopo il suo soggiorno a Villa Medici.

Ogni brano è una sorta di cartolina musicale, con evocazioni a volte nostalgiche, a volte leggere.

6. Rêves, op. 65 (1915)

Ciclo di cinque brevi brani, intrisi di mistero e dolcezza.

7. Sonata libera in due movimenti concatenati, op. 68 (1920)

Opera ambiziosa, molto personale, che oscilla tra lirismo meditativo e momenti di furia.

L’influenza di Fauré e Ravel si mescola a ardite armonie vicine a Scriabin.

8. Musiques intimes, op. 116 (1949-1953)

Raccolta di otto brani, tra i suoi ultimi lavori per pianoforte, che mostrano una scrittura più pura e introspettiva.

9. Suite en rocaille, op. 84 (1935)

Omaggio a Rameau, con un’estetica neobarocca tinta di umorismo e ironia.

10. Récits et contre-récits, op. 99 (1947)

Brevi brani, che alternano libera fantasia e rigoroso contrappunto, in un linguaggio più essenziale ma sempre raffinato.

Conclusione

La musica per pianoforte di Florent Schmitt rimane troppo poco conosciuta, ma si distingue per:

Una scrittura virtuosistica ed esigente.
Una ricchezza armonica che spesso supera l’impressionismo.
Atmosfere evocative, a volte misteriose, a volte fiammeggianti.
👉 Les Ombres et Mirages sono i suoi cicli più famosi, ma anche opere come la Sonate libre o le Crépuscules meritano di essere riscoperte.

Opere famose

Florent Schmitt ha composto un’abbondante opera che copre vari generi, tra cui musica orchestrale, musica da camera, balletto e musica corale. Ecco le sue opere più famose, esclusi i brani per pianoforte solo:

1. Musica orchestrale

La Tragédie de Salomé, op. 50 (1907, rivista nel 1910)
👉 La sua opera più famosa

Un balletto ispirato al mito biblico di Salomè.
La versione riveduta per orchestra sola (1910) è un capolavoro dell’impressionismo orchestrale, che influenzerà Stravinsky (La sagra della primavera).
Una musica sensuale e drammatica, con un’orchestrazione fiammeggiante.

Psaume 47, op. 38 (1904)

Un monumentale affresco per coro, soprano e orchestra.
Paragonabile ai Carmina Burana di Carl Orff per la sua esuberanza.
Evoca un Oriente immaginario con armonie cangianti e un’impressionante potenza corale.

Dionysiaques, op. 62 (1913)

Un’opera per orchestra di fiati (fanfare e ottoni), considerata un capolavoro del genere.
Molto ritmica, colorata e ispirata alle antiche feste dionisiache.

Sogni, op. 65 (1915)

Una sinfonia onirica ed evocativa, vicina all’impressionismo.

Antonio e Cleopatra, op. 69 (1920)

Musica di scena per l’opera di Shakespeare, successivamente riarrangiata in due suite orchestrali.
Evoca l’antico Oriente con un’eccezionale raffinatezza sonora.

Sinfonia n. 2, op. 137 (1957)

La sua unica sinfonia, completata alla fine della sua vita.
Una lingua più sobria, con una scrittura orchestrale sempre potente.

2. Musica da camera

Quintetto con pianoforte, op. 51 (1908)

Uno dei pezzi da camera più impressionanti del repertorio francese.
Ricco di modulazioni e di energia ritmica.

Sonata per violino e pianoforte, op. 68 (1919)

Un’opera potente e tecnicamente impegnativa.
Assomiglia alle sonate di Fauré e Ravel, ma con una tensione più drammatica.

Sonata libera in due movimenti concatenati per violoncello e pianoforte, op. 84 (1919)

Un pezzo dai forti contrasti, con una scrittura armonica audace.

Légende, op. 66 (1918)

Opera per sassofono (o violino/viola/violoncello) e pianoforte.
Uno dei primi grandi lavori per sassofono classico.

Hasards, op. 96 (1943)

Suite per flauto, arpa e quartetto d’archi, dai suoni leggeri e raffinati.

3. Musica corale e vocale

Messa in re minore, op. 138 (1958)

Opera sacra tardiva, di grande profondità spirituale.

