Appunti su Émile Waldteufel e le sue opere

Panoramica

Émile Waldteufel (1837-1915) è stato un compositore, pianista e direttore d’orchestra francese , particolarmente noto per i suoi numerosi pezzi da salotto , tra cui i valzer. È spesso definito il “Johann Strauss francese ” .

Ecco una panoramica della sua vita e delle sue opere:

Origini e formazione

Émile Waldteufel nacque a Strasburgo nel 1837 in una famiglia di musicisti. Sua madre era pianista , mentre suo padre e suo fratello erano violinisti e compositori di musica da ballo. Ricevette le sue prime lezioni di pianoforte dalla madre e poi continuò gli studi al Conservatorio di Parigi, dove fu compagno di classe di personaggi come Jules Massenet.

Carriera e riconoscimenti

Dopo gli studi, Waldteufel lavorò per un produttore di pianoforti e diede lezioni . La sua carriera ebbe una svolta significativa quando divenne il pianista personale dell’imperatrice Eugenia nel 1865 e, l’ anno successivo, direttore dei balli di corte sotto Napoleone III. Si esibì in feste e balli alle Tuileries, a Compiègne e a Biarritz .

Dopo la caduta dell’Impero, continuò a ricoprire incarichi ufficiali, in particolare come direttore dei grandi balli dell’Eliseo . Nel 1874 , grazie all’intervento del Principe di Galles, iniziò una carriera internazionale , esibendosi come direttore a Londra, Berlino e Roma. Nel 1889, ottenne il riconoscimento diventando direttore dei grandi balli dell’Opéra di Parigi.

Grandi opere

Émile Waldteufel è autore di centinaia di valzer, polke e galoppi, circa 270 composizioni di danza. La sua musica è caratterizzata da armonie delicate e frasi delicate, spesso utilizzando diversi temi contrastanti nei suoi valzer.

Tra le sue opere più famose ci sono :

Les Patineurs), una delle sue composizioni più note, spesso erroneamente attribuita ad altri compositori.

“Spagna e”, valzer.

“Dolores “.

“Manolo”.

“Sirene”.

suoi valzer, “España ” e “Les Patineurs”, sono stati addirittura eseguiti al tradizionale concerto di Capodanno a Vienna .

pianoforte , con trascrizioni orchestrali create in seguito . Morì a Parigi nel 1915.

Storia

Émile Waldteufel, il cui nome risuona ancora oggi come una melodia orecchiabile , è stato uno dei compositori e direttori d’orchestra più iconici della Belle Époque in Francia, spesso paragonato al suo contemporaneo austriaco Johann Strauss Jr. La sua storia è quella di un musicista nato nell’alta società, che ha affascinato le corti reali e il grande pubblico con i suoi valzer vorticosi e le sue vivaci polke .

Nato a Strasburgo nel 1837, Émile fu immerso nell’universo musicale fin da giovanissimo . Sua madre era una pianista, e suo padre e suo fratello erano entrambi musicisti affermati, compositori di musica da ballo che entusiasmavano i salotti dell’epoca. Fu quindi del tutto naturale che Émile iniziasse gli studi di pianoforte con sua madre , prima di perfezionarsi al prestigioso Conservatorio di Parigi. Lì , si trovò a stretto contatto con altri futuri grandi nomi della musica, gettando le basi per una promettente carriera .

I primi anni della sua vita professionale lo videro lavorare per un produttore di pianoforti, dando lezioni per vivere. Ma il destino bussò alla sua porta nel 1865, quando il suo talento fu notato dalla corte imperiale. Divenne quindi il pianista ufficiale dell’imperatrice Eugenia e, l’anno successivo, fu nominato direttore dei balli di corte durante il regno di Napoleone III. Fu in questo periodo che la sua fama decollò . Le sue melodie riempirono i sontuosi saloni delle Tuileries, di Compiègne e di Biarritz, aggiungendo un tocco di leggerezza e gioia alle festività imperiali .

Anche dopo la caduta dell’Impero, Émile Waldteufel mantenne il suo posto privilegiato nel panorama musicale francese . Continuò a dirigere i grandi balli dell’Eliseo e la sua musica varcò i confini. Fu nel 1874, grazie all’intervento del Principe di Galles, che iniziò una carriera internazionale, portando i suoi valzer oltre i confini francesi. Diresse le sue composizioni a Londra , Berlino e Roma , incantando il pubblico europeo con il suo stile inimitabile . La consacrazione definitiva arrivò nel 1889, quando fu nominato direttore dei grandi balli dell’Opéra di Parigi, un incarico che confermò il suo status di figura di spicco nella musica da ballo.

Nel corso della sua carriera , Émile Waldteufel compose un’impressionante quantità di opere, circa 270 brani di danza , principalmente valzer, polke e galoppi. La sua musica si distingue per l’eleganza , le armonie delicate e le melodie orecchiabili. Aveva l’arte di creare atmosfere variegate all’interno di un singolo brano , introducendo diversi temi contrastanti nei suoi valzer per mantenere vivo l’ interesse dell’ascoltatore. Tra le sue creazioni, il “Valse des Patineurs” è senza dubbio il suo brano più famoso , una melodia vivace che evoca la leggerezza e la grazia dei pattinatori sul ghiaccio. È ricordato anche il suo valzer ” España “, pieno di fuoco e passione. È interessante notare che Waldteufel inizialmente compose tutti i suoi brani per pianoforte, mentre l’orchestrazione arrivò in un secondo momento.

Émile Waldteufel morì a Parigi nel 1915, lasciando un’eredità musicale ricca e gioiosa. I suoi valzer continuano a risuonare, evocando un’epoca di eleganza e leggerezza , e il suo nome rimane indissolubilmente legato alla musica da ballo francese .

Cronologia

1837: Nascita di Émile Charles Waldteufel a Strasburgo.

Anni 1850 : Studia al Conservatorio di Parigi, dove sviluppa il suo talento di pianista e compositore.

del 1865: lavora per un produttore di pianoforti e dà lezioni per mantenersi .

1865: Diventa il pianista personale dell’imperatrice Eugenia , un passo fondamentale che lo avvicina alla corte imperiale .

1866: Nominato direttore dei balli di corte sotto Napoleone III, fornisce intrattenimento musicale per i principali eventi alle Tuileries, a Compiègne e a Biarritz.

Dopo il 1870 (caduta dell’Impero): continuò a ricoprire funzioni ufficiali, in particolare come direttore dei gran balli dell’Eliseo , dimostrando la sua capacità di adattarsi ai cambiamenti politici .

1874: Inizia una significativa carriera internazionale. Grazie all’intervento del Principe di Galles, le sue opere iniziano a essere conosciute ed eseguite a Londra, Berlino e Roma.

dei pattinatori) guadagna popolarità, diventando una delle sue composizioni più famose e riconoscibili.

1889: Ottiene la consacrazione diventando direttore dei grandi balli dell’Opéra di Parigi, un ruolo prestigioso che conferma la sua posizione dominante nella musica da ballo francese .

Fino alla sua morte: continuò a comporre e dirigere, arricchendo il suo repertorio con circa 270 opere di danza , tra cui valzer, polke e galoppi.

1915: Muore a Parigi Émile Waldteufel , lasciando un’eredità musicale che continua ad incantare gli ascoltatori.

Caratteristiche della musica

La musica di Émile Waldteufel è caratterizzata da diversi elementi che lo rendono il “Johann Strauss francese ” e gli conferiscono un posto unico nella storia della musica da ballo del XIX secolo . Ecco le sue caratteristiche principali:

Eleganza e raffinatezza: la sua musica è permeata di grande eleganza e di una certa raffinatezza, riflettendo l’atmosfera dei salotti imperiali e dei balli da lui organizzati. Evitava la volgarità , preferendo melodie aggraziate e ben costruite.

Melodie memorabili e orecchiabili : Waldteufel era un melodista eccezionale. I suoi valzer, polke e galop sono ricchi di temi orecchiabili e memorabili che rimangono impressi nella mente e invitano naturalmente a ballare . Il “Valzer dei Pattinatori” ne è un esempio perfetto, con la sua melodia immediatamente riconoscibile .

Armonie sottili: sebbene la sua musica sia leggera e accessibile , è comunque ricca di armonie. Waldteufel utilizza armonie sfumate che aggiungono profondità alle sue composizioni, evitando l’eccessiva semplicità .

Varietà di temi : nei suoi valzer, in particolare, utilizza spesso una struttura che introduce diversi temi contrastanti . Questo aiuta a mantenere vivo l’interesse sia dell’ascoltatore che del ballerino, offrendo variazioni di umore e ritmo all’interno dello stesso brano . Può passare da una melodia dolce e lirica a un tema più vivace e orecchiabile .

Orchestrazione accurata: sebbene originariamente componesse le sue opere per pianoforte, le sue orchestrazioni successive sono sempre molto curate . Sapeva come utilizzare le diverse sezioni dell’orchestra per creare ricche tessiture e colori variegati, conferendo alla sua musica il suo pieno splendore nelle sale da ballo.

Sensibilità lirica : oltre all’aspetto danzante, troviamo nella musica di Waldteufel una certa sensibilità lirica. Alcune delle sue melodie possiedono una tenerezza e un’espressività che vanno oltre la semplice funzione di intrattenimento.

Leggerezza e fluidità : la sua musica evoca spesso una sensazione di leggerezza e fluidità , in particolare nei suoi valzer che sembrano scivolare senza sforzo. Questo è particolarmente evidente in “Les Patineurs”, che ricrea musicalmente l’ immagine del pattinaggio sul ghiaccio.

Atmosfera della Belle Époque: la musica dei Waldteufel è intrinsecamente legata all’atmosfera della Belle Époque parigina. Incarna la gioia di vivere, l’eleganza e la spensieratezza di quel periodo, con i suoi sontuosi balli e le sue riunioni mondane.

In sintesi , la musica di Émile Waldteufel è una riuscita combinazione di melodie memorabili , armonie raffinate ed orchestrazioni eleganti , il tutto permeato da una leggerezza e una fluidità che la rendono senza tempo e sempre piacevole da ascoltare e da ballare.

Impatti e influenze

Émile Waldteufel, nonostante una certa decadenza del suo nome oggi, ebbe un impatto e un’influenza notevoli sulla musica del suo tempo e anche oltre . Il suo ruolo non si limitò alla semplice composizione di valzer; contribuì a plasmare il panorama musicale e sociale della Belle Époque.

Ecco i principali impatti e influenze del Waldteufel:

1. La popolarizzazione del valzer francese e della musica da salotto:
Prima di Waldteufel, il valzer viennese, in particolare quello della famiglia Strauss, dominava ampiamente il genere. Waldteufel creò uno stile di valzer tipicamente francese , caratterizzato da eleganza , grazia e una melodia delicata , in contrasto con l’energia a volte più esuberante dei valzer austriaci. Permise così alla Francia di rivaleggiare con Vienna nel campo della musica da ballo e rese popolare il genere tra tutti i livelli sociali . I suoi brani venivano eseguiti nei salotti, nei balli dell’alta società e persino nei parchi pubblici, diventando la colonna sonora di un’epoca.

