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Appunti su Domenico Scarlatti (1685 – 1757)

Panoramica

Domenico Scarlatti (1685–1757) è stato un compositore e virtuoso tastierista italiano, noto soprattutto per le sue innovative e tecnicamente impegnative sonate per tastiera. È stato uno dei principali compositori del periodo barocco e una figura influente nello sviluppo della musica per tastiera. Ecco una panoramica della sua vita e dei suoi contributi:

Primi anni di vita e istruzione

Nascita: Scarlatti nacque a Napoli il 26 ottobre 1685, sesto di dieci figli di Alessandro Scarlatti, un rinomato compositore d’opera e una figura di spicco della scuola napoletana.
Formazione: Scarlatti studiò probabilmente sotto la guida del padre, così come di altri importanti musicisti dell’epoca, e dimostrò un prodigioso talento musicale in tenera età.

Momenti salienti della carriera

Appuntamenti anticipati:

Nel 1701, all’età di 16 anni, Scarlatti divenne organista e compositore presso la cappella reale di Napoli.
In seguito, lavorò a Venezia, Roma e altre città italiane, costruendo la sua reputazione di abile musicista e compositore.

Trasferirsi in Iberia:

Nel 1719, si recò a Lisbona per servire come maestro di musica per Maria Barbara, la principessa portoghese. Ciò segnò una svolta nella sua carriera.
Quando Maria Barbara divenne regina di Spagna, Scarlatti la seguì a Madrid, dove trascorse il resto della sua vita.
Sonate per tastiera:

Scarlatti è noto soprattutto per le sue 555 sonate per tastiera, composte principalmente per clavicembalo. Queste opere sono celebrate per il loro uso creativo di armonia, ritmo e tecniche di tastiera.
Le sonate spesso presentano influenze della musica popolare spagnola e portoghese, esibendo vivaci ritmi di danza e colorati schemi melodici.
Innovazione musicale:

Le sue composizioni hanno ampliato i confini dell’esecuzione alla tastiera con incroci di mani, scale rapide, arpeggi e modulazioni non convenzionali, influenzando compositori successivi come Haydn, Mozart e Beethoven.

Vita personale

Scarlatti era un uomo umile e devoto che mantenne una vita relativamente tranquilla nonostante il suo immenso talento. La sua musica ottenne un più ampio riconoscimento solo dopo la sua morte, quando le sue sonate furono pubblicate e ammirate nel XVIII e XIX secolo.

Eredità

Scarlatti è considerato una figura chiave di transizione tra il periodo barocco e quello classico.
Le sue sonate per tastiera sono una parte duratura del repertorio, studiate ed eseguite in tutto il mondo per la loro brillantezza tecnica e profondità espressiva.
Vorresti esplorare aspetti specifici della sua vita o delle sue opere?

Storia

La vita di Domenico Scarlatti è una storia di straordinario talento, innovazione e dedizione alla musica, che si è svolta in alcuni dei centri culturali più vivaci dell’Europa del XVIII secolo. Nato a Napoli nel 1685, lo stesso anno di Johann Sebastian Bach e George Frideric Handel, Scarlatti è cresciuto in una famiglia di musicisti. Suo padre, Alessandro Scarlatti, era una figura di spicco dell’opera barocca e il giovane Domenico è stato immerso nella musica fin da piccolo.

Formatosi in composizione e performance alla tastiera, Domenico si distinse rapidamente come un prodigio. A soli 16 anni, si assicurò un posto come organista e compositore della cappella reale di Napoli. Tuttavia, non passò molto tempo prima che le sue ambizioni e il suo talento lo portassero oltre la sua città natale. Cercando opportunità più ampie, Scarlatti viaggiò a Venezia, dove si mescolò con la fiorente élite musicale della città, e in seguito a Roma, dove acquisì fama per la sua abilità come clavicembalista e compositore.

A Roma, Scarlatti prestò servizio nella casa della regina esiliata Maria Casimira di Polonia e compose opere e musica sacra. Tuttavia, la sua brillantezza alla tastiera lo distinse, guadagnandosi ammirazione e sfidando rivali, tra cui un famoso incontro con Handel. Sebbene i loro stili fossero distinti, i due erano alla pari in abilità e la loro amichevole competizione consolidò la reputazione di Scarlatti.

Una svolta nella vita di Scarlatti avvenne nel 1719, quando si trasferì a Lisbona. Lì, divenne l’insegnante di musica di Maria Barbara, l’Infanta portoghese, che sarebbe rimasta una figura centrale nella sua vita. Sotto il suo patrocinio, Scarlatti prosperò e quando Maria Barbara sposò il futuro re Ferdinando VI di Spagna, la seguì a Madrid. Fu in Spagna che Scarlatti entrò nella fase più produttiva della sua carriera.

Mentre viveva in Iberia, Scarlatti si immerse nelle vivaci tradizioni musicali della regione, traendo ispirazione dalla musica popolare spagnola e portoghese. Le sue composizioni iniziarono a riflettere i ritmi vivaci, le armonie audaci e le scale esotiche di queste tradizioni. Si dedicò alla scrittura di sonate per tastiera, realizzando oltre 550 pezzi che rimangono le sue opere più celebrate. Queste sonate, scritte principalmente per il clavicembalo, mostrarono la sua straordinaria ingegnosità e spinsero i limiti tecnici dello strumento. Da rapidi arpeggi a intricati incroci di mani, la sua musica era sia una gioia da ascoltare che una sfida da suonare.

Scarlatti visse una vita relativamente tranquilla e riservata, devota alla sua musica e ai suoi mecenati. Sebbene compose altre opere, tra cui opere e musica sacra, furono le sue sonate per tastiera a garantire la sua eredità. Morì a Madrid nel 1757, lasciando dietro di sé un corpus di opere che influenzò generazioni di compositori. La musica di Scarlatti fece da ponte tra gli stili barocco e classico, fondendo chiarezza strutturale con espressività emotiva e assicurandosi un posto tra i grandi compositori di musica occidentale.

Caratteristiche della musica

La musica di Domenico Scarlatti è nota per la sua originalità, virtuosismo e approccio innovativo alla composizione, in particolare nelle sue opere per tastiera. Ecco le caratteristiche chiave che definiscono il suo stile:

1. Messa a fuoco della tastiera

L’eredità di Scarlatti risiede in modo schiacciante nelle sue 555 sonate per tastiera, scritte principalmente per il clavicembalo.
Le sue sonate sono spesso opere compatte, in un unico movimento, strutturate in forma binaria, in cui due sezioni contrastanti vengono sviluppate e poi bilanciate simmetricamente.

2. Innovazione tecnica

Le sonate di Scarlatti sono famose per le loro esigenze tecniche, tra cui:
Scale e arpeggi rapidi: mostrano agilità e precisione.
Incroci di mani: frequenti e drammatici, richiedono alle mani dell’esecutore di saltare l’una sull’altra.
Salti estesi: intervalli ampi che mettono alla prova la destrezza di un esecutore.
Ripetizione di note: creano intensità ritmica e vivacità.
Queste tecniche non solo sfidavano gli esecutori del suo tempo, ma ampliavano anche il potenziale espressivo della tastiera.

3. Audacia armonica

Scarlatti spesso impiegava modulazioni e dissonanze inaspettate, creando sorprese nelle sue progressioni armoniche.
Esplorò tonalità remote e audaci spostamenti armonici insoliti per la sua epoca, fornendo un suono fresco e moderno.

4. Vitalità ritmica

La sua musica spesso include sincopi e contrasti ritmici, aggiungendo energia e imprevedibilità.
Scarlatti fu influenzato dai ritmi della danza iberica, che infusero nelle sue sonate lo spirito di danze popolari come la jota e il fandango.

5. Influenze popolari e nazionali

Avendo vissuto in Spagna e Portogallo per gran parte della sua carriera, Scarlatti assorbì elementi della musica popolare iberica:
schemi di strumming simili a quelli della chitarra sono evocati in alcune sonate.
Scale esotiche, come i modi frigi, conferiscono alla sua musica un sapore regionale distintivo.
Si possono udire ornamentazioni melodiche che ricordano il flamenco.

6. Chiarezza ed economia

A differenza dell’elaborato contrappunto dei suoi contemporanei barocchi, Scarlatti usava spesso texture semplici e chiare che si concentravano sulla melodia e sull’accompagnamento.
La sua musica è altamente espressiva nonostante la sua relativa brevità e semplicità strutturale.

7. Espressività dinamica

Scarlatti fece un uso creativo delle capacità dinamiche della tastiera, anche all’interno della gamma limitata del clavicembalo.
La sua musica contrappone spesso passaggi giocosi ed esuberanti a momenti lirici e riflessivi.

8. Contrasto e dramma

Le sonate di Scarlatti spesso accostano brillantezza virtuosistica e fascino introspettivo all’interno di un’unica opera.
Utilizza contrasti drammatici nella consistenza, nel ritmo e nell’armonia per mantenere interesse e profondità emotiva.

9. Transizione dal Barocco al Classico

Sebbene radicate nell’idioma barocco, le sonate di Scarlatti anticipano elementi dello stile classico:
enfatizzano l’equilibrio e la chiarezza.
La sua esplorazione della forma e dell’espressione prefigura le opere di compositori successivi come Haydn e Mozart.

Conclusione

La musica di Domenico Scarlatti unisce la maestria tecnica alla profondità emotiva, fondendo le complessità del Barocco con l’innovazione lungimirante. Le sue sonate rimangono una pietra angolare del repertorio per tastiera, ammirate per la loro inventiva, fascino e brillantezza.

Relazioni con altri compositori

1. Alessandro Scarlatti (padre)

Relazione: Alessandro era il padre di Domenico e una figura di spicco nell’opera barocca. Fu il primo insegnante di musica di Domenico e un’influenza importante sul suo sviluppo iniziale.

Impatto: l’attenzione di Alessandro per la musica vocale e la sua padronanza del contrappunto e dell’armonia hanno probabilmente plasmato le basi compositive di Domenico, anche se alla fine Domenico ha scelto una strada diversa, concentrandosi sulla musica per tastiera.

2. Arcangelo Corelli

Collegamento: Mentre era a Roma, Domenico lavorò in ambienti influenzati da Corelli, che era stato attivo lì in precedenza. L’enfasi di Corelli sulla melodia e sulla chiarezza armonica potrebbe aver influenzato sottilmente Scarlatti, ma non ci sono prove di un’interazione diretta.

Sovrapposizione: Entrambi contribuirono all’evoluzione della musica barocca a Roma, anche se la fama di Scarlatti crebbe maggiormente dopo l’epoca di Corelli.

