Appunti su John Cage e le sue opere

Vista d’insieme

John Cage (1912-1992) è stato un compositore, filosofo, teorico musicale e pioniere della musica sperimentale statunitense. È noto per aver rivoluzionato il concetto di musica esplorando il silenzio, le operazioni casuali e gli strumenti non convenzionali, sfidando i confini tradizionali tra musica e rumore.

Episodi chiave della sua vita e della sua carriera:

Prima vita e formazione:

Nato a Los Angeles, Cage mostra un interesse precoce per l’arte, la letteratura e la musica.

Studia con il famoso compositore Arnold Schoenberg, che ammira la dedizione di Cage ma lo avverte che il suo approccio sperimentale lo porterà a una vita di difficoltà.

Invenzione del pianoforte preparato (1938):

Cage inventa il pianoforte preparato inserendo oggetti come viti, bulloni e gomma tra le corde di un pianoforte a coda per creare suoni percussivi e ultraterreni.

Il suo pezzo rivoluzionario “Sonatas and Interludes” (1946-48) è stato composto per pianoforte preparato ed è oggi considerato una pietra miliare della musica del XX secolo.

Silenzio e “4′33″ (1952):

L’opera più famosa e controversa di Cage, “4′33″, consiste in 4 minuti e 33 secondi di silenzio intenzionale, in cui gli esecutori siedono senza suonare, permettendo ai suoni ambientali di diventare la ‘musica’.

Questo pezzo ha ridefinito radicalmente il concetto di musica, costringendo gli ascoltatori a mettere in discussione il confine tra rumore e suono.

Chance Music and I Ching (1951):

Cage adottò il testo divinatorio cinese I Ching (Libro dei Mutamenti) per introdurre le operazioni casuali nella composizione.

Con questo metodo, rinunciò al controllo su molti aspetti della sua musica, permettendo alla casualità e all’indeterminazione di plasmare il risultato.

Tra le opere che utilizzano il caso si ricordano “Music of Changes” (1951) e “Atlas Eclipticalis” (1961).

Collaborazione con Merce Cunningham:

Cage ha avuto una collaborazione personale e professionale per tutta la vita con il coreografo d’avanguardia Merce Cunningham.

I due esplorarono l’idea di separare musica e danza, permettendo loro di coesistere in modo indipendente pur occupando lo stesso spazio performativo.

Interesse per la filosofia orientale:

Cage fu profondamente influenzato dal buddismo zen, che lo incoraggiò ad abbracciare il silenzio, l’imprevedibilità e l’impermanenza del suono.

Esplorazione della tecnologia e del multimediale:

Cage esplorò l’uso della tecnologia e dell’elettronica nella musica, producendo opere come “Cartridge Music” (1960), in cui gli esecutori manipolano cartucce fonografiche per creare ambienti sonori unici.

Curiosità divertenti e affascinanti:

Appassionato di funghi:

Cage era un appassionato cercatore di funghi e vinse persino un quiz sull’identificazione dei funghi in un programma televisivo italiano!

Ha co-fondato la New York Mycological Society e ha scritto molto sui funghi.

Il capolavoro silenzioso non era silenzioso:

In “4′33″, il pubblico diventa parte del pezzo. Cage disse una volta: “Non esiste il silenzio”, poiché i suoni ambientali, come tosse o fruscio, creano la musica.

Influenza sull’Avanguardia e sulla cultura pop:

Le idee di Cage hanno ispirato non solo compositori classici, ma anche musicisti sperimentali, artisti rock e artisti visivi. La sua influenza si avverte nelle opere di Brian Eno, Sonic Youth e persino Yoko Ono.

L’anti-ego nella musica:

Cage rifiutava l’idea di espressione personale nella musica. Il suo obiettivo era rimuovere l’ego del compositore, permettendo ai suoni di “essere se stessi”.

Conferenze come performance:

Le conferenze di Cage erano spesso strutturate come performance, utilizzando operazioni casuali per dettare il flusso e il tempo delle parole.

Eredità e impatto:

Il lavoro di Cage continua a ispirare generazioni di musicisti, artisti e pensatori, incoraggiando l’esplorazione al di là della musica convenzionale.

Rimane una pietra miliare della musica d’avanguardia del XX secolo e una figura cardine nella ridefinizione dell’arte e del suono.

Storia

La storia di John Cage: un viaggio tra suono e silenzio
La vita di John Cage è stata un viaggio di esplorazione, ribellione e profonda curiosità che ha ridefinito ciò che la musica poteva essere. Nato il 5 settembre 1912 a Los Angeles, in California, Cage era figlio di un inventore, il che forse ha gettato il seme della sua successiva attrazione per la sperimentazione e il superamento dei limiti. Fin da giovane, Cage fu attratto dalle arti, dedicandosi inizialmente alla letteratura e all’architettura. Tuttavia, durante un viaggio in Europa negli anni ’30, dove esplorò la pittura e l’arte moderna, capì che la musica era la sua vera vocazione.

Trovare la sua strada nella musica

Cage tornò negli Stati Uniti e iniziò a studiare composizione, prima con Richard Buhlig e poi con Arnold Schoenberg, uno dei compositori più influenti del XX secolo. Schoenberg riconobbe il potenziale di Cage, ma lo mise in guardia sul fatto che il suo approccio sperimentale avrebbe portato a un percorso di lotta. Cage, imperterrito, accettò la sfida. Non era interessato a seguire le regole stabilite, ma era determinato a ridefinirle.

Durante questo periodo, Cage sviluppò una fascinazione per le percussioni e le fonti sonore non convenzionali. Vedeva il ritmo e il suono come elementi fondamentali della musica. I suoi primi lavori esploravano strutture ritmiche complesse e incorporavano strumenti non tradizionali, come barattoli di latta, gong e tamburi dei freni. Credeva che qualsiasi suono potesse essere musica se affrontato con intenzione e consapevolezza.

Il pianoforte preparato: Una rivoluzione nel suono

Nel 1938, mentre lavorava a un pezzo di danza per la coreografa Syvilla Fort, Cage incontrò un problema logistico: aveva bisogno di un’orchestra di percussioni, ma aveva solo un pianoforte a coda. Per necessità, escogitò una soluzione radicale: modificò il pianoforte inserendo viti, bulloni, gomma e altri oggetti tra le corde. Questa invenzione, che chiamò pianoforte preparato, trasformò lo strumento in un’orchestra in miniatura capace di produrre suoni percussivi, ossessionanti ed eterei.

Il pianoforte preparato divenne centrale nel lavoro di Cage per il decennio successivo, culminando nel suo capolavoro “Sonate e Interludi” (1946-1948), una raccolta di 20 brevi pezzi ispirati alla filosofia indiana e all’esplorazione di dualità come la tranquillità e l’agitazione.

Il silenzio e la nascita del “4′33″

L’opera più famosa e controversa di Cage, “4′33″, è nata dal suo crescente interesse per il silenzio e il suono ambientale. La sua esplorazione del silenzio fu profondamente influenzata dal buddismo zen, che incontrò grazie all’amicizia con Daisetz Teitaro Suzuki. La filosofia Zen insegnò a Cage ad abbracciare l’impermanenza e la casualità della vita, incoraggiandolo a vedere il silenzio non come assenza di suono, ma come uno spazio in cui emergono i suoni del mondo.

Nel 1952, Cage presentò per la prima volta “4′33″, un pezzo in cui gli esecutori rimangono in silenzio per 4 minuti e 33 secondi, permettendo al pubblico di sperimentare i suoni ambientali intorno a loro. Molti rimasero sconcertati, ma Cage la considerò una dichiarazione profonda: la musica era ovunque e il silenzio non era mai veramente tale. Cage ha osservato notoriamente: “Il silenzio non esiste”, riflettendo sulla sua esperienza in una camera anecoica dove poteva ancora sentire i suoni del suo stesso corpo.

Il caso e l’I Ching: lasciare andare il controllo

Negli anni Cinquanta, il fascino di Cage per la casualità lo portò ad adottare le operazioni casuali come strumento compositivo. Influenzato dall’antico testo divinatorio cinese I Ching (Libro dei Mutamenti), Cage iniziò a usare il caso per determinare vari aspetti delle sue composizioni: altezza, durata, dinamica e persino forma strutturale.

Il suo pezzo di riferimento “Music of Changes” (1951) fu composto interamente attraverso operazioni casuali, rinunciando al controllo sul risultato finale. Per Cage, questo approccio era una dichiarazione filosofica oltre che musicale: faceva un passo indietro per lasciare che i suoni “fossero se stessi”, liberi dall’ego del compositore.

Collaborazione con Merce Cunningham: La musica incontra la danza

La collaborazione di Cage con il coreografo d’avanguardia Merce Cunningham è stata una delle più significative della sua carriera. I due hanno lavorato insieme per decenni, sfidando le nozioni convenzionali su come la musica e la danza dovrebbero interagire. Piuttosto che creare musica per accompagnare la danza o viceversa, Cage e Cunningham permisero alle due forme d’arte di coesistere indipendentemente, incontrandosi solo nello spazio della performance. Questo approccio radicale aprì nuove possibilità per entrambe le discipline e cementò il loro status di pionieri dell’avanguardia.

Abbracciare la tecnologia e il multimedia

Cage fu anche un precoce esploratore della musica elettronica e dell’arte multimediale. In opere come “Cartridge Music” (1960), invitò gli esecutori a manipolare le cartucce dei fonografi per produrre trame sonore imprevedibili. Sperimentò con registratori a nastro, radio e altre tecnologie emergenti, confondendo ulteriormente il confine tra rumore e musica.

Una vita oltre la musica: Micologia e filosofia

Gli interessi di Cage andavano ben oltre la musica. Era un micologo dilettante devoto (esperto di funghi) e la sua conoscenza dei funghi era così vasta che una volta vinse una gara di identificazione di funghi in un programma televisivo italiano! L’amore di Cage per i funghi rispecchiava il suo approccio alla vita e alla musica: entrambi richiedevano pazienza, osservazione e apprezzamento per l’inaspettato.

Eredità di un filosofo musicale

La morte di John Cage nel 1992 ha segnato la fine di una vita dedicata a sfidare le convenzioni e a ripensare la definizione stessa di musica. Ma le sue idee continuano a risuonare. L’influenza di Cage si estende ben oltre la musica classica, toccando il rock sperimentale, la musica ambientale e persino l’arte concettuale. La sua convinzione che la musica potesse nascere dal silenzio e che qualsiasi suono potesse essere musica ha aperto la strada a generazioni di artisti che continuano a esplorare il suono in modi nuovi e inaspettati.

Una volta Cage disse: “Non riesco a capire perché la gente abbia paura delle nuove idee. Io ho paura di quelle vecchie”. Attraverso il suo lavoro, Cage ha invitato il mondo ad ascoltare in modo diverso, a trovare la bellezza nel caos e ad abbracciare l’imprevedibile sinfonia della vita.

