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Übersicht

La Danse bohémienne ist ein 1880 komponiertes Klavierwerk von Claude Debussy und damit eines seiner ältesten Stücke für dieses Instrument.

Allgemeine Übersicht

Komposition und Kontext: Es entstand im Spätsommer 1880 , als Debussy noch jung war und sich musikalisch noch in der Entwicklung befand. Es ist eines der wenigen Werke aus dieser Zeit, die noch erhalten sind .

Stil und Charakter : Trotz seines Titels erinnert das Werk an eine Polka (einen Tanz mit Ursprung in Böhmen ) oder könnte Merkmale eines polnischen Krakowiak aufweisen. Es zeichnet sich durch einen lebhaften Rhythmus und ein Allegro-Tempo aus und ist in der Haupttonart h-Moll geschrieben. Es hat einen leichten und etwas zigeunerhaften Charakter und erinnert möglicherweise an Musik , die Debussy während eines Aufenthalts in Russland gehört haben könnte .

Form: Das Stück hat die für Tanz- oder Gesellschaftsstücke typische dreiteilige Form (ABA) .

Dauer und Veröffentlichung: Die durchschnittliche Aufführungsdauer beträgt etwa zwei Minuten. Die Veröffentlichung erfolgte erst posthum im Jahr 1932 , vierzehn Jahre nach dem Tod des Komponisten.

Eine bemerkenswerte Anekdote ist, dass der Komponist Tschaikowski im Jahr 1880 ein hartes Urteil über das Stück fällte und es als „ sehr schönes Stück, aber eigentlich zu kurz; nichts ist ausgearbeitet und die Form ist schlampig “ beschrieb .

Geschichte

Die Geschichte des Danse Bohémienne führt uns zurück zu den Anfängen der Karriere von Claude Debussy , lange bevor er zu der Figur des musikalischen Impressionismus wurde, die wir heute kennen.

Genesis in Russland (1880)

Das Stück wurde im Spätsommer 1880 komponiert und gilt als eines der frühesten erhaltenen Klavierwerke des Komponisten .

Zu dieser Zeit arbeitete der junge Debussy, der erst 18 Jahre alt war, als Pianist für die reiche russische Mäzenin Nadezhda von Meck (die auch als Mäzenin Tschaikowskis bekannt war ) . Er reiste mit ihr durch Europa, und das Stück entstand vermutlich während eines Aufenthalts in Russland , vielleicht inspiriert von der Volks- oder Zigeunermusik , mit der er in Moskau in Berührung kam .

Die Begrüßung durch Tschaikowsky

Die bekannteste Anekdote zu diesem Werk betrifft die Meinung von Pjotr Iljitsch Tschaikowski . Debussy schickte seine Partitur über Madame von Meck an den russischen Meister , um dessen Meinung einzuholen. Tschaikowskis Antwort vom Oktober 1880 war höflich, aber unmissverständlich: Er beschrieb sie als „eine sehr schöne Sache, aber eigentlich zu kurz ; nichts ist ausgearbeitet und die Form ist schlampig . “

Dieses Urteil ist zwar hart , sagt aber viel über den Stil der Zeit und den Status des Stücks aus . Tschaikowsky hielt es für eine nette Salonnummer, aber nicht für ein voll entwickeltes Werk, das eines großen Komponisten würdig gewesen wäre. Diese Kritik könnte Debussy beeinflusst und ihn dazu veranlasst haben, sich von traditionellen Formen zu entfernen und seine eigene Sprache zu entwickeln , obwohl dieses Werk ein frühes Stück mit klassischen Formen (ternär) und einem Tanzstil (Polka) bleibt.

Nachveröffentlichung und Spätveröffentlichung​​

La Danse Bohémien blieb zu Debussys Lebzeiten unveröffentlicht . Der Komponist, vielleicht entmutigt durch Tschaikowskys Kritik oder einfach aus dem Wunsch heraus, sich auf seine innovativeren Werke zu konzentrieren, veröffentlichte es nie. Erst lange nach seinem Tod erblickte das Werk das Licht der Welt; die Partitur wurde erstmals 1932 veröffentlicht . Heute gilt es unter Musikwissenschaftlern als wertvolles Zeugnis von Debussys frühem Leben und den Einflüssen seiner Jugend.

Merkmale der Musik

Der Danse boh émienne ist ein Frühwerk (1880), das einen Debussy offenbart, der noch immer den Formen und der Musiksprache der Romantik verhaftet war, weit entfernt von der impressionistischen Ästhetik, die er später entwickeln sollte. Seine musikalischen Merkmale sind wie folgt:

1. Traditionelle Struktur und Form

Einfache dreiteilige Form: Das Stück verwendet die klassische ABA-Struktur (Exposition – kontrastierender Mittelteil – Reexposition ) , die typisch für die Tänze dieser Zeit war. Diese formale Einfachheit veranlasste Tschaikowsky zu der Aussage, die Form sei „ schlampig “ und „zu kurz“.

Tempo und Charakter : Das Stück ist mit Allegro (schnell und lebhaft) bezeichnet und hat einen leichten , lebhaften und eingängigen Charakter , passend zu seinem Tanztitel.

Europäischer Tanzrhythmus

Binärtakt: Das Stück ist im 2/4-Takt geschrieben, einem für Paartänze typischen Takt.

Polka/Krakowiak-Stil: Obwohl der Titel „Böhmischer Tanz “ lautet, erinnert der Rhythmus des Stücks stark an die Polka, einen lebhaften Tanz aus Böhmen , oder möglicherweise an den Krakowiak, einen schnellen polnischen Tanz. Es enthält rhythmische Elemente , die auf dem schwachen Takt und den synkopierten Figuren betont werden, die dem Werk seinen „tänzerischen“ Schwung und seine leichte „Zigeuner“ -Atmosphäre verleihen .

3. Klassischer Ton

Stabile Tonalität : Die Harmonie ist fest im Tonsystem verankert. Das Stück steht überwiegend in h-Moll (Abschnitt A), moduliert im Mittelteil (B) zur Paralleltonart D-Dur oder zur gleichnamigen Tonart H-Dur und kehrt dann zum ursprünglichen h-Moll zurück. Dieses Tonschema ist für ein Werk dieser Zeit sehr klassisch .

Fehlende harmonische Neuerungen: Anders als Debussys reife Werke (in denen er exotische Tonleitern, Nonenakkorde und kühne Überlagerungen verwendet) verwendet Danse bohémienne ein konventionelles harmonisches Vokabular, das auf Dreiklängen und Dominanten basiert und den Einfluss romantischer Komponisten zeigt.

4. Klavierstil

Salonschrift: Die Klavierschrift ist brillant und virtuos, im Stil der Salon- oder Konzertmusik der Romantik.

Klarheit des Themas : Das Hauptthema ist klar formuliert und wird oft der rechten Hand anvertraut, während die linke Hand die rhythmische und harmonische Begleitung (Fagott und Staccato-Akkorde) übernimmt.

Figurationen: Das Stück enthält schnelle Figurationen in Sechzehntelnoten, deutlich ausgeprägte Dynamikkontraste (von Piano (p) bis Forte (f)) und wiederholte Akkorde , die die Energie des Tanzes verstärken.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Danse Bohémienne ein Stück romantischen Charakters ist, das Debussys frühes pianistisches Talent veranschaulicht, dem jedoch noch der harmonische Reichtum und die poetische Mehrdeutigkeit fehlen , die seinen späteren Stil prägen sollten .

Stil(e), Bewegung(en) und Kompositionszeitraum

Danse Bohémien (komponiert 1880) ist an einem ganz besonderen Punkt der Musikgeschichte angesiedelt, was seine Einordnung differenziert macht .

Zeitraum und Bewegung

Epoche : Die Komposition ist typisch für die Spätromantik (Ende des 19. Jahrhunderts ) .

Satz: Obwohl Debussys Name untrennbar mit dem musikalischen Impressionismus verbunden ist, ist dieses Werk dennoch sehr weit davon entfernt . Danse Bohémien gehört eher zum Stil der romantischen Salonmusik, beeinflusst von Komponisten wie Tschaikowsky oder den Meistern des Charaktertanzes ( Chopin, Liszt).

Stil und Position

Der Böhmische Tanz ist für seine Zeit eindeutig ein traditionelles Stück.

Stil: Romantisch (Salonmusik)

Es weist die Merkmale romantischer Charaktertänze auf : eine klare Form (ABA’), eine gut etablierte Tonalität (h-Moll), einen lebhaften und regelmäßigen Rhythmus (Polka oder Krakowiak) und eine brillante und virtuose Klavierkomposition.

Es handelt sich um ein Werk der Aneignung etablierter Formen, das zeigt, dass der junge Debussy noch dabei war, die Sprache seiner Vorgänger zu meistern .

Status: Alt und traditionell (für den Komponisten)

Alt/Traditionell: Um 1880 galt dieser Stil unter Avantgarde-Persönlichkeiten als traditionell und sogar etwas überholt . Aus diesem Grund kritisierte Tschaikowsky selbst ihn für seine mangelnde Entwicklung und seine einfache Form.

Nicht innovativ: Das Stück enthält keines der innovativen Elemente , die Debussys reifen Stil ausmachen würden: keine modale Harmonie, keine pentatonischen Tonleitern, kein klanglicher Dunst oder Bruch mit der Tonalität .

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Danse bohé mienne zum romantischen Stil gehört und ein traditionelles Stück ist, das Debussys wahrem Eintritt in die musikalische Moderne (die mit Werken wie Prélude à l’ Aprrès – midi d’un faune im Jahr 1894 beginnen sollte ) und der Gründung der von ihm verkörperten impressionistischen Bewegung um mindestens zehn Jahre vorausgeht .

Analyse: Form, Technik(en), Textur, Harmonie, Rhythmus

Eine Analyse von Claude Debussys Danse bohémienne offenbart ein Werk seiner Jugend, das fest in den musikalischen Traditionen des späten 19. Jahrhunderts verankert ist , bevor der Komponist seine innovative Sprache entwickelte.

Form und Struktur

Das Stück verwendet eine sehr klare dreiteilige Form (ABA’) , die typisch für Charaktertänze und romantische Salonmusik ist.

Abschnitt A (h-Moll): Stellt das Hauptthema lebhaft und rhythmisch vor.

Abschnitt B (Kontrast): Bietet eine lyrischere Melodie in einer benachbarten Tonart (oft die relative Dur-Tonart D-Dur oder die gleichnamige Tonart H-Dur) und sorgt so für einen Kontrast im Charakter .

Abschnitt A‘ ( Rekapitulation): Rückkehr des Eröffnungsthemas von Abschnitt A, gefolgt von einer prägnanten und brillanten Coda.

Methode und Textur

Die Kompositionsmethode ist traditionell und fällt in den homophonen Stil.