3. Giorgio Federico Handel

Relazione: Scarlatti e Handel si sfidarono in una gara di tastiera a Roma intorno al 1708. Secondo i resoconti, Scarlatti fu ritenuto superiore al clavicembalo, mentre Handel eccelleva all’organo.

Rispetto reciproco: si dice che Scarlatti ammirasse molto Handel, tanto che una volta esclamò: “Handel è il più grande compositore di tutti”. Nonostante la loro competizione, l’incontro riflette un riconoscimento reciproco piuttosto che una rivalità.

4. Johann Sebastian Bach

Relazione: Scarlatti e Bach erano contemporanei, ma non ci sono prove che si siano mai incontrati. Tuttavia, la loro nascita nello stesso anno (1685) ha spesso invitato a fare paragoni.

Differenze stilistiche: Sebbene entrambi abbiano dato un contributo significativo alla musica per tastiera, Scarlatti si è concentrato maggiormente sulla scrittura idiomatica per clavicembalo e sulle influenze iberiche, mentre Bach era radicato nel contrappunto tedesco e nelle tradizioni luterane.

5. Maria Barbara del Portogallo

Collegamento con i compositori: Sebbene non fosse una compositrice, Maria Barbara, mecenate e studentessa di Scarlatti, ebbe un ruolo fondamentale nella sua vita. Tramite lei, Scarlatti fu introdotto alle corti spagnola e portoghese, dove assorbì le influenze folk regionali che definiscono gran parte della sua musica.

Influenza indiretta: l’ambiente di Scarlatti alla corte spagnola lo aveva esposto alle opere di altri compositori di corte, sebbene i loro nomi siano meno importanti nelle fonti storiche.

6. Altri compositori napoletani

Francesco Durante e Leonardo Leo: Scarlatti condivideva un legame culturale con questi compositori napoletani, poiché tutti contribuirono al fiorire della musica nell’Italia meridionale. Tuttavia, non ci sono prove documentate di collaborazioni o interazioni dirette.

7. Antonio Soler

Relazione: Soler, compositore e monaco spagnolo, fu direttamente influenzato da Scarlatti. Sebbene non si sovrapponessero in modo significativo nel tempo, Soler studiò le sonate di Scarlatti e adottò tecniche simili nelle sue opere, continuando l’eredità di Scarlatti nella musica per tastiera iberica.

Riepilogo

I rapporti diretti di Scarlatti con compositori come Alessandro Scarlatti e Handel riflettono una vita plasmata da tutoraggio familiare e incontri di alto profilo. Mentre la sua musica divergeva dai suoi contemporanei come Bach e Handel, il suo stile innovativo gettò le basi per le generazioni future, influenzando compositori come Antonio Soler e persino maestri dell’era classica.

Come tastierista

Domenico Scarlatti non è stato solo un compositore rivoluzionario, ma anche un virtuoso tastierista, rinomato per la sua straordinaria abilità e tecnica inventiva. Le sue abilità alla tastiera sono state parte integrante della sua eredità, plasmando le sue composizioni e influenzando l’evoluzione dell’esecuzione alla tastiera.

Maestria e virtuosismo

Abilità tecnica:

Scarlatti fu celebrato per la sua abilità tecnica senza pari. Spinse i confini dell’esecuzione alla tastiera con tecniche che erano rivoluzionarie per il suo tempo. Le sue sonate spesso includono scale rapide, arpeggi, incroci di mani e grandi salti, tutti elementi che riflettono le sue abilità come esecutore.
I resoconti contemporanei sottolineano la sua fluidità e precisione, che erano essenziali per l’esecuzione delle sue opere per tastiera complesse e altamente idiomatiche.

Incroci di mani:

Una delle tecniche distintive di Scarlatti era l’uso drammatico degli incroci di mani, in cui una mano salta sull’altra per suonare le note sul lato opposto della tastiera. Ciò non solo metteva in mostra la sua destrezza, ma creava anche texture ed effetti unici.

Giocosità ritmica e dinamica:

Il suo modo di suonare era caratterizzato da vitalità ritmica e uso espressivo della dinamica, che portava energia e colore alle sue performance. Sebbene il clavicembalo abbia una gamma dinamica limitata, Scarlatti ne sfruttò le capacità per creare contrasti e sfumature.

Innovazioni nella tecnica della tastiera

Diteggiatura non convenzionale:

Le sonate di Scarlatti richiedevano spesso agli esecutori di adottare diteggiature innovative per gestire le loro esigenze tecniche. Ciò incoraggiava i musicisti a ripensare le tecniche standard della tastiera.
Ampia gamma della tastiera:

Scarlatti sfruttò appieno l’estensione del clavicembalo, esplorando i registri alti e bassi in modo più esteso di molti suoi contemporanei.
Imitazione di altri strumenti:

Il modo di suonare la tastiera di Scarlatti spesso imitava i suoni di altri strumenti, in particolare la chitarra spagnola. Il suo uso di note ripetute rapide, trilli e pattern simili a strumming riflettevano la sua immersione nelle tradizioni musicali iberiche.

Riconoscimento da parte dei contemporanei

Concorrenza con Handel:

La famosa gara tra Scarlatti e George Frideric Handel a Roma intorno al 1708 dimostrò la sua reputazione di formidabile tastierista. Mentre Handel era ritenuto superiore all’organo, Scarlatti era considerato ineguagliabile al clavicembalo.

Ammirazione da parte di studenti e mecenati:

Maria Barbara del Portogallo, in seguito regina di Spagna, non fu solo la sua mecenate, ma anche la sua devota studentessa. Il suo entusiasmo per il suo modo di suonare e insegnare sottolinea la sua capacità di affascinare e ispirare.

Stile di prestazione

Libertà espressiva:

Le esecuzioni di Scarlatti erano probabilmente caratterizzate da un certo gusto per l’improvvisazione, una qualità che si rispecchiava nella natura spontanea e inventiva delle sue sonate.

Collegamento con la danza:

Il suo modo di suonare rifletteva spesso i ritmi vivaci e il carattere delle danze, in particolare quelle di origine spagnola, conferendo una vivacità unica alle sue esibizioni.

L’eredità di un artista

L’arte della tastiera di Scarlatti ha lasciato un segno duraturo nello sviluppo della tecnica e della composizione della tastiera. La sua enfasi sul virtuosismo e l’innovazione ha influenzato i compositori e gli esecutori successivi, stabilendo nuovi standard per ciò che era possibile sul clavicembalo e, in seguito, sul fortepiano.

Cronologia

1685–1700: Primi anni di vita a Napoli
1685: Nato il 26 ottobre a Napoli, Italia, sesto figlio di Alessandro Scarlatti, un importante compositore d’opera, e Antonia Anzalone.
Anni 1690: Probabilmente ricevette la sua prima formazione musicale da suo padre e da altri noti musicisti napoletani.
1701: A 16 anni, nominato organista e compositore presso la Cappella Reale di Napoli.
1701–1714: Primi anni di carriera in Italia
1702: Viaggiò con suo padre a Firenze e forse in altre città italiane, dove fu esposto a diversi stili musicali.
1705: Si trasferì a Venezia, dove si dice studiò e perfezionò le sue abilità come tastierista.
1708: Divenne maestro di cappella (direttore musicale) della regina Maria Casimira di Polonia, che viveva in esilio a Roma. Durante questo periodo, compose opere e musica sacra.
1708 (o prima): Partecipò a un famoso concorso di tastiera a Roma con George Frideric Handel, ottenendo il riconoscimento di virtuoso del clavicembalo.
1710–1714: Compose opere come Tetide in Sciro (1712) e Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714) durante il suo mandato a Roma.
1714–1719: Transizione e crescente reputazione
1714: Nominato maestro di cappella della Basilica di San Pietro a Roma. Scrisse più musica sacra e opere durante questo periodo.
1715: Viaggiò brevemente a Londra, dove fu eseguita una delle sue opere, Narciso.
1719: Lasciò Roma per Lisbona, Portogallo, dove divenne maestro di musica di Maria Barbara, l’Infanta portoghese.
1719–1733: Periodo di Lisbona
1719–1729: Visse e lavorò alla corte portoghese, insegnando e componendo. In questo periodo la sua attenzione si spostò sempre più verso la musica per tastiera.
1728: Maria Barbara sposò Ferdinando, principe ereditario di Spagna, assicurandosi il continuo patrocinio di Scarlatti.
1729: accompagnò Maria Barbara e suo marito a Siviglia per un breve periodo.
1733–1757: periodo di Madrid e opere della maturità
1733: si stabilì a Madrid, in Spagna, dove rimase per il resto della sua vita come compositore di corte di Maria Barbara, ora regina di Spagna.
1738: la prima raccolta delle sue sonate per tastiera fu pubblicata a Londra come Essercizi per gravicembalo.
Anni 1730–1750: compose la maggior parte delle sue 555 sonate per tastiera, mostrando le sue innovazioni nella tecnica della tastiera e incorporando influenze dalla musica popolare iberica.
1746: Ferdinando divenne re di Spagna, consolidando ulteriormente il ruolo di Scarlatti a corte.
1754: ricevette il cavalierato da papa Benedetto XIV, un raro onore per un compositore.
1757: Morte ed eredità
1757: Muore il 23 luglio a Madrid, Spagna, all’età di 71 anni. Sepolto a Madrid, anche se il luogo esatto della sua tomba rimane sconosciuto.
Riconoscimento postumo: Mentre le sue sonate per tastiera erano apprezzate durante la sua vita, la sua fama crebbe significativamente nel XIX e XX secolo, consolidando il suo status di figura fondamentale nella musica per tastiera.

Fasi chiave in sintesi

Inizi napoletani (1685–1714): formazione iniziale, opere italiane e la sua ascesa come virtuoso della tastiera.
Periodo portoghese (1719–1733): concentrato sull’insegnamento, sulla musica di corte e sullo sviluppo del suo stile per tastiera.
Periodo spagnolo (1733–1757): produzione prolifica di sonate e assimilazione di influenze musicali iberiche.

Notevoli lavori solisti per clavicembalo

Le sonate per tastiera di Domenico Scarlatti costituiscono il nucleo dei suoi contributi al repertorio per clavicembalo, con 555 sonate che mettono in mostra il suo stile innovativo e il suo virtuosismo. Queste sonate sono opere in un unico movimento, più comunemente in forma binaria. Ecco alcune delle sue sonate più note e frequentemente eseguite, organizzate in base ai loro numeri di Kirkpatrick (K):

1. Sonata in re minore, K. 1

Caratteristiche: Un brano lirico e malinconico con eleganti ornamenti.
Significato: Spesso suonato come introduzione allo stile di Scarlatti, evidenziando il suo uso espressivo del clavicembalo.