Cronologia

Prima vita e formazione (1912-1933)

1912: John Milton Cage Jr. nasce il 5 settembre a Los Angeles, in California.

1928: Si diploma alla Los Angeles High School come valedictorian.

1930: Si iscrive al Pomona College per studiare teologia ma si ritira dopo due anni, sentendosi disilluso dall’istruzione tradizionale.

1933: Viaggia in Europa per esplorare l’arte, l’architettura e la letteratura. In questo periodo decide di dedicarsi alla musica.

Esordio come compositore (1934-1940)

1934: Torna in California e inizia a studiare composizione con Richard Buhlig.

1935: Studia con Henry Cowell alla New School for Social Research di New York, dove viene introdotto alla musica non occidentale e ad approcci non convenzionali.

1935-1937: Studia con Arnold Schoenberg, che sottolinea l’importanza della struttura nella composizione.

1937: Sposa Xenia Andreyevna Kashevaroff, artista e nativa dell’Alaska, ma divorzierà nel 1945.

1938: Inizia a comporre per ensemble di percussioni, esplorando il ritmo e gli strumenti non convenzionali.

L’invenzione del pianoforte preparato (1938-1948)

1938: Lavorando con la ballerina Syvilla Fort, Cage modifica un pianoforte a coda inserendo degli oggetti tra le corde, creando così il pianoforte preparato.

1940: Compone “Bacchanale”, il primo grande pezzo per pianoforte preparato.

1941: Si trasferisce a Chicago e lavora alla Chicago School of Design.

1942: Si trasferisce a New York ed entra a far parte della scena musicale e artistica d’avanguardia.

1946-1948: Compone “Sonate e interludi” per pianoforte preparato, un’opera fondamentale ispirata alla filosofia indiana.

Embracing Silence and Chance (1949-1960)

1949: Incontra il coreografo Merce Cunningham, che diventa il suo partner e collaboratore artistico per tutta la vita.

1950: Studia il buddismo zen con D.T. Suzuki, che lo influenza profondamente nel pensiero e nella musica.

1951: Compone “Music of Changes”, il primo brano che utilizza operazioni casuali derivate dall’I Ching.

1952: Esegue la prima di “4′33″, il suo famoso pezzo muto, in cui gli esecutori rimangono in silenzio per 4 minuti e 33 secondi, invitando il pubblico ad ascoltare i suoni ambientali.

1952: Inizia a collaborare con Merce Cunningham, stabilendo un rapporto innovativo in cui musica e danza esistono indipendentemente.

Esplorazione dell’elettronica e dei multimedia (1960-1970)

1960: Crea “Cartridge Music”, una delle sue prime opere con suoni elettronici.

1962: Esordisce con “0′00″, noto anche come ‘4′33″ No. 2’, in cui qualsiasi azione intrapresa dall’esecutore è considerata il pezzo.

1966: Pubblica “Silenzio: Lectures and Writings”, una raccolta di saggi e riflessioni che articolano la sua filosofia artistica.

1967: Collabora con Marcel Duchamp a “Reunion”, un brano di musica elettronica in cui le mosse degli scacchi innescano eventi sonori.

1969: Sviluppa HPSCHD, un elaborato pezzo multimediale per clavicembalo e computer in collaborazione con Lejaren Hiller.

Espansione degli orizzonti: Micologia e oltre (1970-1980)

1970s: Diventa un esperto di funghi e co-fonda la New York Mycological Society.

1975: Pubblica “Mushrooms and Variations”, che riflette la sua profonda conoscenza e passione per i funghi.

1978: Crea “Branches”, un pezzo in cui gli artisti utilizzano piante amplificate e oggetti naturali.

Tarda carriera ed esplorazione filosofica (1980-1990)

1982: Compone “Thirty Pieces for Five Orchestras”, che riflette il suo continuo interesse per l’indeterminazione.

1987: Pubblica “X: Writings ‘79-’82”, che documenta ulteriormente le sue riflessioni artistiche.

1988: le opere di Cage sono esposte alla Biennale di Venezia, per mostrare il suo contributo alla sound art e alle installazioni multimediali.

Ultimi anni e eredità (1990-1992)

1990: Riceve il Premio Kyoto per le Arti e la Filosofia, che riconosce il suo impatto duraturo sulla musica e sulla cultura.

1991: Compone “Europera V”, una delle sue ultime opere.

1992: John Cage muore per un ictus il 12 agosto a New York, poche settimane prima del suo 80° compleanno.

Influenza postuma ed eredità

1993 e oltre: L’influenza di Cage continua a crescere, ispirando compositori, artisti visivi e pensatori di tutte le discipline.

Le sue opere, i suoi scritti e le sue idee hanno lasciato un segno indelebile nei movimenti dell’avanguardia, del minimalismo e dell’arte sperimentale, ridefinendo il modo in cui percepiamo il suono e il silenzio.

La vita di Cage è stata una continua ricerca per ridefinire i confini della musica e della percezione, lasciando un’eredità che continua a sfidare e ispirare.

Caratteristiche della musica

Caratteristiche della musica di John Cage: Un suono oltre i confini
La musica di John Cage sfidava le convenzioni, sfidando le definizioni tradizionali di suono e silenzio e invitando gli ascoltatori a sperimentare l’inaspettato. Il suo lavoro non si limitava a creare melodie o armonie, ma esplorava il suono come fenomeno, abbracciando la casualità, il silenzio e approcci non convenzionali alla composizione. Di seguito sono elencate le caratteristiche che hanno dato forma all’approccio rivoluzionario di Cage alla musica.

1. Il silenzio come musica

Il pezzo più famoso di Cage, “4′33″ (1952), esemplifica la sua convinzione radicale che il silenzio non sia un’assenza di suono, ma un’opportunità di ascoltare i suoni ambientali.

Nel lavoro di Cage il silenzio non era un vuoto, ma un invito per il pubblico a sperimentare l’ambiente come musica, abbattendo il confine tra esecutore e ascoltatore.

L’esperienza di Cage con il buddismo zen gli insegnò che il silenzio non è mai veramente tale: egli osservò notoriamente: “Il silenzio non esiste”, dopo aver ascoltato i suoni del proprio corpo in una camera anecoica.

2. Chance e Indeterminazione (Musica Aleatoria)

Cage è stato il pioniere delle operazioni casuali per creare musica, eliminando l’ego del compositore e permettendo alla casualità di plasmare il risultato.

Spesso utilizzava l’I Ching (Libro dei Mutamenti), un antico sistema divinatorio cinese, per determinare elementi musicali come l’altezza, la durata e la dinamica.

In pezzi come “Music of Changes” (1951), Cage ha rinunciato al controllo sulla struttura, lasciando che lo svolgimento della musica fosse dettato da eventi imprevedibili.

Indeterminatezza: Molte opere di Cage lasciavano elementi significativi (come la durata, l’ordine o il numero di ripetizioni) agli esecutori, dando loro la libertà di interpretare il brano in modo diverso ogni volta.

3. Il pianoforte preparato: Trasformare uno strumento

Cage rivoluzionò la musica pianistica inventando il pianoforte preparato nel 1938, modificando lo strumento con l’inserimento di oggetti come bulloni, viti e gomma tra le corde.

Questo trasformò il pianoforte in uno strumento percussivo e ultraterreno, capace di produrre un’ampia gamma di timbri ed effetti.

Le sue “Sonate e Interludi” (1946-48) per pianoforte preparato esplorano una serie di suoni delicati, risonanti e ritmici, influenzati dalla filosofia indiana e dall’espressione di diverse emozioni.

4. Abbracciare i suoni e i rumori quotidiani

Cage sfidò la tradizionale separazione tra musica e rumore, affermando che tutti i suoni, naturali o artificiali, sono materiali musicali validi.

Traeva ispirazione dall’ambiente, incorporando suoni della vita quotidiana, come in “Imaginary Landscape No. 4” (1951), che utilizza 12 radio sintonizzate su frequenze casuali.

Il suo concetto di “musica come esperienza” incoraggiava gli ascoltatori a percepire tutti i suoni come parte di un paesaggio sonoro più ampio.

5. Strutture non lineari e forme aperte

Le opere di Cage spesso sfidavano le tradizionali nozioni occidentali di forma musicale, che enfatizzavano la progressione lineare e il climax.

Egli prediligeva strutture non lineari in cui gli eventi si svolgevano in modo imprevedibile, a volte con più elementi indipendenti che accadevano simultaneamente.

In opere come “Fontana Mix” (1958), gli esecutori seguono partiture grafiche o visive, consentendo innumerevoli variazioni nell’esecuzione.

Composizioni dalla forma aperta come “Concerto per pianoforte e orchestra” (1957-58) permettono agli esecutori di scegliere percorsi diversi attraverso la partitura, creando ogni volta performance uniche.

6. Esplorazione dell’elettronica e dei multimedia

Cage è stato uno dei primi compositori a incorporare l’elettronica e la multimedialità nelle sue opere.

In pezzi come “Cartridge Music” (1960), gli esecutori manipolavano le cartucce dei fonografi per creare trame sonore imprevedibili.

La sua collaborazione con Lejaren Hiller per “HPSCHD” (1969) combinava musica per clavicembalo con suoni generati dal computer ed elaborate proiezioni visive, facendo da pioniere nell’intersezione tra musica e tecnologia.

7. Indipendenza di musica e movimento (collaborazione con Merce Cunningham)

La collaborazione di Cage con il coreografo d’avanguardia Merce Cunningham introdusse l’idea che la musica e la danza potessero esistere indipendentemente pur condividendo lo stesso spazio di esecuzione.

Questo approccio rifiutava l’idea tradizionale che la musica dovesse accompagnare o dettare il movimento, dando a entrambe le forme d’arte pari autonomia.

Le loro opere comuni, come “Variations” (1958), incarnano questa filosofia, permettendo alla danza e al suono di coesistere senza gerarchie.

8. Influenza dello Zen e della filosofia orientale

Lo studio di Cage del buddismo zen e della filosofia orientale ha plasmato profondamente la sua visione artistica.

Concetti come impermanenza, casualità e accettazione del momento presente hanno permeato le sue opere.

La sua musica invita l’ascoltatore a sperimentare il suono senza giudizio, incoraggiando una più profonda consapevolezza dell’ambiente circostante.

9. Uso di partiture grafiche e notazioni non convenzionali

Cage abbandonò spesso la notazione tradizionale, optando per partiture grafiche che utilizzavano forme astratte, linee e simboli per guidare gli esecutori.

Pezzi come “Variations” e “Atlas Eclipticalis” (1961) forniscono indicazioni visive piuttosto che istruzioni precise, offrendo agli esecutori la libertà di interpretare il materiale.

Queste partiture aperte consentono innumerevoli possibilità, rendendo ogni esecuzione un evento unico.

