Reynaldo Hahn: Juvenilia, Morceaux de piano – Tome 1, Apfel Café Music ACM104

Information – Français

Juvenilia est un recueil d’œuvres de jeunesse de Reynaldo Hahn, qui met en lumière ses premières explorations musicales et son développement artistique. Plutôt qu’une œuvre unique et cohérente, il s’agit d’une collection variée de pièces, souvent courtes et de genres divers, qui donnent un aperçu de l’étendue de ses talents dès un jeune âge.

Ce recueil est particulièrement intéressant car il révèle les influences précoces de Hahn, notamment l’esthétique romantique française de la fin du XIXe siècle, et son affinité pour la mélodie et l’expression lyrique. On y trouve probablement des mélodies pour voix et piano, son genre de prédilection, mais aussi potentiellement des pièces pour piano solo ou de petites formations de chambre.

Les pièces de Juvenilia sont caractérisées par une fraîcheur et une spontanéité juvéniles. Elles témoignent de la précocité de Hahn en tant que compositeur, capable de créer des atmosphères délicates, des lignes mélodiques élégantes et des harmonies raffinées, même dans ses débuts. Bien que n’ayant pas toujours la profondeur ou la maturité de ses œuvres ultérieures, elles sont empreintes d’un charme indéniable et d’une promesse d’un grand talent à venir.

En somme, Juvenilia offre une fenêtre intime sur les premières années de composition de Reynaldo Hahn, illustrant ses débuts prometteurs et la genèse de son style distinctif. C’est une exploration de son apprentissage musical, de ses expérimentations et de la richesse de son inspiration dès son plus jeune âge.

Overview – English

Juvenilia is a collection of early works by Reynaldo Hahn, showcasing his initial musical explorations and artistic development. Rather than a single, cohesive work, it’s a diverse compilation of often short pieces across various genres, offering a glimpse into the breadth of his talents from a young age.

This collection is particularly interesting because it reveals Hahn’s early influences, notably the late 19th-century French Romantic aesthetic, and his strong affinity for melody and lyrical expression. It likely contains mélodies (art songs) for voice and piano, his preferred genre, but potentially also pieces for solo piano or small chamber ensembles.

The pieces within Juvenilia are characterized by a youthful freshness and spontaneity. They demonstrate Hahn’s precocity as a composer, capable of creating delicate atmospheres, elegant melodic lines, and refined harmonies even in his early stages. While they may not always possess the depth or maturity of his later works, they are imbued with an undeniable charm and a promise of great talent to come.

In essence, Juvenilia provides an intimate window into Reynaldo Hahn’s formative compositional years, illustrating his promising beginnings and the genesis of his distinctive style. It’s an exploration of his musical apprenticeship, his experimentations, and the richness of his inspiration from a very young age.

Überblick – Deutsch

Juvenilia ist eine Sammlung früher Werke von Reynaldo Hahn, die seine ersten musikalischen Erkundungen und seine künstlerische Entwicklung aufzeigen. Anstatt eines einzelnen, zusammenhängenden Werkes ist es eine vielfältige Zusammenstellung oft kurzer Stücke aus verschiedenen Genres, die einen Einblick in die Bandbreite seiner Talente schon in jungen Jahren bietet.

Diese Sammlung ist besonders interessant, da sie Hahns frühe Einflüsse offenbart, insbesondere die spätromantische französische Ästhetik des späten 19. Jahrhunderts, und seine starke Affinität zu Melodie und lyrischem Ausdruck. Sie enthält wahrscheinlich Mélodies (Kunstlieder) für Gesang und Klavier, sein bevorzugtes Genre, aber möglicherweise auch Stücke für Soloklavier oder kleine Kammerensembles.

Die Stücke innerhalb von Juvenilia zeichnen sich durch eine jugendliche Frische und Spontanität aus. Sie demonstrieren Hahns Frühreife als Komponist, der schon in seinen Anfängen in der Lage war, zarte Atmosphären, elegante melodische Linien und raffinierte Harmonien zu schaffen. Auch wenn sie nicht immer die Tiefe oder Reife seiner späteren Werke besitzen mögen, sind sie doch von einem unbestreitbaren Charme und dem Versprechen eines großen Talents erfüllt, das noch kommen sollte.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Juvenilia einen intimen Einblick in Reynaldo Hahns prägende Kompositionsjahre bietet und seine vielversprechenden Anfänge sowie die Entstehung seines unverwechselbaren Stils beleuchtet. Es ist eine Erkundung seiner musikalischen Lehrzeit, seiner Experimente und des Reichtums seiner Inspiration schon in sehr jungen Jahren.