2. Sonata in re maggiore, K. 96

Caratteristiche: Un’opera luminosa e celebrativa con scale rapide e incroci di mani giocosi.
Significato: Una vetrina dell’innovazione tecnica di Scarlatti e dell’energia ritmica di ispirazione iberica.

3. Sonata in do maggiore, K. 159 (“La Caccia”)

Caratteristiche: Noto per i suoi vivaci motivi di caccia, che imitano il suono dei corni e il galoppo.
Significato: Dimostra l’abilità di Scarlatti nella scrittura programmatica e la capacità di evocare immagini attraverso la musica.

4. Sonata in fa minore, K. 466

Caratteristiche: Oscuro e introspettivo, con texture complesse e armonie toccanti.
Significato: Esemplifica la sua padronanza della profondità espressiva entro i limiti del clavicembalo.

5. Sonata in mi maggiore, K. 380

Caratteristiche: Una sonata popolare ed elegante con melodie liriche e struttura equilibrata.
Significato: Spesso usata come pezzo da recital per il suo fascino e l’accessibilità tecnica.

6. Sonata in sol maggiore, K. 427

Caratteristiche: Presenta note ripetute rapide e ritmi energici, evocando le tradizioni della danza spagnola.
Significato: Mette in risalto le influenze iberiche di Scarlatti e l’inventiva ritmica.

7. Sonata in si minore, K. 27

Caratteristiche: Misterioso e introspettivo, con arpeggi fluidi e sottili cambiamenti armonici.
Significato: Un favorito tra gli artisti per la sua profondità emotiva e la sua bellezza.

8. Sonata in Do maggiore, K. 513

Caratteristiche: Incorpora effetti di strumming che imitano la chitarra spagnola.
Significato: Un esempio per eccellenza dell’integrazione di elementi folk da parte di Scarlatti nelle sue opere per tastiera.

9. Sonata in mi minore, K. 98

Caratteristiche: Un’opera drammatica, ritmicamente complessa che alterna passaggi lirici e virtuosistici.
Significato: Dimostra la capacità di Scarlatti di combinare brillantezza tecnica con espressività emotiva.

10. Sonata in la maggiore, K. 208

Caratteristiche: Un brano aggraziato e meditativo, più lento nel tempo con eleganti ornamenti.
Significato: Noto per la sua serena bellezza, contrasta con le sonate di Scarlatti tecnicamente più impegnative.

Note generali sulle Sonate

Le sonate di Scarlatti spesso mostrano effetti di strumming simili a quelli della chitarra, ritmi ispirati alla danza e modulazioni inaspettate.
Riflettono virtuosismo, talento per l’improvvisazione e un’integrazione delle tradizioni musicali iberiche.
Queste opere sono celebrate sia come studi tecnici per tastieristi sia come capolavori autonomi del repertorio per clavicembalo. Vorresti consigli su registrazioni o analisi di una sonata specifica?

Opere notevoli

Opere

La produzione operistica di Scarlatti, che risale in gran parte ai suoi esordi in Italia, dimostra la sua abilità nella composizione vocale e l’eredità dello stile operistico del padre Alessandro.

Ottavia restituita al trono (1703)

Dettagli: Una delle prime opere di Scarlatti, rappresentata a Napoli.
Significato: Mette in mostra la sua prima esplorazione dell’espressione drammatica e dell’orchestrazione.

Tetide in Sciro (1712)

Dettagli: Un’opera seria composta durante il suo soggiorno a Roma.
Significato: Rappresenta la sua capacità di creare linee vocali avvincenti e di impegnarsi con le tradizioni operistiche della sua epoca.

Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714)

Dettagli: Un’opera spensierata (spesso classificata come intermezzo) che dimostra la sua abilità nella caratterizzazione comica.
Significato: Evidenzia la sua versatilità e arguzia come compositore d’opera.

Musica Sacra

La musica sacra di Scarlatti comprende composizioni corali e strumentali scritte durante il suo mandato a Roma e anche successivamente.

Stabat Mater in do minore (1715 circa)

Dettagli: Un’opera per dieci voci e basso continuo.
Significato: Noto per la sua profonda profondità emotiva e la sua intricata polifonia, è una delle opere sacre più celebrate di Scarlatti.

Missa quatuor vocum (Messa a quattro voci)

Dettagli: Un’ambientazione concisa ed elegante della messa.
Significato: Dimostra la sua padronanza della scrittura vocale e del contrappunto.

Salve Regina (varie ambientazioni)

Dettagli: Sono sopravvissute diverse ambientazioni di questo inno mariano, che mettono in mostra la devozione e l’abilità di Scarlatti nella composizione sacra.
Significato: Combina l’espressività lirica con la chiarezza strutturale.

Opere da Camera e Strumentali

Sinfonie

Dettagli: Scarlatti compose diverse sinfonie, brevi lavori orchestrali solitamente usati come introduzioni alle opere o pezzi da concerto autonomi.
Significato: Questi lavori riflettono lo stile di transizione tra la scrittura orchestrale barocca e quella classica.

Sonata per violino e basso continuo in re minore

Dettagli: Uno dei pochi pezzi strumentali da camera sopravvissuti.
Significato: Evidenzia il suo interesse per la melodia e l’accompagnamento oltre la tastiera.

Opere vocali

Cantate

Dettagli: Scarlatti compose numerose cantate per voce sola e basso continuo, spesso esplorando temi secolari di amore e desiderio.
Esempi notevoli: Clori, che m’ami e Bella dama di nome Santa.
Significato: Queste opere illustrano il suo dono lirico e la sua affinità per la musica vocale.

Mottetti

Dettagli: I mottetti di Scarlatti sono composizioni sacre di dimensioni ridotte per voci soliste e basso continuo.
Significato: Dimostrano la sua abilità nel fondere la scrittura solista espressiva con temi spirituali.

Contributo complessivo oltre la musica per tastiera

Sebbene le opere non per tastiera di Scarlatti siano meno celebrate delle sue sonate, forniscono una preziosa panoramica della sua più ampia gamma compositiva. Le sue opere e la sua musica sacra rivelano una profonda comprensione della voce umana, mentre le sue opere strumentali e orchestrali riflettono le innovazioni stilistiche del suo tempo.

(Questo articolo è stato scritto da ChatGPT.)

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Apuntes sobre Domenico Scarlatti (1685 – 1757)

Descripción general

Domenico Scarlatti (1685-1757) fue un compositor y virtuoso teclista italiano, conocido por sus innovadoras y técnicamente exigentes sonatas para teclado. Fue uno de los principales compositores del período barroco y una figura influyente en el desarrollo de la música para teclado. A continuación, se ofrece un resumen de su vida y sus contribuciones:

Vida temprana y educación

Nacimiento: Scarlatti nació en Nápoles el 26 de octubre de 1685, el sexto de diez hijos de Alessandro Scarlatti, un reconocido compositor de ópera y figura destacada de la escuela napolitana.
Formación: Scarlatti probablemente estudió con su padre, así como con otros músicos destacados de la época, y demostró un talento musical prodigioso a una edad temprana.

Momentos destacados de su carrera

Citas anticipadas:

En 1701, a los 16 años, Scarlatti se convirtió en organista y compositor de la capilla real de Nápoles.
Más tarde, trabajó en Venecia, Roma y otras ciudades italianas, donde se ganó una reputación como músico y compositor experto.

Mudarse a Iberia:

En 1719 viajó a Lisboa para trabajar como maestro de música de María Bárbara, la princesa portuguesa. Esto marcó un punto de inflexión en su carrera.
Cuando María Bárbara se convirtió en reina de España, Scarlatti la siguió a Madrid, donde pasó el resto de su vida.
Sonatas para teclado:

Scarlatti es más conocido por sus 555 sonatas para teclado, compuestas principalmente para clavecín. Estas obras son famosas por su uso inventivo de la armonía, el ritmo y las técnicas del teclado.
Las sonatas suelen presentar influencias de la música folclórica española y portuguesa, mostrando ritmos de baile animados y patrones melódicos coloridos.
Innovación musical:

Sus composiciones ampliaron los límites de la interpretación del teclado con cruces de manos, escalas rápidas, arpegios y modulaciones no convencionales, influyendo en compositores posteriores como Haydn, Mozart y Beethoven.

Vida personal

Scarlatti era un hombre humilde y devoto que mantuvo una vida relativamente tranquila a pesar de su inmenso talento. Su música obtuvo un mayor reconocimiento sólo después de su muerte, cuando sus sonatas fueron publicadas y admiradas en los siglos XVIII y XIX.

Legado

Scarlatti es considerado una figura clave de transición entre los períodos barroco y clásico.
Sus sonatas para teclado son una parte imperecedera del repertorio, estudiadas e interpretadas en todo el mundo por su brillantez técnica y profundidad expresiva.
¿Te gustaría explorar algún aspecto específico de su vida o de su obra?

Historia

La vida de Domenico Scarlatti es una historia de talento extraordinario, innovación y devoción por la música, que se desarrolló en algunos de los centros culturales más vibrantes de la Europa del siglo XVIII. Nacido en Nápoles en 1685, el mismo año que Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel, Scarlatti creció en un hogar musical. Su padre, Alessandro Scarlatti, fue una figura destacada de la ópera barroca, y el joven Domenico estuvo inmerso en la música desde una edad temprana.

Formado en composición e interpretación de teclado, Domenico se destacó rápidamente como un prodigio. Con tan solo 16 años consiguió un puesto como organista y compositor de la capilla real de Nápoles. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que sus ambiciones y su talento lo llevaran más allá de su ciudad natal. En busca de oportunidades más amplias, Scarlatti viajó a Venecia, donde se mezcló con la floreciente élite musical de la ciudad, y más tarde a Roma, donde ganó renombre por su habilidad como clavecinista y compositor.

En Roma, Scarlatti sirvió en la casa de la exiliada reina María Casimira de Polonia y compuso óperas y música sacra. Sin embargo, su brillantez al teclado lo distinguió, ganándose la admiración y desafiando a sus rivales, incluido un famoso encuentro con Handel. Aunque sus estilos eran distintos, los dos eran iguales en habilidad y su amistosa competencia consolidó la reputación de Scarlatti.

En 1719, Scarlatti vivió un momento decisivo: se trasladó a Lisboa, donde se convirtió en profesor de música de María Bárbara, la infanta portuguesa que seguiría siendo una figura central en su vida. Bajo su patrocinio, Scarlatti prosperó y, cuando María Bárbara se casó con el futuro rey Fernando VI de España, él la siguió a Madrid. Fue en España donde Scarlatti entró en la fase más productiva de su carrera.

