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Mozart: Eine Kleine Nachtmusik & 6 Wiener Sonatinen, Piano Solo Pieces, Volume 1, Jean-Michel Serres (piano), Apfel Café Music ACM120

Notizen – Deutsch

Wolfgang Amadeus Mozarts Serenade Nr. 13 für Streicher in G-Dur, besser bekannt als „Eine kleine Nachtmusik“, gehört zu den populärsten Werken der klassischen Musikgeschichte. Obwohl Mozart das Stück ursprünglich für ein Streichquartett oder ein kleines Orchester komponierte, hat sich die Fassung für Klavier solo als fester Bestandteil des pianistischen Repertoires etabliert.

Charakter und Struktur des Klavierarrangements
In der Solo-Fassung am Klavier wird die orchestrale Pracht auf die Tasten übertragen, wobei der Fokus auf Mozarts unverwechselbarer Klarheit und Eleganz liegt. Das Stück folgt der klassischen Form der Serenade und besteht üblicherweise aus vier Sätzen:

Allegro: Der erste Satz beginnt mit dem berühmten „Mannheimer Raketen“-Thema – einem kraftvollen, aufsteigenden Akkordmotiv. Am Klavier erfordert dieser Teil eine präzise Anschlagskultur, um den Glanz der ursprünglichen Violinen einzufangen.

Romanze (Andante): Dieser langsame Satz bietet einen starken Kontrast. Er ist lyrisch, fast liedhaft gestaltet und erlaubt dem Pianisten, das Instrument „singen“ zu lassen.

Menuetto (Allegretto): Ein höfischer Tanz im Dreivierteltakt, der in der Klavierfassung besonders durch seine rhythmische Akzentuierung und das charmante Trio in der Mitte besticht.

Rondo (Allegro): Das Finale ist geprägt von sprühender Lebendigkeit und einem rasanten Tempo, das am Klavier flinke Finger und eine hohe Agilität verlangt.

Die pianistische Herausforderung

Da das Werk ursprünglich für Streichinstrumente konzipiert wurde, liegt die Herausforderung für den Pianisten darin, die Artikulation der Streicher nachzuahmen. Das bedeutet, dass Passagen, die auf der Geige leichtfüßig klingen, am Klavier nicht zu schwerfällig wirken dürfen. Gute Arrangements achten darauf, die Mittelstimmen so zu setzen, dass das Klangbild transparent bleibt und die typische „wienerische“ Leichtigkeit Mozarts gewahrt wird.

Die 6 Wiener Sonatinen von Wolfgang Amadeus Mozart nehmen einen besonderen Platz in der Klavierliteratur ein, da sie streng genommen keine Originalwerke für das Klavier sind. Ursprünglich komponierte Mozart diese Stücke zwischen 1783 und 1785 in Wien als Divertimenti für zwei Bassetthörner und Fagott (verzeichnet unter KV 439b). Erst Jahre später, etwa um 1803, wurden diese charmanten Bläserstücke von einem unbekannten Bearbeiter – häufig wird Ferdinand Kauer vermutet – für das Klavier solo arrangiert und in ihrer heutigen Form als Sonatinen zusammengestellt.

Struktur und Charakteristik

Die Bearbeitung transformierte die eher lockere Folge der ursprünglichen Divertimento-Sätze in die klassische, meist viersätzige Sonatinenform. In der Klavierfassung zeichnen sie sich durch eine bemerkenswerte Durchsichtigkeit und melodische Fülle aus, die typisch für Mozarts Wiener Jahre ist. Die Stücke bewegen sich meist in den Tonarten C-Dur, A-Dur, D-Dur, B-Dur und F-Dur, was ihnen einen hellen, freundlichen und oft spielerischen Grundton verleiht. Trotz ihrer scheinbaren Einfachheit spiegeln sie Mozarts Genie wider: Die Themen sind prägnant, die Harmonik ist elegant und die rhythmische Gestaltung bleibt stets lebendig.