2. L’incarnazione della musica della Belle Époque e del Secondo Impero:
Come pianista personale dell’imperatrice Eugenia e direttore dei balli di corte imperiale , Waldteufel fu al centro della vita sociale e festosa del Secondo Impero. La sua musica è indissolubilmente legata a questo periodo sfarzoso, in cui i balli erano eventi mondani di grande importanza . Catturò lo spirito del suo tempo, offrendo una musica che rifletteva l’ottimismo, la raffinatezza e la (apparente) spensieratezza dell’alta società . Anche dopo la caduta dell’Impero, continuò a intrattenere i balli dell’Eliseo e dell’Opéra di Parigi, consolidando il suo status di “re del valzer” di Parigi .

3. L’influenza e la diffusione internazionale della musica francese :
Grazie alle sue tournée e ai contratti editoriali, in particolare con l’editore inglese Hopwood & Crew, la musica di Waldteufel ottenne un successo clamoroso ben oltre i confini francesi . Diresse le sue orchestre a Londra, Berlino e Roma, contribuendo così alla diffusione della musica leggera francese in tutta Europa . Il riconoscimento internazionale di brani come “Les Patineurs” ed “España ” dimostrò che la Francia poteva produrre compositori di musica da ballo di livello mondiale .

4. Ispirazione per altri compositori (anche se spesso non riconosciuta):
Sebbene il suo nome possa essere talvolta “dimenticato” a favore delle sue opere, la popolarità delle sue melodie è innegabile. Si ricorda, ad esempio, che il suo valzer “Amore e Primavera” fu utilizzato dal compositore russo Dmitrij Šostakovič in una delle sue opere, a dimostrazione del fascino duraturo dei suoi temi . Sebbene la sua influenza diretta sui “grandi” compositori di musica sinfonica sia difficile da tracciare in modo esplicito , il suo successo ispirò indubbiamente altri compositori di musica da ballo e da sala a esplorare e sviluppare il genere. Dimostrò che era possibile creare musica popolare , elegante e di grande valore artistico.

5. Un’eredità duratura nel repertorio popolare:
Nonostante il grande pubblico possa talvolta attribuire le sue opere ad altri compositori (in particolare Johann Strauss), valzer come “I pattinatori” sono diventati classici senza tempo del repertorio popolare. Vengono ancora eseguiti in concerti, film (come Titanic per “Estudiantina”) e programmi televisivi , e continuano ad affascinare con la loro leggerezza e vivacità . Questo impatto sulla cultura popolare è una testimonianza della potenza e dell’universalità delle sue melodie .

In breve, Émile Waldteufel non si è limitato a comporre musica; ha orchestrato i piaceri di un’epoca, ha internazionalizzato il valzer francese e ha lasciato un’eredità melodica che , anche se il suo nome a volte resta nell’ombra, continua a risuonare e a ispirare.

Stile(i), movimento(i) e periodo musicale

Considerando il contesto temporale della creazione musicale di Émile Waldteufel (principalmente dalla seconda metà del XIX secolo all’inizio del XX), ecco un’analisi del suo stile musicale:

Lo stile della musica di Émile Waldteufel è decisamente romantico e più specificamente radicato nella musica d’intrattenimento e da salotto di quel periodo .

Andiamo a spiegare nel dettaglio gli aspetti che hai menzionato:

Vecchio o nuovo in questo momento ?
Ai suoi tempi, la musica di Waldteufel era piuttosto nuova e molto popolare , e rappresentava il genere del valzer da ballo nella sua forma più moderna e raffinata. Non cercò di reinventare radicalmente le forme musicali, ma piuttosto di perfezionare e diversificare il genere del valzer, della polka e del galop, che erano i balli di moda .

Tradizionale o innovativo?
Era piuttosto tradizionale nelle sue forme e strutture (valzer, polke), rispettando le convenzioni del genere. Tuttavia, era innovativo nella sua capacità di rivaleggiare con il valzer viennese e di creare una “vocazione” francese per questo tipo di musica, con un’eleganza e una delicatezza tutta sua. Non fu un rivoluzionario armonico o formale, ma un maestro nell’arte della melodia e dell’orchestrazione leggera per la danza.

Polifonia o monofonia?
La musica di Waldteufel è prevalentemente omofonica (non monofonica). Ciò significa che vi è una melodia chiara e dominante (spesso portata dai violini o dai fiati) accompagnata da un supporto armonico (dagli altri strumenti, in particolare dagli archi e dalla sezione ritmica) e da un accompagnamento ritmico distintivo per la danza. La polifonia, in cui a più voci indipendenti viene data pari importanza , non è la caratteristica principale della sua musica, sebbene possano comparire contromelodie .

Classico, romantico, nazionalista, neoclassico, post-romantico o modernista?

Romantico: questa è la categoria più appropriata. La sua musica è pienamente in linea con l’estetica romantica attraverso l’enfasi sulla melodia, l’espressività (anche se leggera ) , l’emozione (gioia, grazia ) e il suo ruolo nei contesti sociali dell’epoca romantica. La grande orchestra, le ricche armonie e l’evocazione di stati d’animo (come il pattinaggio in “The Skaters”) sono tratti romantici.

Nazionalista: in una certa misura, potrebbe essere visto come una forma di nazionalismo francese , non nel senso dell’utilizzo di canzoni popolari o temi folkloristici specifici , ma nella sua capacità di creare una ” scuola francese ” del valzer, distinta da quella viennese, e di promuoverla a livello internazionale. Tuttavia, il suo obiettivo primario era l’intrattenimento piuttosto che una forte affermazione di identità.

Non classico: lo stile classico è precedente (Mozart, Haydn). Waldteufel è chiaramente del XIX secolo.

Non neoclassico: il neoclassicismo è un movimento del XX secolo che reagì al Romanticismo tornando alle forme e all’estetica classiche. Waldteufel appartiene al cuore del Romanticismo.

Non post-romantico né modernista: questi termini descrivono movimenti musicali che seguono il tardo romanticismo e/o ne sfidano le convenzioni a cavallo tra il XX e il XX secolo ( Mahler, Strauss [Richard], Debussy, Schoenberg). La musica di Waldteufel, sebbene composta fino al 1915, non mostra alcuna delle rotture armoniche, formali o estetiche del primo modernismo o del “pesante” post-romanticismo. Rimane nello spirito del leggero ed elegante romanticismo di fine Ottocento .

In sintesi , lo stile musicale di Émile Waldteufel è un perfetto esempio di Romanticismo da salotto e da ballo, caratterizzato da eleganza , melodie orecchiabili e leggerezza , con una struttura prevalentemente omofonica. Fu molto attuale e popolare ai suoi tempi, pur rispettando le tradizioni del genere, che seppe elevare al rango di arte francese .

Rapporti con i compositori

Émile Waldteufel, figura centrale della danza e della musica da salotto a Parigi, intrattenne rapporti e interazioni dirette, più o meno formali, con diversi compositori del suo tempo. Tuttavia, è importante notare che questi rapporti non erano sempre intense collaborazioni creative, ma spesso contemporaneità professionali o rivalità amichevoli .

Ecco le principali relazioni dirette identificabili:

Jules Massenet (1842-1912):

Waldteufel e Massenet erano compagni di corso al Conservatorio di Parigi. Studiarono nella stessa classe di pianoforte, in particolare con il professor Antoine-François Marmontel . Questo rapporto era quello di compagni di corso, condividendo gli stessi banchi e gli stessi insegnanti all’inizio delle rispettive carriere . Sebbene le loro carriere divergessero (Massenet divenne un maestro dell’opera e della musica vocale, Waldteufel il re del valzer), questa formazione condivisa creò certamente un legame di conoscenza e rispetto reciproco.

Jacques Offenbach (1819-1880):

Sebbene non vi siano prove di collaborazioni dirette o di una stretta amicizia , Waldteufel e Offenbach si muovevano nello stesso ambiente musicale parigino del Secondo Impero e della prima Terza Repubblica . Offenbach era il maestro dell’operetta , un genere che condivideva con la musica da ballo di Waldteufel lo scopo di intrattenimento leggero e la grande popolarità di pubblico . È molto probabile che si frequentassero a stretto contatto durante incontri mondani , concerti o eventi ufficiali, dove venivano eseguite le rispettive musiche. Entrambi incarnavano la “Parigi festosa” del loro tempo.

Johann Strauss II (figlio) (1825-1899):

Questo è probabilmente il rapporto più interessante e complesso, sebbene non si trattasse di un’amicizia profonda. Waldteufel veniva spesso definito il “Johann Strauss francese ” , a indicare il riconoscimento del suo status paritario, ma anche una forma di benevola rivalità.

Contemporanei e (amichevoli) rivali: furono i due grandi maestri del valzer in Europa allo stesso tempo . I loro stili erano distinti (Waldteufel più sottile ed elegante , Strauss più robusto e frizzante), ma entrambi dominarono i rispettivi paesi e godettero di fama internazionale .

“Duello” artistico: la stampa dell’epoca a volte inscenava una sorta di “duello” tra i due compositori per vedere chi fosse il “miglior” re del valzer. Si racconta che nel 1889, a Berlino, si svolse un confronto musicale in cui la stampa dichiarò i due maestri alla pari , a dimostrazione della reciproca stima (o almeno del rispetto professionale) e della pari popolarità delle loro opere.

Influenze incrociate (implicite): nonostante avessero stili propri, l’incredibile successo di Johann Strauss spinse presumibilmente Waldteufel a elevare il genere del valzer in Francia, e il riconoscimento di Waldteufel in Inghilterra e Germania dimostrò a Strauss che il mercato per il valzer era vasto.

Dmitrij Šostakovič (1906-1975):

Non vi è alcuna relazione diretta in termini di contemporaneità o interazione personale, poiché Shostakovich nacque ben dopo il periodo di massimo splendore di Waldteufel e morì molto tempo dopo di lui . Tuttavia, vi è un’influenza indiretta attraverso la citazione musicale. Shostakovich utilizzò effettivamente il valzer di Waldteufel “Amore e primavera” in una delle sue opere, il che ha talvolta creato confusione sull’autore originale. Ciò testimonia il fascino duraturo delle melodie di Waldteufel, anche per compositori di stili e periodi molto diversi .

Famiglia Waldteufel:

È fondamentale ricordare che la sua prima e più diretta influenza e relazione musicale fu la sua famiglia. Suo padre , Louis Waldteufel, era direttore d’orchestra e compositore di musica da ballo, e suo fratello , Léon Waldteufel , violinista e compositore. Émile ricevette le sue prime lezioni di pianoforte da sua madre , a sua volta pianista . Crebbe in questo ambiente musicale ed ereditò e sviluppò direttamente la tradizione familiare della musica da ballo.