Mientras vivía en Iberia, Scarlatti se sumergió en las vibrantes tradiciones musicales de la región, inspirándose en la música folclórica española y portuguesa. Sus composiciones comenzaron a reflejar los ritmos animados, las armonías audaces y las escalas exóticas de estas tradiciones. Se dedicó a escribir sonatas para teclado, creando más de 550 piezas que siguen siendo sus obras más célebres. Estas sonatas, escritas principalmente para clavecín, mostraron su extraordinario ingenio y empujaron los límites técnicos del instrumento. Desde rápidos arpegios hasta intrincados cruces de manos, su música era a la vez un deleite para escuchar y un desafío para tocar.

Scarlatti vivió una vida relativamente tranquila y privada, dedicada a su música y a sus mecenas. Aunque compuso otras obras, incluidas óperas y música sacra, fueron sus sonatas para teclado las que aseguraron su legado. Falleció en Madrid en 1757, dejando tras de sí un conjunto de obras que influyeron en generaciones de compositores. La música de Scarlatti unió los estilos barroco y clásico, combinando claridad estructural con expresividad emocional y asegurando su lugar entre los grandes compositores de la música occidental.

Características de la música

La música de Domenico Scarlatti es conocida por su originalidad, virtuosismo y enfoque innovador de la composición, en particular en sus obras para teclado. Estas son las características clave que definen su estilo:

1. Enfoque del teclado

El legado de Scarlatti se encuentra, en gran medida, en sus 555 sonatas para teclado, escritas principalmente para clave.
Sus sonatas suelen ser obras compactas, de un solo movimiento, estructuradas en forma binaria, en las que se desarrollan dos secciones contrastantes que luego se equilibran simétricamente.

2. Innovación técnica

Las sonatas de Scarlatti son famosas por sus exigencias técnicas, entre las que se incluyen:
Escalas rápidas y arpegios: que demuestran agilidad y precisión.
Cruces de manos: frecuentes y dramáticos, que requieren que las manos del intérprete salten una sobre otra.
Saltos prolongados: intervalos amplios que ponen a prueba la destreza del intérprete.
Repetición de notas: que crean intensidad y vitalidad rítmicas.
Estas técnicas no solo desafiaron a los intérpretes de su época, sino que también ampliaron el potencial expresivo del teclado.

3. Audacia armónica

Scarlatti a menudo empleaba modulaciones y disonancias inesperadas, creando sorpresas en sus progresiones armónicas.
Exploró tonos remotos y cambios armónicos audaces que eran inusuales para su época, lo que le dio un sonido fresco y moderno.

4. Vitalidad rítmica

Su música incluye a menudo síncopas y contrastes rítmicos, que aportan energía e imprevisibilidad.
Scarlatti recibió la influencia de los ritmos de danza ibéricos, que impregnaron sus sonatas del espíritu de danzas folclóricas como la jota y el fandango.

5. Influencias folklóricas y nacionales

Scarlatti vivió en España y Portugal durante gran parte de su carrera, donde absorbió elementos de la música folclórica ibérica:
en algunas sonatas se evocan patrones de rasgueo similares a los de la guitarra.
Las escalas exóticas, como los modos frigios, le dan a su música un sabor regional distintivo.
Se puede escuchar una ornamentación melódica que recuerda al flamenco.

6. Claridad y economía

A diferencia del elaborado contrapunto de sus contemporáneos barrocos, Scarlatti solía utilizar texturas simples y claras que se centraban en la melodía y el acompañamiento.
Su música es muy expresiva a pesar de su relativa brevedad y simplicidad estructural.

7. Expresividad dinámica

Scarlatti hizo un uso inventivo de las capacidades dinámicas del teclado, incluso dentro del rango limitado del clavicémbalo.
Su música contrasta frecuentemente pasajes lúdicos y exuberantes con momentos líricos y reflexivos.

8. Contraste y drama

Las sonatas de Scarlatti suelen yuxtaponer brillantez virtuosa con encanto introspectivo en una misma obra.
Utiliza contrastes dramáticos en textura, ritmo y armonía para mantener el interés y la profundidad emocional.

9. Transición del barroco al clasicismo

Aunque tienen sus raíces en el estilo barroco, las sonatas de Scarlatti anticipan elementos del estilo clásico:
enfatizan el equilibrio y la claridad.
Su exploración de la forma y la expresión prefigura las obras de compositores posteriores como Haydn y Mozart.

Conclusión

La música de Domenico Scarlatti combina maestría técnica con profundidad emocional, fusionando las complejidades del barroco con innovaciones vanguardistas. Sus sonatas siguen siendo una piedra angular del repertorio para teclado, admiradas por su inventiva, encanto y brillantez.

Relaciones con otros compositores

1. Alessandro Scarlatti (Padre)

Relación: Alessandro era el padre de Domenico y una figura destacada de la ópera barroca. Fue el primer profesor de música de Domenico y ejerció una gran influencia en su formación temprana.

Impacto: El enfoque de Alessandro en la música vocal y su dominio del contrapunto y la armonía probablemente dieron forma a la base compositiva de Domenico, aunque Domenico finalmente eligió un camino diferente al centrarse en la música para teclado.

2. Arcángel Corelli

Conexión: Durante su estancia en Roma, Domenico trabajó en entornos influenciados por Corelli, que había trabajado allí anteriormente. El énfasis de Corelli en la melodía y la claridad armónica puede haber influido sutilmente en Scarlatti, pero no hay pruebas de una interacción directa.

Superposición: Ambos contribuyeron a la evolución de la música barroca en Roma, aunque la fama de Scarlatti creció más después de la época de Corelli.

3. George Friedrich Handel

Relación: Scarlatti y Handel compitieron en un famoso concurso de teclado en Roma alrededor de 1708. Según los relatos, Scarlatti era considerado superior en el clavicémbalo, mientras que Handel sobresalía en el órgano.

Respeto mutuo: Scarlatti admiraba mucho a Handel, e incluso llegó a exclamar: “Handel es el mejor compositor de todos”. A pesar de la competencia, el encuentro refleja un reconocimiento mutuo más que una rivalidad.

4. Johann Sebastian Bach

Relación: Scarlatti y Bach fueron contemporáneos, pero no hay constancia de que se conocieran. Sin embargo, su nacimiento en el mismo año (1685) ha dado lugar a comparaciones a menudo.

Diferencias estilísticas: Si bien ambos contribuyeron significativamente a la música para teclado, Scarlatti se centró más en la escritura idiomática para clavecín y en las influencias ibéricas, mientras que Bach tenía sus raíces en el contrapunto alemán y las tradiciones luteranas.

5. María Bárbara de Portugal

Conexión con compositores: Aunque no era compositora, María Bárbara, mecenas y alumna de Scarlatti, desempeñó un papel fundamental en su vida. A través de ella, Scarlatti conoció las cortes española y portuguesa, donde absorbió las influencias del folclore regional que definen gran parte de su música.

Influencia indirecta: El entorno de Scarlatti en la corte española lo habría expuesto a las obras de otros compositores de la corte, aunque sus nombres son menos prominentes en el registro histórico.

6. Otros compositores napolitanos

Francesco Durante y Leonardo Leo: Scarlatti compartía una conexión cultural con estos compositores napolitanos, ya que todos ellos contribuyeron al florecimiento de la música en el sur de Italia. Sin embargo, no hay evidencia documentada de colaboraciones o interacciones directas.

7. Antonio Soler

Relación: Soler, compositor y monje español, recibió una influencia directa de Scarlatti. Aunque no coincidieron mucho en el tiempo, Soler estudió las sonatas de Scarlatti y adoptó técnicas similares en sus propias obras, continuando el legado de Scarlatti en la música ibérica para teclado.

Resumen

Las relaciones directas de Scarlatti con compositores como Alessandro Scarlatti y Handel reflejan una vida marcada por la mentoría familiar y los encuentros de alto perfil. Si bien su música se apartó de la de sus contemporáneos, como Bach y Handel, su estilo innovador sentó las bases para las generaciones futuras, influyendo en compositores como Antonio Soler e incluso en maestros de la era clásica.

Como teclista

Domenico Scarlatti no sólo fue un compositor innovador, sino también un virtuoso teclista, reconocido por su extraordinaria habilidad y su técnica inventiva. Sus habilidades con el teclado fueron fundamentales para su legado, moldeando sus composiciones e influyendo en la evolución de la interpretación de teclado.

Maestría y Virtuosidad

Destreza técnica:

Scarlatti fue célebre por su habilidad técnica sin igual. Amplió los límites de la interpretación del teclado con técnicas que fueron revolucionarias para su época. Sus sonatas a menudo incluyen escalas rápidas, arpegios, cruces de manos y grandes saltos, todo lo cual refleja sus propias habilidades como intérprete.
Los relatos contemporáneos destacan su fluidez y precisión, que fueron esenciales para ejecutar sus complejas y altamente idiomáticas obras para teclado.

Cruces de manos:

Una de las técnicas distintivas de Scarlatti era el uso dramático de los cruces de manos, en los que una mano salta sobre la otra para tocar notas en el lado opuesto del teclado. Esto no solo mostraba su destreza, sino que también creaba texturas y efectos únicos.

Juego rítmico y dinámico:

Su forma de tocar se caracterizó por su vitalidad rítmica y su uso expresivo de la dinámica, aportando energía y color a sus interpretaciones. Aunque el clavicémbalo tiene un rango dinámico limitado, Scarlatti explotó sus capacidades para crear contrastes y matices.

Innovaciones en la técnica del teclado

Digitación no convencional:

Las sonatas de Scarlatti a menudo exigían a los intérpretes que adoptaran digitaciones innovadoras para satisfacer sus exigencias técnicas, lo que alentó a los intérpretes a repensar las técnicas estándar de teclado.
Amplia gama de teclas:

Scarlatti hizo un uso completo de la gama del clavicémbalo, explorando los registros agudos y graves más extensamente que muchos de sus contemporáneos.
Imitación de otros instrumentos:

La forma de tocar el teclado de Scarlatti a menudo imitaba los sonidos de otros instrumentos, especialmente la guitarra española. Su uso de notas rápidas y repetidas, trinos y patrones similares a rasgueos reflejaba su inmersión en las tradiciones musicales ibéricas.

Reconocimiento por parte de los contemporáneos

Competencia con Handel:

El famoso concurso entre Scarlatti y Georg Friedrich Handel en Roma alrededor de 1708 demostró su reputación como formidable tecladista. Mientras que Handel era considerado superior en el órgano, Scarlatti era considerado inigualable en el clavecín.