Homophone Struktur: Die dominante Struktur ist die einer begleiteten Melodie (Homophonie). Der rechten Hand (oder manchmal den Mittelstimmen) wird eine klare Melodielinie anvertraut , während die linke Hand die harmonische und rhythmische Begleitung übernimmt, oft in Form von pulsierenden Bässen und Staccato-Akkorden. Die Musik ist daher weder polyphon (keine Überlagerung unabhängiger Melodielinien) noch monophon (eine einzelne Melodielinie ohne Begleitung), sondern homophon.

Der Klaviersatz ist von brillanter Art und erfordert Leichtigkeit und Beweglichkeit , insbesondere bei den Verzierungen und schnellen Figurationen in Sechzehntelnoten.

Harmonie und Tonalität

Das Werk basiert vollständig auf dem System der klassischen Tonharmonie.

Tonart : h-Moll. Die Haupttonart ist klar festgelegt und die Modulationen bleiben im Kreis der benachbarten Tonarten (Dominante, Parallel-Dur).

Tonleiter: Die Haupttonleiter ist die harmonische oder natürliche Moll-Tonleiter B, wobei die verwendeten Anleihen und die Chromatik den Praktiken der Romantik entsprechen. Die exotischen Tonleitern (pentatonisch, mit Ganztönen), die den Impressionismus charakterisieren, sind noch nicht vorhanden.

Harmonie: Sie basiert auf der Abfolge von Stufen (Tonika-, Subdominant-, Dominant-Akkorde) mit einer konventionellen Verwendung von Septakkorden und für die Zeit typischen Progressionen.

Tempo

Der Rhythmus ist das wesentliche Element , das den Charakter des Werkes bestimmt .

Takt : Das Stück ist im 2/4-Takt (zwei Schläge pro Takt).

Tanzcharakter : Der Rhythmus erinnert an eine Polka oder einen Krakowiak (einen schnellen polnischen Tanz im 2/4 – Takt), mit einem sehr klaren Puls, oft akzentuiert durch Stakkatos und leichte Synkopen , die den Eindruck von Vitalität und „ Zigeuner “ -Bewegung vermitteln . Die Energie wird durch die Regelmäßigkeit des rhythmischen Schwungs aufrechterhalten.

Tutorial, Performance-Tipps und wichtige Spielpunkte

Danse bohémien (1880) ist ein virtuoses Charakterstück im romantischen Stil, nahe einer schwungvollen Polka . Seine Ausführung am Klavier erfordert sowohl rhythmische Klarheit als auch Leichtigkeit .

I. Interpretationshinweise (Charakter und Nuancen)

Tanzcharakter und rhythmischer Schwung :

Der Satz: Das Stück ist mit Allegro (schnell) bezeichnet. Es gilt, ein lebendiges und stabiles Tempo einzuhalten, das den Eindruck eines wilden Tanzes vermittelt, ohne jemals schwer zu werden.

Akzentuierung: Betonen Sie den Polka- bzw. Krakowiak-Charakter, indem Sie die starken Schläge im 2/4-Takt deutlich betonen und gelegentlich Akzente auf den schwachen Schlägen (Synkopen) setzen, um der Melodie Schwung und Energie zu verleihen . Der Rhythmus sollte dabei gleichmäßig und elastisch sein .

„Samtig und markant“: Achten Sie auf einen samtigen Spielcharakter in den zarten und lyrischen Passagen, während Sie in den lauteren und virtuosen Abschnitten auf ein markantes und klares Spiel achten.

Klarheit und Kontraste der Nuancen:

Klarheit der Textur: Stellen Sie sicher, dass die Melodie (oft in der rechten Hand) auch in schnellen Passagen immer deutlich und singbar ist. Der Begleitpart (linke Hand) sollte leicht und pulsierend bleiben .

Extreme Nuancen : Debussy verwendet scharfe Nuancenkontraste, von Pianissimo (pp) bis Forte (f). Beachten Sie diese sehr deutlich , um die ternäre Struktur (ABA’) und die wechselnde Stimmung des Tanzes hervorzuheben .

Crescendo/Diminuendo: Dynamische Änderungen (Crescendos und Diminuendos) sollten sehr allmählich ausgeführt werden, um eine echte Ausdrucksspannung zu erzeugen , insbesondere beim Annähern an die Klanghöhepunkte oder beim Entfernen von ihnen .

II. Tutorial und wichtige technische Punkte

Die linke Hand : Leichtigkeit und Staccato

Die linke Hand spielt oft Staccato-Akkorde und rhythmische Basstöne, die leicht und federnd bleiben sollten. Vermeiden Sie „Hämmern“: Der Bass sollte kurz und präzise sein und den rhythmischen Motor liefern, ohne jemals die Melodie zu dominieren .

Arbeiten Sie an Sprüngen und Positionswechseln mit der linken Hand, um maximale rhythmische Flüssigkeit und Präzision zu gewährleisten.

Die rechte Hand: Beweglichkeit und Klarheit

Enge Figurationen: Der Anfang enthält schnelle und manchmal „kompakte“ Figuren in der rechten Hand, die einen leichten und flinken Daumen erfordern . Arbeiten Sie diese Passagen sehr langsam und betonen Sie die wichtigsten Melodienoten.

Virtuose Passagen: Die schnellen Anstiege und Abstiege von Arpeggios und Tonleitern müssen mit Flexibilität des Handgelenks und Regelmäßigkeit ausgeführt werden . Ziel ist es , über den Tasten zu „fliegen“.

Der lyrische Teil (Teil B):

Wenn die Tonart heller wird (Modulation in Richtung Dur), wird der Charakter lyrischer. Die Melodie sollte mit einem eher legato und singenden Touch gespielt werden , im Gegensatz zum eher staccato gespielten A-Teil.

Verwenden Sie das Haltepedal umsichtig, um den Gesang zu unterstützen, aber achten Sie darauf, den Bass nicht zu verwischen .

Das Ende (Coda): Das geisterhafte Glissando

Der Schluss ist besonders eindrucksvoll. Das Glissando (gespenstisches Glissando), das „ in der Dunkelheit verschwindet“, ist ein Schlüsselpunkt. Es muss sehr schnell , leicht und entmaterialisiert (oft pianissimo) mit dem weichen Pedal (una corda) ausgeführt werden , um eine archaische und fast gespenstische Atmosphäre zu schaffen , die das unerwartete Ende dieses lebhaften Tanzes markiert .

Historischer Bezug

Bedenken Sie bei der Aufführung, dass dieses Stück dem Salonstil von Tschaikowsky oder Grieg ähnelt und nicht dem Impressionismus von „Mondschein“. Das Ziel ist eine brillante, klare und temperamentvolle Aufführung, die den Rhythmus des Tanzes feiert .

Episoden und Anekdoten

Danse bohémienne (1880) ist ein kurzes, aber anekdotenreiches Frühwerk, das oft mit dem frühen Leben des Komponisten und einem großen russischen Meister in Verbindung steht.

1. Der Orden der russischen Baronin

Die Geschichte des Böhmischen Tanzes ist eng mit Debussys Aufenthalt in Russland verbunden, der eine entscheidende Etappe seiner Ausbildung darstellte.

Der Lehrer: Im Jahr 1880 wurde Debussy im Alter von 18 Jahren von der wohlhabenden russischen Baronin Nadezhda von Meck eingestellt, die als Mäzenin und Brieffreundin Tschaikowskis bekannt war . Debussy arbeitete als Klavierlehrer und Salonmusiker für die Familie und begleitete sie auf Reisen nach Europa (Arcachon, Florenz, Moskau).

Kompositionskontext: Im Sommer 1880 , während er im Dienste der Familie von Meck in Russland stand (oder vielleicht auch kurz nach seiner Rückkehr), komponierte Debussy „Danse bohémienne“. Es gilt als sein erstes bekanntes Werk für Soloklavier, bevor er sich fast zehn Jahre lang vom Klavier zurückzog, um sich auf die Melodie zu konzentrieren .

2. Tschaikowskys strenges Urteil​

Die bekannteste Anekdote betrifft die Kritik, die Debussy von einer der bedeutendsten Persönlichkeiten seiner Zeit erhielt : Pjotr Iljitsch Tschaikowski .

Die Vermittlerin: Nadezhda von Meck zeigte Tschaikowsky die Partitur des jungen Debussy und fragte ihn nach seiner Meinung.

Die Antwort: In einem Brief vom 8. Oktober 1880 fällt Tschaikowsky ein eher gemischtes Urteil und beschreibt es wie folgt:

„Es ist eine sehr schöne Sache, aber eigentlich zu kurz; nichts ist ausgearbeitet und die Form ist schlampig . “

Der Umfang : Diese Rezension ist ein hervorragendes Zeugnis für den Stil des Werks: Sie zeigt, dass Debussy zu dieser Zeit noch romantische Salonmusik schrieb, jedoch ohne den strukturellen Ehrgeiz, den die Meister der großen russischen Tradition erforderten.

3. Das späte Entdeckungsrot

Trotz seines charmanten Charakters geriet das Werk , wie es bei frühen Stücken üblich ist, lange Zeit in Vergessenheit .

Posthume Veröffentlichung: La Danse bohémienne wurde erst 1932 veröffentlicht , lange nach Debussys Tod (der 1918 eintrat).

Titel und Charakter : Der Titel erinnert an den Geschmack der Zeit für exotische Tänze oder Tänze, die von Nomadenkulturen inspiriert waren (wie die Polka, die aus Böhmen stammte , oder an „Zigeuner“-Atmosphären). Das Werk bleibt daher eine charmante und brillante Spur des jungen „Achille de Bussy“ (wie er sich manchmal selbst nannte), bevor er zum Meister des Impressionismus, Claude Debussy, wurde.

Ähnliche Kompositionen

Danse Bohémien ist ein frühes Werk Debussys, das fest in der Tradition romantischer Salonmusik und Charaktertänze verwurzelt ist . Es hebt sich vom impressionistischen Stil ab, den Debussy später entwickeln sollte.

Hier sind einige ähnliche Kompositionen, sortiert nach Relevanz:

I. Andere frühe Stücke von Debussy (gleiche Periode und Stil)

Diese Stücke präsentieren einen Stil, der noch tonal und romantisch ist, vor der impressionistischen Wende:

Romantischer Walzer (1890): Ein weiteres Salonstück, leicht und in einem sentimentalen Stil , typisch für den romantischen Einfluss.

Mazurka (1890): Hat mit der Danse Bohémienne das Format eines stilisierten Charaktertanzes für Klavier gemeinsam, mit ausgeprägtem Rhythmus und nationalem Akzent .

Rêverie (um 1890): Obwohl ruhiger, weist es eine einfache Struktur und einen lyrischen Schreibstil auf, die es mit dieser prägenden Periode verbinden.

Tanz (Steirische Tarantella) (1890): Obwohl er später entstand und über fortgeschrittenere harmonische Farben verfügt, handelt es sich auch hier um einen virtuosen und lebhaften Tanz , der die Energie des Danse Bohémienne teilt .