10. Filosofia anti-autoritaria e anti-ego

Cage rifiutava il ruolo del compositore come creatore onnipotente.

Cercò di eliminare l’ego dalla musica rinunciando al controllo e permettendo al suono di parlare da solo.

Questa filosofia si è estesa al suo insegnamento, ai suoi scritti e alla sua persona pubblica, dove ha sempre sostenuto l’idea che la musica e la vita debbano essere vissute con apertura e curiosità.

Sommario: Un nuovo modo di ascoltare

La musica di John Cage non ha mai riguardato solo il suono, ma ha cambiato il nostro modo di ascoltare. Abbracciando il silenzio, la casualità e la ricchezza del rumore quotidiano, Cage ha aperto nuove possibilità per la musica, incoraggiando il pubblico a impegnarsi con il suono in modo più consapevole e coinvolgente. La sua influenza continua a riecheggiare nella musica sperimentale moderna, nella sound art e nelle performance multimediali, sfidandoci a chiederci: che cos’è la musica e dove comincia?

Impatti e influenze

L’impatto e l’influenza di John Cage: dare forma al suono del futuro
John Cage non ha solo cambiato il modo di comporre la musica, ma ha ridefinito il modo in cui ascoltiamo il mondo. Grazie al suo lavoro pionieristico con il silenzio, il caso e le fonti sonore non convenzionali, Cage ha lasciato un segno indelebile nella musica, nelle arti visive, nella danza e oltre. La sua influenza si estende ben oltre l’avanguardia, ispirando generazioni di artisti di tutte le discipline a pensare in modo diverso il suono, la performance e l’espressione creativa. Di seguito sono riportati gli impatti e le influenze più profonde del lavoro di Cage.

1. Ridefinizione della musica: Silenzio e suono ambientale

Il pezzo più iconico di Cage, “4′33″ (1952), invitava il pubblico a sperimentare il silenzio come musica, spostando l’attenzione dall’esecutore all’ambiente.

La sua affermazione che “tutto ciò che facciamo è musica” incoraggiava gli ascoltatori a percepire i suoni ambientali intorno a loro come parte dell’esperienza musicale.

La filosofia di Cage ha gettato le basi per la musica ambientale e la sound art, ispirando artisti come Brian Eno e Max Neuhaus, che hanno esplorato il potenziale musicale dei suoni ambientali e trovati.

2. Pioniere del caso e dell’indeterminazione nella musica

Cage introdusse il concetto di musica aleatoria (chance), in cui gli elementi di una composizione sono lasciati a processi casuali o alle decisioni dell’esecutore.

Utilizzando l’I Ching (Libro dei Mutamenti), Cage rinunciò al controllo sui risultati musicali, permettendo alla casualità di plasmare le sue opere.

La sua influenza è visibile nel lavoro di Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez e altri compositori d’avanguardia che hanno esplorato l’indeterminazione nelle loro composizioni.

L’approccio di Cage di lasciare andare il controllo ha ispirato musicisti sperimentali ed elettronici successivi, da John Zorn ad Aphex Twin, che hanno abbracciato la casualità e l’improvvisazione nelle loro opere.

3. L’invenzione del pianoforte preparato: Espansione delle possibilità dello strumento

Il pianoforte preparato di Cage trasformò il pianoforte a coda in un’orchestra di percussioni in miniatura, alterando il suo timbro attraverso oggetti posti tra le corde.

La sua opera fondamentale “Sonate e interludi” (1946-48) dimostrò il vasto potenziale sonoro di questa nuova tecnica.

Il pianoforte preparato divenne un potente strumento per i compositori d’avanguardia, influenzando artisti come George Crumb e Henry Cowell ed espandendo i confini del repertorio pianistico classico.

4. Influenza sulla musica elettronica e sperimentale

Le esplorazioni di Cage nel campo dell’elettronica e della multimedialità hanno aperto la strada a nuovi paesaggi sonori nella musica elettronica e sperimentale.

In opere come “Cartridge Music” (1960), sperimentò con le cartucce del fonografo e amplificò piccoli suoni, anticipando l’ascesa della musique concrète e della musica elettronica.

Il suo uso della tecnologia e della casualità influenzò artisti come Steve Reich, Terry Riley e Morton Subotnick, che esplorarono nuove possibilità nel minimalismo e nella musica elettroacustica.

5. Trasformare la danza e la performance: La collaborazione con Merce Cunningham

La collaborazione di Cage con il coreografo Merce Cunningham, durata tutta la vita, rivoluzionò il rapporto tra musica e danza.

I due artisti rifiutarono l’idea che la musica dovesse accompagnare o dettare il movimento, permettendo invece alle due forme di coesistere indipendentemente, creando performance imprevedibili e dinamiche.

Questo approccio radicale ha influenzato generazioni di coreografi e artisti, tra cui Yvonne Rainer e il movimento Judson Dance Theater.

6. Impatto sull’arte visiva e concettuale

Le idee di Cage hanno risuonato profondamente con le arti visive, in particolare con il movimento Fluxus, che ha abbracciato il caso, l’interattività e le esperienze quotidiane come arte.

Artisti come Nam June Paik, Yoko Ono e Marcel Duchamp (con cui Cage collaborò) incorporarono le filosofie di Cage nel loro lavoro, fondendo musica, arte visiva e performance.

L’uso di partiture grafiche e di notazioni non convenzionali ha influenzato gli artisti che consideravano la performance come un evento dinamico e imprevedibile piuttosto che una presentazione statica e provata.

7. Fondazione per l’arte del suono e le installazioni

L’affermazione di Cage secondo cui qualsiasi suono può essere musica ha gettato le basi per l’emergere della sound art come disciplina distinta.

Artisti del suono come Bill Fontana e Alvin Lucier hanno esplorato i suoni ambientali e l’acustica spaziale, facendo eco alla fascinazione di Cage per il rumore ambientale.

Le idee di Cage continuano a informare le installazioni sonore contemporanee e le esperienze audio interattive nelle gallerie e negli spazi pubblici.

8. Influenza sul minimalismo e sul postmodernismo

L’enfasi di Cage sulla semplicità, la ripetizione e il silenzio ha avuto un profondo impatto su compositori minimalisti come Steve Reich, Philip Glass e La Monte Young.

Il suo approccio al processo e alla struttura ha influenzato il cambiamento postmoderno nella musica, dove la narrazione tradizionale e il climax sono stati sostituiti da forme aperte e schemi in evoluzione.

L’uso di Cage di strutture non lineari e di forme indeterminate ha ispirato una generazione di compositori che ha messo in discussione le rigide strutture della musica classica occidentale.

9. Cambiamento del ruolo dell’esecutore e del pubblico

Cage ha reso meno netti i confini tra compositore, esecutore e pubblico, trasformando gli ascoltatori passivi in partecipanti attivi.

Il suo uso del caso e dell’indeterminazione ha dato agli esecutori un ruolo maggiore nel plasmare il risultato finale, rendendo ogni performance unica.

Questa filosofia partecipativa ha influenzato la performance art contemporanea, la musica improvvisata e i media interattivi, incoraggiando il pubblico a impegnarsi direttamente con l’opera.

10. Influenza sulla filosofia, sulla letteratura e oltre

Gli scritti di Cage, tra cui “Silence: Lectures and Writings” (1961), articolavano una filosofia che andava ben oltre la musica, toccando lo Zen, l’esistenzialismo e il pensiero orientale.

Le sue idee sull’accettazione, l’impermanenza e l’apertura all’esperienza hanno risuonato con filosofi, scrittori e artisti che cercano di esplorare i confini tra vita e arte.

L’influenza di Cage è evidente nelle opere di pensatori come Marshall McLuhan e Allan Kaprow, che hanno esplorato idee simili nella teoria della comunicazione e negli happening.

11. Un’eredità filosofica duratura: Un nuovo modo di ascoltare

Soprattutto, Cage ci ha insegnato ad ascoltare in modo diverso: a sentire la musica non solo nelle sale da concerto, ma anche nel fruscio delle foglie, nel ronzio di una città o nel silenzio di una stanza.

La sua filosofia incoraggia la consapevolezza, l’attenzione e l’apertura al momento presente, valori che continuano a risuonare in tutte le discipline.

Sintesi: un cambiamento radicale nella percezione

L’impatto di John Cage non è stato solo musicale: è stato filosofico, estetico e culturale. Ha ridefinito ciò che la musica poteva essere, ha invitato il pubblico ad abbracciare l’imprevedibilità e ha confuso i confini tra arte e vita. La sua influenza riecheggia nelle opere di innumerevoli compositori, artisti visivi, ballerini e pensatori, rendendolo una delle figure più trasformative del XX secolo. L’eredità di Cage continua a ispirarci ad ascoltare, osservare e abbracciare l’inaspettata sinfonia della vita.

Genere(i) e stile(i) di musica

L’identità musicale di John Cage: Un’eredità che sfida le categorie

L’opera di John Cage trascende le facili categorizzazioni, in quanto è stato un pioniere che ha continuamente ridefinito i confini della musica. Tuttavia, la sua musica si interseca con diversi generi e movimenti, pur non rientrando mai in nessuna categoria. Vediamo come il suo lavoro si collega a questi stili musicali:

1. Musica d’avanguardia (SI )

Cage è saldamente radicato nella tradizione dell’avanguardia, sfidando le nozioni convenzionali di musica e suono.

Il suo uso di operazioni casuali, indeterminazione e strumenti non convenzionali ha spinto i confini di ciò che può essere considerato musica.

Pezzi come “4′33″ (1952), ‘Imaginary Landscape No. 4’ (1951) e ‘Music of Changes’ (1951) esemplificano il suo approccio radicale alla composizione.
Cage è ampiamente considerato una figura di spicco della musica d’avanguardia del XX secolo.

2. Musica minimale (non proprio )

Sebbene il lavoro di Cage abbia influenzato compositori minimalisti come Steve Reich, Philip Glass e Terry Riley, la sua musica non rientra nell’estetica minimalista.

La musica minimalista enfatizza la ripetizione, la pulsazione costante e la trasformazione graduale, mentre le opere di Cage spesso abbracciano la casualità, il silenzio e l’imprevedibilità.
Cage non è considerato un compositore minimalista, anche se ha influenzato il movimento minimalista.

3. Musica ambientale (influenza indiretta /)

La filosofia di Cage di ascoltare i suoni ambientali come musica ha avuto una profonda influenza sulla musica ambient, in particolare su Brian Eno, che ha accreditato le idee di Cage come una delle principali fonti di ispirazione.

Tuttavia, le opere dello stesso Cage non sono in linea con l’enfasi caratteristica della musica ambient sulla creazione di paesaggi sonori immersivi e atmosferici.
Sebbene Cage abbia influenzato lo sviluppo della musica ambient, le sue opere non sono tipicamente classificate come ambient.