Admiración de estudiantes y patrocinadores:

María Bárbara de Portugal, más tarde reina de España, no sólo fue su protectora, sino también su devota alumna. Su entusiasmo por su forma de tocar y enseñar subraya su capacidad para cautivar e inspirar.

Estilo de interpretación

Libertad expresiva:

Las interpretaciones de Scarlatti probablemente se caracterizaban por un estilo improvisado, una cualidad reflejada en la naturaleza espontánea e inventiva de sus sonatas.

Conexión con la Danza:

Su forma de tocar reflejaba a menudo los ritmos vivos y el carácter de las danzas, especialmente las de origen español, lo que otorgaba una vitalidad única a sus actuaciones.

El legado como artista

El arte de Scarlatti con el teclado dejó una marca duradera en el desarrollo de la técnica y la composición para teclado. Su énfasis en el virtuosismo y la innovación influyó en compositores e intérpretes posteriores, estableciendo nuevos estándares de lo que era posible con el clavicémbalo y, más tarde, con el fortepiano.

Cronología

1685–1700: Primeros años en Nápoles
1685: Nació el 26 de octubre en Nápoles, Italia, como el sexto hijo de Alessandro Scarlatti, un destacado compositor de ópera, y Antonia Anzalone.
Década de 1690: Probablemente recibió su primera formación musical de su padre y otros notables músicos napolitanos.
1701: A los 16 años, fue nombrado organista y compositor de la Capilla Real de Nápoles.
1701–1714: Primeros años en Italia
1702: Viajó con su padre a Florencia y posiblemente a otras ciudades italianas, donde estuvo expuesto a diversos estilos musicales.
1705: Se mudó a Venecia, donde, según se informa, estudió y perfeccionó sus habilidades como teclista.
1708: Se convirtió en maestro de capilla (director musical) de la reina María Casimira de Polonia, que vivía exiliada en Roma. Durante este tiempo, compuso óperas y música sacra.
1708 (o antes): Participó en un famoso concurso de teclado en Roma con George Frideric Handel, ganando reconocimiento como virtuoso del clavecín.
1710-1714: Compuso óperas como Tetide in Sciro (1712) y Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714) durante su mandato en Roma.
1714-1719: Transición y creciente reputación
1714: Nombrado maestro de capilla de la Basílica de San Pedro en Roma. Escribió más música sacra y óperas durante este período.
1715: Viajó brevemente a Londres, donde se representó una de sus óperas, Narciso.
1719: Dejó Roma para Lisboa, Portugal, donde se convirtió en maestro de música de María Bárbara, la infanta portuguesa.
1719-1733: Período de Lisboa
1719-1729: Vivió y trabajó en la corte portuguesa, enseñando y componiendo. Su enfoque cambió cada vez más hacia la música para teclado durante este tiempo.
1728: María Bárbara se casó con Fernando, Príncipe Heredero de España, asegurando el patrocinio continuo de Scarlatti.
1729: Acompañó a María Bárbara y a su esposo a Sevilla por un breve período.
1733-1757: Período de Madrid y obras maduras
1733: Se estableció en Madrid, España, donde permaneció por el resto de su vida como compositor de la corte de María Bárbara, ahora Reina de España.
1738: La primera colección de sus sonatas para teclado se publicó en Londres como Essercizi per gravicembalo.
Década de 1730-1750: Compuso la mayoría de sus 555 sonatas para teclado, mostrando sus innovaciones en la técnica del teclado e incorporando influencias de la música folclórica ibérica.
1746: Fernando se convierte en rey de España, consolidando aún más el papel de Scarlatti en la corte.
1754: Recibe el título de caballero del Papa Benedicto XIV, un honor poco común para un compositor.
1757: Muerte y legado
1757: Falleció el 23 de julio en Madrid, España, a la edad de 71 años. Fue enterrado en Madrid, aunque se desconoce la ubicación exacta de su tumba.
Reconocimiento póstumo: Si bien sus sonatas para teclado fueron apreciadas durante su vida, su fama creció significativamente en los siglos XIX y XX, consolidando su estatus como una figura fundamental en la música para teclado.

Fases clave en resumen

Comienzos napolitanos (1685-1714): Formación temprana, óperas italianas y ascenso como virtuoso del teclado.
Periodo portugués (1719-1733): Centrado en la enseñanza, la música de la corte y el desarrollo de su estilo para el teclado.
Periodo español (1733-1757): Prolífica producción de sonatas y asimilación de influencias musicales ibéricas.

Obras destacadas para solo de clave

Las sonatas para teclado de Domenico Scarlatti forman el núcleo de sus contribuciones al repertorio para clavecín, con 555 sonatas que muestran su estilo innovador y virtuosismo. Estas sonatas son obras de un solo movimiento, generalmente en forma binaria. A continuación se presentan algunas de sus sonatas más notables y frecuentemente interpretadas, organizadas por sus números de Kirkpatrick (K):

1. Sonata en re menor, K. 1

Características: Pieza lírica y melancólica con elegante ornamentación.
Significado: Suele interpretarse como introducción al estilo de Scarlatti, destacando su uso expresivo del clavicémbalo.

2. Sonata en re mayor, K. 96

Características: Una obra brillante y festiva con escalas rápidas y cruces de manos divertidos.
Significado: Una muestra de la innovación técnica de Scarlatti y la energía rítmica de inspiración ibérica.

3. Sonata en do mayor, K. 159 (“La Caccia”)

Características: Conocido por sus vivos motivos de caza, imitando el sonido de los cuernos y el galope.
Importancia: Demuestra la habilidad de Scarlatti en la escritura programática y su capacidad para evocar imágenes a través de la música.

4. Sonata en fa menor, K. 466

Características: Oscuro e introspectivo, con texturas complejas y armonías conmovedoras.
Significado: Ejemplifica su dominio de la profundidad expresiva dentro de las limitaciones del clavicémbalo.

5. Sonata en mi mayor, K. 380

Características: Sonata popular y elegante con melodías líricas y estructura equilibrada.
Importancia: Se utiliza frecuentemente como pieza de recital debido a su encanto y accesibilidad técnica.

6. Sonata en sol mayor, K. 427

Características: Presenta notas rápidas, repetidas y ritmos enérgicos que evocan las tradiciones de la danza española.
Significado: Resalta las influencias ibéricas y la inventiva rítmica de Scarlatti.

7. Sonata en si menor, K. 27

Características: Misteriosa e introspectiva, con arpegios fluidos y cambios armónicos sutiles.
Significado: Una de las favoritas entre los intérpretes por su profundidad emocional y belleza.

8. Sonata en do mayor, K. 513

Características: Incorpora efectos de rasgueo que imitan la guitarra española.
Importancia: Un ejemplo por excelencia de la integración de elementos folclóricos en las obras para teclado de Scarlatti.

9. Sonata en mi menor, K. 98

Características: Obra dramática y rítmicamente compleja que alterna pasajes líricos y virtuosos.
Importancia: Demuestra la capacidad de Scarlatti para combinar la brillantez técnica con la expresividad emocional.

10. Sonata en la mayor, K. 208

Características: Una pieza grácil y meditativa, de ritmo más lento y con una ornamentación elegante.
Significado: Conocida por su serena belleza, contrasta con las sonatas de Scarlatti, técnicamente más exigentes.

Notas generales sobre las sonatas

Las sonatas de Scarlatti suelen mostrar efectos de rasgueo similares a los de la guitarra, ritmos inspirados en la danza y modulaciones inesperadas.
Reflejan virtuosismo, talento para la improvisación y una integración de las tradiciones musicales ibéricas.
Estas obras se celebran tanto como estudios técnicos para teclistas como obras maestras independientes del repertorio para clavecín. ¿Le gustaría recibir recomendaciones sobre grabaciones o análisis de una sonata específica?

Obras notables

Óperas

La producción operística de Scarlatti, en gran parte de su temprana carrera en Italia, demuestra su habilidad en la composición vocal y su herencia del estilo operístico de su padre Alessandro.

Ottavia restituita al trono (1703)

Detalles: Una de las primeras óperas de Scarlatti, interpretada en Nápoles.
Importancia: Muestra su exploración temprana de la expresión dramática y la orquestación.

Tétido en Sciro (1712)

Detalles: Una ópera seria compuesta durante su estancia en Roma.
Importancia: Representa su capacidad para crear líneas vocales cautivadoras y conectarse con las tradiciones operísticas de su época.

Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714)

Detalles: Una ópera desenfadada (a menudo catalogada como intermezzo) que demuestra su habilidad para la caracterización cómica.
Importancia: Destaca su versatilidad e ingenio como compositor de ópera.

Música sacra

La música sacra de Scarlatti incluye composiciones corales e instrumentales escritas durante su estancia en Roma y posteriormente.

Stabat Mater en do menor (c. 1715)

Detalles: Obra para diez voces y bajo continuo.
Significado: Conocida por su gran profundidad emocional y su intrincada polifonía, es una de las obras sacras más celebradas de Scarlatti.

Missa quatuor vocum (Misa a cuatro voces)

Detalles: Una versión concisa y elegante de la misa.
Importancia: Demuestra su dominio de la escritura vocal y el contrapunto.

Salve Regina (varios escenarios)

Detalles: Se conservan varias versiones de este himno mariano, que muestran la devoción y la habilidad de Scarlatti para la composición sacra.
Significado: Combina expresividad lírica con claridad estructural.

Obras de cámara e instrumentales

Sinfonías

Detalles: Scarlatti compuso varias sinfonías, obras orquestales breves que se suelen utilizar como introducción a óperas o piezas de concierto independientes.
Importancia: Estas obras reflejan el estilo de transición entre la escritura orquestal barroca y la clásica.

Sonata para violín y continuo en re menor

Detalles: Una de las pocas piezas instrumentales de cámara que se conservan.
Importancia: Destaca su interés por la melodía y el acompañamiento más allá del teclado.

Obras vocales

Cantatas

Detalles: Scarlatti compuso numerosas cantatas para voz solista y bajo continuo, que a menudo exploraban temas profanos como el amor y el anhelo.
Ejemplos notables: Clori, che m’ami y Bella dama di nome Santa.
Importancia: Estas obras ilustran su talento lírico y su afinidad por la música vocal.

Motetes

Detalles: Los motetes de Scarlatti son composiciones sacras de menor escala para voces solistas y continuo.
Importancia: Demuestran su habilidad para combinar la escritura solista expresiva con temas espirituales.