Charakter und Salonmusik der Zeit

Der Stil des Bohemian Dance ähnelt dem der Komponisten der Salonmusik des späten 19. Jahrhunderts , die oft von ausländischen Tänzen inspiriert war :

Pjotr Iljitsch Tschaikowski :

Salonstücke für Klavier (wie jene in seiner Sammlung Les Saisons, Op. 37b): Ihre homophone Struktur ( begleitete Melodie ) und einfache Lyrik ähneln dem , was Debussy für Baronin von Meck anstrebte.

Frédéric Chopin :

Polonaisen oder Mazurkas: Obwohl anspruchsvoller, teilen sie die Idee eines stilisierten Nationaltanzes für virtuoses Klavier. Der Rhythmus der Danse Bohémienne wird oft mit dem Krakowiak verwandt, einem schnellen polnischen Tanz im 2/4-Takt.

Edvard Grieg:

Lyrische Stücke : Obwohl Griegs Stücke eher im nordischen Stil gehalten sind, weisen sie ebenfalls eine einfache Struktur, eine starke Lyrik und einen Charakter auf, der oft auf populären Tänzen basiert.

III. Andere Tänze von Debussy

Obwohl in einem moderneren Stil geschrieben, zeigen diese Stücke Debussys ständige Anziehungskraft zum Tanz:

Le Petit N è gre (Cakewalk, circa 1909): Später und vom Jazz inspiriert, ist dies ebenfalls ein schneller Tanz im 2/4-Takt, der Leichtigkeit und einen ausgeprägten Rhythmus erfordert .

La Plus que Lente (Walzer, 1910): Ein Walzer mit melancholischem Charakter , der aber ein Tanzstück im Geiste des Salons bleibt .

(Dieser Artikel wurde von Gemini generiert. Und er ist nur ein Referenzdokument, um Musik zu entdecken, die Sie noch nicht kennen.)

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Übersicht

Absolut. „Aus einem Skizzenbuch“ ist ein Stück für Klavier solo von Claude Debussy, das oft als kurzes, aber gehaltvolles Werk angesehen und manchmal zu Unrecht vernachlässigt wird .

ist ein allgemeiner Überblick über diese Arbeit:

Hauptmerkmale​

Genre und Instrumentierung: Dies ist ein Stück für Soloklavier.

Komposition: Es wurde um 1903–1904 komponiert ( mit Veröffentlichung im Jahr 1908).

Dauer : Es ist relativ kurz , mit einer durchschnittlichen Laufzeit von etwa fünf Minuten.

Entstehung : Die öffentliche Aufführung erfolgte 1910 durch Maurice Ravel während des Eröffnungskonzerts der Independent Musical Society .

Stil und Atmosphäre

Titel und Art: Trotz des Titels, der eine einfache Skizze oder einen Entwurf („Skizzenbuch“) suggeriert, handelt es sich bei dem Werk in Wirklichkeit um ein vollständiges und sehr ausgearbeitetes Stück mit 53 Takten.

Bewegungsanzeige: Sie wird als „ Sehr langsam (ohne Strenge) “ bezeichnet , was sofort den Ton einer ruhigen und schwebenden Atmosphäre angibt .

Atmosphäre: Das Stück wurde als „langsamer und träger Traum “ oder als Klangmeditation beschrieben. Es ist von großer klanglicher Verführung und einer geheimnisvollen Klarheit durchdrungen , die charakteristisch für Debussys impressionistischen Stil ist.

Tonart : Die Haupttonart ist Des- Dur (D ♭ -Dur), eine Tonart , die auf dem Klavier oft mit Weichheit und Klangfülle in Verbindung gebracht wird.

Bedeutung

Obwohl es weniger bekannt ist als andere Werke Debussys (wie die Préludes oder die Images), wird es von einigen Musikwissenschaftlern als kleines Meisterwerk angesehen, das selbst in einem kompakten Format die Handschrift eines großen Meisters in der Handhabung von Klang und Harmonie offenbart. Es demonstriert Debussys Fähigkeit , in nur wenigen Takten ein poetisches und suggestives Universum zu erschaffen.

Geschichte

Die Geschichte von Claude Debussys „Aus einem Skizzenbuch“ ( normalerweise als L 99 oder CD 112 bezeichnet ) ist kurz, aber bedeutsam und bezieht sich auf eine Übergangsphase für den Komponisten.

Kompositionskontext (1903–1904)

Debussy komponierte dieses Stück für Klavier solo zwischen 1903 und 1904, einer Zeit , in der sein Stil voll ausgereift war und er sich zunehmend von den formalen Konventionen der Romantik entfernte . In dieser Zeit schrieb er weitere bedeutende Stücke wie Masques und L’Isle joyeuse.

Einige Musikwissenschaftler, wie Roy Howat, haben vermutet , dass From a Sketchbook ursprünglich als Mittelsatz eines Klaviertriptychons konzipiert war , eingerahmt von Masques und L’Isle joyeuse . Aus redaktionellen Gründen wurden die drei Stücke jedoch separat veröffentlicht .

Der Titel und die Realität des Werkes

Der Titel „From a Sketchbook “ (Aus einem Entwurfsbuch) ist etwas irreführend. Obwohl er eine einfache Skizze oder eine schnell auf Papier notierte Idee suggeriert, handelt es sich bei dem Stück in Wirklichkeit um ein vollständig ausgearbeitetes, für Klavier orchestriertes Werk und nicht um ein Fragment. Es ist kurz ( etwa fünf Minuten), aber dicht geschrieben.

Veröffentlichung und Premiere

Veröffentlichung: Das Stück wurde 1904 , kurz nach seiner Komposition , von Schott Frères veröffentlicht .

Premiere : Das Publikum musste jedoch mehrere Jahre warten, um es im Konzert zu hören. Die offizielle Premiere fand am 20. April 1910 in Paris, Salle Gaveau, statt.

Der Interpret : Bemerkenswerterweise war es sein Zeitgenosse und oft befreundeter Rivale Maurice Ravel, der das Werk anlässlich des Eröffnungskonzerts der Société musicale ind épendante (SMI), einer Organisation zur Förderung neuer Musik, uraufführte .

Das Erbe

von Wissenschaftlern oft als eines der zu Unrecht am meisten vernachlässigten Werke Debussys angesehen . Es ist ein Stück mit sehr langsamem Temperament (ohne Strenge), das eine Atmosphäre „langsamer und trägen Träumerei“ hervorruft . Es wird für seine große klangliche Verführungskraft, seine Klarheit und die Subtilität seiner harmonischen Sprache bewundert, die typisch für den musikalischen Impressionismus des Komponisten ist. Es beweist, dass eine „Skizze “ in Debussys Werk bereits ein vollendetes Meisterwerk ist .

Merkmale der Musik

„Aus einem Skizzenbuch“ ist ein Stück , das den reifen Stil von Claude Debussy perfekt illustriert, bei dem Klangfarbe , innovative Harmonie und formale Mehrdeutigkeit Vorrang vor der klassischen Struktur haben .

Hier sind die musikalischen Merkmale dieser Komposition:

Harmonie und Tonalität

Reichhaltige Grundtonart : Das Stück ist in der Tonart Des – Dur (D ♭ -Dur) verankert, einer Tonart , die auf dem Klavier oft mit Süße und reichhaltiger Resonanz assoziiert wird.

Schwebende Harmonie: Die Harmonie ist typisch für Debussys Impressionismus. Sie verwendet nicht-funktionale Akkorde, oft Nonen , Undezime oder angereicherte Akkorde, die sich nicht nach den klassischen Regeln des Tonsystems auflösen . Diese Akkorde erzeugen ein Gefühl der Schwebe und Unschärfe des Klangs.

Mehrdeutigkeit : Die Verwendung weniger konventioneller Tonleitern (Ganztonleitern, alte Modi) erzeugt ein unbestimmtes Klangklima . Die Klarheit der Tonalität wird oft durch chromatischere oder modalere Passagen ausgeglichen, bei denen die Musik ohne bestimmtes Ziel umherzuwandern scheint .

Rhythmus und Tempo

Langsames und flexibles Tempo: Die Bewegungsangabe ist „ Sehr langsam (ohne Strenge) “. Dieses Tempo suggeriert große Flexibilität und eine freie Interpretation des Rhythmus, weit entfernt vom mechanischen Puls, und begünstigt den Aspekt des trägen „ Träumens “ .

Mangelnde rhythmische Strenge: Die Komposition bevorzugt Flexibilität und Rubato (ohne Strenge), wodurch der Eindruck von Improvisation oder natürlicher Bewegung entsteht, die eher „psychologisch“ als streng gemessen ist .

Textur und Klangfarbe (Klang )

Drei -Noten- Textur : Obwohl nicht durchgängig, ist das Stück oft auf drei Notensystemen geschrieben, eine Technik, die Debussy verwendete, um die verschiedenen Klangebenen besser zu trennen und zu verdeutlichen: den Bass (oft wellenförmig), die Melodielinie und die begleitenden oder ornamentalen Motive.

Verwendung von Resonanz: Debussy nutzt das Haltepedal des Klaviers, um schimmernde Klänge und dunstige Texturen zu erzeugen. Das Klavier wird nicht als Schlaginstrument behandelt, sondern als ein Instrument, das orchestrale „Farbe“ und „Licht“ erzeugen kann.

Evokative Motive: Wir achten auf das Vorhandensein von Klangelementen , die visuelle oder natürliche Effekte suggerieren, wie etwa leuchtende Arpeggios im hohen Register oder tiefe Motive, die Tiefe oder eine dunkle Atmosphäre hervorrufen können.

Form

Freie und prägnante Form: Dies ist ein kurzes Stück ( 53 Takte) und von offener oder meditativer Form, das mit strengen formalen Schemata (wie der Sonatenform oder dem klassischen Lied) bricht. Es entwickelt sich eher „ vegetativ “ oder suggestiv und verbindet Stimmungen und thematische Fragmente, anstatt einem starren thematischen Verlauf zu folgen.

Skizzenhafter Charakter : Der Titel spielt auf das Gefühl von Spontaneität und Zerbrechlichkeit an, das Debussy einzufangen sucht , indem er ein Werk schafft, das einen flüchtigen Moment einzufangen scheint.

Stil(e), Bewegung(en) und Kompositionszeitraum

Das Werk „Aus einem Skizzenbuch“ wurde 1903–1904 von Claude Debussy komponiert .

Sein Stil und seine Stellung in der Musikgeschichte sind wie folgt:

Stil und Bewegung

Der Stil von „From a Sketchbook“ ist mit der Bewegung des musikalischen Impressionismus verbunden.

Impressionismus: Dies ist die am häufigsten verwendete Bezeichnung für Debussys Musik dieser Zeit. Dieser Stil legt den Schwerpunkt eher auf Klangfarbe, Stimmung und Evokation als auf narrative oder klassische Themenentwicklung. Die Verwendung von duftigen Klangfarben, resonanten Pedalen und schwebender Harmonie in diesem Stück macht es zu einem perfekten Beispiel.