4. Musica New Age (No )

La filosofia di Cage sul suono e sul silenzio potrebbe sembrare in linea con gli aspetti meditativi e spirituali della musica New Age, ma le sue opere sono di natura molto più sperimentale e intellettuale.

La musica New Age si concentra sulla creazione di ambienti tranquillizzanti e rilassanti, mentre la musica di Cage spesso provoca, sfida e richiede un impegno attivo.
Le opere di Cage non appartengono al genere musicale New Age.

5. Performance musicale e musica sperimentale (SÌ )

L’enfasi di Cage sull’aspetto performativo della musica lo ha reso un pioniere della performance musicale e della musica sperimentale.

Le sue collaborazioni con Merce Cunningham, l’uso di partiture grafiche e l’incorporazione di operazioni casuali trasformarono le performance in eventi imprevedibili e interattivi.
Cage è una figura fondamentale per la musica sperimentale e performativa.

6. Musica di guarigione (No )

Sebbene l’opera di Cage incoraggi la consapevolezza e l’ascolto attento, la musica curativa è tipicamente caratterizzata da qualità rilassanti, armoniche e meditative, progettate per rilassare e guarire l’ascoltatore.

L’opera di Cage, invece, mira spesso a sfidare le percezioni e ad espandere la consapevolezza, il che potrebbe non essere sempre in linea con gli obiettivi della musica curativa.
L’opera di Cage non è considerata musica curativa.

Riassunto: Qual è il posto di John Cage?

Musica d’avanguardia
Musica sperimentale e arte performativa
Influenzatore della Musica Ambientale
Non è la musica minimale
Non la musica New Age o di guarigione

L’impatto di Cage su diversi generi non può essere sopravvalutato, ma il suo contributo più duraturo si trova nella musica d’avanguardia e sperimentale, dove le sue idee radicali sul suono, il silenzio e il caso continuano a plasmare la musica e l’arte contemporanea.

Relazioni

Relazioni dirette di John Cage: collaborazioni e influenze

La vasta rete di relazioni di John Cage si estendeva a compositori, musicisti, artisti, artisti visivi, coreografi e pensatori. Il suo spirito collaborativo e la sua apertura alle idee provenienti da più discipline hanno trasformato la musica e l’arte del XX secolo. Di seguito una panoramica completa delle relazioni dirette di Cage in vari campi.

I. Compositori e musicisti

1. Arnold Schoenberg (mentore e insegnante)

Cage studiò con Arnold Schoenberg dal 1933 al 1935 a Los Angeles.

Sebbene Cage non fosse interessato all’armonia (una pietra miliare della tecnica dodecafonica di Schoenberg), Schoenberg riconobbe il dono di Cage per il ritmo e la struttura.

Schoenberg disse notoriamente a Cage:

“Non sarai mai in grado di scrivere musica perché non sai scrivere armonia”.

Questo commento ispirò Cage a perseguire il ritmo, le percussioni e approcci non convenzionali alla musica.

2. Henry Cowell (mentore e influenza)

Henry Cowell incoraggiò Cage a esplorare le percussioni, il pianoforte preparato e le fonti sonore alternative.

Il lavoro di Cowell con i cluster tonali e l’interesse per la musica non occidentale ispirarono l’apertura di Cage a timbri non convenzionali.

Cowell introdusse Cage al pianoforte preparato, un’idea che Cage avrebbe poi sviluppato ampiamente.

3. Lou Harrison (amico e collaboratore)

Cage e Lou Harrison erano amici e collaboratori stretti che condividevano l’interesse per le percussioni e la musica non occidentale.

Hanno co-composto “Double Music” (1941), un pezzo di percussioni che riflette il loro fascino per la complessità ritmica e la strumentazione non convenzionale.

4. Morton Feldman (amico intimo e spirito affine)

Cage incontrò Morton Feldman nel 1950 dopo una performance di musica di Webern.

La loro amicizia fiorì: entrambi esplorarono l’indeterminazione, la quiete e le forme aperte nelle loro composizioni.

Opere di Feldman come “Rothko Chapel” e “For Bunita Marcus” riflettono un’estetica minimalista, ma le sue idee sulla durata e sulla struttura sono state influenzate dal pensiero di Cage.

5. Pierre Boulez (Corrispondente e collaboratore, poi Rift)

Cage e Pierre Boulez hanno intrattenuto una fitta corrispondenza negli anni Cinquanta, scambiandosi idee sul serialismo e sulle operazioni casuali.

Boulez era inizialmente interessato al lavoro di Cage, ma alla fine rifiutò l’abbraccio di Cage all’indeterminatezza e ai processi aleatori, portando a una rottura filosofica tra i due compositori.

6. David Tudor (pianista e interprete di chiavi)

David Tudor è stato l’interprete e il collaboratore più fidato di Cage e ha eseguito in prima assoluta molte opere di Cage.

Tudor ha eseguito “4′33″ e ha contribuito alla realizzazione di opere complesse e indeterminate come ‘Variations II’ e ‘Cartridge Music’.

I contributi di Tudor all’elettronica dal vivo e alle performance sperimentali erano profondamente intrecciati con la visione di Cage.

7. Christian Wolff (compositore e associato)

Christian Wolff, allievo di Cage, ha fatto parte della Scuola di New York (con Feldman, Earle Brown e Cage).

Il lavoro di Wolff ha esplorato l’indeterminazione e la scelta dell’esecutore, riflettendo le idee di Cage e sviluppando al contempo un approccio compositivo distinto.

8. Earle Brown (Compositore sperimentale e collega)

Earle Brown, altro membro della Scuola di New York, è stato un pioniere della notazione grafica e della forma aperta.

Il suo lavoro esplorava l’intersezione tra struttura e libertà, riflettendo l’influenza di Cage nel consentire agli esecutori un contributo creativo nella realizzazione di una composizione.

9. Karlheinz Stockhausen (influenza e coetaneo)

Le idee di Cage sull’indeterminazione e sul suono elettronico risuonarono con Stockhausen, che esplorò questi concetti nelle sue opere.

Sebbene i loro approcci divergano (Stockhausen mantenne un maggiore controllo sulle sue opere), le loro innovazioni nella musica d’avanguardia si influenzarono a vicenda.

II. Ballerini e coreografi

1. Merce Cunningham (partner e collaboratore per tutta la vita)

Merce Cunningham, coreografo rivoluzionario, è stato compagno di vita e collaboratore creativo di Cage per oltre 50 anni.

La loro collaborazione ha trasformato il rapporto tra musica e danza, permettendo a ciascuna forma d’arte di svilupparsi in modo indipendente ma di coesistere nelle performance.

Cage ha composto numerose opere per la compagnia di Cunningham, tra cui “Winterbranch” e “Inlets”.

2. Carolyn Brown (ballerina principale e interprete dell’opera di Cage)

Carolyn Brown è stata una ballerina principale della Merce Cunningham Dance Company.

Le sue interpretazioni delle coreografie di Cunningham, spesso accompagnate dalla musica di Cage, hanno avuto un ruolo cruciale nel dare vita ai paesaggi sonori sperimentali di Cage.

III. Artisti visivi e pensatori concettuali

1. Marcel Duchamp (influenza e amico)

Il concetto di ready-made di Marcel Duchamp (oggetti trovati ricontestualizzati come arte) influenzò profondamente l’idea di Cage secondo cui tutti i suoni possono essere musica.

L’omaggio di Cage a Duchamp comprende “Reunion” (1968), in cui Cage e Duchamp giocavano a scacchi su una scacchiera che attivava suoni elettronici.

2. Robert Rauschenberg (artista visivo e collaboratore)

I “dipinti bianchi” di Robert Rauschenberg (tele bianche che riflettono la luce e l’ombra dell’ambiente) hanno ispirato le idee di Cage sul silenzio e hanno influenzato “4′33″.

L’uso di materiali trovati e di tecniche di collage da parte di Rauschenberg riecheggia l’esplorazione del caso e della casualità da parte di Cage.

3. Nam June Paik (artista video e multimediale)

Nam June Paik, pioniere della videoarte, è stato influenzato dall’approccio di Cage alla collaborazione interdisciplinare e alla sperimentazione multimediale.

Le opere innovative di Paik nel campo dell’elettronica e della videoarte portano avanti le idee di Cage sul caso e sull’imprevedibilità.

4. Allan Kaprow (Happenings e Performance Art)

Allan Kaprow, noto per i suoi “Happenings”, è stato influenzato dall’enfasi di Cage sull’interazione con il pubblico, il caso e l’indeterminazione.

Le opere di Kaprow estendono le idee di Cage alla performance art immersiva e partecipativa.

IV. Orchestre ed ensemble

1. New York Philharmonic (Prima di “Atlas Eclipticalis”)

L’“Atlas Eclipticalis” di Cage (1961) fu eseguito in prima assoluta dalla New York Philharmonic diretta da Leonard Bernstein.

L’opera utilizzava una partitura grafica e una struttura indeterminata, in cui gli esecutori seguivano linee temporali indipendenti, creando una trama dinamica e imprevedibile.

2. San Francisco Percussion Group (primi sostenitori delle opere di Cage con le percussioni)

L’interesse di Cage per le percussioni e le fonti sonore non convenzionali portò alle esibizioni del San Francisco Percussion Group.

Le loro interpretazioni di opere di Cage, come “Amores” e “Third Construction”, furono cruciali per stabilire la sua reputazione.

V. Filosofi, scrittori e non musicisti

1. D.T. Suzuki (influenza del buddismo zen)

Cage è stato profondamente influenzato dallo studio del buddismo zen, in particolare dagli scritti e dagli insegnamenti di D.T. Suzuki.

I concetti zen di impermanenza, consapevolezza e accettazione hanno permeato la filosofia e la musica di Cage, in particolare il suo abbraccio al caso e al silenzio.

2. Marshall McLuhan (filosofo e teorico dei media)

Le idee di Cage sul suono, sul silenzio e sulla percezione del pubblico risuonavano con le teorie di Marshall McLuhan sui media e sul coinvolgimento sensoriale.

Anche se non collaborarono direttamente, le loro esplorazioni parallele della percezione e della comunicazione ebbero un’influenza reciproca.

3. Buckminster Fuller (architetto e futurista)

Cage ammirava il lavoro di Buckminster Fuller, le cui idee sulla progettazione olistica e sui sistemi interconnessi si allineavano con l’approccio di Cage all’arte e al suono.

La filosofia di Fuller sulla consapevolezza ambientale e sulla sostenibilità risuonava con la convinzione di Cage sull’interconnessione di tutte le cose.

Sommario: Una rete di innovazione

I rapporti diretti di John Cage con compositori, artisti, artisti visivi e pensatori hanno creato una rete multidisciplinare di collaborazione e influenza che ha ridefinito la musica, la performance e l’arte concettuale. I suoi legami con figure d’avanguardia di tutte le discipline hanno fatto sì che le sue idee sul caso, il silenzio e l’indeterminazione si riverberassero in tutto il mondo della musica, dell’arte e oltre.