Canzoni e melodie

Schmitt ha composto diverse melodie su poesie di Baudelaire e Verlaine, spesso in uno stile raffinato ed evocativo.

4. Balletti e musica di scena

Salammbô, op. 76 (1925)

Balletto ispirato al romanzo di Flaubert.
Una musica riccamente orchestrata, che evoca l’antico Oriente.

Oriane et le Prince d’Amour, op. 83 (1933)

Balletto con una sontuosa orchestrazione, sulla scia de La Tragédie de Salomé.

Conclusione

Le opere più famose di Florent Schmitt al di fuori del pianoforte sono La Tragédie de Salomé, Psaume 47, Dionysiaques e il Quintetto con pianoforte. Il suo stile orchestrale è spesso paragonato a quello di Ravel e Strauss, con un gusto spiccato per i colori sonori e l’espressività drammatica.

(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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Appunti su Charles Tournemire e le sue opere

Panoramica

Charles Tournemire è stato un organista, compositore e improvvisatore francese, noto principalmente per la sua monumentale opera per organo, ispirata alla liturgia cattolica e all’eredità di César Franck. Il suo stile unico mescola misticismo, modalità, impressionismo e polifonia.

1. Gioventù e formazione 🎼

Nato nel 1870 a Bordeaux, Tournemire mostra molto presto un talento musicale. Entra al Conservatorio di Parigi, dove studia in particolare con César Franck, che avrà su di lui un’influenza decisiva. Dopo la morte di Franck, continua il suo apprendistato con Charles-Marie Widor.

2. Carriera e influenza ⛪

Organista di Sainte-Clotilde (1898-1939): succede a Franck alla tribuna di questa chiesa parigina, dove sviluppa il suo stile di improvvisazione mistica.
Professore al Conservatorio di Parigi, influenzando la nuova generazione di organisti.
Ammiratore di Wagner, Debussy e del canto gregoriano, crea una musica profondamente spirituale e innovativa.

3. Stile musicale 🎶

Tournemire è noto per:

Il suo mix di modalità gregoriana e impressionismo.
L’uso del canto gregoriano integrato nelle sue opere per organo.
Il suo ricco stile orchestrale, con armonie complesse e un’espressività mistica.

4. Opere principali 🎵

L’Orgue Mystique (1927-1932): ciclo di 51 uffici liturgici ispirati al canto gregoriano, considerato il suo capolavoro.
Sinfonie per orchestra, in particolare la Sinfonia n. 3 “Mosca” e la Sinfonia n. 7 “Les Danses de la Vie”.
Brani per organo, come Fresque symphonique sacrée e Petite rapsodie improvisée.

5. Eredità e influenza 🌟

Sebbene meno noto al grande pubblico, Tournemire ha avuto un’influenza determinante sull’organo francese del XX secolo, ispirando compositori come Olivier Messiaen. Le sue improvvisazioni, trascritte dai suoi allievi, testimoniano un linguaggio musicale visionario e mistico.

Tournemire morì nel 1939, lasciando un’eredità musicale profondamente spirituale e innovativa, radicata nella tradizione gregoriana ma rivolta alla modernità.

Storia

Charles Tournemire è una figura affascinante della musica francese, un compositore e organista il cui lavoro, sia mistico che profondamente radicato nella tradizione gregoriana, ha lasciato un segno unico nella storia della musica.

Nato nel 1870 a Bordeaux, cresce in un ambiente in cui la musica sembra essere una cosa ovvia. Dotato e appassionato, entra al Conservatorio di Parigi a soli 11 anni. Qui è allievo di César Franck, che diventa per lui un maestro spirituale oltre che musicale. L’influenza di Franck si farà sentire per tutta la sua vita, in particolare nella sua visione della musica come arte sacra, un mezzo per esprimere il divino.

Nel 1898 Tournemire ottenne una posizione prestigiosa: organista titolare della basilica di Sainte-Clotilde a Parigi, una posizione precedentemente occupata dallo stesso Franck. Vi rimase fino alla morte, sviluppando un approccio all’organo che era allo stesso tempo meditativo e improvvisato. Non cercava di stupire con la virtuosità, ma di creare un’atmosfera spirituale, quasi estatica.