Liste des titres / Tracklist / Titelliste:

1 Juvenilia: I. Portrait, IRH 43-1
2 Juvenilia: II. La promenade, IRH 43-2
3 Juvenilia: III. Demi-sommeil, IRH 43-3
4 Juvenilia: IV. Feuillage, IRH 43-4
5 Juvenilia: V. Poœbé, IRH 43-5
6 Juvenilia: VI. Les regards amoureux, IRH 43-6
7 Rêverie, IRH 80


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from Apfel Café Music, ACM104

released 1 Augst, 2025

Cover Art: « La Plaine de Gennevilliers, champs jaunes » (1884) de Gustave Caillebotte

© 2025 Apfel Café Music
℗ 2025 Apfel Café Music

Jules Massenet: Sept improvisations, Apfel Café Music ACM098

Information – Français

Les Sept Improvisations de Jules Massenet sont un recueil de sept pièces pour piano solo, composées en 1874 et publiées en 1875. Bien que Massenet soit surtout connu pour ses opéras (comme Manon, Werther et Thaïs), il a également écrit une quantité significative de musique pour piano.

Initialement, cette œuvre était conçue comme un recueil de 20 pièces réparties en trois volumes, mais seul le premier volume, contenant ces sept “Improvisations”, a été publié.

Voici un aperçu de ces pièces :

Andantino – Calme et soutenu sans lenteur : La première improvisation se caractérise par une tension constante entre la tonalité de si bémol et la répétition du fa à la dominante, avec une écriture centrée dans le bas médium qui réunit les deux mains.
Allegretto con grazia – Con moto : Cette deuxième pièce est joyeuse et entraînante, avec une mélodie enjouée et des flots de doubles croches qui s’écoulent avec insouciance.
Triste et très lent : La troisième improvisation est mélancolique et lente, avec une superposition des mains pour créer un mouvement lourd et balancé, au-dessus duquel les idées mélodiques s’estompent.
Allegretto scherzando : Probablement la plus surprenante dans sa construction, cette pièce a un caractère théâtral. Elle construit progressivement une situation, un décor, puis des personnages, menant à une ligne de chant d’une grande invention.
Andante cantabile espressivo – Quasi recitato : La cinquième improvisation se présente comme un lied empreint d’une grande douceur.
Allegro deciso con moto : Cette sixième pièce débute avec l’indication “martellato e sempre fortissimo”. Son écriture contrapuntique et volubile évoque Bach, mélangée à une fougue beethovenienne, surtout dans l’épisode central plus introspectif.
Allegretto – Calme et simplement : L’œuvre se termine par la septième improvisation, très française dans ses appuis rythmiques qui suggèrent la danse, et qui est sans doute la plus narrative du recueil.

Ces “Improvisations” révèlent une facette moins connue de Massenet, celle du compositeur pour piano, et mettent en lumière sa capacité à créer des atmosphères variées et des mélodies expressives même dans ce format plus intime.

Overview – English

Jules Massenet’s Sept Improvisations (Seven Improvisations) is a collection of seven pieces for solo piano, composed in 1874 and published in 1875. While Massenet is primarily known for his operas (such as Manon, Werther, and Thaïs), he also wrote a significant amount of piano music.

Initially, this work was conceived as a collection of 20 pieces divided into three volumes, but only the first volume, containing these seven “Improvisations,” was ever published.

Here’s an overview of each piece:

Andantino – Calme et soutenu sans lenteur (Calm and sustained without slowness): The first improvisation is characterized by a constant tension between the B-flat tonality and the repetition of F in the dominant, with writing centered in the lower-middle register that unites both hands.
Allegretto con grazia – Con moto (With grace – With motion): This second piece is joyful and lively, featuring a playful melody and streams of sixteenth notes that flow with nonchalance.
Triste et très lent (Sad and very slow): The third improvisation is melancholic and slow, with superimposed hands creating a heavy, swaying motion, above which melodic ideas fade.
Allegretto scherzando (Playful Allegretto): Probably the most surprising in its construction, this piece has a theatrical character. It gradually builds a situation, a setting, then characters, leading to a vocal line of great invention.
Andante cantabile espressivo – Quasi recitato (Singing and expressive Andante – Almost recited): The fifth improvisation presents itself as a lied imbued with great tenderness.
Allegro deciso con moto (Decisive Allegro with motion): This sixth piece begins with the indication “martellato e sempre fortissimo” (hammered and always very loud). Its contrapuntal and voluble writing evokes Bach, mixed with a Beethovenian fervor, especially in the more introspective central episode.
Allegretto – Calme et simplement (Calm and simply): The work concludes with the seventh improvisation, which is very French in its rhythmic accents suggesting a dance, and is arguably the most narrative of the collection.

