Appunti su J. B. Bach (1685 – 1750)

Panoramica

Johann Sebastian Bach (1685–1750) è stato un compositore, organista e violinista tedesco, ampiamente considerato uno dei più grandi compositori nella storia della musica classica occidentale. Fu una figura centrale dell’era barocca e un maestro del contrappunto, dell’armonia e della forma musicale. Le sue opere comprendono una vasta gamma di stili e generi e continuano a influenzare la musica odierna.

Vita e carriera

Primi anni di vita:

Nato il 31 marzo 1685 a Eisenach, in Germania, in una famiglia di musicisti.
Rimasto orfano all’età di 10 anni, visse con il fratello maggiore, Johann Christoph, che lo introdusse allo studio della tastiera.
Studiò alla prestigiosa St. Michael’s School di Lüneburg.

Vita professionale:

Fu musicista di corte a Weimar, Köthen e in seguito direttore musicale della chiesa di San Tommaso a Lipsia.
Noto per le sue capacità di organista e compositore, in particolare in opere sacre e profane.
I suoi compiti spesso includevano la composizione di cantate settimanali per i servizi religiosi, che divennero alcune delle sue opere più rinomate.

Vita privata:

Sposato due volte: prima con Maria Barbara Bach (m. 1720) e poi con Anna Magdalena Wilcke.
Fu padre di 20 figli, molti dei quali, come Carl Philipp Emanuel Bach, divennero compositori di spicco.

Grandi opere

Musica Sacra:

Messa in Si minore: un’ambientazione monumentale della Messa latina.
Passione secondo Matteo e Passione secondo Giovanni: opere profonde per voci e orchestra che descrivono la Passione di Cristo.
Centinaia di cantate, tra cui Jesu, Joy of Man’s Desiring e Wachet auf.

Opere strumentali:

The Well-Tempered Clavier: due serie di preludi e fughe in tutte le tonalità maggiori e minori.
Concerti brandeburghesi: una serie di sei opere orchestrali che mettono in mostra le texture strumentali barocche.
Variazioni Goldberg: una serie di variazioni per tastiera rinomate per la loro profondità tecnica ed espressiva.
Suite per strumenti solisti, come le Suite per violoncello e le Partite per violino.

Opere per tastiera e organo:

Toccata e fuga in re minore: una delle sue opere per organo più iconiche.
Preludi corali e fughe che hanno definito il repertorio organistico barocco.

Eredità

La musica di Bach non fu molto apprezzata dopo la sua morte, cadendo in disgrazia durante l’era classica. Tuttavia, una rinascita nel XIX secolo, guidata da compositori come Felix Mendelssohn, ristabilì il suo posto come un gigante nella storia della musica.
Il suo uso del contrappunto e dell’innovazione armonica stabilì uno standard per i compositori successivi.
Oggi, le sue opere sono fondamentali sia per gli esecutori che per gli studenti, incarnando le vette tecniche e spirituali della musica occidentale.
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Storia

Johann Sebastian Bach nacque il 31 marzo 1685 a Eisenach, in Germania, in una famiglia con una profonda tradizione musicale. La famiglia Bach ha prodotto diverse generazioni di musicisti e suo padre, Johann Ambrosius Bach, era un musicista e direttore dei musicisti della città. Johann Sebastian era uno di otto figli e i suoi primi anni furono segnati dalla tragedia. Perse entrambi i genitori all’età di 10 anni, il che lo portò a vivere con il fratello maggiore, Johann Christoph Bach, nella città di Lüneburg. Lì, ricevette un’istruzione musicale formale alla St. Michael’s School, che gli fornì l’opportunità di una formazione musicale avanzata.