Tournemire è anche un compositore prolifico, ma è nella sua musica per organo che raggiunge il suo apice. Il suo capolavoro, L’Orgue Mystique, è un monumentale ciclo di 51 uffici per organo, ciascuno ispirato alla liturgia cattolica e nutrito dal canto gregoriano. Questo lavoro, umile e visionario allo stesso tempo, non vuole essere una dimostrazione di forza ma un percorso verso la contemplazione.

Nonostante questa eredità impressionante, Tournemire rimane una figura marginale. A differenza del suo contemporaneo Vierne, non cerca il riconoscimento pubblico. Vive in un mondo interiore fatto di fede, silenzio e musica. Il suo carattere a volte brusco e il suo temperamento solitario lo tengono lontano dalle cerchie influenti della sua epoca.

Il suo misticismo si accentua negli ultimi anni. Esplorò idee esoteriche, si appassionò alla tradizione cattolica più profonda e si chiuse in se stesso. Nel 1939 morì in circostanze poco chiare, ritrovato senza vita nella sua casa sull’isola di Yeu. Alcuni parlano di incidente, altri di suicidio. Come la sua musica, la sua morte rimane avvolta da un certo mistero.

Oggi l’eredità di Tournemire rimane discreta ma potente. Il suo influsso è palpabile in Messiaen, che riprenderà il suo approccio al canto gregoriano e al colore sonoro. Incarna una visione della musica sacra che non cerca di sedurre, ma di rivelare un’altra dimensione del reale, un’arte al servizio del sacro, lontana dal tumulto del mondo.

Cronologia

Gioventù e formazione (1870-1891)
22 gennaio 1870: Nasce a Bordeaux.
Giovane prodigio, mostra molto presto un talento per la musica.
1881 (a 11 anni): Viene ammesso al Conservatorio di Parigi, dove studia con César Franck, il suo maestro spirituale e musicale.
1886: Ottiene il primo premio di organo nella classe di Franck.

Inizio della carriera e riconoscimento (1891-1898)

1891: Diventa organista a Saint-Pierre di Bordeaux.
Inizia a comporre, influenzato dalla musica di Franck e dalla tradizione gregoriana.
1897: sposa Alice Auguez de Montalant, una cantante lirica che lo introduce negli ambienti artistici parigini.

L’era Sainte-Clotilde e l’opera d’organo (1898-1930)

1898: succede a Gabriel Pierné come organista titolare della basilica di Sainte-Clotilde a Parigi, una posizione precedentemente occupata da Franck.
Sviluppa un approccio mistico e improvvisato all’organo, influenzato dal canto gregoriano.
1900-1920: Compone diverse sinfonie, un genere che cerca di rinnovare ispirandosi al modello di Franck.
1927-1932: scrive la sua opera principale, L’Orgue Mystique, un ciclo di 51 uffici liturgici per organo basati sul canto gregoriano.

Ultimi anni e misticismo (1930-1939)

Il suo attaccamento al cattolicesimo si intensifica, esplora anche temi esoterici e mistici.
1936: registra delle improvvisazioni all’organo di Sainte-Clotilde, trascritte in seguito da Maurice Duruflé.
1939: si ritira sull’isola di Yeu, dove vive i suoi ultimi mesi in crescente isolamento.
3 o 4 novembre 1939: viene trovato morto in circostanze oscure.

La sua opera, a lungo misconosciuta, influenzerà Olivier Messiaen e rimarrà un punto di riferimento nella musica sacra del XX secolo.

Caratteristiche della musica

La musica di Tournemire è profondamente segnata da una visione mistica e spirituale del suono. Non cerca né la virtuosità dimostrativa né l’accademismo, ma una comunione tra musica e sacro. Ecco le sue caratteristiche principali:

1. Una musica intrisa di spiritualità

Tournemire vede la musica come un mezzo di espressione del divino, in particolare nella sua produzione per organo. Si ispira alla liturgia cattolica e al canto gregoriano, che non copia letteralmente ma trasforma in un materiale fluido ed espressivo.

La sua monumentale serie L’Orgue Mystique (1927-1932) ne è un esempio lampante: 51 cicli musicali dedicati alle funzioni religiose, ognuno basato su temi gregoriani, elaborati in un linguaggio armonico molto personale. Quest’opera mira ad accompagnare la preghiera piuttosto che a impressionare.