In breve, i rapporti di Émile Waldteufel con altri compositori furono principalmente quelli di una contemporaneità professionale e di amichevole rivalità nel campo della musica d’intrattenimento, in particolare con Johann Strauss II. La sua formazione al Conservatorio lo portò a contatto con figure come Massenet, ma fu nel mondo dei balli e dei salotti che strinse i legami più stretti, affermandosi come una figura di spicco accanto agli altri grandi nomi della musica leggera del suo tempo .

Relazioni

Émile Waldteufel ha avuto rapporti diretti e importanti con diverse persone ed entità che hanno plasmato la sua carriera e la diffusione della sua musica.

La sua famiglia (interpreti ):

Padre (Louis Waldteufel): Suo padre era direttore d’ orchestra e diresse un’orchestra rinomata a Strasburgo e in seguito a Parigi. Émile crebbe in questa tradizione musicale e fu direttamente influenzato dall’opera del padre .

Fratello (Léon Waldteufel ): Léon era un violinista di talento e studiò al Conservatorio di Parigi, cosa che spinse l’intera famiglia a trasferirsi nella capitale. Era anche un affermato interprete. Émile probabilmente suonava con il fratello nell’orchestra di famiglia.

Madre : Era una pianista e diede a Émile le sue prime lezioni di pianoforte .

Orchestre:

L’orchestra di famiglia: l’orchestra di Louis Waldteufel, padre di Émile , divenne famosa a Parigi e fu molto richiesta ai balli dell’alta società . Émile vi partecipò sicuramente, inizialmente come pianista.

La sua orchestra: Émile Waldteufel in seguito diresse la sua orchestra. Questo ensemble era il cuore delle sue esibizioni, in particolare ai balli della corte imperiale e, in seguito, ai balli presidenziali. Era noto per dirigere con la bacchetta anziché con l’archetto di violino, come era consuetudine all’epoca .

Non musicisti (Patroni e Promotori ):

Imperatrice Eugenia : nel 1865, all’età di 27 anni , Waldteufel divenne il pianista di corte dell’imperatrice Eugenia , moglie di Napoleone III. Lei lo stimava molto e questo incarico gli aprì le porte dei circoli più influenti della società francese . Fu responsabile della musica per i balli di stato alle Tuileries, a Biarritz e a Compiègne .

Napoleone III: l’imperatore Napoleone III lo nominò direttore musicale dei balli di corte, riconoscendone il talento e conferendogli un importante ruolo ufficiale. Si racconta persino che Émile lo accompagnasse al violino in alcune occasioni.

Il Principe di Galles (poi Re Edoardo VII): nell’ottobre del 1874, accadde un evento importante . A una festa, il Principe di Galles (poi Re Edoardo VII del Regno Unito) rimase incantato dal valzer “Manolo” di Waldteufel. Il Principe di Galles ne fu così colpito che si impegnò a far conoscere la musica di Waldteufel in Gran Bretagna. Questo incontro fu cruciale per la carriera internazionale di Waldteufel .

Regina Vittoria: Grazie all’intervento del Principe di Galles e al contratto con Hopwood & Crew, la musica di Waldteufel venne eseguita a Buckingham Palace davanti alla stessa Regina Vittoria , a testimonianza del suo crescente prestigio.

Case editrici (Distribuzione):

Hopwood & Crew (Londra): L’incontro con il Principe di Galles portò direttamente alla stipula di un contratto editoriale a lungo termine con la casa editrice londinese Hopwood & Crew. Questa casa editrice ebbe un ruolo decisivo nella diffusione mondiale delle opere di Waldteufel. Parte di questa casa editrice era di proprietà di Charles Coote, che era anche direttore della famosa Coote & Tinney’s Band, una delle principali orchestre da ballo londinesi. Ciò garantì che le composizioni di Waldteufel fossero ampiamente eseguite e distribuite .

Editori francesi e tedeschi : Successivamente, gli editori francesi e tedeschi dovettero acquistare i diritti delle sue opere da Hopwood & Crew, il che dimostra l’importanza di questo contratto inglese per la sua reputazione .

Questi rapporti diretti con la famiglia, le corti reali, personaggi influenti ed editori permisero a Émile Waldteufel di trasformarsi da musicista di talento a compositore di fama mondiale, la cui musica lasciò il segno nella sua epoca.

Compositori simili

Per collocare Émile Waldteufel nel panorama musicale, è importante confrontarlo con altri compositori che hanno condiviso la sua epoca, il suo genere musicale o che hanno affrontato la musica da ballo con un approccio simile.

Ecco alcuni compositori simili a Émile Waldteufel:

Johann Strauss II (junior) (1825-1899): questo è il compositore più ovvio e direttamente paragonabile da menzionare. Soprannominato il “Re del Valzer” a Vienna, dominò la scena della musica da ballo austriaca così come Waldteufel dominava quella parigina. Le loro carriere furono parallele , ed entrambi elevarono il valzer allo status di forma d’arte musicale. I “Pattinatori” di Waldteufel sono iconici quanto “Il bel Danubio blu” o il “Valzer dell’Imperatore” di Strauss.

Josef Strauss (1827-1870) ed Eduard Strauss (1835-1916): fratelli di Johann Strauss II, facevano anch’essi parte della dinastia Strauss e composero numerosi valzer, polke e altra musica da ballo in uno stile simile. Contribuirono alla popolarità del genere viennese, che influenzò (e rivaleggiò ) il Waldteufel.

Joseph Lanner (1801-1843): Predecessore degli Strauss a Vienna, Lanner fu anche compositore e direttore d’orchestra di valzer e danze. Gettò le basi per lo stile viennese che gli Strauss svilupparono in seguito .

Franz Lehár (1870-1948): Sebbene più giovane e longevo, Lehár è un altro compositore austriaco famoso per le sue operette e i suoi valzer, in particolare il celebre ” Valzer d’oro e d’argento”. Il suo stile, sebbene più tardo e talvolta più “operettico”, condivide una certa eleganza e un orientamento verso la raffinata musica divertissement .

Olivier Métra (1830-1889): compositore francese , contemporaneo di Waldteufel, molto popolare anche per i suoi valzer, polke e quadriglie eseguiti ai balli parigini. Fu un grande rivale amichevole di Waldteufel sulla scena francese .

Philippe Musard (1792-1859) e Louis-Antoine Jullien (1812-1860): questi due compositori furono figure dominanti della musica da ballo a Parigi prima dell’ascesa di Waldteufel. Svolsero un ruolo cruciale nello sviluppo e nella diffusione della quadriglia e di altri balli da sala, preparando il terreno per il successo di Waldteufel .

compositore e direttore d’ orchestra francese (nessuna parentela con i fratelli Strauss di Vienna), fu molto popolare a Parigi prima e durante parte della carriera di Waldteufel . Diresse i balli di corte e l’Opéra, e contribuì al repertorio del valzer francese .

Questi compositori condividono con Waldteufel il senso della melodia orecchiabile , l’ elegante scrittura orchestrale (spesso per grandi orchestre da ballo) e la capacità di creare musica per il ballo e l’intrattenimento sociale, pur mantenendo una certa raffinatezza e raffinatezza armonica.

Opere famose per pianoforte solo

Émile Waldteufel era un pianista di formazione e compose la maggior parte delle sue opere per pianoforte prima che fossero orchestrate. Di conseguenza, molti dei suoi famosi valzer e polke sono disponibili ed eseguiti anche in versione per pianoforte solo.

Ecco alcune delle sue opere più famose per pianoforte solo :

Il Valzer dei Pattinatori, Op. 183: Senza dubbio il suo valzer più noto. È molto popolare nella versione per pianoforte solo ed è uno dei brani emblematici della letteratura per valzer pianistico.

España , Valzer, Op. 236: Anche questo valzer ispirato a temi spagnoli è molto famoso ed esiste anche in un arrangiamento per pianoforte solo.

Estudiantina, Op. 191: un altro valzer popolare , spesso suonato al pianoforte , che ha dato origine anche a una canzone popolare.

Amore e primavera, op. 230: un valzer lirico e vivace che viene regolarmente eseguito e trascritto per pianoforte.

Dolorès : Questo valzer è conosciuto anche nella versione per pianoforte ed è servito da base per alcune canzoni.

Le Sirene , Op. 154: un altro elegante valzer presente nel repertorio pianistico.

Pomona, Op. 155: Un incantevole valzer disponibile anche per pianoforte.

Sempre o mai più! Un valzer che è una delle sue composizioni più popolari.

Molte delle sue “10 Famous Waltzes ” o altre raccolte raggruppano questi brani in raccolte per pianoforte solo. È importante notare che, sebbene queste opere siano state originariamente scritte per pianoforte , sono spesso più famose nella loro forma orchestrale.

Opere famose

The Skaters, Op. 183 (Valzer): il suo valzer più iconico e rinomato a livello internazionale, che evoca l’eleganza e la leggerezza dei pattinatori sul ghiaccio . È un pilastro del repertorio di valzer da concerto.

España , Valse, Op. 236 (Valzer): Ispirato a temi spagnoli , questo valzer si distingue per la sua passione ed energia, molto popolare nelle orchestre da sala e da concerto.

Estudiantina, Op. 191 (Valzer): un valzer vivace , spesso associato all’atmosfera delle bande studentesche e molto popolare durante i balli e i concerti.

Amore e Primavera, Op. 230 (Valzer): Un valzer lirico e aggraziato, che evoca la tenerezza e la vitalità della primavera. A volte viene citato o riutilizzato in altre opere.

Dolores (Valzer): un altro dei suoi popolari valzer, noto per la sua melodia memorabile e il suo fascino.

Le Sirene , Op. 154 (Valzer): Un valzer elegante e sognante , che raffigura l’immagine delle sirene con melodie fluide .

Pomona, Op. 155 (Valzer): Un valzer piacevole e armonioso, tipico del suo stile raffinato .

Molto bello , Op. 159 (Valzer): Un valzer affascinante e leggero , spesso apprezzato per la sua allegria .

Sempre o mai più! (Valzer): Un valzer vivace che mantiene il suo stile caratteristico.

Queste opere vengono spesso eseguite da orchestre da salotto, da orchestre sinfoniche in concerti leggeri o da bande di ottoni, ed è in questa forma che hanno acquisito la loro grande fama .

Attività al di fuori della composizione

Pianista:

Pianista di corte: questa fu una delle sue attività più prestigiose. Dal 1865 , fu il pianista ufficiale dell’imperatrice Eugenia , suonando per feste private e ricevimenti alla corte imperiale (alle Tuileries, a Compiègne , a Biarritz ) . Questo incarico richiedeva grande virtuosismo e la capacità di intrattenere l’élite sociale e politica dell’epoca.

Insegnante di pianoforte: da giovane, prima di raggiungere la fama , Waldteufel dava lezioni di pianoforte , un’attività comune a molti musicisti per sostenersi .

Pianista accompagnatore: Probabilmente accompagnava altri musicisti o cantanti nei salotti.