Compositori simili

Compositori simili a John Cage: pionieri del suono sperimentale
L’opera di John Cage ha reso confusi i confini tra musica, arte e filosofia, ispirando generazioni di compositori sperimentali. Se Cage era unico nel suo uso radicale del caso, dell’indeterminazione, del silenzio e delle fonti sonore non convenzionali, molti compositori hanno esplorato idee simili, sfidando le nozioni tradizionali di musica. Ecco un elenco di compositori il cui lavoro è parallelo o si interseca con la visione artistica di Cage:

I. Compositori della Scuola di New York

1. Morton Feldman (1926-1987)

Amico e collaboratore di Cage, Feldman faceva parte della Scuola di New York e condivideva l’interesse di Cage per l’indeterminazione e la forma aperta.

La musica di Feldman esplorava la quiete estrema, i tempi lenti e le lunghe durate, creando paesaggi sonori atmosferici che invitano all’ascolto profondo.

Opere degne di nota: “Rothko Chapel” (1971), ‘Triadic Memories’ (1981), ‘For Bunita Marcus’ (1985).

2. Christian Wolff (nato nel 1934)

Altro membro della Scuola di New York, Wolff è stato influenzato dall’interesse di Cage per le operazioni casuali e la libertà dell’esecutore.

Le sue opere incorporano spesso notazioni grafiche e partiture flessibili, dando agli esecutori un’autonomia creativa.

Opere degne di nota: “Burdocks” (1971), ‘Edges’ (1968), serie ‘Exercise’.

3. Earle Brown (1926-2002)

Earle Brown ha sviluppato la forma aperta e la notazione grafica, consentendo flessibilità e improvvisazione nelle esecuzioni.

La sua serie “Available Forms” riflette l’interesse cageano per l’indeterminatezza e l’agency dell’esecutore.

Opere notevoli: “December 1952” (partitura grafica), ‘Available Forms I & II’ (1961-62).

II. Compositori sperimentali e d’avanguardia

4. Karlheinz Stockhausen (1928-2007)

Sebbene l’approccio di Stockhausen al serialismo e alla musica elettronica diverga dall’uso del caso di Cage, entrambi esplorarono l’indeterminazione e il suono non convenzionale.

Il “Klavierstück XI” e lo “Zyklus” per percussioni di Stockhausen sono caratterizzati da una forma aperta e dalla scelta dell’esecutore, che riflette l’influenza di Cage.

Opere degne di nota: “Kontakte” (1960), ‘Hymnen’ (1967), ‘Stimmung’ (1968).

5. Iannis Xenakis (1922-2001)

Xenakis utilizzò la matematica e i processi stocastici per creare strutture indeterminate, analogamente all’uso che Cage faceva delle operazioni casuali.

Sebbene Xenakis preferisse la casualità controllata, la sua esplorazione della densità e delle tessiture sonore riecheggiava l’interesse di Cage per gli ambienti sonori organici.

Opere degne di nota: “Metastaseis” (1954), ‘Pithoprakta’ (1956), ‘Persepolis’ (1971).

6. Luc Ferrari (1929-2005)

La musica su nastro e le registrazioni sul campo di Ferrari condividono l’interesse di Cage per la cattura e la manipolazione dei suoni naturali e ambientali.

I suoi lavori confondono il confine tra composizione e documentario, riflettendo l’esplorazione del suono ambientale da parte di Cage.

Opere degne di nota: “Presque rien No. 1” (1970), ‘Hétérozygote’ (1964), ‘Place des Abbesses’ (1977).

III. Compositori minimalisti e processuali

7. La Monte Young (nato nel 1935)

Young, pioniere del minimalismo e della drone music, ha esplorato durate estese e paesaggi sonori microtonali.

Il suo interesse per gli ambienti statici e meditativi si allineava con l’enfasi di Cage sull’ascolto e la presenza.

Opere degne di nota: “The Well-Tuned Piano” (1964-73), ‘Dream House’ (1962-presente).

8. Terry Riley (nato nel 1935)

I primi lavori di Riley, in particolare “In C” (1964), introducono la ripetizione, la forma aperta e l’improvvisazione, attingendo ai concetti di Cage di casualità e agenzia dell’esecutore.

Il fascino di Riley per la musica non occidentale e per le strutture improvvisative estese è parallelo all’esplorazione di Cage di diverse culture musicali.

Opere degne di nota: “In C” (1964), ‘A Rainbow in Curved Air’ (1969).

9. Steve Reich (nato nel 1936)

Sebbene la process music e le tecniche di phasing di Reich differiscano dall’uso del caso di Cage, entrambi i compositori hanno esplorato le strutture ripetitive e la percezione sonora.

L’enfasi di Reich sul coinvolgimento del pubblico e sull’esplorazione sonora si collega alla nozione di ascolto profondo e attivo di Cage.

Opere degne di nota: “Music for 18 Musicians” (1976), ‘Piano Phase’ (1967), ‘Drumming’ (1971).

IV. Fluxus e gli artisti concettuali

10. Nam June Paik (1932-2006)

Paik, pioniere di Fluxus e videoartista, si è ispirato direttamente all’approccio di Cage al caso, alla casualità e all’indeterminazione.

Le sue performance multimediali e le sue esplorazioni della tecnologia come arte riflettono la convinzione di Cage che l’arte possa emergere dalla vita quotidiana.

Opere degne di nota: “Zen for Film” (1964), ‘TV Buddha’ (1974).

11. Yoko Ono (nata nel 1933)

Parte del movimento Fluxus, l’arte concettuale e le performance di Ono condividono l’interesse di Cage per la partecipazione del pubblico e l’indeterminatezza dei risultati.

Le sue opere di istruzione (come “Grapefruit”) riflettono un’attitudine cageana all’apertura e alla creatività.

Opere degne di nota: “Cut Piece” (1964), ‘Grapefruit’ (1964), ‘Sky Piece to Jesus Christ’ (1965).

12. George Maciunas (1931-1978)
Fondatore di Fluxus, Maciunas si ispirò alla convinzione di Cage che arte e vita dovessero fondersi.

Le performance e gli happening di Fluxus riprendevano l’enfasi di Cage sulla spontaneità, la casualità e l’imprevedibilità.

V. Compositori elettronici e del paesaggio sonoro

13. Pauline Oliveros (1932-2016)

La Oliveros ha sviluppato il “Deep Listening”, una pratica meditativa che enfatizza la consapevolezza del suono, un concetto strettamente allineato con la filosofia di Cage di ascoltare tutti i suoni.

Le sue esplorazioni della musica elettronica, dell’improvvisazione e della consapevolezza sonora hanno esteso le idee di Cage a nuovi territori sonori.

Opere degne di nota: “Bye Bye Butterfly” (1965), ‘Deep Listening’ (1989).

14. Alvin Lucier (1931-2021)

Il lavoro di Lucier con la risonanza, l’acustica e le proprietà naturali del suono è stato influenzato dall’apertura di Cage al suono ambientale.

Il suo pezzo iconico “I Am Sitting in a Room” (1969) utilizza il feedback e la ripetizione per esplorare l’interazione tra suono e spazio.

15. Brian Eno (nato nel 1948)

Lo sviluppo della musica ambientale di Eno si basa sul concetto di Cage di musica come ambiente ed esperienza.

La convinzione di Eno che “la musica dovrebbe accogliere tutti i tipi di ascolto” rispecchia l’apertura di Cage alle diverse esperienze sonore.

Opere degne di nota: “Music for Airports” (1978), ‘Discreet Music’ (1975).

Sintesi: un arazzo di sperimentazione

I compositori sopra elencati, pur nella diversità dei loro approcci, condividono lo spirito di innovazione, apertura ed esplorazione di Cage. Sia che esplorino il caso, l’indeterminazione, il suono ambientale o l’interazione con il pubblico, questi artisti hanno esteso le idee radicali di Cage in nuovi ambiti, assicurando che la sua eredità continui a risuonare nella musica contemporanea, nell’arte e oltre.

John Cage come artista performativo

John Cage, sebbene sia conosciuto soprattutto come compositore d’avanguardia, è stato anche una figura significativa nella performance art, spingendo i confini della musica, del suono e dell’espressione artistica.

Il ruolo di Cage nella performance art:

Confusione dei confini tra arte e vita:

Cage credeva che l’arte dovesse riflettere la vita di tutti i giorni e spesso creava opere in cui il confine tra pubblico e performer, tra suono e silenzio, era intenzionalmente sfumato. Trattava la performance come un’esperienza aperta e partecipativa, che è diventata un segno distintivo della performance art.

Silenzio e caso come performance:

La sua opera più famosa, 4’33” (1952), ne è un esempio. Il pezzo consiste in esecutori seduti in silenzio ai loro strumenti per 4 minuti e 33 secondi, invitando il pubblico a sperimentare i suoni ambientali come parte della performance. Ciò ha messo in discussione la definizione stessa di musica e di performance.

Operazioni casuali:

Cage introdusse la casualità nelle sue performance utilizzando l’I Ching (un antico testo divinatorio cinese), permettendo al caso di dettare la struttura e l’esito di una performance. Questa idea di rinunciare al controllo e di abbracciare l’imprevedibilità ha influenzato gli artisti performativi successivi.

Happenings e lavori in collaborazione:

Cage collaborò strettamente con artisti come Merce Cunningham (coreografo) e Robert Rauschenberg (artista visivo), contribuendo alla nascita degli Happenings, eventi spontanei e multidisciplinari che si distaccavano dai formati teatrali tradizionali. Le sue performance erano spesso interattive e sperimentali, aprendo la strada alla performance art del futuro.

Indeterminatezza e improvvisazione:

La conferenza-performance Indeterminacy (1959) di Cage prevedeva la lettura di 90 storie casuali di un minuto, con l’accompagnamento sonoro di David Tudor. L’imprevedibile sovrapposizione tra parole e suoni divenne parte della performance, abbracciando il caso e l’improvvisazione.

Influenza sugli artisti della performance:

Le idee radicali di Cage sul suono, sul silenzio e sul ruolo del pubblico hanno influenzato profondamente artisti della performance come Yoko Ono, Nam June Paik e i membri del movimento Fluxus.

La sua attenzione al processo piuttosto che al prodotto ha risuonato con i performer che hanno cercato di sfidare le nozioni convenzionali di arte.

Eredità nella Performance Art:

L’enfasi di Cage sul caso, sull’interazione con il pubblico e sull’uso della vita quotidiana come arte ha ampliato la definizione di performance art. La sua influenza è evidente nelle pratiche contemporanee, dove i confini tra le diverse forme d’arte continuano a sfumare.

Opere notevoli per pianoforte solo

Le opere per pianoforte solo di John Cage sono rivoluzionarie e riflettono il suo approccio innovativo alla musica, incorporando elementi di casualità, silenzio e tecniche di pianoforte preparato. Ecco un elenco di alcune delle sue più importanti opere per pianoforte solo:

1. 4’33” (1952)

Il pezzo più famoso e controverso di Cage.