2. L’influenza del canto gregoriano

A differenza di altri compositori di organo della sua epoca, Tournemire non scrive musica sacra nel senso tradizionale del termine. Cerca di integrare il canto gregoriano in un linguaggio moderno. Piuttosto che citarlo come un tema fisso, lo modula, lo sviluppa, lo fa vibrare attraverso armonie colorate e mutevoli.

L’uso del modo dorico e di altri modi antichi conferisce alla sua musica un colore arcaico e senza tempo, allontanandosi dal sistema tonale classico.

3. Un linguaggio armonico fluido e impressionista

Se la sua scrittura è radicata nella tradizione post-franckista, è anche impregnata delle armonie di Debussy e Ravel. La sua armonia è modale, spesso fluttuante, rifiuta le cadenze tradizionali a favore di una progressione continua.

Accordi arricchiti, sovrapposizioni armoniche che creano atmosfere mistiche.
Movimenti paralleli e successioni di accordi senza una funzione tonale evidente.
Effetti di risonanza e pedale che danno un’impressione di sospensione fuori dal tempo.

4. Un approccio orchestrale all’organo

All’organo, sfrutta le registrazioni in modo orchestrale, utilizzando i diversi timbri per creare colori sfumati. Gioca con le dinamiche estreme:

Da sussurri eterei a esplosioni improvvise, creando un contrasto drammatico.
Fade-in che imitano il suono delle corde in un’orchestra.
Una sovrapposizione di piani sonori, che dà l’impressione di un immenso spazio sonoro.

5. L’importanza dell’improvvisazione

Tournemire è un improvvisatore eccezionale, e la sua musica scritta riflette questo aspetto:

Forme libere, spesso evolutive piuttosto che strettamente strutturate.
Una scrittura che imita gli slanci spontanei di un’improvvisazione liturgica.
Climi sonori che si trasformano gradualmente, senza interruzioni nette.
Il suo influsso si farà sentire in Messiaen, che riprenderà questo modo di avvicinarsi all’organo come strumento di rivelazione mistica.

6. Una sinfonia dell’anima

Nella sua musica orchestrale, sebbene meno conosciuta, ritroviamo gli stessi principi:

Un’influenza franckista nella costruzione ciclica dei temi.
Ricche tessiture orchestrali, che ricordano quelle di Fauré e Debussy.
Una drammaturgia interna, in cui ogni sinfonia sembra raccontare una ricerca interiore.
Le sue sinfonie, sebbene oggi siano raramente suonate, meritano di essere riscoperte per la loro forza evocativa e la loro ricchezza sonora.

Conclusione: un compositore fuori dal tempo

Tournemire non cerca l’innovazione fine a se stessa, ma la trascendenza attraverso il suono. La sua musica è un ponte tra il passato gregoriano e la modernità, tra il visibile e l’invisibile. Rimane un’esperienza sensoriale e spirituale unica, lontana dai soliti schemi della musica organistica o sinfonica del suo tempo.

Relazioni

Charles Tournemire, nonostante il suo carattere solitario e mistico, ha intrattenuto diverse relazioni significative con compositori, interpreti e intellettuali del suo tempo. Alcune sono state fonte di ispirazione, altre di incomprensioni, ma tutte hanno illuminato il suo percorso e il suo pensiero musicale.

1. César Franck: il maestro spirituale

Tournemire entra al Conservatorio di Parigi all’età di 11 anni e diventa allievo di César Franck, che gli insegna l’organo e la composizione. Franck è molto più di un insegnante: per Tournemire incarna una figura quasi mistica, un modello di devozione alla musica sacra.

Da lui assimila la forma ciclica, un principio strutturante nelle sue sinfonie.
Eredita il suo senso dell’improvvisazione all’organo e la sua concezione spirituale della musica.
Considera Franck un profeta della musica, di cui cerca di portare avanti l’eredità.
Dopo la morte di Franck nel 1890, Tournemire rimane profondamente segnato dal suo insegnamento, che spesso contrappone alle tendenze più “mondane” di alcuni suoi contemporanei.