Conduttore:

Direttore dei Balli della Corte Imperiale: dal 1866, divenne direttore dei balli ufficiali sotto Napoleone III. Ciò comportava non solo la direzione della propria orchestra, ma anche l’organizzazione e la supervisione della musica per i principali eventi di stato, un ruolo di grande responsabilità e prestigio.

Direttore dei Gran Balli dell’Eliseo : Dopo la caduta dell’Impero e l’instaurazione della Terza Repubblica , Waldteufel continuò a ricoprire incarichi ufficiali, dirigendo i balli presidenziali all’Eliseo , il che dimostra la sua capacità di adattarsi ai cambiamenti politici pur rimanendo una figura chiave della musica d’ intrattenimento ufficiale.

Direttore dei Gran Balli dell’Opéra di Parigi: Nel 1889 raggiunse l’apice della sua carriera di direttore dirigendo i prestigiosi balli dell’Opéra di Parigi.

Direttore d’orchestra in tournée: la sua carriera internazionale lo ha portato a dirigere la sua orchestra in molte capitali europee, come Londra, Berlino e Roma. Non solo ha dovuto dirigere le sue composizioni, ma ha anche gestito i musicisti, le prove e l’organizzazione logistica di queste tournée .

Arrangiatore/Orchestratore:
Sebbene inizialmente avesse composto i suoi valzer per pianoforte, era profondamente coinvolto nell’arrangiamento e nell’orchestrazione delle sue opere per la propria orchestra. Ciò comportava l’adattamento della musica per le varie sezioni dell’orchestra (archi, fiati, ottoni, percussioni), un’attività distinta dalla composizione iniziale del tema melodico .

Redattore / Collaboratore con i redattori:
Instaurò uno stretto rapporto professionale con le case editrici, in particolare con la londinese Hopwood & Crew . Questo includeva trattative, cessioni dei diritti e supervisione (diretta o indiretta) della pubblicazione delle sue opere, cruciale per la loro distribuzione globale.

Personaggio sociale e mondano:
Come rinomato musicista di corte e direttore d’orchestra, Waldteufel era una figura ben nota nell’alta società . Partecipò inevitabilmente alla vita sociale parigina ed europea, consolidando la sua rete di contatti e la sua reputazione .

Insomma, Émile Waldteufel non era un compositore solitario; era un interprete , un direttore musicale e un personaggio chiave della vita culturale e sociale del suo tempo, animando i palcoscenici più prestigiosi d’Europa.

Episodi e aneddoti

Raccontare aneddoti su Émile Waldteufel ci permette di comprendere meglio la personalità del compositore e di immergerci nell’atmosfera del suo tempo. Ecco alcuni episodi e aneddoti degni di nota:

L’orchestra di famiglia e il valzer “Ti amo”:

Prima che Émile diventasse famoso , la famiglia Waldteufel era già un’istituzione musicale a Parigi. Il padre di Émile, Louis, dirigeva un’orchestra molto apprezzata . Si racconta che una sera, a un ballo diretto da Louis , venne suonato un valzer particolarmente vivace e inedito . Il pubblico , entusiasta , chiese subito il nome del compositore. Louis, orgoglioso ma umile, indicò il giovane figlio Émile e disse: “Questo è il valzer di mio figlio, si intitola ‘Je t’aime’!”. Questo aneddoto illustra gli inizi promettenti del giovane Waldteufel e il sostegno della sua famiglia.

Il pianista dell’imperatrice :

pianista personale dell’imperatrice Eugenia non era una mera formalità . Era regolarmente chiamato a suonare per l’imperatrice in contesti intimi. Si dice che Eugenia apprezzasse particolarmente la delicatezza del suo modo di suonare e la raffinatezza delle sue composizioni, che lo distinguevano da molti altri musicisti dell’epoca. Era il suo musicista abituale, suonava per i suoi momenti di relax e i ricevimenti privati, e si dice che persino l’imperatore Napoleone III apprezzasse la sua compagnia, a volte suonando il violino con lui.

L’incontro decisivo con il Principe di Galles:

Questo episodio è uno dei più cruciali della sua carriera . Nel 1874, quando Waldteufel era già noto a Parigi ma non ancora a livello internazionale, il Principe di Galles (il futuro Re Edoardo VII), grande amante della musica e dei balli, partecipò a una festa presso l’Ambasciata francese a Londra (o durante una visita a Parigi; le fonti variano leggermente ) . Rimase letteralmente incantato da un valzer di Waldteufel, “Manolo”. Incantato, il Principe di Galles, noto per la sua influenza, si dice che abbia chiesto al suo editore musicale londinese, Hopwood & Crew, di occuparsi della pubblicazione e della promozione delle opere di questo talentuoso compositore francese . Fu questa spinta reale a lanciare Waldteufel sulla scena internazionale , rendendo “Manolo” un successo clamoroso .

Il “duello” con Johann Strauss II a Berlino:

La rivalità tra Waldteufel e Johann Strauss II era più una sana emulazione che una vera inimicizia. Un famoso aneddoto racconta di un concerto a Berlino nel 1889, dove si sarebbero esibiti i due “re del valzer”. La stampa e il pubblico attendevano con impazienza chi dei due avrebbe ricevuto il maggior numero di applausi. Dopo una serata in cui ciascuno diresse le proprie opere, il fervore per i due compositori fu tale che la stampa berlinese dichiarò infine un “pareggio”, riconoscendo il genio di ciascuno nel proprio stile. Ciò dimostra la reciproca stima e il riconoscimento della loro rispettiva grandezza.

La creazione di “The Skaters”:

la genesi del suo valzer più famoso è un aneddoto affascinante. Si dice che “Les Patineurs” gli sia stato ispirato da una scena da lui osservata al Jardin d’Acclimatation di Parigi (o, secondo altri, al Bois de Boulogne), dove eleganti uomini e donne pattinavano sul ghiaccio. La fluidità dei movimenti, la grazia delle scivolate e la leggerezza dell’atmosfera avrebbero ispirato questa melodia volteggiante, i cui pizzicati iniziali evocano il suono dei pattini sul ghiaccio.

Questi aneddoti tracciano il ritratto di un uomo di talento, circondato dal riconoscimento, che ha catturato lo spirito del suo tempo e ha lasciato un segno indelebile nella storia della musica d’intrattenimento.

(Questo articolo è stato generato da Gemini. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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Appunti su La veneziana (Barcarolle), CG 593 di Charles Gounod, informazioni, analisi e tutorial di interpretazione

Panoramica generale

“La Veneziana, CG 593” di Charles Gounod è un’opera per pianoforte solo composta e pubblicata nel 1874. Si tratta di una barcarola in sol minore.

Una barcarola è un genere musicale tradizionalmente associato ai canti dei gondolieri veneziani. Si caratterizza per un ritmo ondeggiante e trascinante, spesso in 6/8 o 12/8, che evoca il movimento di una gondola sull’acqua.

Sebbene non ci sia una “sinossi” narrativa come per un’opera, “La Veneziana” evoca attraverso la sua musica l’atmosfera di Venezia, con i suoi canali e le sue gondole. Si può immaginare una melodia lirica e fluida che dipinge il romanticismo o la rêverie sull’acqua, come spesso accade nelle barcarole.

In sintesi, “La Veneziana” è un brano di carattere romantico, un affascinante esempio della musica per pianoforte di Gounod, che cattura l’essenza poetica e malinconica di Venezia attraverso il genere della barcarola.


Caratteristiche della musica

Genere e Forma: Barcarola

È una barcarola, un genere musicale che imita il canto dei gondolieri veneziani.

Tipicamente, è scritta in forma ternaria (ABA’ o ABA Coda), dove la sezione A ritorna, talvolta leggermente variata.

Tonalità: Sol minore (g minor)

La tonalità di sol minore conferisce al brano un’atmosfera generalmente malinconica, dolce e talvolta sognante, il che è comune per le barcarole e si adatta bene al carattere evocativo di Venezia.

Ritmo e Metro:

Il ritmo è la caratteristica più distintiva di una barcarola. È generalmente in 6/8 o 12/8, il che crea un movimento ondeggiante e fluttuante, evocando il rollio di una gondola sull’acqua.

Ci si aspetta un accompagnamento di accordi spezzati o arpeggi nella mano sinistra, che mantenga questo movimento regolare e fluido, mentre la mano destra porta la melodia.

Melodia:

La melodia è generalmente lirica, cantabile e fluida. È spesso ornata, con fraseggi eleganti e una linea continua che suggerisce il movimento dell’acqua.

Può presentare momenti di tenerezza, rêverie o nostalgia.

Armonia:

L’armonia di Gounod, tipica del periodo romantico, è ricca ed espressiva.

Sebbene ancorata alla tonalità di sol minore, ci si possono aspettare modulazioni passeggere verso tonalità vicine (ad esempio, le relative maggiori o le tonalità di dominante/sottodominante) per aggiungere colore e interesse.

L’uso di accordi di settima e di nona è probabile per arricchire la tessitura armonica.

Tessitura:

La tessitura è tipicamente omofonica, con una melodia chiara nella mano destra e un accompagnamento distintivo nella mano sinistra.

La mano sinistra manterrà un motivo ritmico regolare, essenziale per l’identità della barcarola.

Espressività e Carattere:

Il brano è impregnato di un carattere poetico ed evocativo.

Mira a creare un’immagine sonora di Venezia, dei suoi canali, delle sue gondole e dell’atmosfera romantica e talvolta malinconica della città.

Le indicazioni di tempo (probabilmente Andante o Moderato) e di dinamiche (sfumature espressive, crescendo e diminuendo sottili) contribuiranno a questa espressività.

In sintesi, “La Veneziana” è una barcarola caratteristica, che sfrutta le convenzioni del genere per dipingere un quadro musicale di Venezia, con un accento sul ritmo cullante, la melodia lirica e un’atmosfera sognante.


Analisi, Tutorial, Interpretazione e Punti Chiave per l’Esecuzione

Analisi Musicale (Per una comprensione approfondita)

“La Veneziana” è una barcarola in Sol minore, tipica dello stile romantico.

Forma: Si tratta generalmente di una forma ternaria (ABA’ o ABA Coda), dove:

  • Sezione A (misure 1-X): Stabilisce il tema principale, spesso malinconico e lirico. La tonalità di Sol minore è predominante. Il ritmo di barcarola (6/8 o 12/8) è solidamente stabilito nell’accompagnamento della mano sinistra.
  • Sezione B (parte centrale): Offre un contrasto. Può modulare a una tonalità correlata (spesso la relativa maggiore, Si bemolle maggiore, o un’altra tonalità luminosa) e presentare una nuova melodia, più cantabile o più drammatica, o semplicemente uno sviluppo del materiale della sezione A.
  • Sezione A’ (ritorno): Il tema iniziale ritorna, spesso con sottili variazioni, un’ornamentazione diversa o un’orchestrazione più ricca al pianoforte.
  • Coda: Conclude il brano, spesso riprendendo elementi tematici e svanendo o affermandosi.