Contribución general más allá de la música para teclado

Aunque las obras de Scarlatti que no son para teclado son menos famosas que sus sonatas, ofrecen una valiosa perspectiva de su amplia gama compositiva. Sus óperas y música sacra revelan un profundo conocimiento de la voz humana, mientras que sus obras instrumentales y orquestales reflejan las innovaciones estilísticas de su época.

(Este artículo ha sido escrito por ChatGPT.)

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Notizen über Domenico Scarlatti (1685 – 1757)

Überblick

Domenico Scarlatti (1685–1757) war ein italienischer Komponist und virtuoser Tastenspieler, der vor allem für seine innovativen und technisch anspruchsvollen Tastensonaten bekannt war. Er war einer der bedeutendsten Komponisten des Barock und eine einflussreiche Persönlichkeit in der Entwicklung der Tastenmusik. Hier ist ein Überblick über sein Leben und seine Beiträge:

Frühes Leben und Ausbildung

Geburt: Scarlatti wurde am 26. Oktober 1685 in Neapel als sechstes von zehn Kindern von Alessandro Scarlatti geboren, einem berühmten Opernkomponisten und einer führenden Persönlichkeit der neapolitanischen Schule.
Ausbildung: Scarlatti studierte wahrscheinlich bei seinem Vater sowie bei anderen prominenten Musikern der Zeit und zeigte bereits in jungen Jahren außergewöhnliches musikalisches Talent.

Karrierehöhepunkte

Frühe Termine:

Im Jahr 1701, im Alter von 16 Jahren, wurde Scarlatti Organist und Komponist der königlichen Kapelle in Neapel.
Später arbeitete er in Venedig, Rom und anderen italienischen Städten und baute sich einen Ruf als begabter Musiker und Komponist auf.

Umzug nach Iberia:

1719 reiste er nach Lissabon, um als Musiklehrer für die portugiesische Prinzessin Maria Barbara zu arbeiten. Dies markierte einen Wendepunkt in seiner Karriere.
Als Maria Barbara Königin von Spanien wurde, folgte Scarlatti ihr nach Madrid, wo er den Rest seines Lebens verbrachte.
Klaviersonaten:

Scarlatti ist vor allem für seine 555 Klaviersonaten bekannt, die hauptsächlich für Cembalo komponiert wurden. Diese Werke werden für ihren einfallsreichen Einsatz von Harmonie, Rhythmus und Tastentechniken gefeiert.
Die Sonaten weisen oft Einflüsse spanischer und portugiesischer Volksmusik auf und zeigen lebhafte Tanzrhythmen und farbenfrohe Melodiemuster.
Musikalische Innovation:

Seine Kompositionen erweiterten die Grenzen des Klavierspiels durch Handüberkreuzungen, schnelle Tonleitern, Arpeggios und unkonventionelle Modulationen und beeinflussten spätere Komponisten wie Haydn, Mozart und Beethoven.

Persönliches Leben

Scarlatti war ein bescheidener und frommer Mann, der trotz seines immensen Talents ein relativ ruhiges Leben führte. Seine Musik erlangte erst nach seinem Tod größere Anerkennung, als seine Sonaten im 18. und 19. Jahrhundert veröffentlicht und bewundert wurden.

Vermächtnis

Scarlatti gilt als eine der wichtigsten Persönlichkeiten des Übergangs vom Barock zur Klassik.
Seine Klaviersonaten sind ein fester Bestandteil des Repertoires und werden aufgrund ihrer technischen Brillanz und Ausdruckstiefe weltweit studiert und aufgeführt.
Möchten Sie bestimmte Aspekte seines Lebens oder seiner Werke erkunden?

Geschichte

Domenico Scarlattis Leben ist eine Geschichte von bemerkenswertem Talent, Innovation und Hingabe an die Musik, die sich in einigen der lebendigsten Kulturzentren des Europas des 18. Jahrhunderts abspielte. Scarlatti wurde 1685 in Neapel geboren, im selben Jahr wie Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel, und wuchs in einem musikalischen Haushalt auf. Sein Vater, Alessandro Scarlatti, war eine herausragende Persönlichkeit der Barockoper, und der junge Domenico war schon in jungen Jahren in die Musik vertieft.

Domenico war in Komposition und Klavier ausgebildet und machte sich schon bald als Wunderkind einen Namen. Mit gerade einmal 16 Jahren sicherte er sich eine Stelle als Organist und Komponist der königlichen Kapelle in Neapel. Doch schon bald führten ihn seine Ambitionen und sein Talent über seine Heimatstadt hinaus. Auf der Suche nach größeren Möglichkeiten reiste Scarlatti nach Venedig, wo er sich unter die blühende musikalische Elite der Stadt mischte, und später nach Rom, wo er für sein Können als Cembalist und Komponist bekannt wurde.

In Rom diente Scarlatti im Haushalt der im Exil lebenden polnischen Königin Maria Casimira und komponierte Opern und geistliche Musik. Doch seine Brillanz am Klavier zeichnete ihn aus, brachte ihm Bewunderung ein und forderte Rivalen heraus, darunter eine berühmte Begegnung mit Händel. Obwohl ihre Stile unterschiedlich waren, waren die beiden in ihrem Können ebenbürtig, und ihr freundschaftlicher Wettbewerb festigte Scarlattis Ruf.

Ein Wendepunkt in Scarlattis Leben kam 1719, als er nach Lissabon zog. Dort wurde er Musiklehrer von Maria Barbara, der portugiesischen Infantin, die eine zentrale Figur in seinem Leben bleiben sollte. Unter ihrer Schirmherrschaft blühte Scarlatti auf, und als Maria Barbara den zukünftigen König Ferdinand VI. von Spanien heiratete, folgte er ihr nach Madrid. In Spanien begann Scarlattis produktivste Phase seiner Karriere.

Während seines Aufenthalts auf der Iberischen Halbinsel tauchte Scarlatti in die lebendigen Musiktraditionen der Region ein und ließ sich von spanischer und portugiesischer Volksmusik inspirieren. Seine Kompositionen begannen, die lebhaften Rhythmen, kräftigen Harmonien und exotischen Tonleitern dieser Traditionen widerzuspiegeln. Er widmete sich dem Schreiben von Klaviersonaten und schuf über 550 Stücke, die bis heute seine berühmtesten Werke sind. Diese Sonaten, die hauptsächlich für das Cembalo geschrieben wurden, zeigten seinen außergewöhnlichen Einfallsreichtum und gingen an die technischen Grenzen des Instruments. Von schnellen Arpeggios bis hin zu komplizierten Handkreuzungen war seine Musik sowohl ein Genuss für das Hören als auch eine Herausforderung für das Spielen.

Scarlatti führte ein relativ ruhiges und privates Leben und widmete sich seiner Musik und seinen Förderern. Obwohl er auch andere Werke komponierte, darunter Opern und geistliche Musik, waren es seine Klaviersonaten, die sein Vermächtnis sicherten. Er starb 1757 in Madrid und hinterließ ein Werk, das Generationen von Komponisten beeinflusste. Scarlattis Musik schlug eine Brücke zwischen Barock und Klassik, indem sie strukturelle Klarheit mit emotionaler Ausdruckskraft verband und ihm einen Platz unter den großen Komponisten der westlichen Musik sicherte.

Eigenschaften der Musik

Die Musik von Domenico Scarlatti ist für ihre Originalität, Virtuosität und innovative Kompositionsweise bekannt, insbesondere bei seinen Klavierwerken. Hier sind die wichtigsten Merkmale, die seinen Stil definieren:

1. Tastaturfokus

Scarlattis Vermächtnis liegt vor allem in seinen 555 Klaviersonaten, die hauptsächlich für das Cembalo geschrieben wurden.
Seine Sonaten sind oft kompakte, einsätzige Werke, die in binärer Form strukturiert sind, wobei zwei kontrastierende Abschnitte entwickelt und dann symmetrisch ausbalanciert werden.

2. Technische Innovation

Scarlattis Sonaten sind berühmt für ihre technischen Anforderungen, darunter:
Schnelle Tonleitern und Arpeggios: Sie demonstrieren Agilität und Präzision.
Überkreuzungen der Hände: Häufig und dramatisch, sodass die Hände des Interpreten übereinander springen müssen.
Ausgedehnte Sprünge: Große Intervalle, die die Fingerfertigkeit des Interpreten auf die Probe stellen.
Wiederholung von Noten: Sie erzeugen rhythmische Intensität und Lebendigkeit.
Diese Techniken forderten nicht nur die Interpreten seiner Zeit heraus, sondern erweiterten auch das Ausdruckspotenzial der Tastatur.

3. Harmonische Kühnheit

Scarlatti verwendete oft unerwartete Modulationen und Dissonanzen und sorgte so für Überraschungen in seinen harmonischen Progressionen.
Er erkundete entfernte Tonarten und kühne harmonische Verschiebungen, die für seine Zeit ungewöhnlich waren und für einen frischen, modernen Klang sorgten.

4. Rhythmische Vitalität

Seine Musik enthält oft Synkopen und rhythmische Kontraste, die ihr Energie und Unberechenbarkeit verleihen.
Scarlatti wurde von iberischen Tanzrhythmen beeinflusst, die seinen Sonaten den Geist von Volkstänzen wie Jota und Fandango verliehen.

5. Volkstümliche und nationale Einflüsse

Scarlatti verbrachte einen Großteil seiner Karriere in Spanien und Portugal und nahm Elemente der iberischen Volksmusik auf:
In einigen Sonaten werden gitarrenähnliche Schlagmuster hervorgerufen.
Exotische Tonleitern wie die Phrygischen Modi verleihen seiner Musik ein unverwechselbares regionales Flair.
Es sind melodische Verzierungen zu hören, die an Flamenco erinnern.

6. Übersichtlichkeit und Ökonomie

Im Gegensatz zum kunstvollen Kontrapunkt seiner barocken Zeitgenossen verwendete Scarlatti oft einfache, klare Strukturen, die sich auf Melodie und Begleitung konzentrierten.
Seine Musik ist trotz ihrer relativen Kürze und strukturellen Einfachheit äußerst ausdrucksstark.

7. Dynamische Ausdruckskraft

Scarlatti nutzte die dynamischen Möglichkeiten der Tastatur auf kreative Weise, selbst innerhalb des begrenzten Tonumfangs des Cembalos. In
seiner Musik kontrastieren oft verspielte, ausgelassene Passagen mit lyrischen, nachdenklichen Momenten.

8. Kontrast und Drama

Scarlattis Sonaten vereinen oft virtuose Brillanz und introspektiven Charme in einem einzigen Werk.
Er verwendet dramatische Kontraste in Struktur, Rhythmus und Harmonie, um das Interesse und die emotionale Tiefe aufrechtzuerhalten.