2. Gabriel Pierné e Sainte-Clotilde

Nel 1898, Gabriel Pierné, compositore e organista, lasciò il suo incarico di organista titolare della basilica di Sainte-Clotilde. Gli succedette Tournemire.

Sebbene Pierné fosse un eccellente musicista, si orientò maggiormente alla direzione d’orchestra e alla musica sinfonica.
Tournemire, invece, vede Sainte-Clotilde come una missione spirituale, in linea con Franck.
Tuttavia, conserva il rispetto per Pierné, ma le loro estetiche musicali divergono: Pierné è più classico e orchestrale, mentre Tournemire si immerge nel misticismo gregoriano.

3. Olivier Messiaen: l’erede

Sebbene non abbia avuto un legame personale diretto con Messiaen, quest’ultimo considera Tournemire un’influenza essenziale. Messiaen riprende diversi elementi caratteristici della sua musica:

L’integrazione del canto gregoriano in un linguaggio armonico moderno.
Una profonda spiritualità che permea la musica.
L’importanza dell’improvvisazione all’organo.
Maurice Duruflé, che trascrisse le improvvisazioni registrate di Tournemire, trasmetterà questa eredità a Messiaen, che lo citerà come una figura importante nell’evoluzione della musica sacra del XX secolo.

4. Maurice Duruflé: il passatore

Nel 1936, Tournemire improvvisa all’organo di Sainte-Clotilde e queste esibizioni vengono registrate. Dopo la sua morte, Maurice Duruflé si incarica di trascrivere queste improvvisazioni, in modo che possano essere suonate e studiate.

Ciò permette ai posteri di scoprire lo stile spontaneo e mistico di Tournemire.
Duruflé, a sua volta molto legato al canto gregoriano, si ritrovò in sintonia con il pensiero musicale di Tournemire.
Senza Duruflé, una parte importante dell’arte di Tournemire sarebbe andata perduta.

5. Vincent d’Indy e la Schola Cantorum

Tournemire ha legami con Vincent d’Indy, fondatore della Schola Cantorum, un’istituzione opposta al conservatorio ufficiale e che difende un approccio più spirituale e storico alla musica.

D’Indy condivide con lui un interesse per la musica gregoriana e la tradizione liturgica.
Tuttavia, Tournemire, pur rispettando d’Indy, rimane indipendente e non si associa completamente alla sua scuola.
Mantiene una distanza critica con alcuni orientamenti troppo dogmatici della Schola Cantorum.

6. Le orchestre e il mondo sinfonico

Tournemire, sebbene noto per la sua musica d’organo, compone diverse sinfonie, che a volte sono dirette da rinomati direttori d’orchestra.

È in contatto con musicisti come Paul Paray, che dirige alcune delle sue opere.
Le sue sinfonie, sebbene poco eseguite, gli permettono di essere riconosciuto nel mondo orchestrale.
Tuttavia, rimane spesso ai margini del repertorio ufficiale, perché la sua musica è considerata troppo mistica e fuori dalle tendenze moderne.

7. Alice Tournemire (nata Auguez de Montalant): la compagna e musa

Sua moglie, Alice Auguez de Montalant, è una rinomata cantante lirica. Ha un ruolo centrale nella sua vita artistica:

lo sostiene nei suoi progetti e gli apre le porte del mondo musicale parigino.
Il suo influsso ammorbidisce in parte il carattere difficile di Tournemire.
Il loro rapporto è anche caratterizzato da una dimensione spirituale, Alice condivide il suo gusto per l’elevazione religiosa attraverso l’arte.
8. I rapporti con i non musicisti: mistici e scrittori
Negli ultimi anni della sua vita, Tournemire si isola e si avvicina a circoli esoterici e mistici. Si interessa alla teologia e ai pensatori spirituali.

Intrattiene scambi con intellettuali cattolici, come alcuni membri dell’abbazia di Solesmes.
È affascinato dalla simbologia e dal soprannaturale, il che lo spinge a esplorare dimensioni musicali vicine all’estasi spirituale.
La sua visione del mondo, sempre più distaccata dalla realtà, lo allontana dalla società e accentua la sua solitudine.