Armonia:

  • Tonalità di Sol minore: È centrale, con l’uso delle armonie tonali (accordi di tonica, sottodominante, dominante).
  • Modulazioni: Aspettatevi modulazioni passeggere, in particolare verso tonalità vicine (Re minore, Do minore, Si bemolle maggiore – relativa maggiore).
  • Accordi di prestito/alterati: Gounod, come molti compositori romantici, può utilizzare accordi di settima diminuita, accordi di dominante secondari per aggiungere colore e tensione.

Melodia e Contrappunto:

  • La melodia principale è generalmente nella mano destra, lirica ed elegante.
  • Notate i fraseggi, i punti culminanti delle frasi e il modo in cui la melodia fluisce.
  • A volte, Gounod può introdurre elementi di contrappunto o linee secondarie interessanti nell’accompagnamento.

Ritmo e Metro (6/8 o 12/8):

  • Il ritmo di barcarola è la firma. La mano sinistra suona un motivo pulsante, spesso con un basso sul primo tempo e accordi o arpeggi sui tempi successivi (es: Basso – Accordo – Accordo…). Questo ritmo deve essere assolutamente stabile e bilanciato.

Tutorial per l’apprendimento al pianoforte

Ascolto Attivo: Ascoltate diverse registrazioni di “La Veneziana” per immergervi nel carattere e nel fraseggio. Ascoltate altre barcarole (Chopin, Mendelssohn, Fauré) per comprendere il genere.

Ritmo della Mano Sinistra (Fondazione):

  • Priorità assoluta: Padroneggiate il movimento ondeggiante della mano sinistra. Deve essere regolare, leggero e fluido, come le onde.
  • Pratica separata: Suonate solo la mano sinistra, molto lentamente, contando precisamente il 6/8 (1–2–3–4–5–6). Visualizzate la pulsazione sui tempi 1 e 4.
  • Legato del basso: Nell’accompagnamento tipico (basso su 1, poi accordi su 2–3 e 4–5–6), assicuratevi che il basso (tempi 1 e 4) sia ben legato e dia l’impulso.

Melodia della Mano Destra (Linea Cantabile):

  • Pratica separata: Suonate solo la mano destra, concentrandovi sulla bellezza del suono, sul legato e sul fraseggio. Immaginate di cantare la melodia.
  • Respirazione musicale: Identificate i punti di “respirazione” nella melodia, dove si possono prendere piccole pause per fraseggiare.
  • Contrasto dinamico: Osservate le indicazioni di sfumature (p, mp, f, crescendo, diminuendo) e lavoratele fin dall’inizio.

Coordinazione delle Due Mani:

  • Molto lentamente all’inizio: Cominciate a mettere insieme le mani molto, molto lentamente. Concentratevi sulla sincronizzazione.
  • Non affrettatevi: Non cercate di raggiungere il tempo finale prima che ogni nota e ogni ritmo siano chiari e sotto controllo.
  • Ascoltate l’equilibrio: Assicuratevi che la melodia della mano destra sia sempre udibile e predominante, mentre la mano sinistra fornisce un supporto ritmico e armonico discreto ma stabile.

Sezioni:

  • Lavorate ogni sezione (A, B, A’) separatamente, quindi assemblatele.
  • Identificate i punti di transizione tra lezioni.

Interpretazione (Come dare vita alla musica)

Il Carattere Veneziano:

  • L’Ondeggiamento: Questo è il cuore della barcarola. Il movimento della mano sinistra deve evocare il dondolio di una gondola sull’acqua calma. Non è un brano agitato; è dolce e fluido.
  • La Poesia e la Rêverie: Gounod era un maestro della melodia. Questo brano è un’evocazione poetica. Pensate all’atmosfera di Venezia: le luci soffuse, i canali, forse una certa malinconia.
  • Canto: La melodia deve “cantare”. Immaginate un cantante lirico. Il legato deve essere impeccabile, i fraseggi naturali.

Dinamiche e Sfumature:

  • Contrasti sottili: Le dinamiche probabilmente non sono estreme. Pensate a crescendo e diminuendo graduali che aggiungono espressività.
  • Il culmine: Identificate i vertici espressivi di ogni frase o sezione e costruite verso di essi.

Sustain Pedal (Pedale Forte): Usate il pedale con discernimento. È cruciale per il legato e per creare un suono risonante e avvolgente, ma evitate l’eccesso che renderebbe il suono fangoso, soprattutto con il movimento costante della mano sinistra. Spesso, il pedale viene rilasciato e riattivato ad ogni cambio di armonia o ad ogni pulsazione forte.

Tempo:

  • Il tempo deve essere “Andante” o “Moderato”, il che significa un tempo di marcia tranquilla, non troppo lento per perdere il movimento, non troppo veloce per perdere la poesia. Mantenete una pulsazione stabile per tutta la durata.
  • Evitate rubato eccessivi che potrebbero spezzare il movimento della barcarola, ma sono benvenuti leggeri allentamenti del tempo per il fraseggio.

Punti Importanti per Suonare al Pianoforte

  • Indipendenza delle Mani: La mano destra deve essere in grado di cantare liberamente senza essere disturbata dal movimento costante della mano sinistra, e viceversa.
  • Legato e Articolazione: Il legato della melodia è primordiale. Assicuratevi che le note siano ben legate. Nella mano sinistra, il legato è ugualmente importante per mantenere la fluidità.

Qualità Sonora:

  • Tocco: Sviluppate un tocco dolce e risonante. Evitate un suono percussivo.
  • Equilibrio Sonoro: La melodia deve essere valorizzata. La mano sinistra deve essere un supporto dolce, mai schiacciante.

Gestione del Pedale: È essenziale per questo brano.

  • Ascoltate attentamente. Spesso, il pedale verrà cambiato sul primo tempo di ogni battuta o sui maggiori cambiamenti armonici.
  • Sperimentate per trovare la quantità di pedale che offre il miglior equilibrio tra chiarezza e risonanza.

Distanza Fisica: Il movimento ondeggiante della barcarola richiede una certa flessibilità nel braccio e nel polso, soprattutto della mano sinistra. Evitate qualsiasi tensione per permettere al suono di fluire liberamente.

Concentrazione sul Movimento: Anche nei passaggi più lirici, non dimenticate mai il movimento sottostante della barcarola. È ciò che conferisce al brano il suo carattere unico.

Affrontando “La Veneziana” con questi punti in mente, potrete non solo suonarla tecnicamente, ma anche renderla un’interpretazione espressiva ed evocativa, catturando la bellezza e la malinconia di Venezia che Gounod ha così ben dipinto.


Storia

Charles Gounod, questo grande melodista francese, compose “La Veneziana, CG 593” nel 1874. Per comprenderne la “storia”, bisogna collocarla nel contesto dell’opera di Gounod e dell’epoca.

Gounod era allora all’apice della sua carriera, celebre per le sue opere come “Faust” e “Romeo e Giulietta”, che avevano conquistato il pubblico con le loro melodie liriche e la loro drammaturgia romantica. Parallelamente a queste opere monumentali, scrisse anche numerosi brani per pianoforte, romanze e musica religiosa.

“La Veneziana” non è un’opera con una complessa storia narrativa come un’opera lirica. La sua “storia” risiede piuttosto nella sua ispirazione e nel quadro emotivo che cerca di dipingere.

Come barcarola, si inserisce in una tradizione musicale che risale ai canti dei gondolieri veneziani. Venezia, con i suoi canali, le sue gondole e la sua atmosfera romantica e talvolta malinconica, è sempre stata una musa per gli artisti. Numerosi compositori romantici furono affascinati da questa città e cercarono di catturarne l’essenza nella loro musica – Mendelssohn, Chopin, Fauré sono altri esempi celebri con le loro barcarole.

Gounod, scrivendo “La Veneziana”, volle evocare questa particolare atmosfera. Si può immaginare che abbia cercato di tradurre in musica il dolce ondeggiare di una gondola sull’acqua, il mormorio delle onde, e forse una certa rêverie o nostalgia associata alle luci della città galleggiante. È un pezzo di carattere, un “pezzo a programma” nel senso che suggerisce una scena, un’atmosfera, piuttosto che raccontare un evento preciso.

La storia di “La Veneziana” è quindi quella di un’impressione musicale, di un tentativo riuscito di Gounod di trasporre l’immagine di Venezia in una melodia lirica e un ritmo ondeggiante per pianoforte solo. Essa testimonia la sua abilità nel creare atmosfere poetiche anche nelle sue opere più modeste per strumento solo, e la sua affinità per le belle linee melodiche che caratterizzano tutta la sua opera. È una pagina affascinante del repertorio pianistico romantico, che continua a trasportare l’ascoltatore verso gli incanti intramontabili della Serenissima.


Stile(i), movimento(i) e periodo di composizione

Per comprendere lo stile di “La Veneziana, CG 593” di Charles Gounod, è necessario collocarla nel suo contesto storico e stilistico.

La Veneziana fu composta nel 1874. A quell’epoca, la musica romantica era al suo apice, e Gounod era una delle sue figure emblematiche, soprattutto conosciuto per le sue opere.

Ecco una scomposizione dello stile de “La Veneziana”:

Antica o Nuova in quel momento?

La musica di Gounod, e “La Veneziana” in particolare, non era né radicalmente antica né radicalmente nuova per il suo tempo. Si inseriva saldamente nelle convenzioni stabilite dello stile romantico. Gounod non era un “rivoluzionario” musicale come Liszt o Wagner, che spingevano i limiti della forma e dell’armonia.

Era piuttosto una musica che sfruttava con maestria ed eleganza le acquisizioni del romanticismo, privilegiando la bellezza melodica e l’espressione sentimentale.

Tradizionale o Innovativa?

È chiaramente tradizionale nel suo approccio. Gounod utilizzava forme stabilite (come la forma ternaria tipica dei pezzi di carattere), armonie tonali arricchite ma convenzionali, e una scrittura pianistica idiomatica per l’epoca.

Il genere della barcarola stesso è tradizionale, con esempi celebri che risalgono a Mendelssohn e Chopin. Gounod non reinventa il genere, ma vi apporta il suo tocco personale e il suo lirismo caratteristico.

Polifonia o Omofonia?

La Veneziana è decisamente omofonica. La tessitura caratteristica è quella di una melodia chiara e cantabile nella mano destra, sostenuta da un accompagnamento ritmico e armonico (spesso arpeggiato o in accordi spezzati) nella mano sinistra. Non ci sono linee melodiche indipendenti multiple che interagiscono in modo contrappuntistico complesso, come si troverebbe in una fuga (polifonia). L’accento è posto sulla melodia principale e sul suo supporto armonico.

Classificazione Stilistica:

  • Classico? No. Sebbene erediti la chiarezza formale dell’era classica, le sue preoccupazioni espressive, il suo lirismo, le sue armonie colorate e la sua natura descrittiva la situano ben oltre i limiti dello stile classico.