La prima carriera di Bach fu plasmata da vari incarichi musicali ricoperti in tutta la Germania. Nel 1703, all’età di 18 anni, iniziò a lavorare come organista presso la chiesa di San Biagio a Mühlhausen. Il suo talento come organista gli fece rapidamente guadagnare riconoscimenti, e fu qui che compose parte della sua prima musica sacra, tra cui la Cantata BWV 106 e diversi pezzi per organo. Il suo successo a Mühlhausen, tuttavia, fu di breve durata, e nel 1708 si trasferì alla corte del duca Guglielmo Ernesto a Weimar, dove fu nominato primo violino e organista di corte.

Durante il suo periodo a Weimar, Bach compose molte delle sue opere per organo più famose, tra cui la Toccata e fuga in re minore e i Concerti brandeburghesi, che mettono in mostra la sua maestria nella musica strumentale. Tuttavia, il suo ruolo si concentrò sempre di più sulla musica sacra, tra cui cantate e oratori, che venivano eseguiti regolarmente durante le funzioni religiose. Le sue cantate furono composte con un profondo senso di riflessione teologica e spesso utilizzavano strutture armoniche innovative e contrappunto.

Nel 1717, Bach accettò un incarico come Kapellmeister (direttore musicale) alla corte del principe Leopoldo di Köthen. Si trattava di una posizione più laica, in cui Bach era libero dalle richieste della musica liturgica, il che gli consentiva di concentrarsi sulla musica strumentale. Compose i Concerti brandeburghesi in questo periodo, così come numerose opere da camera, come le Sonate e le Partite per violino solo e le Suite per violoncello. Tuttavia, nonostante la libertà artistica offerta da Köthen, la vita personale di Bach affrontò delle sfide. La sua prima moglie, Maria Barbara, morì nel 1720 e in seguito si risposò con Anna Magdalena Wilcke, una cantante di talento.

Nel 1723, Bach assunse la prestigiosa posizione di Cantor presso la chiesa di San Tommaso a Lipsia, dove rimase per il resto della sua vita. Come Cantor, era responsabile della supervisione della musica in diverse chiese della città e della composizione di numerose cantate per i servizi domenicali. Fu durante questo periodo che Bach produsse alcune delle sue opere sacre più significative, tra cui la Passione secondo Matteo, la Passione secondo Giovanni e la Messa in Si minore, oltre a una vasta gamma di composizioni per organo, corali e orchestrali. La sua musica durante questo periodo era profondamente espressiva e profonda, spesso trattando temi di fede, salvezza e condizione umana.

Nonostante la sua prolifica produzione, la musica di Bach non ottenne lo stesso riconoscimento durante la sua vita che avrebbe avuto nei secoli successivi. Le sue composizioni erano molto apprezzate in certi circoli, ma non raggiunsero una fama diffusa al di fuori di Lipsia. Era un musicista rispettato, ma il suo stile era spesso considerato antiquato rispetto ai compositori classici emergenti come Haydn e Mozart.

La salute di Bach cominciò a peggiorare a metà degli anni ’40 del Settecento e nel 1750 era quasi cieco. Morì il 28 luglio 1750, all’età di 65 anni. Negli anni successivi alla sua morte, la sua musica cadde in relativa oscurità fino al XIX secolo, quando fu ripresa da personaggi come Felix Mendelssohn. La famosa esecuzione della Passione secondo Matteo di Mendelssohn del 1829 riaccese l’interesse per le opere di Bach e, nel tempo, la sua musica arrivò a essere considerata l’apice della composizione barocca.

Oggi, Johann Sebastian Bach è universalmente riconosciuto come uno dei più grandi compositori della storia della musica occidentale. Le sue opere sono venerate per la loro complessità, profondità emotiva e innovazione tecnica. La sua padronanza del contrappunto, dell’armonia e della forma continua a influenzare compositori e musicisti in tutto il mondo.