Symbolist: Debussy ließ sich auch stark von der literarischen Bewegung des französischen Symbolismus ( Mallarmé, Verlaine) inspirieren und versuchte, Ideen, Gefühle oder Bilder auf indirekte und geheimnisvolle Weise zu vermitteln , ohne sie explizit zu beschreiben.

Zeitraum und historische Position

Das Stück spielt am Ende der Spätromantik (oder Postromantik) und ganz am Anfang der musikalischen Moderne.

Innovative und modernistische Musik: Diese 1904 komponierte Musik war für ihre Zeit unbestreitbar neu und innovativ. Debussy gilt mit Werken wie Prélude à l’ après -midi d’un faune (1894) und Pelléas et Mélisande (1902) als einer der Komponisten, die im 20. Jahrhundert den Grundstein für die moderne Musik legten .

Traditioneller Bruch: Debussy entfernte sich radikal vom dominanten klassischen und romantischen musikalischen Erbe Deutschlands (Beethoven, Wagner). Er gab das Primat der Tonfunktion und der Sonatenform zugunsten der „Freude am Akkord an sich“ und einer freien Form auf, was zu seiner Zeit ein revolutionärer Ansatz war.

Zusammenfassend ist „ From a Sketchbook“ ein Werk aus der frühen Moderne, dessen Stil impressionistisch und innovativ ist und den Übergang zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert markiert .

Analyse: Form, Technik(en), Textur, Harmonie, Rhythmus

Die Analyse von D’un cahier d’esquisses (1903–1904) offenbart einen für Claude Debussys musikalischen Impressionismus typischen kompositorischen Ansatz, der Klangatmosphäre und Farbharmonie gegenüber einer klassischen thematischen Struktur bevorzugt.

Formale und strukturelle Analyse

Die Form von D’un cahier d’esquisses ist frei und unkonventionell, ähnlich einer Miniatur-Symphonischen Dichtung oder einem Charakterstück . Debussy lehnt die Symmetrie klassischer Formen (wie die Sonatenform oder das ABA-Lied) zugunsten einer organischen Entwicklung ab, die auf Variation und der Verknüpfung von Stimmungen beruht und ein Gefühl der Improvisation oder „Träumerei “ erzeugt (wie durch das Tempo „ Sehr langsam , ohne Strenge “ angezeigt ).

Struktur durch Sequenzen/Evokationen: Statt entwickelter Themen baut das Stück auf der Gegenüberstellung kurzer Sequenzen und Motive auf , die transformiert wiederkehren ( Methode der Variation und thematischen Einteilung).

Textur und Kompositionstechnik(en)

Die Struktur des Stückes ist oft polyphon oder genauer gesagt polyrhythmisch, zeichnet sich aber immer durch Finesse und Klarheit aus. Die Musik ist nie rein monophon.

Drei-Notensysteme-Technik: Debussy verwendet in der Partitur häufig drei Notensysteme, um die verschiedenen Klangebenen zu verdeutlichen, eine Technik, die in seinen reifen Werken üblich wurde . Wir unterscheiden:

Der tiefe Bass, oft langsam und wellenförmig.

Die Melodie (meistens einfach und fragmentarisch) im Medium.

Die leichten Verzierungen und die Harmonien im Diskant.

Verwendung von Klangfarbe und Pedal: Das Klavier wird nicht perkussiv gespielt. Das Haltepedal ist für die Mischung der Töne und die Erzeugung eines resonanten Klangnebels (eine Technik zum „Farben“ oder „Schleiern“ des Klangs) von grundlegender Bedeutung.

Harmonie, Tonleitern, Tonalität und Rhythmus

Harmonie und Tonalität

Die Harmonie ist das innovativste Merkmal des Werkes .

Tonart : Die Haupttonart ist Des- Dur (D ♭ -Dur), sie ist jedoch häufig unklar oder mehrdeutig .

Akkorde : Debussy verwendet häufig Nonen- , Undezime- und Tredezime- Akkorde sowie Akkorde ohne Terzen oder mit zusätzlichen Noten. Diese Anreicherungen machen eine klassische Auflösung überflüssig und erzeugen ein Gefühl von Schwebe und harmonischem „Schweben“.

Bereiche

Die von Debussy verwendeten Tonleitern sind die Werkzeuge seiner harmonischen Sprache:

Modus: Verwendung antiker Modi (oder kirchlicher Modi) und der pentatonischen Tonleiter, was ihm einen archaischen oder „exotischen“ Charakter verleiht .

Tonleiter: Obwohl hier weniger dominant als in anderen Stücken ( wie etwa Voiles), wird die Tonleiter (eine Abfolge von Ganztonintervallen) manchmal verwendet, um jegliche tonale Anziehungskraft aufzulösen und ein Gefühl der Immaterialität zu erzeugen .

Tempo

Der Rhythmus zeichnet sich durch seine Flexibilität aus:

Freies Tempo: Die Angabe „ Sehr langsam (ohne Strenge) “ befreit den Interpreten vom strengen Takt und verwendet Rubato, um den Motiven Luft zum Atmen und den Emotionen Raum zum Entwickeln zu geben.

Offbeats und Synkopen: Der Rhythmus ist oft fließend und unregelmäßig und vermeidet die regelmäßigen Akzente des klassischen Rhythmus, was zum Gefühl des Umherschweifens und der Ungreifbarkeit beiträgt .

Tutorial, Performance-Tipps und wichtige Spielpunkte

Leistungstipps und Spiel-Tutorial

1. Das Pedal: Die Seele des Klangs

Der Einsatz des Haltepedals ist das wichtigste Element bei der Wiedergabe der Atmosphäre von Debussy .

Der Klangschleier: Ziel ist es, einen harmonischen „Schleier“ zu erzeugen, indem man die Klänge miteinander verschmelzen lässt, ohne dass es jemals zu einem wirren Lärm wird.

Lockere Änderungen: Ändern Sie das Pedal bei jeder Änderung der Harmonie oder Stimmung, aber achten Sie auf Momente, in denen Debussy anhaltende Akkorde möchte, um verlängerte Resonanzen zu erzeugen . Achten Sie genau auf den Punkt, an dem die Resonanz zu dicht wird und die Melodielinie stört.

Seufzertechnik: In den langsameren, leiseren Passagen (pp oder ppp) können sehr kurze Pedalwechsel verwendet werden, um den Klang „aufzufrischen “ , ohne ihn vollständig abzuschneiden , und so den Nachhall beizubehalten .

2. Tempo und Rhythmus: Reverie

Der Hinweis „ Sehr langsam (ohne Strenge) “ ist der Schlüssel .

Internes Rubato: Vergessen Sie den mechanischen Puls des Metronoms. Der Takt sollte geschmeidig und fließend sein , bestimmt durch Melodie und Resonanz. Phrasen sollten natürlich atmen.

Stillstand vermeiden: Auch wenn sie langsam ist, ist sie nicht statisch. Die Musik muss eine innere Bewegung, eine „langsame, träge Träumerei “ ( Halbreich), aufrechterhalten, um nicht zusammenzubrechen. Denken Sie an den Rhythmus einer Welle, die vor- und zurückgeht.

Freiheit der rechten Hand: Lassen Sie die Melodie der rechten Hand (RH) oft ganz leicht im Verhältnis zur Begleitung der linken Hand (LH) schweben, ohne dass es sich um eine systematische Verschiebung handelt.

3. Die Differenzierung von Klangplänen (Textur)

Da die Textur oft dreischichtig ist , müssen Ihre Fingersätze und Ihr Anschlag diese Ebenen isolieren.

Schwebender Bass: In der Partitur heißt es oft: „Der Bass schwebt immer ein wenig . “ Spielen Sie die tiefen Töne mit sanftem und leichtem Anschlag, aber konstant, ohne zu dominieren. Dies sind die verschwommenen Grundlagen der Klanglandschaft.

Gesangsmelodie : Die Melodielinie ( normalerweise in der rechten Hand, manchmal aber auch in der linken Hand) sollte leicht hervorgehoben (cantabile) sein , wie eine intime Stimme, die aus dem harmonischen Nebel auftaucht. Verwenden Sie ausreichend Fingergewicht, aber ohne Aggressivität .

Hohes Schimmern: Noten oder Akkorde im hohen Register sollten wie „ Mondlichtschimmer “ klingen, pianissimo (pp) gespielt und mit einem leichten, schnellen Anschlag, um einen schimmernden Effekt zu erzeugen .

4. Ton und Berührung

Debussys Stil erfordert eine extreme Kontrolle der Dynamik und Klangfarbe.

Leichter Anschlag: Der Großteil des Stückes wird in sanften Nuancen (pp bis p) gespielt. Vermeiden Sie „gehämmerte“ Anschläge. Der Klang soll rund und samtig sein .

Harmonische Farbe: Jeder Akkord sollte als einzigartige Farbe behandelt werden . Studieren Sie jeden vollen Akkord (Neunte , Undezime ) einzeln , um seine besondere Resonanz zu hören, bevor Sie ihn im Kontext spielen .

5. Spezifische technische Punkte

Komplexität der Fingertechnik : Trotz der Langsamkeit erfordern harmonische Progressionen manchmal diskrete Verlängerungen oder Gleitbewegungen der Hand. Achten Sie auf eine effiziente Fingertechnik, um die Flüssigkeit und das Legato der Akkorde zu ermöglichen.

Tonart Des – Dur : In der Tonart Des – Dur werden viele schwarze Tasten verwendet. Dies kann den Anschlag erleichtern, da die Hand leichter auf der Tastatur liegt. Diese natürliche Leichtigkeit der schwarzen Tasten trägt zur Flexibilität bei.

Erfolgreiches Stück oder Sammlung zu dieser Zeit ?

Anders als einige seiner ikonischen Werke wie Clair de lune (veröffentlicht 1905 in der Suite Bergamasque), die einen durchschlagenden kommerziellen Erfolg erzielten , war From a Sketchbook unmittelbar nach seiner Veröffentlichung weder ein großer Erfolg noch fand es eine weite Verbreitung .

Hier sind die wichtigsten Elemente seiner damaligen Rezeption :

1. Veröffentlichung und kommerzieller Erfolg

Veröffentlichung: Das Stück wurde 1903–1904 komponiert und im Februar 1904 vom Verlag Schott Frères ( Brüssel ) in der Zeitschrift Paris Illustré veröffentlicht .

Mangelnder Publikumserfolg : Obwohl dieses Stück schnell veröffentlicht wurde, war es technisch und harmonisch innovativ. Debussys Musik mit ihrem impressionistischen Stil und den komplexen Harmonien war nicht dazu bestimmt, in den Salons, die noch immer den romantischen Stil und zugängliche Virtuosenstücke bevorzugten, sofort ein Publikumserfolg zu werden .

war nicht als Teil eines größeren Zyklus (wie die Präludien oder die Bilder) konzipiert . Die Partituren verkauften sich wahrscheinlich in bescheidenem Umfang, hauptsächlich an Musiker und aufgeklärte Amateure, die die Entwicklung der Moderne verfolgten.