9. Übergang vom Barock zur Klassik

Scarlattis Sonaten sind zwar im barocken Stil verwurzelt, nehmen aber Elemente des klassischen Stils vorweg:
Sie betonen Ausgewogenheit und Klarheit.
Seine Auseinandersetzung mit Form und Ausdruck lässt die Werke späterer Komponisten wie Haydn und Mozart erahnen.

Abschluss

Domenico Scarlattis Musik verbindet technische Meisterhaftigkeit mit emotionaler Tiefe und verbindet die Feinheiten des Barock mit zukunftsweisender Innovation. Seine Sonaten bleiben ein Eckpfeiler des Klavierrepertoires und werden für ihren Einfallsreichtum, Charme und ihre Brillanz bewundert.

Beziehungen zu anderen Komponisten

1. Alessandro Scarlatti (Vater)

Beziehung: Alessandro war Domenicos Vater und eine herausragende Persönlichkeit der Barockoper. Er war Domenicos erster Musiklehrer und hatte großen Einfluss auf seine frühe Entwicklung.

Einfluss: Alessandros Konzentration auf Vokalmusik und seine Beherrschung des Kontrapunkts und der Harmonie prägten wahrscheinlich Domenicos kompositorische Grundlagen, auch wenn Domenico letztendlich einen anderen Weg wählte und sich auf Tastenmusik konzentrierte.

2. Arcangelo Corelli

Verbindung: Während seines Aufenthalts in Rom arbeitete Domenico in einem Umfeld, das von Corelli beeinflusst wurde, der dort früher aktiv war. Corellis Betonung von Melodie und harmonischer Klarheit mag Scarlatti subtil beeinflusst haben, aber es gibt keine Hinweise auf eine direkte Interaktion.

Überschneidungen: Beide trugen zur Entwicklung der Barockmusik in Rom bei, wobei Scarlattis Ruhm erst nach Corellis Zeit zunahm.

3. Georg Friedrich Händel

Beziehung: Scarlatti und Händel nahmen um 1708 an einem berühmten Klavierwettbewerb in Rom teil. Berichten zufolge galt Scarlatti als überlegen am Cembalo, während Händel an der Orgel brillierte.

Gegenseitiger Respekt: ​​Scarlatti soll Händel sehr bewundert haben und einmal sogar ausgerufen haben: „Händel ist der größte Komponist von allen.“ Trotz ihrer Konkurrenz spiegelt die Begegnung eher gegenseitige Anerkennung als Rivalität wider.

4. Johann Sebastian Bach

Beziehung: Scarlatti und Bach waren Zeitgenossen, aber es gibt keine Beweise dafür, dass sie sich jemals begegnet sind. Allerdings hat ihre Geburt im selben Jahr (1685) oft zu Vergleichen geführt.

Stilistische Unterschiede: Obwohl beide bedeutende Beiträge zur Tastenmusik leisteten, lag Scarlattis Schwerpunkt eher auf idiomatischem Cembalosatz und iberischen Einflüssen, während Bach im deutschen Kontrapunkt und in lutherischen Traditionen verwurzelt war.

5. Maria Barbara von Portugal

Verbindung zu Komponisten: Obwohl sie keine Komponistin war, spielte Maria Barbara, Scarlattis Förderin und Schülerin, eine entscheidende Rolle in seinem Leben. Durch sie lernte Scarlatti die spanischen und portugiesischen Höfe kennen, wo er die regionalen Volkseinflüsse aufnahm, die einen Großteil seiner Musik prägen.

Indirekter Einfluss: Scarlattis Umfeld am spanischen Hof brachte ihn wahrscheinlich mit den Werken anderer Hofkomponisten in Berührung, obwohl deren Namen in den historischen Aufzeichnungen weniger prominent erscheinen.

6. Andere neapolitanische Komponisten

Francesco Durante und Leonardo Leo: Scarlatti hatte eine kulturelle Verbindung mit diesen neapolitanischen Komponisten, da sie alle zur Blüte der Musik in Süditalien beitrugen. Es gibt jedoch keine dokumentierten Beweise für direkte Zusammenarbeit oder Interaktion.

7. Antonio Soler

Beziehung: Soler, ein spanischer Komponist und Mönch, wurde direkt von Scarlatti beeinflusst. Obwohl sich ihre Zeit nicht wesentlich überschnitt, studierte Soler Scarlattis Sonaten und übernahm ähnliche Techniken in seinen eigenen Werken, wodurch er Scarlattis Erbe in der iberischen Tastenmusik fortführte.

Zusammenfassung

Scarlattis direkte Beziehungen zu Komponisten wie Alessandro Scarlatti und Händel spiegeln ein Leben wider, das von familiärer Mentorschaft und hochkarätigen Begegnungen geprägt war. Während seine Musik von der seiner Zeitgenossen wie Bach und Händel abwich, legte sein innovativer Stil den Grundstein für zukünftige Generationen und beeinflusste Komponisten wie Antonio Soler und sogar Meister der Klassik.

Als Keyboarder

Domenico Scarlatti war nicht nur ein bahnbrechender Komponist, sondern auch ein virtuoser Keyboardspieler, der für sein außergewöhnliches Können und seine einfallsreiche Technik bekannt war. Seine Fähigkeiten am Keyboard waren ein wesentlicher Bestandteil seines Vermächtnisses, prägten seine Kompositionen und beeinflussten die Entwicklung des Keyboardspiels.

Meisterhaftigkeit und Virtuosität

Technisches Können:

Scarlatti wurde für sein beispielloses technisches Können gefeiert. Er erweiterte die Grenzen des Klavierspiels mit Techniken, die für seine Zeit revolutionär waren. Seine Sonaten enthalten oft schnelle Tonleitern, Arpeggios, Handkreuzungen und große Sprünge, die alle seine eigenen Fähigkeiten als Musiker widerspiegeln.
Zeitgenössische Berichte betonen seine Flüssigkeit und Präzision, die für die Ausführung seiner komplexen und höchst idiomatischen Klavierwerke unerlässlich waren.

Handübergänge:

Eine von Scarlattis charakteristischen Techniken war der dramatische Einsatz von Handkreuzungen, bei denen eine Hand über die andere springt, um Noten auf der gegenüberliegenden Seite der Tastatur zu spielen. Dies demonstrierte nicht nur seine Fingerfertigkeit, sondern erzeugte auch einzigartige Texturen und Effekte.

Rhythmische und dynamische Verspieltheit:

Sein Spiel war geprägt von rhythmischer Vitalität und ausdrucksstarkem Einsatz von Dynamik, was seinen Darbietungen Energie und Farbe verlieh. Obwohl das Cembalo einen begrenzten Dynamikumfang hat, nutzte Scarlatti dessen Möglichkeiten, um Kontraste und Nuancen zu erzeugen.

Innovationen in der Tastentechnik

Unkonventionelle Fingertechnik:

Scarlattis Sonaten erforderten von den Interpreten oft innovative Fingersätze, um den technischen Anforderungen gerecht zu werden. Dies ermutigte die Spieler, über Standard-Tastaturtechniken nachzudenken.
Großer Tonumfang der Tastatur:

Scarlatti nutzte den Tonumfang des Cembalos voll aus und erforschte die hohen und tiefen Register umfassender als viele seiner Zeitgenossen.
Imitation anderer Instrumente:

Scarlattis Keyboardspiel imitierte oft den Klang anderer Instrumente, insbesondere der spanischen Gitarre. Seine Verwendung von schnell wiederholten Noten, Trillern und schlagähnlichen Mustern spiegelte sein Eintauchen in die iberischen Musiktraditionen wider.

Anerkennung durch Zeitgenossen

Wettbewerb mit Händel:

Der berühmte Wettstreit zwischen Scarlatti und Georg Friedrich Händel in Rom um 1708 demonstrierte seinen Ruf als hervorragender Tastenspieler. Während Händel als überlegen an der Orgel galt, galt Scarlatti als unübertroffen am Cembalo.

Bewunderung von Studenten und Förderern:

Maria Barbara von Portugal, die spätere Königin von Spanien, war nicht nur seine Förderin, sondern auch seine treue Schülerin. Ihre Begeisterung für sein Spiel und seine Lehrtätigkeit unterstreicht seine Fähigkeit, zu fesseln und zu inspirieren.

Leistungsstil

Ausdrucksfreiheit:

Scarlattis Aufführungen waren wahrscheinlich von einem ausgeprägten Talent für Improvisation geprägt, eine Eigenschaft, die sich in der Spontaneität und Einfallsreichtum seiner Sonaten widerspiegelte.

Verbindung zum Tanz:

Sein Spiel spiegelte oft die lebhaften Rhythmen und den Charakter der Tänze wider, insbesondere der Tänze spanischen Ursprungs, und verlieh seinen Auftritten eine einzigartige Lebendigkeit.

Vermächtnis als Künstler

Scarlattis Tastenkunst hinterließ einen bleibenden Eindruck in der Entwicklung der Tastentechnik und Komposition. Sein Schwerpunkt auf Virtuosität und Innovation beeinflusste nachfolgende Komponisten und Interpreten und setzte neue Maßstäbe für das, was auf dem Cembalo und später dem Hammerklavier möglich war.