These “Improvisations” reveal a lesser-known side of Massenet, that of the piano composer, and highlight his ability to create varied atmospheres and expressive melodies even in this more intimate format.

Überblick – Deutsch

Jules Massenets Sept Improvisations (Sieben Improvisationen) sind eine Sammlung von sieben Stücken für Soloklavier, die 1874 komponiert und 1875 veröffentlicht wurden. Obwohl Massenet vor allem für seine Opern (wie Manon, Werther und Thaïs) bekannt ist, schrieb er auch eine beträchtliche Menge an Klaviermusik.

Ursprünglich war dieses Werk als eine Sammlung von 20 Stücken, aufgeteilt in drei Bände, konzipiert, doch nur der erste Band, der diese sieben “Improvisationen” enthält, wurde jemals veröffentlicht.

Hier ist eine Übersicht über jedes Stück:

Andantino – Calme et soutenu sans lenteur (Ruhig und gehalten, ohne Langsamkeit): Die erste Improvisation zeichnet sich durch eine konstante Spannung zwischen der B-Dur-Tonalität und der Wiederholung des F in der Dominante aus, mit einer im unteren Mittelbereich zentrierten Schreibweise, die beide Hände vereint.
Allegretto con grazia – Con moto (Mit Anmut – Mit Bewegung): Dieses zweite Stück ist fröhlich und mitreißend, mit einer verspielten Melodie und Strömen von Sechzehntelnoten, die unbekümmert dahinfließen.
Triste et très lent (Traurig und sehr langsam): Die dritte Improvisation ist melancholisch und langsam, mit übereinanderliegenden Händen, die eine schwere, wiegende Bewegung erzeugen, über der melodische Ideen verblassen.
Allegretto scherzando (Scherzhaftes Allegretto): Wahrscheinlich das überraschendste in seiner Konstruktion, hat dieses Stück einen theatralischen Charakter. Es baut nach und nach eine Situation, eine Szenerie und dann Charaktere auf, was zu einer Gesangslinie von großer Erfindungsgabe führt.
Andante cantabile espressivo – Quasi recitato (Singendes und ausdrucksvolles Andante – Fast rezitativisch): Die fünfte Improvisation präsentiert sich als ein Lied von großer Zartheit.
Allegro deciso con moto (Entschiedenes Allegro mit Bewegung): Dieses sechste Stück beginnt mit der Anweisung „martellato e sempre fortissimo“ (gehämmert und immer sehr laut). Seine kontrapunktische und wortreiche Schreibweise erinnert an Bach, vermischt mit einer Beethovenschen Inbrunst, besonders in der introspektiveren Mittelpassage.
Allegretto – Calme et simplement (Ruhig und einfach): Das Werk schließt mit der siebten Improvisation, die in ihren rhythmischen Akzenten, die einen Tanz andeuten, sehr französisch ist und wohl die erzählerischste der Sammlung ist.

Diese “Improvisationen” offenbaren eine weniger bekannte Seite Massenets, die des Klaviermusikkomponisten, und unterstreichen seine Fähigkeit, selbst in diesem intimeren Format vielfältige Atmosphären und ausdrucksstarke Melodien zu schaffen.

Liste des titres / Tracklist / Titelliste:

1 Sept improvisations: I. Andantino. – Calme et soutenu sans lenteur
2 Sept improvisations: II. Allegretto con grazia. – Con moto.
3 Sept improvisations: III. Triste et très lent.
4 Sept improvisations: IV. Allegretto scherzando.
5 Sept improvisations: V. Andante cantabile expressivo. – quasi Recitato
6 Sept improvisations: VI. Allegro deciso con moto.
7 Sept improvisations: VII. Allegretto. – Calme et simplement.


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from Apfel Café Music, ACM098

released 27 June, 2025

Cover art – « Vue de Saint-Ouen-l’Aumône » (1876) by Camille Pissarro

© 2025 Apfel Café Music
℗ 2025 Apfel Café Music

Charles Koechlin: 5 Piano Sonatinas, Op.59, Apfel Café Music ACM097

Information – Français

Les 5 Sonatinas pour piano de Charles Koechlin, composées entre 1916 et 1918, forment un cycle singulier au sein de son œuvre pianistique, où rigueur formelle classique et liberté harmonique se côtoient avec grâce. Ces pièces ne sont pas des sonatines “faciles” au sens pédagogique du terme : bien qu’écrites dans un style plus contenu que ses œuvres orchestrales, elles exigent une écoute subtile et une sensibilité affûtée.