9. Una fine misteriosa e una totale isolamento

Negli anni ’30, Tournemire si ritirò sull’isola di Yeu, dove condusse un’esistenza più introspettiva. La sua morte nel novembre 1939, in circostanze poco chiare (alcune fonti parlano di incidente, altre di suicidio), segna la fine di un uomo fuori dal tempo, la cui musica non cerca di piacere ma di rivelare una dimensione spirituale superiore.

Conclusione

Tournemire è stato un uomo di contrasti:

ammiratore di Franck, non ne seguirà esattamente lo stile, preferendo il canto gregoriano al post-romanticismo.
Rispettato ma incompreso, influenzerà Messiaen ma rimarrà emarginato nella sua epoca.
Amato dalla moglie e da alcuni discepoli, finirà comunque in totale isolamento.
I suoi rapporti mostrano un compositore segreto, profondamente mistico, il cui lavoro raggiunge la sua piena dimensione solo dopo la sua morte, quando musicisti come Duruflé e Messiaen rivelano al grande pubblico la sua eredità spirituale e sonora unica.

Compositori simili

Charles Tournemire è una figura unica, ma alcuni compositori condividono aspetti del suo linguaggio musicale, sia per il loro approccio mistico, sia per l’uso del canto gregoriano, sia per la scrittura per organo o per la loro visione spirituale della musica.

1. César Franck (1822-1890): il maestro spirituale

Tournemire si considera l’erede di César Franck, e nella loro musica si ritrovano diverse somiglianze:

Una scrittura ciclica, in cui i temi ritornano trasformati.
Una potenza armonica post-romantica, tinta di misticismo.
Una grande importanza dell’organo e della spiritualità nella musica.
➡️ Opera simile: la Sinfonia in re minore di Franck, con la sua struttura ciclica e il suo carattere solenne, preannuncia le sinfonie di Tournemire.

2. Vincent d’Indy (1851-1931): tradizione e spiritualità

D’Indy condivide con Tournemire l’attaccamento alla musica antica e alla modalità. Entrambi sono affascinati dal canto gregoriano e lo vedono come fonte di ispirazione per una musica rinnovata.

D’Indy fonda la Schola Cantorum, un’istituzione che promuove un ritorno alle fonti musicali.
Il suo linguaggio armonico, sebbene più strutturato di quello di Tournemire, integra il modalisme e una profondità mistica.
➡️ Opera simile: la Sinfonia su un canto montanaro francese, che mescola modalità e scrittura post-franckista.

3. Louis Vierne (1870-1937): il confratello dimenticato

Contemporaneo esatto di Tournemire, Louis Vierne condivide con lui un linguaggio armonico impressionista e una scrittura orchestrale dell’organo. Ma il loro approccio è diverso:

Vierne è più lirico e drammatico, mentre Tournemire è più mistico e contemplativo.
Vierne, cieco e tormentato, esprime più tragedia e sofferenza, mentre Tournemire cerca uno stato di estasi.
➡️ Opera simile: le Sinfonie per organo di Vierne, simili a quelle di Tournemire nella loro grandezza.

4. Maurice Duruflé (1902-1986): la raffinatezza del canto gregoriano

Duruflé è un ponte tra Tournemire e Messiaen: riprende l’eredità del canto piano in un linguaggio moderno ma purificato. È direttamente influenzato da L’Orgue Mystique di Tournemire.

Compone il suo famoso Requiem, in cui il canto gregoriano è trattato con grande delicatezza armonica.
Trascrive le improvvisazioni di Tournemire, preservandone così la sua arte spontanea.
➡️ Opera simile: Prélude, Adagio et Choral varié sur le Veni Creator, ispirato agli stessi principi di Tournemire.

5. Olivier Messiaen (1908-1992): l’erede visionario

Messiaen riprende l’idea di musica sacra fuori dal tempo, esplorando ancora di più l’integrazione del canto gregoriano e del misticismo.

Il suo linguaggio armonico è più audace, con modi a trasposizione limitata e colori ancora più vivaci.
Continua la ricerca di Tournemire sull’estasi musicale e sul rapporto tra musica e spiritualità.
➡️ Opera simile: La Nativité du Seigneur, un ciclo d’organo ispirato allo stesso soffio mistico.

6. Jean Langlais (1907-1991): l’organo e la modalità

Langlais è un altro grande erede di Tournemire, con cui condivide l’amore per il canto gregoriano, le antiche modalità e la mistica cattolica.