  • Romantico? Assolutamente, e per eccellenza.
    • Evocazione e Poesia: È un pezzo di carattere che mira a evocare una scena (Venezia, la gondola) e un’emozione (rêverie, malinconia, romanticismo). Questa è una caratteristica chiave del romanticismo.
    • Melodia Lirica: La primazia della melodia cantabile ed espressiva è un marchio di fabbrica di Gounod e del romanticismo.
    • Armonia: Utilizzo di armonie ricche, talvolta cromatiche, e modulazioni espressive, pur rimanendo ancorate alla tonalità.
    • Soggettività: La musica cerca di esprimere sentimenti e atmosfere interiori.
  • Nazionalista? No, non nel senso stretto del nazionalismo musicale che vedrebbe compositori integrare elementi folcloristici o idiomi specifici del loro paese. Gounod è un compositore francese, ma “La Veneziana” è un brano universalmente romantico, ispirato a una città italiana, e non a un particolare folclore francese.

  • Impressionista? Decisamente no. L’impressionismo musicale (Debussy, Ravel) emergerà solo più tardi, verso la fine del XIX secolo e l’inizio del XX secolo. L’impressionismo si caratterizza per armonie più ambigue (modi, scale per toni interi, accordi senza risoluzione), tessiture sfumate, un’assenza di melodie chiaramente definite a favore di colori sonori e atmosfere eteree. “La Veneziana”, con la sua melodia chiara, la sua tonalità solida e la sua struttura riconoscibile, è l’antitesi dell’impressionismo.

In sintesi, lo stile di “La Veneziana” è quello di un brano romantico caratteristico e tradizionale, che pone l’accento su una melodia omofonica ed evocativa, impregnata di un’atmosfera poetica e malinconica, tipica della scrittura di Charles Gounod.


Composizioni simili

Dato che “La Veneziana” di Gounod è una barcarola romantica per pianoforte, ecco alcune composizioni simili che potresti apprezzare, sia per genere (barcarola), stile (pezzo di carattere romantico), strumento (pianoforte solo) o compositore:

1. Altre Barcarole per Pianoforte Solo:

Questa è la categoria più diretta e pertinente, poiché la barcarola è stata un genere molto apprezzato in epoca romantica.

  • Frédéric Chopin:
    • Barcarola in Fa diesis maggiore, Op. 60: È senza dubbio la più celebre e sviluppata delle barcarole per pianoforte. È più virtuosa e drammatica di quella di Gounod, ma condivide lo stesso ritmo ondeggiante e il carattere poetico.
  • Felix Mendelssohn:
    • Canti senza parole (Lieder ohne Worte): Molti dei suoi “Canti senza parole” sono barcarole. Cerca in particolare:
      • Op. 19 No. 6 in Sol minore (“Venetianisches Gondellied” – “Canto del gondoliere veneziano”)
      • Op. 30 No. 6 in Fa diesis minore (“Venetianisches Gondellied”)
      • Op. 62 No. 5 in La minore (“Venetianisches Gondellied”)
        Questi brani di Mendelssohn sono particolarmente vicini allo spirito di Gounod per il loro lirismo ed eleganza.
  • Gabriel Fauré:
    • Fauré ha composto 13 Barcarole che esplorano il genere con una sottigliezza armonica e melodica propria della sua “melodia eterna”. Sono più tarde e armonicamente più sofisticate, ma conservano lo spirito dell’ondeggiamento. Le più accessibili potrebbero essere le prime (Op. 26, Op. 30, Op. 44).
  • Anton Rubinstein:
    • Molte delle sue Barcarole per pianoforte erano anche popolari pezzi da salotto in epoca romantica (es: Op. 50 No. 3).
  • Jacques Offenbach:
    • Sebbene sia più conosciuto per l’operetta, la sua celebre “Barcarola” dai Racconti di Hoffmann è inizialmente un duetto vocale, ma è molto spesso trascritta ed eseguita al pianoforte solo, catturando perfettamente l’atmosfera veneziana.

2. Altri Brani di Carattere Romantici Francesi (per pianoforte solo):

Opere che condividono lo stesso spirito di lirismo ed evocazione.

  • Charles Gounod stesso:
    • Altri suoi brani per pianoforte solo, sebbene meno celebri, potrebbero presentare un lirismo simile.
  • Camille Saint-Saëns:
    • Diversi suoi brani per pianoforte, come impromptus, preludi o piccoli pezzi lirici. Ha anche scritto una propria barcarola per pianoforte.
  • Cécile Chaminade:
    • Compositrice francese prolifica di pezzi da salotto, molte delle sue opere per pianoforte hanno un fascino melodico e uno stile romantico accessibile (es: “Automne”, “Scarf Dance”).
  • Jules Massenet:
    • “Mélodies” per pianoforte o “Pièces de genre” che condividono lo stesso senso della melodia e dell’eleganza.

3. Brani evocativi di atmosfera acquatica o notturna (Pianoforte Solo):

  • Claude Debussy:
    • Sebbene di stile impressionista (più tardo e diverso da Gounod), i suoi brani come “Reflets dans l’eau” (Riflessi nell’acqua) o “Poissons d’or” (Pesci d’oro) evocano l’acqua con una palette sonora molto diversa, ma un obiettivo simile di evocazione. (Solo per la tematica, non per lo stile).
  • Franz Liszt:
    • “Les Jeux d’eau à la Villa d’Este” (I giochi d’acqua a Villa d’Este) (sebbene virtuosistico e posteriore), se apprezzi l’evocazione dell’acqua.

Per qualcuno che apprezza “La Veneziana” di Gounod, le barcarole di Mendelssohn e le prime di Fauré, oltre naturalmente alla monumentale Barcarola di Chopin, sarebbero le prime e più arricchenti piste da esplorare.

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Appunti su Souvenance, CG 590 di Charles Gounod, informazioni, analisi e tutorial di interpretazione

Panoramica generale

“Souvenance, CG 590” di Charles Gounod è un’opera per pianoforte solo, classificata come un notturno. Composta e pubblicata nel 1865, è dedicata al signor Francis Deffell.

Ecco una panoramica generale:

Genere e Forma: È un notturno, un genere musicale popolare all’epoca romantica, spesso caratterizzato da un’atmosfera sognante, contemplativa e lirica, generalmente eseguito al pianoforte. I notturni sono noti per le loro melodie espressive e la loro ricca armonia.

Strumentazione: L’opera è scritta specificamente per il pianoforte.

Periodo Stilistico: “Souvenance” si inserisce pienamente nel Romanticismo, un periodo in cui l’espressione delle emozioni, la soggettività e la melodia erano primordiali nella musica.

Atmosfera: Come suggerisce il titolo (“Souvenance” significa “ricordo” in francese antico, richiamando “souvenir”), ci si può aspettare un pezzo che evoca nostalgia, sogno o ricordo. I notturni di Gounod, come quelli di Chopin o Field, sono spesso intimi e poetici.

Popolarità: Sebbene Gounod sia conosciuto soprattutto per le sue opere come “Faust” e “Romeo e Giulietta”, ha anche composto un numero significativo di opere per pianoforte. “Souvenance” è uno di questi pezzi, sebbene meno celebre delle sue grandi opere vocali. Rimane apprezzata per la sua bellezza melodica e il suo fascino romantico.

In sintesi, “Souvenance, CG 590” è un notturno romantico per pianoforte che invita alla contemplazione e all’evocazione di ricordi, tipico dello stile melodico ed espressivo di Gounod.


Caratteristiche della musica

  1. Struttura e Forma:

    Probabile forma Ternaria (ABA’): Come molti notturni, è molto probabile che “Souvenance” segua una struttura ternaria.

    • Sezione A: Introduzione del tema principale, lirico e melodioso, che stabilisce l’atmosfera contemplativa.
    • Sezione B: Un episodio contrastante, spesso con un cambio di tonalità, di tempo o di carattere, che porta un momento di tensione o di riflessione diversa.
    • Sezione A’: Il ritorno del tema iniziale, spesso con variazioni o un’ornamentazione più elaborata, che conduce a una conclusione pacifica.

    Breve durata: I notturni sono generalmente pezzi brevi, della durata di pochi minuti.

  2. Melodia:

    Lirica e cantabile: La melodia è l’elemento centrale, concepita per essere cantabile ed espressiva, come una vocalizzazione o un’arietta al pianoforte. Questa è una caratteristica essenziale dello stile di Gounod, fortemente influenzato dall’opera.

    Fraseggio elegante: Il fraseggio è probabilmente fluido e dolce, con linee melodiche che si sviluppano naturalmente.

    Ornamentazione delicata: Ci si possono aspettare ornamentazioni (appoggiature, gruppetti, trilli leggeri) che aggiungono grazia ed espressività senza appesantire la melodia.

  3. Armonia:

    Consonante e ricca: L’armonia è prevalentemente consonante, creando una sensazione di calma e bellezza. Tuttavia, Gounod utilizza accordi ricchi, spesso con estensioni (nonne, undicesime) o rivolti che aggiungono profondità e un colore romantico.

    Modulazioni espressive: Modulazioni dolci e talvolta inaspettate possono essere usate per esplorare diverse sfumature emotive e arricchire il discorso musicale, tipiche della scrittura romantica.

    Uso del pedale: L’uso frequente del pedale di sustain è essenziale per legare le armonie e creare una sonorità risonante e diffusa, caratteristica dei notturni.

  4. Ritmo e Tempo:

    Tempo moderato e fluttuante: Il tempo è probabilmente lento o moderato (“Andante” o “Moderato”), permettendo alla melodia di respirare. Sono attesi rubato sottili, che danno flessibilità al ritmo e sottolineano l’espressività.

    Accompagnamento regolare: La mano sinistra assicura spesso un accompagnamento regolare, spesso sotto forma di arpeggi spezzati o accordi distanziati, che fornisce un supporto armonico stabile alla melodia della mano destra. Questo motivo di accompagnamento è emblematico del notturno.

  5. Dinamiche ed Espressione:

    Sottile contrasto dinamico: I cambiamenti di dinamica sono generalmente graduali e non estremi, andando dal pianissimo delicato al mezzo forte espressivo, creando un’atmosfera intima e contemplativa.

    Indicazioni espressive: La partitura è suscettibile di contenere numerose indicazioni espressive (es: dolce, espressivo, cantabile, sostenuto) che guidano l’interprete verso la poesia dell’opera.

  6. Stile Generale:

    Romanticismo lirico francese: “Souvenance” è un esempio perfetto del romanticismo lirico francese, meno drammatico di alcuni dei suoi contemporanei tedeschi, ma che privilegia la chiarezza, l’eleganza e la bellezza melodica.

    Influenza operistica: Anche al pianoforte, Gounod traspone la sua sensibilità vocale. La melodia può spesso essere percepita come una “voce” accompagnata dalla tastiera.