2. Kritische Rezeption und Ausführung

Premiere : Die erste öffentliche Aufführung fand erst sechs Jahre nach der Veröffentlichung am 20. April 1910 durch Maurice Ravel selbst ( ein weiterer Pionier der Moderne) beim Eröffnungskonzert der Société musicale indépendant ( SMI) in Paris statt. Diese Verzögerung deutet darauf hin, dass das Werk nicht sofort im Fokus der Aufmerksamkeit großer Künstler stand .

Musik für Kenner: Der Musikwissenschaftler Harry Halbreich nennt es „eines der am wenigsten bekannten und zu Unrecht am meisten vernachlässigten Werke Debussys “ . Dies bestätigt, dass es nie die Bekanntheit seiner großen Werke erreichte . Es war und ist eher ein Werk für Musiker und Musikliebhaber geblieben, die die geheimnisvolle Klarheit und die große klangliche Verführungskraft des Meisters zu schätzen wissen .

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass „Aus einem Skizzenbuch“ ein Avantgardestück seiner Zeit war , das aufgrund seines Stils und der Entwicklung von Debussys Sprache wichtig war, aber im Gegensatz zu einigen seiner anderen kurzen Klavierstücke kein großer kommerzieller Erfolg war .

Berühmte Aufnahmen

„ Aus einem Skizzenbuch“ ist nicht eines der am häufigsten aufgenommenen Stücke in Debussys Repertoire (wie die Préludes oder die Suite Bergamasque), hat aber von der Aufmerksamkeit bedeutender Pianisten profitiert , insbesondere derjenigen, deren Herangehensweise an Debussy als Referenz gilt .

aus berühmten und wichtigen Aufnahmen verschiedener Traditionen:

Historische und große Traditionsaufnahmen

Die historisch bedeutendste Aufnahme ist die vom Komponisten selbst .

Claude Debussy (Welte-Mignon-Klavierrolle, 1913):
Obwohl es sich um eine Tonbandaufnahme (keine direkte Aufnahme auf CD) handelt, ist diese Aufführung von unschätzbarem Wert. Sie bietet einen direkten Einblick in Debussys Tempo, Rubato und Farbgebung. Die Aufführung ist oft schneller und rhythmisch freier als man erwarten würde, was den „Skizzen “ – bzw. Improvisationsaspekt betont .

Walter Gieseking ( 1950er Jahre):
Gieseking gilt als der absolute Maßstab für Debussys Repertoire. Sein Anschlag ist von unvergleichlicher Leichtigkeit und Klarheit und er schafft es hervorragend , die von der Partitur geforderte neblige Atmosphäre und die subtilen dynamischen Nuancen zu erzeugen . Seine Aufnahme ist ein Beispiel für die große Tradition französischer Aufführungspraxis .

Referenzaufnahmen (Mitte des 20. Jahrhunderts bis heute )

Viele Pianisten haben dieses Stück in ihre Aufnahmen von Debussys gesamten Klavierwerken aufgenommen.

Samson François :
Als Vertreter einer gewissen französischen Virtuosität und Ausdrucksfreiheit ist seine Interpretation für ihre Farbe und ihren spontanen Charakter bekannt , manchmal weniger „impressionistisch “ als die von Gieseking, aber sehr persönlich .

Claudio Arrau:
Sein Ansatz ist, obwohl er für das französische Repertoire manchmal etwas schwerer ist , von bemerkenswerter intellektueller und emotionaler Tiefe. Arrau bringt eine harmonische Dichte und Feierlichkeit ein, die diesem kurzen Stück eine erstaunliche Statur verleihen.

Pascal Rog ist :
Rogé wird oft als Standardinterpret französischer Musik bezeichnet und bevorzugt strukturelle Klarheit und klangliche Schönheit und bietet eine ausgewogene und leuchtende Interpretation.

Moderne und zeitgenössische Interpretationen
Zeitgenössische Pianisten erforschen weiterhin die vielen Facetten des Werks und verlassen sich dabei oft auf die kritische Ausgabe, um eine größere Genauigkeit zu erreichen.

Jean-Yves Thibaudet:
Seine Aufnahme zeichnet sich durch technische Brillanz und Präzision aus, wobei die Eleganz und Flüssigkeit der Linie erhalten bleibt.

Steven Osborne:
Seine Interpretation wird oft für ihre rhythmische Strenge und ihre Fähigkeit gelobt, zwischen Klangebenen zu unterscheiden , was den impressionistischen Harmonien eine moderne Klarheit verleiht.

Nelson Freire:
poetische Phrasierung bekannt und bietet eine lyrische und intime Interpretation, die die „ verträumte “ Qualität des Stücks hervorhebt .

Episoden und Anekdoten

Ein „ verwaistes “ Stück im Herzen eines Triptychons

Die bedeutendste Anekdote betrifft den ursprünglichen Bestimmungsort dieses Werks .

Das fehlende Triptychon: Viele Musikwissenschaftler, insbesondere Roy Howat, glauben, dass „From a Sketchbook“ ursprünglich als zentrales Stück eines Klaviertriptychons gedacht war , eingerahmt von zwei anderen berühmten Werken, die im selben Zeitraum ( 1903–1904) komponiert wurden :

Masken

Aus einem Skizzenbuch (langsame und träge Meditation)

Die freudige Insel

Ein emotionaler Zusammenbruch: Wären diese drei Stücke zusammen aufgeführt worden , hätten sie einen bemerkenswerten Kontrast gebildet, der von Energie über Träumerei bis hin zu Ekstase reichte. Debussy beschloss jedoch, Masques und L’Isle joyeuse separat bei seinem neuen Verleger Durand zu veröffentlichen , während D’un cahier d’esquisses isoliert bei Schott blieb. Diese Zerstückelung könnte mit den persönlichen Turbulenzen zusammenhängen, die Debussy 1904 durchlebte, insbesondere mit der Trennung von seiner ersten Frau Lily Texier und seiner Affäre mit Emma Bardac.

2. Schöpfung durch den „Feind “ Ravel

Eine lange Verzögerung bei der Entstehung : Obwohl das Stück 1904 komponiert und im selben Jahr veröffentlicht wurde , wurde es erst viel später, am 20. April 1910, öffentlich aufgeführt .

Der unerwartete Interpret: Der Pianist, der die Uraufführung von D’un cahier d’esquisses gab, war kein anderer als Maurice Ravel. Zu dieser Zeit kühlte sich das freundschaftliche Verhältnis zwischen Debussy und Ravel ab, insbesondere aufgrund von Streitigkeiten zwischen ihren jeweiligen Anhängern (oft als „ Debussystes “ und „ Ravelianer “ bezeichnet ) und einer gewissen persönlichen Kälte.

Der feierliche Kontext: Ravel führte es beim Eröffnungskonzert der Société musicale indépendente ( SMI) auf, einer von ihm mitbegründeten Organisation zur Förderung neuer Musik, oft als Reaktion auf die Société Nationale de Musique, die als konservativer wahrgenommen wurde . Ravels Entscheidung, Debussys Werk trotz ihrer wachsenden Distanz für ein so wichtiges Ereignis auf das Programm zu nehmen, zeugt von seinem Respekt vor dem Genie seines Älteren .

3. Der Titel: Weniger eine Skizze als eine Träumerei

Das Geheimnis des Titels: Der Titel „From a Sketchbook“ (Aus einem Skizzenbuch) lässt auf ein unvollendetes Werk oder einen einfachen Arbeitsentwurf schließen.

Ein vollendetes Stück : Musikwissenschaftler sind sich jedoch einig , dass das Stück trotz seiner Kürze ( nur 53 Takte) vollkommen vollendet und formal abgeschlossen ist . Der Musikwissenschaftler Harry Halbreich beschreibt es als „ langsame und träge Träumerei “ , die die Hand eines Meisters zeige . Der Titel dürfte für Debussy eher eine Möglichkeit gewesen sein, das Stück am Rande seiner umfangreichen Sammlungen zu belassen und ihm einen Anschein von Einfachheit und Bescheidenheit zu verleihen .

4. Die Verbindung mit dem Meer

Fragmente : Es gibt Theorien, dass das melodische und harmonische Material dieses Stücks aus Vorarbeiten für andere Werke stammen könnte .

Echo des Ozeans: Obwohl es nicht eindeutig bewiesen ist , wird vermutet, dass es sich bei Aus einem Skizzenbuch um ein Fragment oder eine verworfene Idee aus der Orchesterkomposition La Mer handeln könnte, an der Debussy zu dieser Zeit ebenfalls arbeitete (fertiggestellt 1905). Die atmosphärische Natur und die Verwendung reicher Klangfarben erinnern tatsächlich an die Meereswelt und rufen Träumereien am Wasser hervor.

Ähnliche Kompositionen

Das Werk „Aus einem Skizzenbuch“ (1904) zeichnet sich durch sein Format als isoliertes Klavierstück , seinen Stil langsamer und geheimnisvoller Träumerei ( Très lent, sans rigueur) und seine Zugehörigkeit zu Debussys zentraler und „impressionistischster“ Periode aus .

Hier sind ähnliche Kompositionen, Suiten oder Sammlungen, hauptsächlich für Klavier, die stilistische oder formale Merkmale gemeinsam haben:

1. Mit Claude Debussy ( gleiche Periode und Stil)

Bei diesen Werken handelt es sich oft um isolierte Stücke oder kurze Sammlungen, die den gleichen Klangreichtum , die gleiche Lyrik und den gleichen Sinn für poetische Evokation aufweisen:

Einzelstücke aus den Jahren 1903-1904 :

Masken (1904): Wird oft als erstes Stück des abgebrochenen Triptychons mit Aus einem Skizzenbuch und Die freudige Insel angesehen. Es ist ein Kontrast, weil es schnell und virtuos ist, aber es stammt aus derselben Schaffensperiode .

Die freudige Insel (1904): Das letzte und überschwängliche Stück des angeblichen Triptychons .

Frühere Träume und Charakterstücke :​

Reverie (um 1890): Hat den gleichen meditativen und langsamen Charakter wie From a Sketchbook.

Zwei Arabesken (ca. 1888–1891): Besonders die erste Arabeske mit ihrer fließenden Eleganz und ihrem traumhaften „ Promenaden “ -Charakter ist von ähnlicher Zartheit .

Ballade (um 1890): Ein Stück mit einer weiter entwickelten Form, aber mit romantischer , von Eindrücken geprägter Lyrik .

Thematische Sammlungen:

Drucke (1903): Diese Sammlung ist zeitlich und stilistisch sehr ähnlich . Jedes Stück ist ein solides „Gemälde “ , so wie „Aus einem Skizzenbuch“ eine „Skizze “ ist :

Pagoden: Exotische und meditative Beschwörung .