Consiste in tre movimenti in cui l’esecutore non suona alcuna nota, lasciando che i suoni ambientali nello spazio di esecuzione diventino la “musica”.

Ha ridefinito il concetto di musica e silenzio in un contesto performativo.

2. Sonate e interludi (1946-1948)

Una raccolta di 16 sonate e 4 interludi per pianoforte preparato.

Cage alterò il suono del pianoforte inserendo nelle corde oggetti come viti, bulloni e gomma, creando un timbro percussivo e simile a quello dei gamelan.

Considerato uno dei capolavori di Cage, esplora complessità ritmiche e tonali.

3. Musica dei cambiamenti (1951)

Una delle prime opere di Cage che utilizza operazioni casuali.

Composta utilizzando l’I Ching (Libro dei Mutamenti), in cui Cage determinava altezze, durate, dinamiche e altri elementi attraverso processi casuali.

Il pezzo risultante è imprevedibile e libero dalle preferenze personali del compositore.

4. Suite per pianoforte giocattolo (1948)

Scritta per un piccolo pianoforte giocattolo con una gamma limitata di 9 note.

Il brano utilizza strutture semplici e ripetitive, creando un suono infantile ma sofisticato.

Esemplifica il fascino di Cage per gli strumenti non convenzionali e il minimalismo.

5. Sogno (1948)

Un’opera meditativa e atmosferica per pianoforte solo.

Composto per la coreografia di Merce Cunningham, il brano utilizza note sostenute e ritmi lenti e ondulati.

L’atmosfera tranquilla ed eterea contrasta con le opere più sperimentali di Cage.

6. In a Landscape (1948)

Un altro brano composto per la danza, scritto per pianista o arpista.

Simile a Dream, presenta una struttura minimalista e ripetitiva, che evoca un senso di immobilità e serenità.

7. Studi Australi (1974-75)

Un insieme di 32 studi molto complessi e virtuosistici.

Composti utilizzando le carte stellari per determinare le altezze, danno luogo a suoni altamente dissonanti e apparentemente casuali.

L’opera sfida la tecnica pianistica convenzionale e richiede una precisione estrema.

8. Uno (1987)

Parte della serie Number Pieces di Cage, in cui esplorò le parentesi temporali come tecnica compositiva.

L’esecutore decide quando iniziare e terminare all’interno di determinati intervalli di tempo, dando flessibilità all’interpretazione.

9. Imitazione a buon mercato (1969)

Un adattamento del Socrate di Erik Satie, ma modificato attraverso procedure casuali.

Omaggio di Cage a Satie, l’opera mantiene una struttura melodica semplice nonostante le sue radici sperimentali.

10. ASLSP (As Slow As Possible) (1985)

Composto per organo o pianoforte.

Un brano che esplora la durata estrema, con alcune esecuzioni che durano ore o addirittura giorni.

L’esecuzione più famosa è una versione per organo attualmente eseguita in Germania, che terminerà nell’anno 2640.

Le opere pianistiche di Cage mostrano la sua costante esplorazione del suono, del silenzio e dell’indeterminazione.

4’33”

4’33” (pronunciato ‘Quattro minuti e trentatré secondi’) è l’opera più famosa e provocatoria di John Cage, che ha sfidato le idee tradizionali di musica, esecuzione e silenzio. Ecco un’immersione profonda in questo pezzo rivoluzionario:

Concetto e struttura

Data della prima: 29 agosto 1952

Interprete: David Tudor (Pianista)

Luogo: Maverick Concert Hall, Woodstock, New York

Il brano consiste in tre movimenti in cui l’esecutore non suona alcuna nota sul proprio strumento. Al contrario, il pianista (o qualsiasi altro esecutore) rimane seduto in silenzio per tutta la durata del brano:

I. 30 secondi

II. 2 minuti e 23 secondi

III. 1 minuto e 40 secondi

In questo lasso di tempo, il pubblico si accorge dei suoni presenti nell’ambiente: tosse, scalpiccio, rumori ambientali e persino il silenzio stesso. Questi suoni involontari costituiscono il “contenuto” del pezzo.

Significato e filosofia

Il silenzio come suono

Cage fu ispirato dall’idea che il silenzio non è mai veramente tale. Visitando una camera anecoica (una stanza progettata per eliminare i suoni), si aspettava un silenzio totale e invece ha sentito due suoni: il suo sistema nervoso e il battito del suo cuore.
Questo lo ha portato a capire che il suono è costantemente presente, anche nel silenzio.

Il pubblico come esecutore

In 4’33”, il pubblico non è solo passivo ma diventa parte integrante della performance. I loro movimenti, sussurri e reazioni contribuiscono alla “musica” del pezzo.

Caso e indeterminazione

L’interesse di Cage per le operazioni casuali e per l’I Ching ha influenzato il suo approccio alla composizione. 4’33” riflette questo interesse permettendo ai suoni imprevedibili dell’ambiente di plasmare ogni esecuzione.

La prima e la reazione del pubblico

Alla prima, David Tudor ha aperto e chiuso il coperchio del pianoforte all’inizio e alla fine di ogni movimento, ma non ha suonato una sola nota.

Il pubblico era confuso, alcuni ridevano, altri erano frustrati o addirittura arrabbiati.

In seguito Cage affermò che si trattava di una delle sue opere più importanti, in quanto faceva ripensare alla natura dell’ascolto.

Interpretazione ed eredità

Ridefinizione della musica: 4’33” sfidava l’idea che la musica dovesse essere un suono organizzato prodotto da uno strumento. Cage sosteneva che tutti i suoni sono musica se ascoltati con intenzione.

Influenza sulla Performance Art: L’opera ha reso confusi i confini tra performance e vita, influenzando il movimento Fluxus e artisti performativi come Yoko Ono e Nam June Paik.

Influenza continua: 4’33” continua a essere eseguito e reinterpretato in tutto il mondo, con variazioni che esplorano il silenzio, l’ambiente e l’interazione con il pubblico.

Fatti divertenti

Nel 2010, una campagna chiamata Cage Against the Machine mirava a portare una registrazione di 4’33” al numero 1 delle classifiche britanniche di Natale.

Le moderne esecuzioni di 4’33” includono di tutto, dalle orchestre ai musicisti elettronici che interpretano il silenzio in modi unici.

Perché risuona ancora oggi

4’33” ci invita ad ascoltare profondamente il mondo che ci circonda e ci sfida a mettere in discussione la definizione stessa di musica. Che sia considerata profonda o perplessa, rimane una pietra miliare della musica sperimentale e dell’arte performativa.

Musica dei cambiamenti

Music of Changes è una delle opere più innovative di John Cage, composta interamente con operazioni casuali. È stato un pezzo fondamentale che ha dimostrato il passaggio di Cage dal comporre con intenzione all’abbracciare l’indeterminazione e la casualità.

Sfondo e contesto

Anno di composizione: 1951

Commissionato da: Pianista David Tudor

Origine del titolo: Il titolo deriva dall’I Ching (noto anche come Libro dei Mutamenti), un antico testo divinatorio cinese che Cage utilizzò per determinare gli elementi musicali del brano.

Cage stava esplorando il modo di eliminare le sue preferenze personali e il suo ego dal processo compositivo. Influenzato dalla filosofia orientale, in particolare dal buddismo zen, riteneva che il caso potesse servire come strumento per liberare la musica dai vincoli della tradizione e della scelta soggettiva.

L’uso delle operazioni casuali

Music of Changes fu il primo pezzo in cui Cage applicò completamente l’I Ching per dettare tutti gli aspetti della composizione. Cage poneva domande di tipo sì/no e lanciava monete per consultare l’I Ching, generando numeri che guidavano le sue decisioni in termini di:

intonazione: Quali note usare.

Ritmo: Durata e spaziatura delle note.

Dinamica: Volume e morbidezza.

Articolazione: Come le note devono essere suonate.

Il risultato è stato un brano in cui ogni elemento è stato determinato dal caso, rendendo il risultato imprevedibile e unico.

Struttura e formato

Quattro libri: Il brano è diviso in quattro sezioni o “libri”.

Durata: Circa 43 minuti in totale.

Ogni libro introduce densità, dinamiche e tempi diversi, creando un paesaggio sonoro in continua evoluzione che riflette l’imprevedibilità insita nel processo casuale.

Caratteristiche musicali

Atonale e imprevedibile:
Poiché è il caso a dettare le altezze, la musica è spesso atonale, priva di progressioni armoniche o strutture melodiche tradizionali.

Ritmi e strutture complesse:
L’uso da parte di Cage di molteplici parentesi temporali, di durate variabili e di cambi di dinamica crea una tessitura costantemente mutevole e impossibile da prevedere.

Frammentata e non lineare:
L’opera appare frammentata, con silenzi, improvvise esplosioni di suono e inaspettati cambiamenti di dinamica.

Première e ricezione

Data della prima: 1952, eseguita da David Tudor.

Reazione del pubblico: L’opera confuse e sfidò molti ascoltatori, impreparati a un pezzo che sfidava le nozioni convenzionali di struttura, melodia e armonia.

Cage stesso considerò Music of Changes un punto di svolta significativo nella sua carriera, aprendo la strada alla sua futura esplorazione dell’indeterminazione.

Impatto filosofico e artistico

Eliminazione dell’ego:
Cage considerava il caso come un modo per eliminare i propri pregiudizi, permettendo alla musica di emergere organicamente senza che le preferenze del compositore la influenzassero.

Ridefinizione del ruolo del compositore:
Con Music of Changes, Cage spostò il ruolo del compositore da “creatore” a “facilitatore”, permettendo a processi esterni (come l’I Ching) di guidare il lavoro.

Influenza sulla musica sperimentale:
Questo approccio ha influenzato compositori successivi, tra cui Morton Feldman, Earle Brown e Christian Wolff, e ha gettato le basi per la musica aleatoria e indeterminata.

Fatti divertenti

Cage utilizzò 32 tabelle diverse per prendere decisioni su altezza, durata e dinamica, applicando l’I Ching per ogni scelta.

David Tudor, frequente collaboratore di Cage, dovette sviluppare nuove tecniche e approcci per interpretare accuratamente una partitura tanto complessa e imprevedibile.

Eredità e influenza

Music of Changes aprì le porte a un regno completamente nuovo del pensiero musicale, in cui la casualità e l’indeterminazione potevano essere parti integranti di una composizione. Rimane uno dei contributi più importanti di Cage all’avanguardia e continua a sfidare esecutori e ascoltatori.

Sogno

Dream è una delle opere più accessibili e serene di John Cage, che mette in luce il suo interesse per la semplicità, lo spazio e il minimalismo. Composto per una danza coreografata da Merce Cunningham, Dream offre un’atmosfera tranquilla e contemplativa, in contrasto con le composizioni più radicali e d’avanguardia di Cage.