In sintesi, “Souvenance” è un brano in cui la melodia cantabile ed espressiva è sostenuta da un’armonia ricca e suggestiva, il tutto in un’atmosfera di sogno e contemplazione tipica del notturno romantico.


Analisi, Tutorial, interpretazione e punti importanti per l’esecuzione

Analisi di “Souvenance, CG 590” (Notturno)

Per un’analisi precisa, lo spartito è essenziale, ma ecco cosa ci si può generalmente aspettare da un notturno di Gounod:

Forma: Molto probabilmente una forma ternaria (ABA’) classica.

  • Sezione A: Stabilisce il tema principale, spesso lirico e malinconico. La tonalità principale (probabilmente una tonalità minore o una tonalità maggiore dolce come Si bemolle Maggiore, Fa Maggiore o Sol Maggiore per questo tipo di opera) è chiaramente stabilita. Viene introdotto il motivo di accompagnamento tipico dei notturni (arpeggi spezzati o accordi regolari nella mano sinistra).
  • Sezione B: Offre un contrasto. Questo potrebbe essere un cambio di tonalità (verso la relativa maggiore/minore, o una tonalità più distante), un cambio di ritmo, una melodia più agitata o più appassionata, o una tessitura più densa. Questo è il cuore emotivo dove l’espressione può intensificarsi.
  • Sezione A’: Ritorno del tema iniziale, spesso arricchito da ornamentazioni, sottili variazioni o una coda che porta a una conclusione pacifica e riflessiva, spesso pianissimo.

Armonia:

  • Consonante con dissonanze espressive: L’armonia sarà generalmente bella e lirica, ma Gounod utilizzerà dissonanze non risolte o ritardi per creare tensione e colore emotivo (ad esempio, accordi di nona, appoggiature).
  • Modulazioni: Modulazioni dolci e talvolta inaspettate, ma sempre fluide, per esplorare diverse sfumature armoniche.
  • Pedale: L’uso intensivo del pedale di sustain è cruciale per legare le armonie, creare un alone sonoro e sostenere le linee melódiche.

Melodia:

  • Cantabile e vocale: La melodia della mano destra è sovrana. Deve cantare, come un’aria d’opera. Gounod è prima di tutto un compositore lirico.
  • Fraseggio lungo e “respirante”: Le frasi melodiche saranno probabilmente lunghe, richiedendo un grande controllo del “respiro musicale”.
  • Ornamentazione: Trilli, gruppetti, appoggiature che arricchiscono la linea senza appesantirla.

Ritmo e Metrica:

  • Spesso 4/4 o 6/8: Queste metriche permettono un movimento fluido e un facile accompagnamento in arpeggi.
  • Rubato: Si prevede un rubato naturale ed espressivo per dare flessibilità e sentimento alla melodia.

Tutorial per il pianoforte

Lettura a prima vista iniziale:

  • Inizia suonando lentamente, mani separate. Concentrati sul riconoscimento delle note, del ritmo e del fraseggio.
  • Identifica la tonalità principale e i maggiori cambiamenti armonici.

Mano Sinistra (Accompagnamento):

  • Regolarità e Dolcezza: L’accompagnamento deve essere regolare, ma mai meccanico. Deve essere il tappeto sonoro su cui poggia la melodia.
  • Ascolto dell’armonia: Suona la mano sinistra concentrandoti sulla bellezza degli accordi e sulla loro risonanza.
  • Legato del basso: Assicura un legato perfetto per la linea del basso, anche se il resto dell’arpeggio è più leggero.

Mano Destra (Melodia):

  • Canta la melodia: Letteralmente. Se non riesci a cantarla, non potrai farla cantare al pianoforte.
  • Peso e suono: La melodia deve avere un suono pieno e ricco, anche a dinamiche dolci. Usa il peso del braccio per creare un suono profondo piuttosto che colpire con il dito.
  • Fraseggio e respiro: Identifica la fine delle frasi e immagina “respiri” per strutturare la melodia. Non tagliare le frasi.

Mani Insieme:

  • Equilibrio delle voci: La melodia della mano destra deve essere sempre prominente rispetto all’accompagnamento della mano sinistra. La mano sinistra deve rimanere discreta ma presente.
  • Coordinazione del rubato: Lavora sul rubato in modo che sia naturale e sincronizzato tra le due mani. Il rubato deve servire la melodia, non essere arbitrario.

Pedale: Sperimenta con il pedale di sustain.

  • Cambia il pedale ad ogni cambio di armonia, o almeno sui tempi forti.
  • Non esitare a usare “mezzi pedali” o cambi rapidi per evitare la confusione armonica mantenendo la risonanza.
  • Il pedale deve creare un suono legato e un’atmosfera, non un suono confuso.

Interpretazione

L’interpretazione di “Souvenance” deve concentrarsi sull’espressione del sentimento e dell’emozione.

Atmosfera:

  • Sognante e Contemplativa: Il titolo “Souvenance” (ricordo) suggerisce un’introspezione, una reminiscenza. L’atmosfera deve essere dolce, a volte malinconica, ma mai disperata.
  • Intimità: È un brano per sé, o per un pubblico intimo. Il suono deve essere delicato e personale.

Sensibilità Melodica:

  • Cantabile: Punta a un suono cantabile, espressivo, con sfumature sottili. Ogni nota della melodia deve avere un senso.
  • Linee lunghe: Pensa in termini di linee melodiche lunghe, non di singole note. Questo aiuta a creare un flusso musicale.

Dinamiche:

  • Sfumature sottili: Evita contrasti dinamici troppo bruschi. I crescendo e decrescendo devono essere progressivi e organici.
  • Pianissimo espressivo: La capacità di produrre un pianissimo con qualità sonora è cruciale per l’atmosfera.

Rubato:

  • Naturale e guidato dal fraseggio: Il rubato non deve essere eccessivo o manierato. Deve derivare dalla melodia, sottolineare i punti culminanti delle frasi e permettere all’espressione di respirare. Pensa a un cantante che si prende il suo tempo su alcune note o frasi.

Colore Sonoro:

  • Timbro: Cerca timbri variati, anche all’interno delle dinamiche dolci. Ad esempio, una sezione può essere più “chiara” e un’altra più “scura”.

Punti importanti per suonare il pianoforte

Padronanza della sonorità:

  • Tocco legato: Sviluppa un tocco legato molto fine, soprattutto nella mano destra. Ogni nota deve legarsi perfettamente alla successiva.
  • Peso e rilassamento: Suona con il peso del braccio e della mano, non con la forza delle dita. Il rilassamento è fondamentale per ottenere un suono ricco ed evitare la tensione.

Ascolto attento:

  • Equilibrio delle voci: Esercitati ad ascoltare costantemente l’equilibrio tra la melodia e l’accompagnamento. La mano sinistra non deve mai coprire la destra.
  • Risonanza: Ascolta come il pedale influisce sulla risonanza delle armonie.

Tecnica del pedale:

  • Precisione: Cambia il pedale con precisione, al momento giusto, generalmente sul tempo (o subito dopo l’attacco di un nuovo accordo per l’effetto legato).
  • Mezzo pedale / Pedale vibrato: Impara a usare queste tecniche per pulire la risonanza senza tagliare completamente il suono.

Ritmo interno:

  • Anche con il rubato, conserva un senso interno del tempo. Il rubato deve essere una deviazione temporanea del polso, non una perdita totale di esso.

Memorizzazione e immersione:

  • Una volta acquisite le basi tecniche, lavora sull’immersione emotiva. Più conosci il brano a memoria, più sarai libero di concentrarti sull’espressione.

Contestualizzazione:

  • Ascolta altri notturni di Gounod, Chopin, Field, Fauré. Questo ti darà una migliore idea dello stile e dell’atmosfera ricercata.

Suonare “Souvenance” è un’opportunità per esplorare la bellezza lirica e la poesia di Gounod al pianoforte. È un brano che privilegia il cuore e l’anima sulla pura virtuosità tecnica.


Storia

La storia di “Souvenance, CG 590” di Charles Gounod è quella di un piccolo gioiello musicale nato nel cuore della sua carriera fiorente. Composta e pubblicata nel 1865, questa pièce per pianoforte solo si inserisce in un periodo in cui Gounod era già un compositore riconosciuto e celebrato, in particolare grazie al successo strepitoso della sua opera “Faust”, creata nel 1859.

A quell’epoca, Gounod, sebbene principalmente conosciuto per le sue grandi opere liriche e sacre, coltivava anche un’affinità particolare per la musica da camera e i pezzi per pianoforte. Componeva una varietà di opere che dimostravano la sua capacità di creare melodie espressive e armonie delicate, anche al di fuori del contesto operistico. “Souvenance” ne è un esempio perfetto.

Il titolo stesso, “Souvenance”, un termine un po’ arcaico che significa “ricordo” o “reminiscenza”, dà immediatamente il tono. Suggerisce un’atmosfera di nostalgia, di sogno intimo, una sorta di meditazione musicale sul passato o su emozioni profonde. È molto probabile che Gounod abbia voluto catturare un sentimento personale o universale, una contemplazione dolce e malinconica, attraverso questa pièce.

La dedica a Monsieur Francis Deffell indica una relazione personale o professionale per Gounod. Sfortunatamente, i dettagli precisi della relazione tra Gounod e Deffell, e se questa dedica sia legata a un evento particolare o a una semplice dimostrazione di stima, non sono ampiamente documentati. Tuttavia, le dediche erano comuni all’epoca e servivano spesso a onorare amici, mecenati, allievi o colleghi musicisti.

“Souvenance” forse non ha la grandezza o la risonanza storica delle grandi opere di Gounod, ma rappresenta una sfaccettatura importante della sua opera: quella di un compositore capace di tradurre emozioni sottili e atmosfere poetiche attraverso il linguaggio del pianoforte. È un brano che, per la sua natura di notturno, si inserisce nella linea delle opere di Chopin o Field, offrendo uno spazio di introspezione e di lirismo puro. Testimonia la versatilità di Gounod e il suo talento nel creare melodie indimenticabili, anche in forme più ridotte e intime. È un invito a rallentare, ad ascoltare e a lasciarsi trasportare dalle dolci reminiscenze che evoca.


Episodi e aneddoti

Sebbene “Souvenance, CG 590” di Charles Gounod sia un incantevole brano per pianoforte, è molto meno documentata in termini di aneddoti ed episodi specifici rispetto alle sue grandi opere come “Faust” o “Romeo e Giulietta”. I brani da salotto e le opere per pianoforte solo, anche di compositori celebri, lasciavano raramente tracce dettagliate in corrispondenze, diari intimi o critiche dell’epoca, a meno di un evento straordinario legato alla loro creazione o alla loro prima esecuzione pubblica.