Der Abend in Granada: Eine faszinierende spanische Atmosphäre und Rhythmik.

Bilder ( Serie I und II, 1905–1907): Sie sind noch repräsentativer für den impressionistischen Stil und erforschen Klangfarben mit großer Subtilität, wie die neblige und flüssige Atmosphäre von „Reflections in Water“.

2. Bei Maurice Ravel (Zeitgenosse und Freund/Rivale)

Ravel, ein Zeitgenosse und zeitweiliger Rivale Debussys, schuf das Stück und verwendete eine ähnliche harmonische Sprache:

Pavane für eine tote Infantin (1899, Klavier): Ein langsames, melancholisches und würdevolles Stück in einem Tempo und einer Atmosphäre, die mit der Meditation von „Aus einem Skizzenbuch“ verglichen werden könnten .

Jeux d’eau (1901): Obwohl virtuoser, stellt es ein Stück Wasser und Licht dar , das der impressionistischen Ästhetik von Debussy sehr nahe kommt.

Mirrors (1905): Eine Suite aus fünf Stücken, die mit vergleichbarer technischer Raffinesse Bilder hervorrufen :

Sad Birds: Teilt den langsamen, verträumten und melancholischen Charakter .

3. Andere französische Komponisten ( Salonästhetik)

Erik Satie:

Drei Stücke von Gymnopé (1888): Extrem langsame, ruhige und raffinierte Stücke , die , obwohl minimalistischer als Debussy, eine Vorliebe für Kurzform und poetische Meditation teilen .

(Dieser Artikel wurde von Gemini generiert. Und er ist nur ein Referenzdokument, um Musik zu entdecken, die Sie noch nicht kennen.)

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Übersicht

Claude Debussys Werk „La boîte à joujoux“ ist ein „Kinderballett “ oder Puppenballett, das zwischen 1913 und 1914 komponiert wurde.

ist ein allgemeiner Überblick :

nach einem illustrierten Kinderbuch von André Hellé , der auch die Illustrationen zur Originalpartitur entwarf. Debussy schrieb das Werk ursprünglich für Klavier. Er starb, bevor er die Orchestrierung vollenden konnte , die 1919 von seinem Freund André Caplet erfolgreich abgeschlossen wurde.

Widmung : Das Werk ist seiner Tochter Claude- Emma (Spitzname Chouchou ) gewidmet.

Geschichte und Thema : Die Geschichte spielt in einer Spielzeugkiste , in der Spielzeuge zum Leben erwachen. Die Idee wird wie folgt dargestellt: „Spielzeugkisten sind in der Tat eine Art Stadt, in der Spielzeuge wie Menschen leben. Oder vielleicht sind Städte einfach nur Spielzeugkisten, in denen Menschen wie Spielzeuge leben. “

Haupthandlung: Es handelt sich um eine Dreiecksbeziehung zwischen drei Hauptfiguren:

Die Puppe ( dargestellt durch einen sanften Walzer).

Der Soldat ( dargestellt durch einen kleinen, einfachen, diatonischen Militärruf) .

Der Punchinello (der Bösewicht, dessen Motiv abrupt und unzusammenhängend ist ).

Der Soldat ist in die Puppe verliebt, doch Punch bezaubert sie. Es kommt zu einer Schlacht, der Soldat wird verwundet, doch die Puppe heilt ihn. Sie verliebt sich in ihn, und die beiden heiraten glücklich bis ans Ende ihrer Tage.

Aufbau: Die Partitur ist in mehrere Abschnitte gegliedert (ca. eine halbe Stunde Musik):

Vorspiel : Der Schlaf der Kiste

Tabelle 1: Der Spielwarenladen

Tabelle 2: Das Schlachtfeld

Tabelle 3: Der Schafstall steht zum Verkauf (oder ein Übergang)

Tabelle 4: Nach dem Erwerb eines Vermögens

Epilog

Musikstil: Das Werk ist voller Frische , Charme und Einfachheit , passend zu seinem kindlichen Thema. Besonders bemerkenswert sind die zahlreichen musikalischen Zitate und Anspielungen auf andere berühmte Werke ( wie Mendelssohns Hochzeitsmarsch, den Soldatenchor aus Gounods Faust) sowie auf französische und englische Volksweisen oder Kinderreime , wodurch ein reichhaltiges und stimmungsvolles musikalisches Gefüge entsteht. Die Charaktere sind durch ausgeprägte Leitmotive gekennzeichnet, die sich im Verlauf der Geschichte verändern .

Geschichte

Die Geschichte von „Die Spielzeugkiste “ ist ein „Kinderballett “ von Claude Debussy (mit einem Drehbuch und Illustrationen von André Hellé ), das in einer Spielzeugkiste spielt , in der die Spielzeuge zum Leben erwachen. Das Werk ist eine charmante Satire auf die Welt der Erwachsenen, übertragen in die Welt der Kindheit.

Die Geschichte ist in mehrere Tabellen unterteilt:

1. Der Schlaf der Spielzeugkiste ( Vorspiel): Die Spielzeugkiste ist geschlossen und schläft. Die Spielzeuge wachen auf und bereiten sich auf ihr geheimes Leben vor .

2. Der Spielzeugladen (Tableau I): Die Spielzeuge erwachen zum Leben. Die Haupthandlung beginnt und dreht sich um eine Dreiecksbeziehung:

Ein Soldat (oft ein Spielzeugsoldat oder ein Grenadier) ist unsterblich in eine bezaubernde Puppe verliebt .

Allerdings bevorzugt die frivole Doll den bösen und prahlerischen Punchinello.

3. Das Schlachtfeld (Tableau II): Zwischen den verschiedenen Spielzeugen bricht ein Streit oder eine Schlacht aus, die romantische Rivalität symbolisiert. Während des Handgemenges wird der Soldat vom Punchinello schwer verwundet. Dieser flieht feige und lässt die Puppe zurück .

4. Der Schafstall zum Verkauf (Tableau III): Die Szenerie wechselt zu einer Schafstalllandschaft, in der Schafe zum Verkauf stehen. Dies ist ein Übergang zur Auflösung der Handlung. Die Puppe, die Punchs Feigheit erkennt und vom Mut des Soldaten berührt ist , findet ihn auf dem „Schlachtfeld “ , wo er liegt und die Blume, die sie ihm gegeben hat, in der Hand hält . Sie kümmert sich hingebungsvoll um ihn.

5. Nachdem sie ihr Vermögen gemacht haben (Tableau IV): Die Puppe und der Soldat heiraten. Der Ehemann, der den Militärdienst verlassen hatte, wurde Gärtner. Im Laufe der Jahre bekam das Paar viele Kinder, was ihrer Geschichte ein glückliches Familienende bescherte.

6. Epilog: Der Vorhang fällt und enthüllt eine Szene häuslichen Glücks, die zeigt, dass wahre Liebe über Frivolitäten triumphiert . Der Erzähler kann mit einer Betrachtung über die Ähnlichkeit zwischen „Städten “ und „Spielzeugkisten“ schließen , in denen Menschen und Spielzeuge ein auffallend ähnliches Leben führen .

Merkmale der Musik

Die musikalischen Merkmale von La boîte à joujoux (1913), dem Debussy den Untertitel „Kinderballett “ gab , zeichnen sich durch eine einzigartige Mischung aus kindlichem Charme, Zitaten und schelmischer Orchestrierung (dargestellt von André Caplet) aus.

🎶 Stil und allgemeiner Charakter

Die musikalische Sprache ist bewusst einfach und manchmal diatonisch gehalten, was einen Kontrast zum komplexeren Impressionismus seiner früheren Werke darstellt . Debussy sucht hier einen direkten und beschwörenden Ausdruck der Welt der Spielzeuge und der Kindheit. Der Ton ist oft satirisch und humorvoll und parodiert menschliche Dramen durch Spielzeuge.

🎵 Charakterisierung durch Leitmotive

Jede Hauptfigur ist durch ein einfaches musikalisches Leitmotiv eindeutig identifiziert, das je nach Handlung Variationen erfährt:

Die Puppe: Sie wird durch einen sanften und anmutigen Walzer dargestellt (insbesondere im Abschnitt „Puppentanz “).

Der Soldat: Charakteristisch für ihn ist ein einfacher militärischer Ruf, der oft von der Trompete gespielt wird und seine Rechtschaffenheit und seinen Mut symbolisiert. Dieses Motiv erinnert manchmal an den Stil von Cakewalk oder sogar an Debussys „Der kleine Neger“ .

Der Punchinello: Er wird mit einem schroffen und schlaksigen Motiv in Verbindung gebracht , das oft voller Energie und Dissonanz ist und seine Natur als prahlerischer und exzentrischer Bösewicht widerspiegelt.

🎼 Musikalische Zitate und Anspielungen

Eines der bemerkenswertesten Merkmale ist die Fülle musikalischer Zitate und Anspielungen, die als ironisches „Familienalbum “ der Pop- und Kunstmusik fungieren:

finden berühmte Melodien wie den Soldatenchor aus Gounods Oper Faust, den Hochzeitsmarsch aus Mendelssohns Ein Sommernachtstraum oder französische Kinderreime und Lieder (wie Il pleut, bergère oder Fais dodo, Colas mon p’tit fr ère).

Selbstzitate: Debussy verwendet Elemente aus seinen eigenen Werken wieder, beispielsweise das Thema aus Le Petit Nègre .

Parodie: Diese Zitate werden oft verzerrt , auf unerwartete Weise nebeneinander gestellt oder in einen ironischen Kontext integriert, wodurch ein Effekt der musikalischen Parodie entsteht, der in diesem Stück Debussys Markenzeichen ist .

🎺 Instrumentierung und Farben (Caplet-Orchestrierung)

Obwohl ursprünglich für Klavier konzipiert, nutzt die Orchestrierung von André Caplet die Klangpalette, um die „Spielzeug “ -Seite des Werks zu verstärken:

Die Instrumentierung verwendet häufig leichte Schlaginstrumente ( wie das Triangel) und Holzbläser , um den mechanischen und zerbrechlichen Charakter der Spielzeuge hervorzurufen .

Die Klangfarben sind klar und präzise und vermeiden die für einige impressionistische Werke Debussys typische verschwommene Unschärfe. Stattdessen werden lebendigere Farben verwendet, die ideal für das Puppentheater sind.

Die Orchestrierung soll jede Phase der Geschichte illustrieren, von der Ruhe des ersten Schlafs (Präludium) bis zur Raserei der Schlacht (Das Schlachtfeld).

Stil(e), Bewegung(en) und Kompositionszeitraum

Der Stil von Claude Debussys La boîte à joujoux (komponiert 1913) ist Teil der französischen Moderne , mit deutlichen Zügen des Postimpressionismus und Vorwegnahme des Neoklassizismus .

Bewegung, Periode und Charakter

Epoche : Das Werk gehört in die Epoche der Moderne (Anfang des 20. Jahrhunderts ) .