Bedeutung für das Klavierspiel

In der Klavierpädagogik sind die Wiener Sonatinen unverzichtbar geworden. Sie dienen oft als „Brücke“ zwischen einfacheren Übungsstücken und den großen, technisch deutlich anspruchsvolleren Klaviersonaten Mozarts. Da sie ursprünglich für Bläser geschrieben wurden, verlangen sie vom Pianisten eine besondere Linearität und Gesanglichkeit. Die Herausforderung liegt weniger in virtuosen Läufen als vielmehr in einer sauberen Artikulation, einem perlendem Non-Legato und der Fähigkeit, die verschiedenen Stimmen des ursprünglichen Trios auf den Tasten hörbar zu machen.

Notes – English

The Six Viennese Sonatinas by Wolfgang Amadeus Mozart are a beloved staple of the intermediate piano repertoire, though they have a fascinating history as “accidental” keyboard works. Originally composed in Vienna around 1783, these pieces were not written for the piano at all, but as Five Divertimenti for three wind instruments (specifically two basset horns and a bassoon), cataloged as KV 439b. The piano versions we play today are early 19th-century arrangements, likely created by the composer Ferdinand Kauer and first published by Artaria in 1803, shortly after Mozart’s death.

Structural Adaptation

In their transformation from wind trios to keyboard sonatinas, the movements were reconfigured into six distinct sets. While the original divertimenti were suites of many short movements, the piano arrangements usually follow a standardized four-movement structure: a lively opening Allegro, a lyrical slow movement (often titled Adagio or Romanze), a courtly Minuet and Trio, and a spirited Rondo or Finale. This reorganization creates a sense of balance and proportion that fits the classical sonatina model perfectly.

Musical Character and Style

The music itself captures Mozart during one of his most creative periods in Vienna. The sonatinas are characterized by:

Melodic Richness: Because the original parts were written for singing wind instruments, the melodies are incredibly vocal and expressive.

Classical Clarity: The textures are light and transparent, avoiding the heavy chordal density of later Romantic music.

Intermediate Technicality: They are significantly more accessible than Mozart’s major piano sonatas (such as the K. 310 in A minor), making them an ideal “bridge” for students developing their classical technique.

Pedagogical Importance

For the modern pianist, the Viennese Sonatinas are essential for mastering the “pearly” touch and precise articulation required for Mozart. They demand a high level of control over finger independence and phrasing, as the performer must often mimic the “breathing” of the original wind instruments. Despite being transcriptions, they remain some of the most beautiful examples of Mozart’s mature style, offering a blend of playful lightheartedness and sophisticated harmonic craft.

Wolfgang Amadeus Mozart’s Eine kleine Nachtmusik (Serenade No. 13 in G Major, K. 525) is one of the most recognizable works in classical music. While originally written in 1787 for a string ensemble—traditionally two violins, a viola, a cello, and an optional double bass—it has become a staple of the piano repertoire through various solo arrangements. These transcriptions allow the performer to capture the orchestral brilliance of the “Mannheim rocket” themes and the delicate textures of a string quartet using only ten fingers.

Structure and Movement Characteristics

A complete piano solo version typically follows the standard four-movement structure of the original serenade, though many student editions focus primarily on the famous first movement.

I. Allegro: This movement is defined by its bold, upward-leaping opening motif. On the piano, this requires a crisp, rhythmic drive and careful articulation to mimic the unified “bow stroke” of a string section.

II. Romance (Andante): A lyrical and tender movement in C major. In a piano setting, the challenge is to maintain a singing, legato melody in the right hand while keeping the accompanying figures in the left hand soft and steady.

III. Menuetto (Allegretto): A stately dance in G major with a contrasting, more fluid Trio in D major. The piano version emphasizes the rhythmic “oom-pah” feel of the minuet while demanding a lighter, more ethereal touch for the Trio.

IV. Rondo (Allegro): The finale is a sparkling, fast-paced movement. Pianistically, it serves as a study in agility and scales, requiring the “pearly” fingerwork for which Mozart’s keyboard music is famous.

The Pianist’s Perspective

Because the piece was not native to the keyboard, solo arrangements range from “easy piano” versions for beginners to highly virtuosic transcriptions for concert performers. The primary difficulty for any pianist lies in transparency; without the varied timbres of different string instruments, the player must use subtle dynamic shading to distinguish between the melodic lines and the inner accompaniment. It requires a “clean” technique—often described by teachers as playing with “clean fingernails”—where every note is distinct and the overall sound remains light, never muddy or heavy.