Tuttavia, si possono estrapolare alcuni “aneddoti” o “episodi” probabili basati sul contesto dell’epoca e sullo stile di vita di Gounod:

L’ispirazione silenziosa del salotto parigino:

Piuttosto che un aneddoto pubblico, immaginate Gounod, già celebre nel 1865, nella quiete del suo salotto parigino, o forse durante un soggiorno in campagna. Circondato dai confortevoli mobili borghesi dell’epoca, si siede al pianoforte. La melodia di “Souvenance” (il ricordo) gli viene in mente, forse ispirata da un paesaggio pacifico, un volto amato, o un’emozione fugace di nostalgia. Lontano dal tumulto delle prove d’opera, questo brano sarebbe nato da un momento di introspezione personale, un contrasto con le esigenze drammatiche delle sue opere sceniche. L’aneddoto qui è l’assenza di aneddoti rumorosi, rivelando una parte più intima del compositore.

La dedica a Francis Deffell: un legame sociale discreto:

La dedica al signor Francis Deffell, sebbene non conosciamo i dettagli del loro rapporto, è di per sé un piccolo episodio. Francis Deffell era probabilmente un amico, un ammiratore, o forse un allievo di Gounod. Si può immaginare Gounod che gli offre la partitura manoscritta, o una delle prime edizioni, con una nota d’affetto. Forse Deffell era un pianista amatoriale di talento per il quale Gounod desiderava creare un’opera al suo livello, un brano che potesse essere eseguito in circoli privati, senza la pressione di una grande esibizione pubblica. Questa dedica sottolinea la rete sociale e le amicizie musicali di Gounod, spesso intessute nei salotti parigini.

Centinaia di “prime” nei salotti:

A differenza di un’opera che ha un’unica “prima” mondiale, “Souvenance” ha probabilmente avuto centinaia, se non migliaia, di “prime esecuzioni” in contesti privati. Immaginate una giovane borghese dell’epoca, o un giovane appassionato di musica, che scopre la partitura appena stampata di Gounod. Si siedono al pianoforte e suonano le prime note del notturno, sforzandosi di cogliere il lirismo e la dolcezza della melodia. Ogni volta che una persona scopriva e suonava questo brano, era un “primo episodio” personale, un’immersione intima nell’universo musicale di Gounod. L’aneddoto non è quello del grande concerto, ma quello del sussurro del pianoforte nell’intimità di una casa.

Il relativo oblio di fronte ai giganti:

Un aneddoto, sebbene triste per il brano, è il suo destino rispetto alle opere maggiori di Gounod. “Souvenance” è stata eclissata dall’immenso successo delle sue opere. Si potrebbe raccontare la storia di un Gounod sorridente, forse un po’ divertito, nel vedere i suoi “piccoli” brani per pianoforte relegati in secondo piano dal clamore pubblico intorno a “Faust”. Questo “aneddoto” è una riflessione sulla gerarchia dei generi all’epoca e sul modo in cui la posterità a volte sceglie di ricordare alcune opere più di altre, anche se le meno celebri sono miniature di bellezza.

In sintesi, gli episodi e gli aneddoti intorno a “Souvenance” appartengono più al campo dell’evocazione e della deduzione che a fatti storici precisi e mediati. Raccontano la storia di una musica concepita per l’intimità, il piacere personale e la diffusione discreta nelle sfere private del XIX secolo.


Stile(i), movimento(i) e periodo di composizione

Raccontare lo stile di “Souvenance, CG 590” di Charles Gounod significa immergersi nel cuore del Romanticismo francese di metà Ottocento.

Lo stile generale di “Souvenance” è risolutamente e inequivocabilmente: Romantico.

Analizziamo ciò più in dettaglio:

Antico o Nuovo a quel tempo (1865)?

Nel 1865, lo stile romantico è al suo apice ed è la musica “attuale” e dominante. Non è in alcun modo “antico”. Compositori come Chopin (morto nel 1849) avevano già definito il genere del notturno, e Gounod si inserisce pienamente in questa tradizione consolidata e fiorente. Tuttavia, non è neanche “rivoluzionario” nel senso che non introduce una rottura radicale con le convenzioni armoniche o formali dell’epoca.

Tradizionale o Innovativo?

“Souvenance” è un’opera tradizionale nella sua forma e nel suo linguaggio armonico, tipica del notturno romantico. Non è innovativa nel senso che non sfida le convenzioni stabilite dell’epoca. Gounod non era uno sperimentatore armonico audace come Liszt o Wagner. Il suo genio risiedeva nell’eleganza melodica e nella bellezza dell’espressione all’interno delle strutture stabilite. Segue le “regole” del Romanticismo senza cercare di infrangerle.

Polifonia o Monofonia?

“Souvenance” è principalmente omofonica, il che è caratteristico della musica romantica. La melodia (generalmente nella mano destra) è chiaramente la voce dominante e principale, sostenuta da un accompagnamento armonico (generalmente nella mano sinistra) che le è subordinato. Sebbene possano esserci momenti in cui la linea del basso acquisisce una certa indipendenza o in cui si verificano brevi imitazioni, la tessitura non è principalmente contrappuntistica come nella musica barocca o in alcune opere classiche. La bellezza risiede nella chiarezza della linea melodica e nella ricchezza dell’armonia che la accompagna.

Classico, Romantico, Nazionalista, Impressionista o Post-romantico?

  • Romantico: Assolutamente. Questa è la categoria principale. Le caratteristiche tipiche del Romanticismo sono onnipresenti:
    • Lirismo: Una melodia cantabile ed espressiva, primordiale.
    • Espressività emotiva: La musica mira a evocare sentimenti (nostalgia, sogno, dolcezza).
    • Armonia ricca e colorata: Utilizzo di accordi estesi, dissonanze espressive risolte.
    • Rubato: Flessibilità del tempo per l’espressione.
    • Forme libere o caratterizzate: Il notturno è una forma libera ed evocativa.
    • Soggettività e individualismo: Il brano invita all’introspezione.
  • Classico: No. Sebbene possa avere una certa chiarezza di forma e di equilibrio ereditata dal classicismo, il suo linguaggio armonico, la sua priorità dell’emozione e il suo uso del rubato la collocano saldamente al di fuori dello stile classico.
  • Nazionalista: Non direttamente. Sebbene Gounod sia francese, “Souvenance” non contiene elementi folklorici, temi patriottici o caratteristiche musicali specificamente legate alla musica popolare francese dell’epoca. Il suo linguaggio è universalmente romantico.
  • Impressionista: Assolutamente no. L’Impressionismo (con Debussy e Ravel) emergerà molto più tardi (fine XIX, inizio XX secolo) con caratteristiche armoniche (accordi paralleli, scale esotiche), melodiche (meno lirismo tradizionale, più suggestione) e timbriche (sfumato, atmosfera suggestiva) totalmente diverse. Gounod nel 1865 è ben prima di questa rivoluzione.
  • Post-romantico: No. Il Post-romanticismo (fine XIX – inizio XX secolo, con compositori come Richard Strauss, Mahler, Rachmaninov) è caratterizzato da un’intensificazione drammatica, un’orchestrazione massiccia, armonie ancora più complesse e talvolta dissonanti, e forme più lunghe e ambiziose. “Souvenance” è un pezzo da camera conciso ed elegante, non un’opera monumentale post-romantica.

In conclusione, “Souvenance, CG 590” è un’opera profondamente romantica, caratterizzata dal suo lirismo melodico, dalla sua armonia espressiva e dalla sua atmosfera contemplativa. È un bellissimo esempio dello stile omofonico e tradizionale che dominava la scena musicale in Francia a metà del XIX secolo.


Composizioni simili

“Souvenance, CG 590” è un notturno romantico per pianoforte. Per trovare composizioni simili, bisogna cercare altri brani per pianoforte dello stesso genere, dello stesso periodo stilistico, e idealmente di compositori che condividano una sensibilità lirica simile.

Ecco un elenco di composizioni e compositori che potrebbero essere considerati simili a “Souvenance” di Gounod:

  1. Altri Notturni Romantici:
    • Frédéric Chopin: È il maestro indiscusso del notturno. Se amate la dolcezza e il lirismo di “Souvenance”, probabilmente apprezzerete qualsiasi dei suoi 21 notturni.
      • Notturno in Mi bemolle Maggiore, Op. 9 n. 2
      • Notturno in Do diesis minore, Op. Postuma
      • Notturno in Fa diesis Maggiore, Op. 15 n. 2
    • John Field: È considerato l’inventore del notturno. I suoi brani sono più semplici ma molto eleganti.
      • Notturno n. 5 in Si bemolle Maggiore
    • Gabriel Fauré: Sebbene leggermente successivo e tendente a un romanticismo più raffinato, i suoi notturni condividono una sensibilità melodica e armonica.
      • Notturno n. 1 in Mi bemolle minore, Op. 33 n. 1
    • Alexander Scriabin: Alcuni dei suoi primi notturni (prima delle sue sperimentazioni armoniche) possono richiamare Gounod per il loro lirismo.
      • Notturno per la mano sinistra, Op. 9 n. 2
  2. Altri brani per pianoforte dello stesso Charles Gounod:
    • Gounod ha scritto altre opere per pianoforte che condividono lo stesso spirito lirico e la stessa scrittura:
      • Sei Romances sans paroles: Questi brani sono molto simili ai notturni nel loro approccio melodico ed espressivo.
      • La Veneziana (Barcarola), CG 593: Un altro brano di carattere di Gounod, spesso caratterizzato da una melodia fluida e un accompagnamento ondeggiante.
      • Melodie celebri arrangiate per pianoforte: Le sue arie d’opera più popolari, se arrangiate fedelmente per pianoforte, avranno una qualità melodica simile.
  3. Brani da salotto e “romanze senza parole” di altri compositori francesi (e alcuni altri):
    • Molti compositori dell’epoca scrivevano brani brevi e melodici per il pianoforte, spesso destinati ai salotti.
    • Felix Mendelssohn: I suoi “Lieder ohne Worte” (Canzoni senza parole) sono l’archetipo del genere e condividono la stessa grazia melodica.
      • Lieder ohne Worte, Op. 19 n. 1 in Mi Maggiore
      • Lieder ohne Worte, Op. 62 n. 6 “Canto di primavera”
    • Robert Schumann: Sebbene spesso più complessi, alcuni dei suoi “Fantasiestücke” o “Kinderszenen” possono avere una qualità sognante simile.
      • Kinderszenen (Scene d’infanzia), Op. 15 (in particolare “Träumerei”)
    • Cécile Chaminade: Compositrice francese nota per i suoi incantevoli brani da salotto.
      • Scarf Dance (La Lisonjera), Op. 37
    • Jules Massenet: Un altro compositore francese noto per il suo lirismo vocale, che si ritrova anche nelle sue opere per pianoforte.
      • Élégie (arrangiata per pianoforte solo)
      • Valse folle

Queste composizioni condividono lo stesso periodo stilistico (Romanticismo), la stessa strumentazione (pianoforte solo) e una sensibilità incentrata sulla melodia, sull’espressione di sentimenti intimi e su un’armonia ricca, il che le rende molto simili nello spirito a “Souvenance” di Gounod.

(Questo articolo è stato generato da Gemini. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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