Hauptbewegung: Debussy ist der Meister des musikalischen Impressionismus, doch Die Spielzeugkiste ist als Spätwerk etwas anders . Es wird eher mit dem Postimpressionismus oder der Moderne der Zeit in Verbindung gebracht.

Alt oder neu / traditionell oder innovativ? Die Musik galt damals als innovativ . Sie ist innovativ in ihrer Thematik, ihrem Einsatz von Parodie und Zitaten sowie ihrer raffinierten Sprache und entfernt sich von den Konventionen der Romantik.

Stilistische Merkmale

Der Stil dieser Arbeit ist eine Fusion:

Neoklassizismus (Vorläufer): Dies ist ein früher Meilenstein des französischen Neoklassizismus . Debussy verzichtet auf die Komplexität und die dunstige Atmosphäre seiner impressionistischen Werke und wendet sich einem klareren, lineareren und objektiveren Stil mit schärferen Formen zu.

Parodisch und satirisch: Charakteristisch ist die Verwendung musikalischer Zitate (populäre Melodien, Militärhymnen, Opernthemen wie Gounods Faust), die oft verzerrt oder ironisch gegenübergestellt werden . Es handelt sich um eine witzige Satire menschlicher Dramen, die in die Welt der Spielzeugkiste übertragen wird .

Ablehnung der Postromantik: Sie ist das Gegenteil der germanischen Postromantik , da sie auf Pathos und übermäßige Lyrik verzichtet und Leichtigkeit und Witz bevorzugt.

Keine radikale Avantgarde: Obwohl innovativ und modern, gilt sie nicht als Avantgarde im radikalen Sinne des Wortes (wie einige Werke von Strawinsky oder Schönberg aus dieser Zeit), da sie einen melodischen Charme bewahrt und keinen völligen Bruch mit der Tonalität vollzieht .

Analyse: Form, Technik(en), Textur, Harmonie, Rhythmus

Die musikalische Analyse von Claude Debussys „La bo îte à joujoux“ offenbart einen innovativen Ansatz, der strukturelle Einfachheit und harmonische Komplexität kombiniert , die typisch für seinen Spätstil sind.

Methode (n) und Technik(en)

Die Kompositionsmethode basiert auf thematischer Charakterisierung und musikalischer Parodie.

Leitmotive und Charakterisierung: Debussy verwendet unterschiedliche Leitmotive, um die drei Hauptfiguren (die Puppe, den Soldaten und den Kasper) zu identifizieren und zu entwickeln. Diese Motive werden nicht im Wagnerschen Stil entwickelt , sondern transformiert und gegenübergestellt. Der Soldat beispielsweise ist mit einem einfachen Marschmotiv verbunden, während die Puppe mit einem Walzer verknüpft ist.

Montage- und Zitattechnik: Eine zentrale Technik ist die häufige Verwendung von Zitaten und Anspielungen auf volkstümliche Melodien, Kinderreime und berühmte Weisen ( wie den Marsch aus Faust oder Der kleine Neger ) . Debussy verwendet die Montage, indem er diese Fragmente auf schnelle und manchmal ironische Weise aneinanderreiht , ähnlich wie ein Kind, das mit Spielzeug spielt, ohne sich um den akademischen Zusammenhang zu kümmern .

Humor und Ironie: Die Technik besteht oft darin, die zitierten Melodien zu parodieren, indem man sie harmonisch oder rhythmisch verzerrt, um einen humorvollen und satirischen Effekt zu erzielen.

Form und Struktur

Die Form ist die eines Balletts mit vier Tableaus und einem Epilog, musikalisch funktioniert es jedoch als Erzählsequenz:

Suite-Form: Das Werk ist eine Abfolge unabhängiger Stücke , die durch die Erzählung miteinander verbunden sind (Prelude, The Toy Store, The Battlefield, The Sheepfold for Sale, After the Fortune Made, Epilogue).

Musikalische Erzählung: Jeder Abschnitt ist eine klangliche Illustration der Handlung, wobei die Musik direkt auf die dramatische Handlung und die Emotionen der Spielzeuge eingeht. Der Kampfabschnitt ist beispielsweise durch rhythmische Bewegung und die Überlagerung von Themen gekennzeichnet .

Textur und Harmonie

Textur: Polyphonie oder Monophonie?

Die Musik von The Toy Box ist größtenteils polyphon oder genauer gesagt heterophon oder hat eine vielschichtige Textur .

Die Textur ist oft klar und transparent (ein Erbe des Impressionismus), wird jedoch in Actionszenen (wie etwa Schlachten), in denen sich mehrere Charaktermotive überschneiden und aufeinanderprallen, dicht und komplex.

Monophonie (oder eine einfache Melodie mit sehr dezenter Begleitung ) wird in bestimmten Passagen verwendet, oft um Naivität oder Ruhe auszudrücken (wie im Präludium oder beim Soldatenthema) .

Harmonie

Die Harmonie ist typisch für Debussy, wird aber durch die Einfachheit des Objekts gemildert:

Modale und chromatische Harmonie: Debussy verwendet weiterhin Harmonien, die auf der Ganztonleiter oder alten Modi basieren, und erzeugt so ein tonales Schweben.

Nicht-funktionale Akkorde: Er verwendet Akkorde, insbesondere Nonen oder unvorbereitete Septimen , eher wegen ihrer Farbe als wegen ihrer tonalen Funktion.

Scharfe Dissonanzen : Dissonanzen werden zur Charakterisierung verwendet ( insbesondere bei Punch und während des Kampfes), sie sind jedoch immer in den Rahmen der französischen Moderne integriert und vermeiden Brutalität .

Tonleitern, Tonalität und Rhythmus

Tonleiter: Debussy verwendet die diatonische Tonleiter aus Gründen der Klarheit (Le Soldat), bereichert seine Sprache jedoch auch mit Ganztonleiterelementen und alten Modi, die den Sinn für die zentrale Tonalität abschwächen.

Tonalität : Die Tonalität ist fließend (ein impressionistisches Merkmal), aber das Werk basiert im Allgemeinen auf einer tonalen Grundlage. Die Einfachheit des Themas führt ihn dazu, deutlich tonale Passagen zu verwenden (insbesondere in populären Zitaten), aber die Tonalität wird ständig durch modale und chromatische Harmonie verwischt.

Der Rhythmus ist äußerst vielfältig und gekennzeichnet durch :

Tänze: Verwendung erkennbarer Tanzrhythmen wie des Walzers (für die Puppe) oder des Cakewalks (für den Soldaten), die in starkem Kontrast zur Romantik stehen.

Takte : Gelegentliche Verwendung wechselnder Takte oder synkopierter Rhythmen, um Aufregung oder Humor auszudrücken (Polichinelle oder die Schlacht).

Marsch: Der militärische Marschrhythmus ist ein strukturierendes Element für den Soldaten.

Tutorial, Performance-Tipps und wichtige Spielpunkte

Um die ursprüngliche Klavierversion von Claude Debussys „La bo îte à joujoux“ aufzuführen, ist es wichtig, einen Stil zu wählen, der den Geist des Balletts und die späte pianistische Ästhetik des Komponisten in Einklang bringt.

Tipps zum Klavierspielen

1. Denken Sie an Orchester und Puppe

Obwohl das Werk für Klavier solo geschrieben ist, handelt es sich vor allem um ein Ballett. Der Interpret muss sich die Farben des Orchesters vorstellen und andeuten (obwohl die Orchestrierung von Caplet stammt, hatte Debussy die Klangfarben im Sinn ).

Klangfarbendifferenzierung: Jede Figur sollte ihre eigene, unverwechselbare „Stimme “ und Farbe haben. Verwenden Sie stark kontrastierende Dynamik und Artikulation, um Instrumente nachzuahmen . Beispielsweise sollte das Thema des Soldaten wie eine Trompete oder Trommel klingen, mit knackigen Staccatos und präzisem Rhythmus, während das Thema der Puppe mit walzerartiger Leichtigkeit und Geschmeidigkeit gespielt werden sollte, die an ein Streichinstrument oder eine Celesta erinnert.

Mechanisches Spiel: Verwenden Sie beim Kasperletheater und bestimmten Tänzen eine leicht mechanische oder starre Note, um die ruckartigen Bewegungen eines Spielzeugs oder einer Puppe nachzuahmen .

2. Ironie und Humor beherrschen

Humor und Parodie stehen im Mittelpunkt dieser Arbeit.

Zitate: Wenn Debussy berühmte Melodien ( Märsche , Schlager) zitiert, müssen diese erkennbar sein, aber oft mit einer leicht ironischen Note. Spielen Sie diese Themen nicht mit der Ernsthaftigkeit eines romantischen Komponisten, sondern führen Sie sie mit einem schelmischen oder spöttischen Ton ein.

Plötzliche Kontraste: Betonen Sie die dynamischen und Tempokontraste, die Debussy bemerkte. Plötzliche Fortissimo-Passagen nach einem Pianissimo verstärken den komischen oder dramatischen Effekt der plötzlichen Animation der Spielzeuge.

3. Verwendung des Pedals und des Anschlags

Der Einsatz des Haltepedals ist für die Atmosphäre von Debussy von entscheidender Bedeutung, muss aber aufgrund des Charakters des Werks präzise gesteuert werden .

Klarheit über alles: Im Gegensatz zu einigen verschwommenen impressionistischen Stücken ist die Harmonie in La bo îte à joujoux oft transparent und diatonisch. Setzen Sie das Pedal sparsam und präzise ein, um die rhythmische Klarheit zu bewahren und Unschärfen zu vermeiden, die die Motive verdecken würden.

Leichte und leuchtende Berührung : Bevorzugen Sie eine perlende und sehr leichte Berührung für schnelle Passagen und begleitende Figuren. Die Leichtigkeit des Spielzeugs muss in den Fingern vorhanden sein .

Extreme Nuancen : Debussy wies darauf hin, dass Klaviere sehr leise und Fortés sehr laut gespielt werden sollten . Respektieren Sie diese Extreme , um die theatralische und kindliche Seite der Musik hervorzuheben .

Wichtige Punkte, die Sie Stück für Stück studieren sollten

Präludium (Der Schlaf der Kiste ) : Der Anfang sollte atmosphärisch und sehr ruhig sein und an die schlafende Kiste erinnern . Der Anschlag sollte zart und die Dynamik sehr niedrig sein (oft ppp).

Der Spielzeugladen: Dies ist ein animierter Abschnitt, in dem sich die verschiedenen Charaktermotive überschneiden. Die einfache polyphone Struktur muss klar sein : Stellen Sie sicher, dass jedes Leitmotiv (Soldat, Puppe, Punchinello) deutlich hervorsticht, wenn es erscheint .

Walzer (Puppentanz): Dieser Walzer sollte elegant und flexibel sein , mit rhythmischer Flüssigkeit, aber ohne die übermäßige Schwere der Romantik. Es ist ein Spielzeugtanz, leicht und fast mechanisch.