Cultural Legacy

The piano solo version is frequently used in pedagogical settings as a bridge to Mozart’s more complex sonatas. It allows students to engage with the structural logic of sonata-allegro form and rondo form through a melody they already know by heart. Whether played as a simplified teaching piece or a full-scale concert transcription, the piano solo version remains a testament to the work’s universal appeal and the indestructible nature of Mozart’s melodic invention.

Liste des titres/Track List:

1 Serenade No. 13 in G. Major: 1. Allegro
2 Serenade No. 13 in G. Major: 2. Romanze, Andante
3 Serenade No. 13 in G. Major: 3. Menuetto, Allegretto
4 Serenade No. 13 in G. Major: 4. Rondo
5 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 1, 1. Allegro brillante
6 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 1, 2. Allegretto
7 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 1, 3. Adagio
8 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 1, 4. Allegro
9 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 2, 1. Allegro
10 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 2, 2. Allegretto
11 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 2, 3. Adagio
12 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 2, 4. Rondo, Allegro
13 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 3, 1. Adagio
14 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 3, 2. Allegretto
15 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 3, 3. Allegro
16 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 4, 1. Andante grazioso
17 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 4, 2. Allegretto
18 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 4, 3. Rondo, Allegretto
19 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 5, 1. Adagio
20 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 5, 2. Menuetto, Allegro
21 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 5, 3. Polonaise
22 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 6, 1. Allegretto
23 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 6, 2. Menuettto, Allegretto
24 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 6, 3. Adagio
25 6 Wiener Sonatinen: Sonatina No. 6, 4. Finale, Allegro

Composer: Wolfgang Amadeus Mozart

Arranger: » Serenade No. 13 in G. Major « – Otto Singer II

Genres: Vienna Classicisme, Sonatina, Salon Music, Piano Solo

Similar Composers: Claude Debussy, Maurice Ravel, Francis Poulenc, Federico Mompou

Cover Art: « Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte » (1884-86) de Georges Seurat

from Apfel Café Music, ACM120

Released 5 February, 2026

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Erik Satie: Œuvres pour piano solo, Tome 1, Jean-Michel Serres (piano), Apfel Café Music ACM119

Information – Français

Erik Satie fut l’un des esprits les plus singuliers et inclassables de l’histoire de la musique. Personnage excentrique du Montmartre de la Belle Époque, il a passé sa vie à déconstruire les codes de la musique classique pour y injecter une modernité radicale, faite d’humour, de dépouillement et de liberté absolue.

Son parcours est marqué par une volonté farouche de simplicité. Alors que ses contemporains, comme Wagner, cherchaient le grandiose et le complexe, Satie a pris le contre-pied avec une musique minimaliste et répétitive. Ses célèbres Gymnopédies et Gnossiennes illustrent parfaitement ce style : des mélodies épurées, presque suspendues dans le temps, qui privilégient l’émotion pure à la démonstration technique.

Mais Satie n’était pas seulement un compositeur de mélancolie. C’était un provocateur né, membre actif des cercles artistiques les plus avant-gardistes aux côtés de Picasso et Cocteau. Il a inventé le concept de « musique d’ameublement », une musique utilitaire destinée à être ignorée, préfigurant avec des décennies d’avance la musique ambiante et le design sonore moderne. Son humour transparaissait jusque dans ses partitions, où il remplaçait les indications techniques par des annotations loufoques comme « portez ce morceau plus loin » ou « avec beaucoup de retard ».

Derrière le masque du « Velvet Gentleman » — surnom qu’il s’est donné lorsqu’il ne portait que des costumes de velours gris identiques — se cachait un homme d’une grande solitude. Vivant dans une pauvreté austère à Arcueil, il a protégé son indépendance artistique jusqu’à sa mort. Son héritage est immense : il a libéré la musique de la rigidité académique, ouvrant la voie au surréalisme, au minimalisme et à l’esprit de liberté qui définit encore aujourd’hui la création contemporaine.

Overview – English

Erik Satie was a transformative and highly eccentric figure in early 20th-century music, often described as the “godfather” of the French avant-garde. Born in 1866, he spent most of his life in Paris, where he rejected the dense, grandiose style of German Romanticism and the lush textures of Impressionism in favor of a radical, stripped-back simplicity. His early piano works, such as the Gymnopédies and Gnossiennes, introduced a sense of stillness and repetition that felt entirely new, earning him a reputation as a precursor to modern minimalism.