Chronologie

1685–1700: Frühes Leben in Neapel
1685: Geboren am 26. Oktober in Neapel, Italien, als sechstes Kind von Alessandro Scarlatti, einem bekannten Opernkomponisten, und Antonia Anzalone.
1690er: Erhielt seine frühe musikalische Ausbildung wahrscheinlich von seinem Vater und anderen namhaften neapolitanischen Musikern.
1701: Mit 16 Jahren wurde er zum Organisten und Komponisten der Königlichen Kapelle von Neapel ernannt.
1701–1714: Frühe Karriere in Italien
1702: Reist mit seinem Vater nach Florenz und möglicherweise in andere italienische Städte, wo er mit diversen Musikstilen in Berührung kam.
1705: Zieht nach Venedig, wo er Berichten zufolge seine Fähigkeiten als Tastenspieler studierte und verfeinerte.
1708: Wird Maestro di Cappella (Musikdirektor) von Königin Maria Kasimira von Polen, die im Exil in Rom lebte. Während dieser Zeit komponierte er Opern und geistliche Musik.
1708 (oder früher): Nahm mit Georg Friedrich Händel an einem berühmten Tasteninstrumentenwettbewerb in Rom teil und erlangte Anerkennung als Cembalovirtuose.
1710–1714: Komponierte während seiner Amtszeit in Rom Opern wie Tetide in Sciro (1712) und Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714).
1714–1719: Übergang und wachsendes Ansehen
1714: Ernennung zum Maestro di Cappella des Petersdoms in Rom. In dieser Zeit schrieb er weitere geistliche Musik und Opern.
1715: Reiste kurz nach London, wo eine seiner Opern, Narciso, aufgeführt wurde.
1719: Verließ Rom und ging nach Lissabon, Portugal, wo er Musikmeister der portugiesischen Infantin Maria Barbara wurde.
1719–1733: Lissabonner Zeit
1719–1729: Lebte und arbeitete am portugiesischen Hof, wo er unterrichtete und komponierte. Sein Schwerpunkt verlagerte sich während dieser Zeit zunehmend in Richtung Tastenmusik.
1728: Maria Barbara heiratete Ferdinand, den spanischen Kronprinzen, und sicherte sich so Scarlattis anhaltende Schirmherrschaft.
1729: Begleitete Maria Barbara und ihren Ehemann für kurze Zeit nach Sevilla.
1733–1757: Madrider Zeit und Reifewerke
1733: Lässt sich in Madrid, Spanien, nieder, wo er für den Rest seines Lebens als Hofkomponist von Maria Barbara, mittlerweile Königin von Spanien, blieb.
1738: Die erste Sammlung seiner Tasteninstrumentensonaten wurde in London unter dem Titel Essercizi per gravicembalo veröffentlicht.
1730er–1750er Jahre: Komponierte den Großteil seiner 555 Tasteninstrumentensonaten, in denen er seine Neuerungen in der Tastentechnik zur Schau stellt und Einflüsse aus der iberischen Volksmusik einfließen lässt.
1746: Ferdinand wurde König von Spanien, was Scarlattis Rolle am Hof ​​weiter festigte.
1754: Papst Benedikt XIV. verlieh ihm den Ritterschlag, eine seltene Ehre für einen Komponisten.
1757: Tod und Vermächtnis
1757: Gestorben am 23. Juli in Madrid, Spanien, im Alter von 71 Jahren. Begraben in Madrid, der genaue Ort seines Grabes ist jedoch unbekannt.
Posthume Anerkennung: Während seine Klaviersonaten zu seinen Lebzeiten geschätzt wurden, wuchs sein Ruhm im 19. und 20. Jahrhundert erheblich und festigte seinen Status als Schlüsselfigur der Tastenmusik.

Wichtige Phasen im Überblick

Neapolitanische Anfänge (1685–1714): Frühe Ausbildung, italienische Opern und sein Aufstieg zum Tastenvirtuosen.
Portugiesische Periode (1719–1733): Konzentrierte sich auf Unterricht, Hofmusik und die Entwicklung seines Tastenstils.
Spanische Periode (1733–1757): Umfangreiche Produktion von Sonaten und Aufnahme iberischer musikalischer Einflüsse.

Bemerkenswerte Cembalo-Solowerke

Domenico Scarlattis Klaviersonaten bilden den Kern seiner Beiträge zum Cembalo-Repertoire. 555 Sonaten zeigen seinen innovativen Stil und seine Virtuosität. Diese Sonaten sind einsätzige Werke, meist in binärer Form. Hier sind einige seiner bemerkenswertesten und am häufigsten gespielten Sonaten, geordnet nach ihren Kirkpatrick-Nummern (K):

1. Sonate d-Moll, K. 1

Merkmale: Ein lyrisches und melancholisches Stück mit eleganter Ornamentik.
Bedeutung: Wird oft als Einführung in Scarlattis Stil gespielt und hebt seinen ausdrucksstarken Einsatz des Cembalos hervor.

2. Sonate D-Dur, KV 96

Merkmale: Ein heiteres, feierliches Werk mit schnellen Tonleitern und verspielten Handüberkreuzungen.
Bedeutung: Eine Demonstration von Scarlattis technischer Innovation und iberisch inspirierter rhythmischer Energie.

3. Sonate in C-Dur, KV 159 („La Caccia“)

Merkmale: Bekannt für seine lebhaften Jagdmotive, die den Klang von Hörnern und Galoppieren imitieren.
Bedeutung: Demonstriert Scarlattis Geschick im programmatischen Schreiben und seine Fähigkeit, Bilder durch Musik hervorzurufen.

4. Sonate f-Moll, KV 466

Merkmale: Dunkel und introspektiv, mit komplexen Strukturen und ergreifenden Harmonien.
Bedeutung: Veranschaulicht seine Beherrschung der Ausdruckstiefe innerhalb der Grenzen des Cembalos.

5. Sonate in E-Dur, KV 380

Merkmale: Eine beliebte, elegante Sonate mit lyrischen Melodien und ausgewogener Struktur.
Bedeutung: Wird aufgrund ihres Charmes und ihrer technischen Zugänglichkeit häufig als Konzertstück verwendet.

6. Sonate G-Dur, KV 427

Merkmale: Enthält schnelle Tonwiederholungen und energische Rhythmen, die an spanische Tanztraditionen erinnern.
Bedeutung: Hebt Scarlattis iberische Einflüsse und rhythmische Erfindungsgabe hervor.

7. Sonate h-Moll, KV 27

Merkmale: Mysteriös und introspektiv, mit fließenden Arpeggios und subtilen harmonischen Übergängen.
Bedeutung: Unter Interpreten aufgrund seiner emotionalen Tiefe und Schönheit beliebt.

8. Sonate in C-Dur, KV 513

Merkmale: Enthält Schlageffekte, die die spanische Gitarre imitieren.
Bedeutung: Ein Paradebeispiel für Scarlattis Integration von Folk-Elementen in seine Keyboardwerke.

9. Sonate e-Moll, KV 98

Merkmale: Ein dramatisches, rhythmisch komplexes Werk, das zwischen lyrischen und virtuosen Passagen wechselt.
Bedeutung: Demonstriert Scarlattis Fähigkeit, technische Brillanz mit emotionaler Ausdruckskraft zu verbinden.

10. Sonate in A-Dur, K. 208

Merkmale: Ein anmutiges und meditatives Stück, langsamer im Tempo mit eleganter Verzierung.
Bedeutung: Bekannt für seine heitere Schönheit, bildet es einen Kontrast zu Scarlattis technisch anspruchsvolleren Sonaten.

Allgemeine Hinweise zu den Sonaten

Scarlattis Sonaten zeigen oft gitarrenähnliche Schlageffekte, tanzinspirierte Rhythmen und unerwartete Modulationen.
Sie spiegeln Virtuosität, Improvisationstalent und eine Integration iberischer Musiktraditionen wider.
Diese Werke werden sowohl als technische Studien für Tastenspieler als auch als eigenständige Meisterwerke des Cembalo-Repertoires gefeiert. Möchten Sie Empfehlungen zu Aufnahmen oder Analysen einer bestimmten Sonate?

Bemerkenswerte Werke

Opern

Scarlattis Opernschaffen, das größtenteils aus seiner frühen Karriere in Italien stammt, zeugt von seinem Können in der Gesangskomposition und davon, dass er den Opernstil seines Vaters Alessandro geerbt hat.

Ottavia restituita al trono (1703)

Details: Eine von Scarlattis frühesten Opern, aufgeführt in Neapel.
Bedeutung: Zeigt seine frühen Auseinandersetzungen mit dramatischem Ausdruck und Orchestrierung.

Tetide in Sciro (1712)

Details: Eine Opera seria, die er während seiner Zeit in Rom komponierte.
Bedeutung: Stellt seine Fähigkeit dar, überzeugende Gesangslinien zu schaffen und sich mit den Operntraditionen seiner Zeit auseinanderzusetzen.

Amor d’un’ombra e gelosia d’un’aura (1714)

Details: Eine heitere Oper (oft als Intermezzo kategorisiert), die sein Geschick in der Darstellung komischer Charaktere demonstriert.
Bedeutung: Hebt seine Vielseitigkeit und seinen Witz als Opernkomponist hervor.

Geistliche Musik

Scarlattis geistliche Musik umfasst Chor- und Instrumentalkompositionen, die während seiner Amtszeit in Rom und später geschrieben wurden.

Stabat Mater in c-Moll (um 1715)

Details: Ein Werk für zehn Stimmen und Basso continuo.
Bedeutung: Bekannt für seine tiefe emotionale Tiefe und komplexe Polyphonie ist es eines von Scarlattis berühmtesten geistlichen Werken.

Missa quatuor vocum (Vierstimmige Messe)

Details: Eine prägnante, elegante Vertonung der Messe.
Bedeutung: Demonstriert seine Meisterschaft im Vokalschreiben und Kontrapunkt.

Salve Regina (verschiedene Fassungen)

Details: Es sind mehrere Vertonungen dieses Marienhymnus erhalten, die Scarlattis Hingabe und Geschick im Komponieren sakraler Texte zeigen.
Bedeutung: Kombiniert lyrische Ausdruckskraft mit struktureller Klarheit.

Kammer- und Instrumentalwerke

Sinfonien

Details: Scarlatti komponierte mehrere Sinfonien, kurze Orchesterwerke, die typischerweise als Einleitungen zu Opern oder als eigenständige Konzertstücke verwendet wurden.
Bedeutung: Diese Werke spiegeln den Übergangsstil zwischen barocker und klassischer Orchesterkomposition wider.

Sonate für Violine und Basso continuo in d-Moll

Details: Eines der wenigen erhaltenen instrumentalen Kammerstücke.
Bedeutung: Hebt sein Interesse an Melodie und Begleitung jenseits der Tastatur hervor.

Vokalwerke

Kantaten

Details: Scarlatti komponierte zahlreiche Kantaten für Solostimme und Basso continuo, die sich oft mit weltlichen Themen wie Liebe und Sehnsucht beschäftigten.
Bemerkenswerte Beispiele: Clori, che m’ami und Bella dama di nome Santa.
Bedeutung: Diese Werke veranschaulichen seine lyrische Begabung und Affinität zur Vokalmusik.

Motetten

Details: Scarlattis Motetten sind kleinere geistliche Kompositionen für Solostimmen und Continuo.
Bedeutung: Sie zeigen sein Können, ausdrucksstarkes Soloschreiben mit spirituellen Themen zu verbinden.

Gesamtbeitrag jenseits der Tastenmusik

Scarlattis Werke, die nicht für Tasteninstrumente bestimmt sind, sind zwar weniger bekannt als seine Sonaten, bieten aber dennoch wertvolle Einblicke in sein breiteres kompositorisches Spektrum. Seine Opern und seine geistliche Musik offenbaren ein tiefes Verständnis der menschlichen Stimme, während seine Instrumental- und Orchesterwerke die stilistischen Innovationen seiner Zeit widerspiegeln.

(Dieser Artikel wurde von ChatGPT geschrieben.)

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