Das Schlachtfeld: Dieser Abschnitt erfordert große rhythmische und dynamische Kontraste. Die Musik wird dissonanter (durch die Verschränkung der Themen ) ; das Klavier muss aggressiv und chaotisch klingen, um die Schlacht darzustellen, und dann schwächer werden, wenn der Soldat verwundet wird .

Epilog: Die Rückkehr zur Ruhe. Das Spiel muss zart und poetisch sein und die glückliche Lösung und die Verwandlung des Soldaten in einen Gärtner betonen. Der Schluss kehrt zum verträumten Geist Debussys zurück, der Anschlag muss eine große Sanftheit zurückgewinnen.

Erfolgreiches Stück oder Sammlung zu dieser Zeit ?

La boîte à joujoux“ (komponiert 1913, veröffentlicht im selben Jahr ) war zum Zeitpunkt seiner Komposition als Ballettwerk kein durchschlagender Erfolg , als veröffentlichte Klavierpartitur jedoch ein Erfolg .

Erfolg des Werkes damals (1913–1918 )

– Premiere zu Debussys Lebzeiten: Der Erfolg einer Live-Aufführung verzögerte sich . Debussy starb 1918 , und das Werk wurde (in einer Puppenfassung ) erst 1918 in Zürich auf der Bühne uraufgeführt und erlebte seine posthume Pariser Premiere erst 1919 im Théâtre du Vaudeville (in der von André Caplet orchestrierten Fassung ) . Seine unmittelbare Wirkung als „ Hit “ im Theater wurde daher durch diese Verzögerung begrenzt .

Kritikermeinung: Das Werk wurde oft weniger von der Wissenschaft beachtet als seine anderen Ballette, beispielsweise Jeux. Es wurde jedoch für seinen Charme, seinen Witz und seine illustrative Qualität für Kinder geschätzt, was Debussys Zuneigung zu seiner Tochter Chouchou widerspiegelt, der das Werk gewidmet ist .

Ein Erfolg bei den Kritikern: Das Werk genießt den Ruf eines charmanten und witzigen Werks, hat jedoch nicht den Status eines kulturellen Phänomens erreicht , den andere zeitgenössische Ballette oder frühere Werke von Debussy erlangt haben .

Klaviernoten zu verkaufen

Original-Klavierpartitur (1913): Klavierpartituren verkauften sich gut, als sie 1913 von Durand veröffentlicht wurden. Das Werk wurde ursprünglich als Solo -Klavierpartitur mit Illustrationen von André Hellé veröffentlicht und war somit ein attraktives Buchpartiturobjekt für Liebhaber von Salon- und Jugendmusik.

Zugänglichkeit : Der musikalische Stil des Werks ist zwar innovativ, aber bewusst einfacher und direkter als die meisten Klavierwerke Debussys. Diese relative Einfachheit und die Verwendung populärer Zitate machten es für Amateurpianisten und Schüler zugänglicher und ansprechender als die großen impressionistischen Werke.

Zusammenfassend lässt sich sagen , dass La bo îte à joujoux ein publizistischer Erfolg war und in Form einer Klavierpartitur von 1913 weite Verbreitung fand, aber erst nach dem Tod des Komponisten dank der Orchestrierung durch André Caplet im Jahr 1919 zu einem erfolgreichen Stück im Bühnenrepertoire wurde.

Berühmte Aufnahmen

Das Repertoire berühmter Aufnahmen der Soloklavierversion von Claude Debussys La bo îte à joujoux (L. 128) ist weniger umfangreich und standardisiert als das seiner wichtigsten Klavierwerke (Préludes, Images). Mehrere bedeutende Pianisten haben es jedoch in ihr gesamtes Klavierwerk aufgenommen und es so zu einer Referenz gemacht .

Hier ist eine Auswahl bemerkenswerter Aufnahmen aus verschiedenen Epochen und Traditionen:

Referenzaufnahmen (Komplett- und Standardaufführungen )

aufgrund ihres präzisen und zugleich witzigen Ansatzes , mit dem sie die Atmosphäre einer Kindergeschichte einfängt , oft als moderner Maßstab bezeichnet . Sie ist Teil seiner hochgelobten Debussy Collection .

Paul Crossley: Eine weitere Aufführung sämtlicher Klavierwerke , die als Grundpfeiler des aufgenommenen Repertoires gelten und für ihre strukturelle Klarheit und Farbe geschätzt werden .

Michael Korstick: Seine Aufnahme, die oft in Musikdatenbanken erwähnt wird, bietet einen soliden und ernsthaften Ansatz und folgt der Tradition rigoroser Aufführungspraxis.

Noriko Ogawa: Ihre Aufnahme als Teil ihrer vollständigen Debussy-Sammlung ist für ihre Sensibilität und Leichtigkeit bekannt , wesentliche Eigenschaften dieses von der Kindheit inspirierten Stücks .

Aufnahmen mit Reciter (Originalansatz des Komponisten)

dem Text von André Hellé wünschte . Obwohl es sich nicht um ein „Klaviersolo“ im strengen Sinne handelt, werden einige Versionen mit Erzähler (die die ursprüngliche Idee des Komponisten respektieren) besonders geschätzt :

Christian Ivaldi (Klavier) mit François Castang ( Erzähler): Diese Version wird oft wegen ihrer Treue zum Geist des Werks hervorgehoben, wobei der Erzähler die Erzählung von André Hellé liefert , die Debussy inspirierte.

Interpretationen und die große Tradition

Da dieses Klavierwerk weniger monumental ist als andere Stücke von Debussy, wird es in historischen Aufnahmen und von Vertretern der „großen Tradition“ außerhalb des Gesamtwerks weniger hervorgehoben. Spuren dieses Werks finden sich jedoch in den Werken französischer oder in der französischen Tradition ausgebildeter Pianisten, die sich in Debussys Kinderrepertoire hervorgetan haben (wie etwa Children’s Corner). Pianisten wie Robert Casadesus oder Walter Gieseking werden oft als Schlüsselinterpreten von Debussys Repertoire genannt . Man muss gezielt in ihren Gesamtwerken suchen, um dieses Werk zu finden .

Episoden und Anekdoten

Die Inspiration eines Vaters : Chouchou 👧

Das Werk entstand aus Debussys Liebe zu seiner Tochter Claude-Emma, genannt „Chouchou“ (1905–1919). Ihr ist es auch gewidmet . Die Idee der Spielzeugkiste als kleine animierte Welt (mit dem Soldaten, der Puppe und Punchinello) ist direkt aus der Welt der Kinder inspiriert. Dieses Werk spiegelt, wie auch die berühmte „Children ’s Corner“ ( ebenfalls Chouchou gewidmet ), Debussys Zärtlichkeit für die Kindheit und seinen Wunsch wider, eine musikalische Sprache zu verwenden, die sowohl anspruchsvoll als auch witzig für ein junges Publikum ist.

Der Illustrator und die Originalausgabe

Das Ballett ist von einem Kinderbuch des Künstlers und Schriftstellers André Hellé ( 1871–1935) inspiriert.

Die Begegnung: Hellé selbst trat 1913 mit seinem Szenario und seinen bezaubernden Illustrationen an Debussy heran . Debussy, der von der Geschichte und ihrem Witz verführt war, erklärte sich bereit, die Musik zu komponieren.

Die illustrierte Partitur: Die Originalausgabe der Klavierpartitur (veröffentlicht 1913 bei Durand) ist berühmt für ihre Farbillustrationen von André Hellé . Diese Besonderheit machte die Partitur zu einem seltenen und wertvollen Objekt, einem wahren Kunstbuch, das Musik und Bildmaterial vereinte , was zweifellos zu ihrem Erfolg in den Buchhandlungen beitrug .

Die Rolle musikalischer Zitate

Debussy, obwohl ein Meister des Impressionismus, genoss es, seine Partitur mit zahlreichen musikalischen Zitaten und Parodien zu spicken, ein Verfahren, das er wegen seines witzigen und humorvollen Charakters bevorzugte :

Militärische und volkstümliche Anspielungen: Wir finden populäre Kinderlieder wie „Il pleut, bergère “ oder „ Dodo , l’enfant do “. In der Schlachtszene ist das militärische Thema des Soldaten eine kaum verhüllte Parodie eines Militärrufs und wir hören sogar eine Anspielung auf Mendelssohns Hochzeitsmarsch oder Gounods Soldatenchor, wodurch Erwachsenendramen auf komische Weise in eine Welt aus Spielzeugen übertragen werden.

Selbstzitat: Debussy zitiert auch sein eigenes „Golliwogg’s Cakewalk“ aus Children ’s Corner (ein weiteres Werk, das Chouchou gewidmet ist ) und betont die Kontinuität zwischen diesen beiden Kinderstücken .

Die unvollendete Orchestrierung

Eine der wichtigsten Anekdoten betrifft die Orchesterfassung:

Debussys Tod: Debussy komponierte die Klavierversion im Jahr 1913, konnte die Orchestrierung jedoch vor seinem Tod im März 1918, mitten im Ersten Weltkrieg, nicht mehr fertigstellen . Er vollendete lediglich den Anfang des Präludiums .

Fertigstellung durch Caplet: Es war sein Freund und Mitarbeiter, der Dirigent und Komponist André Caplet (1878–1925), der die Aufgabe übernahm und die Orchestrierung des Balletts im Jahr 1919 abschloss. Caplet, der mit Debussys Stil bestens vertraut war (er hatte auch Children’s Corner orchestriert), schuf eine brillante Instrumentierung, die den Geist des Komponisten respektierte und so die posthume Bühnenpremiere ermöglichte .

Ähnliche Kompositionen

Vom selben Komponisten (Claude Debussy)

Children’s Corner (1906–1908): Dies ist die engste Referenz. Diese Suite für Soloklavier ist seiner Tochter Chouchou gewidmet und umfasst sechs Stücke , die die Welt der Kinder und ihre Spiele erkunden (Doctor Gradus ad Parnassum, Golliwogg’s Cakewalk). Sie ist von der gleichen Zärtlichkeit und dem gleichen Humor geprägt .

Andere Ballette oder musikalische Geschichten

Petruschka (1911) von Igor Strawinsky: Dieses Ballett erzählt die Geschichte von Puppen (Petruschka, die Ballerina und der Mohr), die zum Leben erwachen. Wie „Die Spielzeugkiste“ thematisiert es animierte Spielzeuge / Puppen und verwendet Volkslieder oder Tanzrhythmen.

Peter und der Wolf (1936) von Sergei Prokofjew: Ein weiteres klassisches musikalisches Kindermärchen mit einem Erzähler. Obwohl der Stil russisch und direkter ist, teilt es den pädagogischen und erzählerischen Zweck von Debussys Stück, in dem die musikalischen Themen Charaktere darstellen .

(Dieser Artikel wurde von Gemini generiert. Und er ist nur ein Referenzdokument, um Musik zu entdecken, die Sie noch nicht kennen.)

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