Satie’s personality was as unconventional as his music. A fixture of the Montmartre cabaret scene, he famously lived in a tiny apartment where he kept two grand pianos stacked on top of each other and wore only seven identical grey velvet suits for a decade. This streak of absurdity extended to his compositions, which he often gave bizarre titles like Three Pieces in the Shape of a Pear or Truly Flabby Preludes (for a Dog). He frequently omitted bar lines in his scores and replaced standard musical directions with surreal instructions like “open your head” or “work it out yourself.”

One of his most visionary contributions was the concept of “Furniture Music” (musique d’ameublement), which he designed to be played as a background texture rather than the center of attention. This idea directly paved the way for ambient music decades before the genre was formally named. Satie was also a central figure in the cross-disciplinary art world, collaborating with Jean Cocteau and Pablo Picasso on the scandalous ballet Parade, which incorporated typewriters and sirens into the orchestral score. Although he died in relative poverty, his defiant anti-academic stance profoundly influenced composers like Debussy, Ravel, and John Cage, cementing his legacy as a pioneer who proved that “less is more.”

Liste des titres/Track List:
1 Valse-ballet
2 Fantaisie-valse
3 Ogives: 1ère Ogive
4 Ogives: 2ème Ogive
5 Ogives: 3ème Ogive
6 Ogives: 4ème Ogive
7 Trois sarabandes: 1ère Sarabande
8 Trois sarabandes: 2ème Sarabande, “à Maurice Ravel”
9 Trois sarabandes: 3ème Sarabande
10 Gymnopédies: 1ère Gymnopédie, Lent et douloureux
11 Gymnopédies: 2ème Gymnopédie, Lent et triste
12 Gymnopédies: 3ème Gymnopédie, Lent et grave
13 Gnossiennes: 1ère Gnossienne, Lent
14 Gnossiennes: 2ème Gnossienne, Avec étonnement
15 Gnossiennes: 3ème Gnossienne, Lent
16 Gnossiennes: 4ème Gnossienne, Lent sans presser
17 Gnossiennes: 5ème Gnossienne, Moderato
18 Gnossiennes: 6ème Gnossienne, Avec conviction et avec une tristessse rigoureuse
19 Gnossiennes: 7ème Gnossienne, Allez
20 Le fils des étoiles: 1. Prélude du 1er acte “La vocation”
21 Le fils des étoiles: 2. Prélude du 2e acte “Thème décoratif: La salle du Grand Temple”
22 Le fils des étoiles: 3. Prélude du 3e acte “Thème décoratif: La terrasse du palais du patesi Goudéa”
23 Sonneries de la Rose + Croix: 1. Air de l’ordre
24 Sonneries de la Rose + Croix: 2. Air du grand maître
25 Sonneries de la Rose + Croix: 3. Air du grand prieur
26 Modéré
27 Prélude de la porte héroïque du ciel
28 Je te veux
29 Pièces froides: No. 1, Airs à faire fuir: 1. D’une manière particulière
30 Pièces froides: No. 1, Airs à faire fuir: 2. Modestement
31 Pièces froides: No. 1, Airs à faire fuir: 3. S’inviter
32 Pièces froides: No. 2, Danses de travers: 1. En y regardant à deux fois
33 Pièces froides: No. 2, Danses de travers: 2. Passer
34 Pièces froides: No. 2, Danses de travers: 3. Encore
35 Poudre d’or
36 Passacaille
37 Prélude en tapisserie
38 Véritable préludes flasques: pour un chien: 1. Sévère réprimande
39 Véritable préludes flasques: pour un chien: 2. Seul à la maison
40 Véritable préludes flasques: pour un chien: 3. On joue
41 Chapitres tournés en tous sens: 1. Celle qui parle trop
42 Chapitres tournés en tous sens: 2. Le porteur de grosses pierres
43 Chapitres tournés en tous sens: 3. Regrets des enfermés
44 Descriptions automatiques: 1. Sur un vaisseau
45 Descriptions automatiques: 2. Sur une lanterne
46 Descriptions automatiques: 3. Sur un casque

Genres: Impressionist, Modernist, Salon Music, Waltz, Piano Solo

Similar Composers: Claude Debussy, Maurice Ravel, Francis Poulenc, Federico Mompou