Sfondo e contesto

Anno di composizione: 1948

Scopo: scritto per una danza coreografata da Merce Cunningham, partner e collaboratore di Cage per tutta la vita.

Titolo della danza: Sogno

Cage compose il brano in risposta alla richiesta di Cunningham di una musica “lirica, quasi romantica e in qualche modo statica”. Il risultato è un’opera splendidamente minimalista che esplora armonie sostenute e texture delicate.

Caratteristiche musicali

Semplicità melodica:

Dream è costruito attorno a una melodia semplice e fluida che si dispiega dolcemente nel tempo.

Le note sono distanziate tra loro, dando al brano una qualità quasi meditativa e spaziosa.

Risonanza sostenuta:

Cage impiega l’uso del pedale smorzatore per tutto il brano, permettendo alle note di risuonare e sovrapporsi, creando un suono sognante ed etereo.

La sovrapposizione dei toni produce un senso di immobilità armonica e di assenza di tempo.

Dinamica morbida e ripetizione:

Il brano è suonato con una dinamica costantemente morbida, che contribuisce al suo stato d’animo introspettivo.

La ripetizione di frasi con sottili variazioni aumenta la qualità meditativa del brano.

Esecuzione e struttura

Durata: In genere da 7 a 9 minuti, a seconda dell’interpretazione.

Forma: Composta in modo trasversale con motivi ricorrenti che si evolvono dolcemente.

I pianisti spesso enfatizzano le qualità di legato e di sostegno del brano, permettendo alle armonie di confondersi e di creare una sensazione di galleggiamento.

Stato d’animo e atmosfera

Calma e riflessione: Dream invita l’ascoltatore a uno stato contemplativo, in cui il tempo sembra rallentare.

Romantico ma minimale: Mentre il linguaggio armonico è lussureggiante e quasi romantico, la semplicità e la ripetizione creano un’estetica minimalista.

Significatività e influenza

Esplorazione precoce dell’immobilità:

Dream segna una delle prime esplorazioni di Cage dell’immobilità e dello spazio nella musica, che in seguito diventeranno temi centrali nelle sue opere più radicali come 4’33”.

Influenza sulla musica ambient e minimalista:

Le sonorità sostenute e lo svolgimento graduale di Dream anticipano i principi estetici della musica ambient e minimalista di artisti come Brian Eno e La Monte Young.

Un ponte tra tradizione e sperimentazione:

Sebbene Dream sia più tonale e convenzionale di molte delle opere successive di Cage, prefigura il suo continuo interesse nell’esplorare i confini della struttura e della percezione musicale.

Fatti divertenti

Cage componeva spesso brani su misura per lo stile coreografico di Merce Cunningham, enfatizzando il legame tra musica e movimento.

Sebbene Cage sia noto per le sue opere sperimentali radicali, Dream mette in evidenza la sua capacità di creare musica delicata ed emotivamente risonante.

Perché risuona ancora

Dream continua ad affascinare il pubblico e gli interpreti grazie alla sua delicata bellezza e alla sua qualità senza tempo. È un brano che incoraggia l’ascolto profondo e la riflessione, invitando l’ascoltatore a perdersi nel suo mondo dolce e fluttuante.

In un paesaggio

In a Landscape è una delle opere più eleganti e meditative di John Cage, composta in un periodo in cui stava esplorando forme di espressione più melodiche e tranquille. Commissionato per una danza coreografata da Louise Lippold, il brano contrasta nettamente con i successivi esperimenti d’avanguardia di Cage, offrendo un paesaggio sonoro sereno e ipnotico.

Contesto e contesto

Anno di composizione: 1948

Commissionato da: Louise Lippold, coreografa americana.

Scopo: Scritto come accompagnamento per un pezzo di danza di Lippold, che riflette uno stile di movimento sereno e fluido.

In questo periodo Cage stava ancora sperimentando strutture armoniche e ritmiche più tradizionali, prima di abbracciare completamente le operazioni casuali e l’indeterminazione nei suoi lavori successivi.

Caratteristiche musicali

Semplicità modale e melodica:

Il brano è costruito su un modello melodico ripetitivo e scorrevole che evoca un senso di atemporalità.

Cage ha utilizzato una struttura ritmica 9×9, ispirata alla filosofia orientale e agli schemi numerici, per determinare il fraseggio e il ritmo del brano.

Risonanza sostenuta:

Come in Dream (anch’esso composto nel 1948), Cage richiede l’uso del pedale smorzatore per tutto il brano.

Questo permette alle note di sovrapporsi e risuonare, creando un suono lussureggiante e atmosferico.

Minimalista e ipnotico:

La delicata ripetizione delle frasi melodiche, unita alla risonanza sostenuta, produce una qualità meditativa e ipnotica.

Il brano si svolge gradualmente, attirando l’ascoltatore in uno spazio calmo e contemplativo.

Esecuzione e struttura

Durata: In genere da 7 a 10 minuti, a seconda dell’interpretazione dell’esecutore.

Strumento: Originariamente composto per pianoforte, può essere eseguito anche con l’arpa, che gli conferisce una qualità ancora più eterea.

Forma: Composta in modo trasversale con schemi ripetuti che si evolvono sottilmente nel tempo.

Il pianista deve sostenere un tocco legato e permettere alle risonanze di fondersi, rafforzando l’atmosfera onirica.

Stato d’animo e atmosfera

Calma e riflessione: Il brano evoca un senso di quiete e pace interiore, permettendo all’ascoltatore di “abitare” il paesaggio creato dalla musica.

Etereo e fluttuante: Le note sovrapposte e le dinamiche morbide creano un’atmosfera fluttuante, quasi ultraterrena.

Significatività e influenza

Precursore del minimalismo e della musica ambientale:

In a Landscape condivide qualità con la musica minimalista e ambient che sarebbe emersa decenni dopo, ispirando compositori come La Monte Young e Brian Eno.

Collegamento con la danza e il movimento:

Il brano evidenzia la sensibilità di Cage per il movimento e la sua capacità di creare musica che esalta e riflette la fluidità della coreografia.

Ponte tra opere tradizionali e sperimentali:

Sebbene In a Landscape sia più tonale e strutturato rispetto alle opere successive di Cage, offre uno sguardo al suo percorso artistico in evoluzione verso concetti più radicali come il caso e l’indeterminazione.

Fatti divertenti

La struttura ritmica del brano deriva dall’interesse di Cage per i cicli ritmici indiani (Tala) e riflette il suo fascino per le forme musicali non occidentali.

In a Landscape e Dream furono composti nello stesso anno e mostrano il lato più lirico e introspettivo di Cage prima del suo passaggio a tecniche più sperimentali.

Perché risuona ancora oggi

In a Landscape continua ad affascinare il pubblico e gli interpreti per la sua bellezza, l’immobilità e la qualità senza tempo. Viene spesso descritto come un “viaggio meditativo”, che invita gli ascoltatori a immergersi nel suo tranquillo mondo sonoro.

Lavori degni di nota

John Cage è noto soprattutto per il suo approccio avanguardistico alla musica, che incorpora operazioni casuali, strumenti non convenzionali e indeterminazione. Sebbene molte delle sue famose opere siano per pianoforte solo, ha anche creato un’ampia gamma di composizioni innovative in vari generi ed ensemble. Ecco un elenco delle sue opere più importanti non per pianoforte solo:

1. Sonate e Interludi (1946-1948)

Strumentazione: Pianoforte preparato (ma eseguito come un ensemble di percussioni a causa delle modifiche).

Dettagli: Un ciclo di 16 sonate e 4 interludi ispirato alla filosofia indiana, che esplora le otto emozioni permanenti (rasas).

Perché è importante: sebbene tecnicamente per pianoforte preparato, il risultato suona più come un elaborato ensemble di percussioni, trasformando il pianoforte in uno strumento completamente diverso.

2. Prima costruzione (in metallo) (1939)

Strumentazione: Ensemble di percussioni.

Dettagli: Quest’opera utilizza strumenti metallici, tra cui tamburi dei freni e gong, disposti in una complessa struttura matematica.

Perché è importante: Uno dei primi lavori di Cage che esplora il ritmo e la struttura influenzati dalla musica non occidentale e dai principi matematici.

3. Serie di paesaggi immaginari (1939-1952)

Strumentazione: Varie (tra cui radio, giradischi, percussioni ed elettronica).

Pezzi notevoli:

Imaginary Landscape No. 1 (1939) – Per giradischi a velocità variabile, registrazioni di frequenza e pianoforte muto.

Imaginary Landscape No. 4 (1951) – Per 12 radio, 24 esecutori e direttore d’orchestra, che esplora l’indeterminazione attraverso segnali radio imprevedibili.

Imaginary Landscape No. 5 (1952) – Per registrazione su nastro, utilizzando 42 dischi fonografici.

Perché è importante: queste opere rappresentano l’esplorazione pionieristica di Cage della musica elettronica e aleatoria, incorporando il caso e i suoni ambientali.

4. Musica radiofonica (1956)

Strumentazione: Da 1 a 8 esecutori che usano la radio.

Dettagli: Ogni esecutore controlla una radio, sintonizzandosi su frequenze diverse e creando risultati sonori imprevedibili.

Perché è importante: un ottimo esempio dell’interesse di Cage per l’indeterminazione e il suono ambientale come musica.

5. Aria (1958)

Strumentazione: Voce solista (qualsiasi tipo), con accompagnamento elettronico opzionale.

Dettagli: La partitura utilizza una notazione grafica colorata e un testo in più lingue, consentendo un’ampia gamma di interpretazioni vocali.

Perché è importante: Aria esemplifica l’impegno di Cage verso l’indeterminazione e l’interpretazione dell’esecutore.

6. Fontana Mix (1958)

Strumentazione: Musica su nastro, ma può essere adattata a vari strumenti.

Dettagli: Una partitura grafica che gli esecutori interpretano sovrapponendo i lucidi e creando ogni volta risultati unici.

Perché è importante: Dimostra l’uso di Cage di metodi indeterminati e di una composizione aperta, in cui non esistono due esecuzioni uguali.

7. Serie di variazioni (1958-1968)

Strumentazione: Indeterminata (varia per ogni pezzo).

Pezzi notevoli:

Variazioni I (1958) – Per qualsiasi numero di esecutori e qualsiasi mezzo di produzione del suono.

Variazioni II (1961) – Un complesso sistema di trasparenze utilizzato per generare risultati imprevedibili.

Variazioni IV (1963) – Un pezzo in cui le fonti sonore sono collocate in uno spazio di esecuzione, creando un ambiente sonoro in continua evoluzione.

Perché è importante: la serie delle Variations ha permesso a Cage di esplorare ulteriormente il caso, l’arbitrio dell’esecutore e le fonti sonore non tradizionali.