Il suo linguaggio armonico è più ruvido e percussivo, ma rimane impregnato della stessa preoccupazione per il sacro.
È anche un improvvisatore eccezionale, come Tournemire.
➡️ Opera simile: Suite Médiévale, che riprende l’ispirazione gregoriana in un linguaggio moderno.

7. Marcel Dupré (1886-1971): l’organo virtuoso e spirituale

Sebbene sia più noto per la sua scrittura virtuosistica, Marcel Dupré condivide con Tournemire una dimensione improvvisativa e mistica.

Compone monumentali opere per organo, spesso legate alla liturgia.
Il suo stile è più strutturato e dimostrativo, mentre quello di Tournemire è più mistico e fluttuante.
➡️ Opera simile: Le Chemin de la Croix, un ciclo meditativo vicino alle intenzioni de L’Orgue Mystique.

Conclusione

Tournemire si inserisce in una linea di compositori mistici e ispirati dal canto gregoriano, sviluppando al contempo uno stile personale. Franck gli trasmette la passione, d’Indy e Duruflé condividono il suo interesse per la modalità, Vierne e Messiaen prolungano la sua ricerca spirituale, e Langlais e Dupré perpetuano la sua eredità organistica.

Opere celebri per pianoforte solo

Charles Tournemire è noto soprattutto per la sua musica d’organo e le sue opere orchestrali, ma ha scritto anche per pianoforte, anche se questo repertorio è relativamente poco conosciuto. Ecco alcune delle sue principali opere per pianoforte solo:

1. Preludio e Allegro, op. 17 (1896)

Un pezzo giovanile ancora fortemente influenzato da César Franck e dal romanticismo francese.
Alternanza tra un preludio lirico e un allegro energico.

2. Quatre Préludes-Poèmes, op. 31 (1910)

Opera più personale, caratterizzata da uno stile impressionista vicino a Debussy e Fauré.
Ogni pezzo esplora un’atmosfera poetica e una scrittura armonica fluida.

3. Tema e variazioni, op. 41 (1912)

Un lavoro di elaborazione melodica e armonica su un tema modale, che ricorda i procedimenti di Vincent d’Indy.
La struttura ciclica è tipica di Tournemire.

4. Sette pezzi per pianoforte, op. 49 (1920)

Suite di brani brevi, che mescolano meditazione ed espressività.
Alcune sezioni evocano il canto piano, come nella sua musica d’organo.

5. Tombeau de César Franck, op. 50 (1924)

Omaggio al suo maestro, di grande intensità emotiva.
Miscela di lirismo, cromatismo e modalità, in linea con il post-romanticismo.

6. Poèmes pour piano, op. 59 (1928)

Serie di brani ispirati a una poesia interiore e mistica.
Un linguaggio più personale, caratterizzato da modalità e armonie impressioniste.

Sebbene il suo lavoro per pianoforte non sia così conosciuto come i suoi pezzi per organo, merita di essere riscoperto, soprattutto per la sua atmosfera mistica e introspettiva, vicina al linguaggio di Fauré, d’Indy e Messiaen.

Opere famose per organo solista

Charles Tournemire è noto soprattutto per la sua musica per organo, in cui esprime appieno il suo misticismo e il suo attaccamento al canto gregoriano. Ecco le sue opere più famose per organo solista:

1. L’Orgue Mystique, op. 55 (1927-1932) – Il suo capolavoro

Un monumentale ciclo di 51 uffici, ispirato alla liturgia cattolica.

Ogni ufficio comprende 5 pezzi:

Preludio all’Introito
Offertorio
Elevazione
Comunione

Pezzo finale (spesso una toccata o un corale variato)
Scritto in uno stile improvvisato e modale, che integra il canto gregoriano in un linguaggio moderno.
Paragonabile alle Leçons de Ténèbres di Couperin o al Gradus ad Parnassum di Fux, come monumento della tradizione religiosa.