Cover Art: « Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte » (1884-86) de Georges Seurat

from Apfel Café Music, ACM119

Released 5 February, 2026

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Charles Koechlin: L’Œuvre pour piano solo, Tome 3, Jean-Michel Serres (piano), Apfel Café Music ACM118

Liste des titres/Track List:
1. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 1: 1. Allegro
2. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 1: 2. Andante
3. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 1: 3. Allegro
4. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 1: 4. Final. Allegro con moto scherzando
5. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 2: 1. Molto moderato
6. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 2: 2. Sicilienne
7. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 2: 3. Andante
8. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 3: 1. Allegro moderato
9. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 3: 2. Assez animé
10. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 3: 3. Allegretto
11. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 3: 4. Final. Allegro con moto
12. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 4: 1. Menuet
13. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 4: 2. Andante
14. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 4: 3. Intermezzo
15. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 4: 4. Final. Allegro non troppo
16. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 5: 1. Allegro moderato
17. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 5: 2. Andante
18. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 5: 3. Petite fugue
19. 5 Piano sonatines, Op. 59, nº 5: 4. Final. Allegro con moto
20. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 1: 1. Moderato, sans lenteur
21. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 1: 2. Andante moderato
22. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 1: 3. Bien allant, gai et doux
23. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 1: 4. Final. Allegro con moto
24. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 2: 1. Andante
25. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 2: 2. Andante espressivo
26. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 2: 3. Menuet
27. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 2: 4. Allegro
28. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 3: 1. Scherzando molto moderato
29. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 3: 2. Mouvement de Sicilienne
30. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 3: 3. Allegro moderato
31. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 4: 1. Animé
32. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 4: 2. Scherzando moderato
33. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 4: 3. Assez lent
34. 4 Nouvelle sonatines, Op. 87, nº 4: 4. Final. Allegro con moto
35. Choral sur le nom de Fauré, Op. 73bis

Information – Français

Les 5 Sonatines pour piano, Op. 59, composées par Charles Koechlin entre 1915 et 1916, constituent un témoignage fascinant de la volonté du compositeur de concilier simplicité pédagogique et modernité harmonique. Bien que le terme « sonatine » suggère une forme réduite et une accessibilité technique — elles furent d’ailleurs écrites avec une intention didactique — l’œuvre dépasse largement le cadre de l’exercice pour enfants.

Dans cet opus, Koechlin déploie un langage d’une grande pureté, souvent décrit comme une forme de « classicisme renouvelé ». Contrairement à la densité orchestrale qu’il peut parfois explorer, il privilégie ici une écriture aérée, presque diaphane. On y retrouve sa signature harmonique unique : un mélange de modes anciens, de polytonalité discrète et d’enchaînements d’accords qui semblent flotter hors du temps.

Chaque sonatine possède son propre climat, oscillant entre une fraîcheur pastorale, une mélancolie contemplative et une vivacité ludique. Le compositeur évite la virtuosité gratuite pour se concentrer sur la ligne mélodique et la transparence des textures. Cette économie de moyens n’exclut pas une grande subtilité émotionnelle ; le jeu des nuances et la précision du toucher y sont essentiels pour rendre justice à la poésie qui s’en dégage.

En somme, l’Opus 59 illustre parfaitement la philosophie de Koechlin : une quête permanente de lumière et de clarté, où la rigueur de la structure s’efface derrière une apparente spontanéité. C’est une musique qui ne cherche pas à impressionner par la force, mais à séduire par son intelligence et sa douceur.

Composées entre août 1923 et octobre 1924, les Quatre Nouvelles Sonatines, Op. 87 marquent une étape de maturité dans la production pianistique de Charles Koechlin. Si elles partagent avec l’Opus 59 une économie de moyens et une apparente simplicité, elles s’en distinguent par une liberté harmonique accrue et un esprit que le musicologue Otfrid Nies qualifie de “petit joyau de l’esprit français”, où chaque mesure réserve une surprise.

L’écriture de ce recueil témoigne de l’évolution de Koechlin vers une esthétique de plus en plus épurée, presque linéaire. On y trouve un contrepoint d’une grande fluidité, souvent nourri par la polytonalité et des modes anciens, créant des atmosphères qui semblent s’élever au-dessus de la gravité. Bien que l’œuvre soit dédiée à Edmée Ortmans et qu’elle conserve un aspect didactique par sa clarté, elle exige une grande finesse de jeu pour traduire les nuances poétiques et les contrastes de lumière qui la parcourent.