8. Terza costruzione (1941)

Strumentazione: Quartetto di percussioni.

Dettagli: Una delle opere più ritmicamente complesse di Cage, che incorpora strumenti a percussione latinoamericani.

Perché è importante: evidenzia il precoce interesse di Cage per le strutture ritmiche e la complessa stratificazione.

9. Musicircus (1967)

Strumentazione: Aperto a qualsiasi esecutore e strumento.

Dettagli: Un happening in cui più performance avvengono simultaneamente in uno spazio condiviso, permettendo al pubblico di sperimentare un collage di suoni sovrapposti.

Perché è importante: Musicircus incarna le idee di Cage sul caso, la casualità e la fusione tra vita e arte.

10. HPSCHD (1969)

Strumentazione: 1-7 clavicembali e 1-51 macchine a nastro.

Dettagli: Una stravaganza multimediale con elaborate proiezioni visive e molteplici esecuzioni simultanee.

Perché è importante: Una delle opere multimediali più ambiziose di Cage, che combina tecnologia, performance e indeterminazione su larga scala.

11. Europeras (1987-1991)

Strumentazione: Opera con elementi indeterminati.

Opere degne di nota:

Europera 1 & 2 (1987) – Opera con estratti casuali di opere occidentali.

Europera 3 e 4 (1990) – Opera di dimensioni più ridotte ma dalla struttura altrettanto caotica.

Perché è importante: una decostruzione radicale dell’opera che fonde frammenti del canone operistico occidentale con operazioni casuali.

12. Atlas Eclipticalis (1961-1962)

Strumentazione: Orchestra con elettronica opzionale.

Dettagli: Derivato dalle carte stellari, dove i musicisti interpretano la notazione grafica per creare un’esperienza musicale imprevedibile e cosmica.

Perché è importante: Rappresenta il crescente interesse di Cage per l’astronomia e la sua intersezione con la musica indeterminata.

Perché queste opere sono importanti

Le opere per pianoforte non solista di Cage esplorano un vasto spettro di idee musicali, tra cui:

Indeterminazione e operazioni casuali.
Integrazione di tecnologia e strumenti non convenzionali.
Espansione dei confini tra musica, rumore e silenzio.

Episodi e curiosità

John Cage è stato un visionario la cui vita è stata costellata di storie notevoli, momenti inaspettati e aneddoti bizzarri che rivelano la sua arguzia, la sua creatività e la sua profonda curiosità filosofica. Ecco alcuni degli episodi più memorabili e alcune curiosità su questo artista iconico:

1. Vincere soldi in un game show italiano rispondendo a domande sui funghi

Evento: Nel 1959, John Cage partecipò al game show televisivo Lascia o Raddoppia, dove i concorrenti rispondevano a domande per vincere denaro.

Argomento: L’argomento scelto da Cage? I funghi. Era un appassionato micologo (esperto di funghi) e usò la sua vasta conoscenza per vincere 5 milioni di lire (circa 8.000 dollari all’epoca).

Curiosità: utilizzò la sua vincita per acquistare un nuovo autobus Volkswagen per la Merce Cunningham Dance Company, dimostrando il suo impegno nel sostenere il lavoro del suo partner.

Perché è memorabile: Questo stravagante episodio riflette le diverse passioni di Cage e la sua capacità di eccellere in settori inaspettati al di là della musica.

2. La prima di 4’33” (1952): Il silenzio sbalordì il pubblico

Evento: La prima di 4’33” ebbe luogo il 29 agosto 1952 alla Maverick Concert Hall di Woodstock, New York. Il pianista David Tudor eseguì il brano seduto al pianoforte senza suonare una sola nota per 4 minuti e 33 secondi, suddivisi in tre movimenti silenziosi.

Reazione del pubblico: Il pubblico rimase sconcertato: alcuni risero e altri se ne andarono. Pochi capirono il concetto radicale che Cage stava presentando: ascoltare i suoni ambientali come parte del pezzo.

Le conseguenze: Col tempo, 4’33” divenne l’opera più famosa di Cage, ridefinendo i confini della musica e della performance.

Perché è memorabile: La prima opera sconvolse il pubblico e sfidò le idee convenzionali su cosa potesse essere la musica, diventando uno dei momenti più importanti dell’arte del XX secolo.

3. Utilizzo di 12 radio per un concerto in Imaginary Landscape No. 4 (1951)

Evento: In Imaginary Landscape No. 4, Cage istruì 24 esecutori a manipolare 12 radio regolandone il volume, la frequenza e il tono, creando paesaggi sonori imprevedibili.

Risultati imprevedibili: Poiché le trasmissioni erano dal vivo, ogni performance era unica e il paesaggio sonoro cambiava in base a ciò che veniva trasmesso in quel momento.

Concetto: Si tratta di una delle prime e più audaci esplorazioni di Cage sull’indeterminazione in musica.

Perché è memorabile: L’uso delle radio come strumenti da parte di Cage fu rivoluzionario, fondendo tecnologia e possibilità di produrre performance sempre diverse.

4. Gettare l’I Ching per comporre musica

Metodo: Cage usava l’I Ching (l’antico Libro dei Mutamenti cinese) per introdurre operazioni casuali nelle sue composizioni.

Come funzionava: Lanciava monete o lanciava bastoncini di achillea per determinare le scelte musicali – altezza, durata, dinamica e altri parametri – eliminando di fatto le proprie decisioni soggettive dal processo creativo.

Opere degne di nota: Music of Changes (1951) è stato il primo brano interamente composto utilizzando l’I Ching.

Perché è memorabile: Questo metodo di operazioni casuali divenne un segno distintivo del lavoro di Cage, enfatizzando la casualità ed eliminando l’ego dal processo compositivo.

5. L’amore di Cage per i funghi e la loro influenza sulla sua arte

Hobby trasformato in passione: Cage era un appassionato micologo, co-fondatore della New York Mycological Society e passava innumerevoli ore a cercare funghi.

Concerti sui funghi: Ha persino tenuto conferenze che combinavano l’identificazione dei funghi con il suo punto di vista sulla musica e sul caso.

Legame con il suo lavoro: Cage paragonava la casualità della crescita dei funghi ai principi del caso che informavano la sua musica.

Perché è memorabile: Il suo fascino per i funghi non era solo un hobby: ha influenzato profondamente il suo approccio alla musica e alla vita.

6. La carriera di Cage nell’arte visiva iniziò a 65 anni

Un fiore tardivo: Cage iniziò a fare arte visiva seriamente solo a 65 anni. Collaborò con la Crown Point Press di San Francisco per creare una serie di stampe e disegni.

Il caso nell’arte: Come per la sua musica, Cage utilizzava operazioni casuali per guidare le sue scelte artistiche, tra cui la tracciatura di pietre e il posizionamento casuale di elementi.

Serie notevoli: I suoi disegni Ryoanji si ispirano ai disegni delle pietre del famoso giardino roccioso giapponese, enfatizzando la casualità e la serenità.

Perché è memorabile: L’arte visiva di Cage divenne un’altra strada per esplorare il caso e l’indeterminazione, dimostrando che la creatività non ha limiti di età.

7. Il buddismo zen ha plasmato la sua filosofia e la sua arte

Influenza: Cage fu profondamente influenzato dal buddismo zen, in particolare dagli insegnamenti di D.T. Suzuki.

Concetto di silenzio: L’enfasi dello Zen sulla consapevolezza e sull’accettazione del momento presente ha ispirato il fascino di Cage per il silenzio e i suoni ambientali.

Esempi notevoli: 4’33” è spesso interpretato come un riflesso della filosofia Zen, che invita il pubblico a impegnarsi profondamente con l’ambiente circostante.

Perché è memorabile: L’impatto dello Zen su Cage lo portò a ridefinire i confini tra suono, silenzio e vita stessa.

8. Il “Pianoforte preparato” nacque per necessità

Invenzione: Cage inventò il pianoforte preparato mentre componeva la musica per un ballo di Syvilla Fort. Il locale era troppo piccolo per un ensemble di percussionisti, così Cage inserì degli oggetti (viti, bulloni, gomma, ecc.) tra le corde del pianoforte per creare effetti percussivi.

Primo pezzo: Bacchanale (1940) è il primo brano composto con la tecnica del pianoforte preparato.

Trasformazione: Questa innovazione trasformò il pianoforte in un’orchestra in miniatura, capace di produrre una gamma di suoni completamente nuova.

Perché è memorabile: Il pianoforte preparato divenne uno dei contributi più duraturi di Cage alla musica moderna.

9. Le conferenze-performance di Cage erano leggendarie

Conferenze sperimentali: Le conferenze di Cage erano spesso più simili a performance artistiche che a conferenze tradizionali.

Un esempio notevole: In Lecture on Nothing (1959), Cage lesse un testo attentamente strutturato con lunghi silenzi, spingendo il pubblico a sperimentare il silenzio come parte della conferenza.

Umorismo e arguzia: Le conferenze di Cage erano piene di arguzia e di riflessioni filosofiche, che le rendevano stimolanti e divertenti.

Perché è memorabile: Le conferenze di Cage sfocavano il confine tra parola, performance e silenzio, proprio come la sua musica.

10. Cage era un fan delle teorie sui media di Marshall McLuhan

Influenza: Cage fu influenzato dalle idee del teorico dei media Marshall McLuhan, in particolare dal concetto di “il mezzo è il messaggio”.

Applicazione: Cage riteneva che il suono (o il silenzio) fosse inseparabile dall’ambiente in cui si verificava, riflettendo la convinzione di McLuhan che i media modellano la nostra percezione del mondo.

Opere multimediali: Questa influenza ha portato Cage a interessarsi all’uso di varie forme di media nelle sue performance e composizioni.

Perché è memorabile: L’abbraccio di Cage alla teoria dei media ha contribuito a plasmare la sua comprensione del suono come fenomeno dinamico e contestuale.

11. Cage era un maestro dell’umorismo e del paradosso

Citazioni spiritose: Cage era noto per le sue osservazioni perspicaci e umoristiche.

“Non ho nulla da dire e lo sto dicendo”.

“Tutto ciò che facciamo è musica”.

Paradossi nelle sue opere: Le opere di Cage contenevano spesso dei paradossi, come quello di creare musica dal silenzio, costringendo il pubblico a mettere in discussione la propria percezione dell’arte.

Perché è memorabile: L’umorismo e la giocosità di Cage hanno contribuito a demistificare la musica d’avanguardia, rendendola più accessibile al pubblico.

Perché queste storie sono importanti

La vita di John Cage era imprevedibile e stimolante come la sua arte. La sua curiosità, il suo umorismo e la sua volontà di esplorare l’ignoto hanno lasciato un segno indelebile nel mondo, ispirando generazioni di artisti, musicisti e pensatori.

(Questo articolo è stato generato da ChatGPT. È solo un documento di riferimento per scoprire la musica che non conoscete ancora.)

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