Dès la première sonatine, Koechlin pose les bases d’un langage où la forme héritée du XVIIIe siècle est traitée avec un certain détachement : les thèmes sont clairs, souvent diatoniques, mais l’harmonie évolue avec souplesse, modulant sans cesse, parfois vers des teintes modales, parfois vers des chromatismes raffinés. L’écriture pianistique, bien que limpide, regorge de détails subtils — polyphonie discrète, lignes secondaires qui s’enchevêtrent, dialogues entre les registres.

Dans la deuxième sonatine, on perçoit un ton plus méditatif. Les mouvements lents évoquent une poésie presque pastorale, tandis que les mouvements rapides gardent une légèreté toute française, à la manière de Fauré, mais avec ce parfum d’irréalité qui est la marque de Koechlin. Il ne cherche pas la virtuosité : le piano devient un instrument de couleurs, de nuances, un médium pour les demi-teintes.

La troisième semble plus construite, presque plus « classique », mais sans rigidité : on y ressent un équilibre formel plus affirmé, avec des contrastes plus marqués entre les sections. Koechlin y déploie une rythmique plus animée, parfois syncopée, mais toujours mesurée — jamais brutale.

La quatrième sonatine est la plus poétique et onirique du lot. Elle évoque une promenade intérieure, un monde aux contours flous, baigné de lumière diffuse. La texture y est souvent dépouillée, mais jamais aride : quelques notes suffisent à créer une atmosphère. Les silences y jouent un rôle aussi important que les sons, prolongeant une impression de calme presque suspendu.

Enfin, la cinquième referme le cycle sur une note de sérénité teintée de mélancolie. Il s’y manifeste une sorte de sagesse musicale, une acceptation tranquille du passage du temps. L’écriture, plus dépouillée encore, rappelle parfois Satie dans son dépouillement, mais sans ironie ni dérision : il y a chez Koechlin une sincérité constante, une foi dans la beauté simple des sons.

Ces sonatines ne cherchent pas à éblouir, elles invitent à l’écoute attentive, à la contemplation. Elles sont l’œuvre d’un compositeur secret, intime, qui parle doucement, mais profondément.

Overview – English

The 5 Sonatinas for piano by Charles Koechlin, composed between 1916 and 1918, form a unique cycle within his piano oeuvre, where classical formal rigor and harmonic freedom coexist gracefully. These pieces are not “easy” sonatinas in the pedagogical sense: though written in a more restrained style than his orchestral works, they demand subtle listening and a refined sensitivity.

From the very first sonatina, Koechlin establishes the foundations of a language in which the form inherited from the 18th century is treated with a certain detachment: the themes are clear, often diatonic, but the harmony evolves fluidly, constantly modulating — at times toward modal hues, at others toward refined chromaticism. The pianistic writing, though transparent, is full of subtle details — discreet polyphony, interwoven secondary lines, and dialogues between registers.

In the second sonatina, a more meditative tone emerges. The slow movements evoke an almost pastoral poetry, while the faster movements retain a distinctly French lightness, reminiscent of Fauré, but with that sense of unreality that is Koechlin’s hallmark. He does not seek virtuosity: the piano becomes an instrument of colors, of nuances, a medium for half-tones.

The third sonatina feels more structured, almost more “classical,” but without rigidity: there is a more assertive formal balance, with more clearly defined contrasts between sections. Koechlin deploys a livelier rhythm here, sometimes syncopated, but always measured — never harsh.

The fourth sonatina is the most poetic and dreamlike of the group. It evokes an inward journey, a world of blurred outlines bathed in diffuse light. The texture is often sparse, but never dry: a few notes suffice to create an atmosphere. Silence plays as important a role as sound, extending a sense of almost suspended calm.

Finally, the fifth sonatina closes the cycle on a note of serenity tinged with melancholy. It expresses a kind of musical wisdom, a quiet acceptance of the passage of time. The writing, even more stripped-down, occasionally recalls Satie in its sparseness — but without irony or derision: in Koechlin, there is a constant sincerity, a belief in the simple beauty of sound.

These sonatinas do not aim to dazzle; they invite attentive listening and contemplation. They are the work of a secretive, intimate composer who speaks softly, but profoundly.