➡️ Pezzi famosi dell’Orgue Mystique:

Ufficio per il giorno di Natale (n°7)
Ufficio per la Domenica della Passione (n°30)
Ufficio per Ognissanti (n°48)

2. Cinque improvvisazioni (1931, trascritte da Maurice Duruflé dopo la sua morte)

Tournemire era un improvvisatore eccezionale e grazie a Duruflé è stato possibile conservare alcune delle sue improvvisazioni.
Questi brani testimoniano il suo stile visionario e spontaneo, tra modalità e cromatismi.

➡️ Brani famosi:

Victimae paschali laudes – Una toccata fiammeggiante ispirata al canto gregoriano pasquale.
Improvvisazione sul Te Deum – Grandiosa e solenne.
Improvvisazione sull’Ave maris stella – Dolce e meditativa.

3. Sinfonia-Coral, op. 69 (1935)

Una delle sue rare sinfonie per organo solo.
Opera di grandi dimensioni, influenzata dalla forma ciclica di Franck e dalla grandezza orchestrale di Vierne.

4. Petite rhapsodie improvisée (1931, trascritta da Duruflé)

Un breve brano dall’atmosfera onirica e misteriosa.

5. Postludi liberi per Antiennes de Magnificat (1935)

Serie di brevi postludi ispirati alle antiennes gregoriane.
Scrittura modale e meditativa, vicina a L’Orgue Mystique.

Conclusione

Tournemire è una colonna portante della musica per organo del XX secolo, erede di Franck e precursore di Messiaen. La sua opera sacra alla liturgia si inserisce in una tradizione in cui l’organo diventa voce del sacro, tra improvvisazione, modalità ed estasi mistica.

Opere famose

Sebbene Charles Tournemire sia principalmente noto per la sua musica per organo, ha anche composto opere importanti in altri generi, in particolare musica sinfonica e da camera. Ecco le sue principali composizioni al di fuori del pianoforte solista e dell’organo:

1. Musica orchestrale

Sinfonie

Sinfonia n. 1 in la maggiore, op. 18 (1900)

Influenza di César Franck e Vincent d’Indy.
Struttura ciclica e lirismo post-romantico.

Sinfonia n. 2 in fa maggiore, op. 36 (1909)

Più audace, con armonie più ricche e un’orchestrazione più colorata.

Sinfonia n. 3 “Moscamora”, op. 43 (1910-1911)

Ispirata a una poesia drammatica.
Atmosfera evocativa e cromatismo espressivo.

Sinfonia n. 4 in ut maggiore, op. 44 (1912-1913)

Una delle più ambiziose, con una potenza orchestrale simile alla Sinfonia in re minore di Franck.

Sinfonia n. 5 “De la montagne”, op. 47 (1920-1924)

Paesaggi sonori che evocano la natura e la spiritualità.
Uso di modi e sonorità impressionisti.

Sinfonia n. 6 “Sinfonia-Salmo”, op. 57 (1930-1931)

Una delle sue opere principali, che integra il canto gregoriano e uno stile mistico molto personale.

Altre opere orchestrali

Poema per violoncello e orchestra, op. 39 (1911)

Opera lirica e introspettiva per violoncello solista.

Fantasia sinfonica, op. 50 (1921)

Poema sinfonico di ispirazione mistica.

2. Musica vocale e corale

La Légende de Tristan, op. 30 (1907-1908)

Cantata ispirata al mito medievale di Tristano e Isotta.

Psallite Sapienter, op. 58 (1932-1933)

Opera corale che integra il canto gregoriano.

Les Dieux sont morts, op. 60 (1933-1935)

Opera mistica e drammatica per coro e orchestra.

Tu es Petrus, op. 70 (1936-1937)

Pezzo sacro per coro e orchestra, di grande intensità spirituale.

3. Musica da camera

Trio per violino, violoncello e pianoforte, op. 32 (1910)

Opera espressiva e ricca di armonie, influenzata da Franck.

Sonata per violino e pianoforte, op. 47 (1920)

Alternanza tra lirismo e potenza drammatica.

Quartetto per archi, op. 64 (1933-1935)

Opera tarda, che combina modalità e complessità armonica.

Conclusione

Sebbene Tournemire sia noto soprattutto per le sue opere organistiche, le sue sinfonie e i suoi brani corali testimoniano il suo genio orchestrale e mistico. Rimane uno degli ultimi grandi eredi di Franck, d’Indy e della corrente post-romantica francese.

(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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