Chaque sonatine propose un voyage intérieur différent : la troisième, par exemple, se distingue par une Sicilienne d’une grâce mélancolique, tandis que les mouvements finaux, comme celui de la première, retrouvent une verve ludique et une animation rythmique sans jamais tomber dans la dureté. La création intégrale par le pianiste Marius-François Gaillard en 1929 a révélé au public parisien la richesse de ces pièces qui, sous des dehors modestes, cachent une science harmonique profonde et une sensibilité d’une rare élégance.

Overview – English

Charles Koechlin’s 5 Sonatines for Piano, Op. 59, composed between 1915 and 1916, represent a masterful intersection of pedagogical intent and sophisticated modernism. While the title “Sonatine” traditionally implies a smaller scale or instructional purpose, Koechlin uses this form to explore a “renewed classicism”—a style that is outwardly simple and transparent yet harmonically rich and structurally inventive.

The cycle is characterized by a luminous, aethereal quality that avoids the dense, heavy textures often found in Late Romanticism. Instead, Koechlin employs a lean, linear writing style influenced by his deep admiration for J.S. Bach and his mentor, Gabriel Fauré. Throughout the five pieces, listeners encounter a unique blend of modal scales, polytonality, and shifting tonal centers that feel static and timeless rather than restlessly driven. This “diaphane” or translucent texture allows the melodic lines to breathe, often evoking a pastoral or contemplative atmosphere.

Each sonatina within the opus follows its own distinct path. The first three are generally more concise, while the final two expand into broader, more ambitious structures. For example, the Sonatina No. 5 includes a “Petite fugue,” showcasing Koechlin’s mastery of counterpoint within a modern harmonic framework. Despite their technical accessibility, these works demand a high degree of sensitivity; they rely on a delicate touch and a keen sense of nuance to convey their underlying poetry. Ultimately, the Op. 59 Sonatines serve as a perfect introduction to Koechlin’s broader aesthetic—one that finds profound beauty in clarity, light, and the “spinning out” of simple musical ideas into vibrant, evocative landscapes.

Charles Koechlin’s 4 Nouvelles Sonatines, Op. 87, composed between 1923 and 1924, represent a refined peak in his piano writing, building upon the foundations of his earlier Op. 59 set. While the term “new” distinguishes them from his previous sonatines, it also signals a subtle shift in his aesthetic—moving toward an even more streamlined, linear clarity and a “contrapuntal strength” that characterizes his middle period. These works are often described as “refined gems” that embody the quintessence of the French spirit: light, witty, and perpetually surprising.

The hallmark of this collection is its deceptive simplicity. Although the movements are generally brief—most lasting around two minutes—they are harmonically adventurous, utilizing polytonality and modal shifts to create a shimmering, kaleidoscopic effect. A notable example of Koechlin’s technical ingenuity occurs in the first movement of the Sonatine No. 1, which employs a “Shepard tone” effect—a melody that seems to rise infinitely by cycling through octaves, creating a sense of perpetual ascent. This fusion of academic rigor (like the use of canon and fugue) with a dreamy, almost childlike transparency creates a sound world that feels both ancient and modern.

The four sonatines offer a diverse range of moods, from the melancholic grace of the Sicilienne in the third sonatine to the playful, rhythmic vitality of the various Scherzando and Allegro movements. Throughout the set, Koechlin avoids the bravado of the 19th-century virtuoso tradition, focusing instead on the “purely melodic line” and the subtle interplay of voices. Dedicated to Edmée Ortmans and premiered in full by Marius-François Gaillard in 1929, the Op. 87 remains a testament to Koechlin’s belief that profound musical expression does not require grandiosity, but rather a perfect balance of light, economy, and intellectual curiosity.

Genres/Styles: Impressionist, Late Romantic, Modernist, Piano Solo, Solo Instrumental

Similar Composers: Gabriel Pierné, Florent Schmitt, Albert Roussel, Maurice Ravel, Claude Debussy, Gabriel Fauré

Cover Art: « Effet de printemps à Giverny » (1890) de Claude Monet