Überblick – Deutsch

Die fünf Sonatinen für Klavier von Charles Koechlin, komponiert zwischen 1916 und 1918, bilden einen einzigartigen Zyklus innerhalb seines pianistischen Œuvres, in dem klassische formale Strenge und harmonische Freiheit mit Anmut nebeneinander bestehen. Diese Stücke sind keine „einfachen“ Sonatinen im pädagogischen Sinne: Obwohl sie in einem zurückhaltenderen Stil als seine Orchesterwerke geschrieben sind, erfordern sie ein feines Gehör und eine geschärfte Sensibilität.

Schon in der ersten Sonatine legt Koechlin den Grundstein für eine Sprache, in der die vom 18. Jahrhundert übernommene Form mit einer gewissen Distanz behandelt wird: Die Themen sind klar, oft diatonisch, doch die Harmonik entwickelt sich geschmeidig, moduliert ständig – mal in modale Färbungen, mal in raffinierte Chromatik. Der Klaviersatz ist zwar durchsichtig, aber voller subtiler Details – diskrete Polyphonie, ineinander verschlungene Nebenstimmen, Dialoge zwischen den Registern.

In der zweiten Sonatine vernimmt man einen eher meditativen Ton. Die langsamen Sätze erinnern an eine beinahe pastorale Poesie, während die schnellen Sätze eine typisch französische Leichtigkeit bewahren, ähnlich wie bei Fauré, aber mit jenem Hauch von Irrealität, der Koechlins Handschrift ausmacht. Er strebt keine Virtuosität an: Das Klavier wird zu einem Instrument der Farben, der Nuancen, ein Medium für Halbtöne.

Die dritte wirkt strukturierter, fast „klassischer“, jedoch ohne Strenge: Man spürt ein klareres formales Gleichgewicht, mit deutlich ausgeprägteren Kontrasten zwischen den Abschnitten. Koechlin entfaltet hier eine lebendigere Rhythmik, manchmal synkopiert, aber stets maßvoll – niemals heftig.

Die vierte Sonatine ist die poetischste und traumhafteste des Zyklus. Sie erinnert an einen inneren Spaziergang, eine Welt mit verschwommenen Konturen, durchflutet von diffusem Licht. Die Textur ist oft sparsam, aber nie trocken: Einige wenige Töne genügen, um eine Atmosphäre zu schaffen. Die Pausen sind ebenso bedeutungsvoll wie die Klänge und verlängern den Eindruck fast schwebender Ruhe.

Schließlich schließt die fünfte Sonatine den Zyklus mit einer Note von Gelassenheit, die von Melancholie durchzogen ist. Eine Art musikalischer Weisheit wird darin spürbar, eine stille Akzeptanz des Zeitvergehens. Der Satz ist noch reduzierter und erinnert gelegentlich in seiner Schlichtheit an Satie – jedoch ohne Ironie oder Spott: Bei Koechlin herrscht eine stete Aufrichtigkeit, ein Glaube an die schlichte Schönheit des Klangs.

Diese Sonatinen wollen nicht blenden; sie laden zum aufmerksamen Hören und zur Kontemplation ein. Es sind Werke eines zurückgezogenen, intimen Komponisten, der leise, aber tief spricht.

Liste des titres / Tracklist / Titelliste:

1 1ère Sonatine: I. Allegro non troppo
2 1ère Sonatine: II. Andante con moto
3 1ère Sonatine: III. Allegro moderato
4 1ère Sonatine: IV. Final, Allegro con moto, scherzando
5 2de Sonatine: I. Molto moderato
6 2de Sonatine: II. Sicilienne
7 2de Sonatine: III. Andante, Très calme
8 3me Sonatine: I. Allegro moderato
9 3me Sonatine: II. Assez animé
10 3me Sonatine: III. Allegretto assez tranquille
11 3me Sonatine: IV. Final, Allegro con moto
12 4me Sonatine: I. Menuet, Moderato
13 4me Sonatine: II. Andante con moto
14 4me Sonatine: III. Intermezzo, Très modéré
15 4me Sonatine: IV. Final en forme de Rondo
16 5me Sonatine: I. Allegro moderato pas tros vite
17 5me Sonatine: II. Andante
18 5me Sonatine: III. Petite fugue, Moderato sans trainer
19 5me Sonatine: IV. Final, Allegro con moto


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from Apfel Café Music, ACM097

released 19 June, 2025

Cover Art: « Printemps en Normandie » de Eugène Chigot

© 2025 Apfel Café Music
℗ 2025 Apfel Café Music