Cronologia

1685: Nasce il 31 marzo a Eisenach, in Germania, in una famiglia di musicisti.
1695: Muore il padre, Johann Ambrosius Bach.
1702: Diventa organista nella chiesa di San Biagio a Mühlhausen.
1703: Viene nominato organista nella chiesa di San Tommaso a Lipsia e musicista di corte a Weimar.
1708: Viene nominato primo violino e organista di corte a Weimar.
1717: Diventa maestro di cappella alla corte del principe Leopoldo a Köthen.
1720: Muore la prima moglie, Maria Barbara Bach.
1723: Viene nominato cantore nella chiesa di San Tommaso a Lipsia, dove rimarrà per il resto della sua vita.
Anni 1730-1740: Compone importanti opere sacre come la Passione secondo Matteo, la Passione secondo Giovanni e la Messa in si minore.
1747: Compone L’offerta musicale e L’arte della fuga.
1750: Muore il 28 luglio, all’età di 65 anni, a Lipsia.

Caratteristiche della musica

La musica di Johann Sebastian Bach è rinomata per la sua complessità, profondità emotiva e padronanza tecnica. Ecco alcune caratteristiche chiave della musica di Bach:

1. Contrappunto:

Bach è celebrato come maestro del contrappunto, che prevede l’intreccio di due o più melodie indipendenti in armonia. Il suo uso del contrappunto può essere visto in opere come Il clavicembalo ben temperato e L’arte della fuga. La forma di contrappunto più notevole da lui utilizzata era la fuga, in cui un tema viene introdotto e poi sviluppato attraverso entrate imitative.

2. Armonia e tonalità:

La musica di Bach è ricca di progressioni armoniche, spesso esplorando cambi di accordi complessi e inaspettati. Fu un pioniere nell’uso dell’armonia funzionale, in cui gli accordi hanno relazioni specifiche all’interno di una tonalità e spesso modulano tra le tonalità, dando alla sua musica sia tensione che risoluzione.
Bach fu una delle figure chiave nello stabilire l’armonia tonale, che in seguito influenzò i compositori classici.

3. Uso dell’ornamentazione:

L’ornamentazione, come trilli, mordenti e appoggiature, era una caratteristica tipica della musica barocca. Bach impiegò ampiamente queste tecniche, aggiungendo espressività e virtuosismo alle sue melodie.

4. Texture polifonica:

La musica di Bach presenta spesso una trama polifonica, in cui più linee melodiche, ugualmente importanti, vengono ascoltate simultaneamente. Ciò è particolarmente evidente nelle sue fughe e nei suoi canoni, così come nelle sue opere corali e orchestrali.
La sua scrittura a più voci può essere intricata e densa, ma ogni voce rimane distinta, creando un suono ricco e stratificato.

5. Struttura formale:

Le composizioni di Bach seguono tipicamente forme barocche, come la forma ritornello (usata nei concerti), forme binarie e ternarie (spesso nelle suite da ballo) e forma fuga (in molte delle sue opere strumentali).
La sua capacità di adattarsi e innovare all’interno di queste forme era uno dei suoi punti di forza.

6. Melodia:

Le melodie di Bach sono spesso lunghe e piene di fraseggio espressivo. Mentre la sua musica può essere complessa, le sue melodie sono tipicamente chiare e cantabili, con fraseggio naturale e un equilibrio di tensione e rilascio.
Spesso usa la sequenza (ripetere una frase musicale a un diverso livello di tono), che conferisce alle sue melodie un senso di sviluppo.

7. Ritmo:

La musica di Bach impiega una varietà di pattern ritmici, da semplici e costanti a complessi e sincopati. Il suo uso di ritmi puntati (comuni nelle forme di danza barocca) e poliritmi aggiunge vitalità alla sua musica.
Spesso ha incorporato ritmi motivici, in cui brevi pattern ritmici vengono ripetuti e variati in tutto il brano.

8. Profondità espressiva:

Nonostante la complessità intellettuale della musica di Bach, essa è anche emotivamente espressiva. Le sue opere sacre, come la Passione secondo Matteo e la Messa in Si minore, trasmettono una profonda profondità emotiva attraverso l’uso dell’impostazione del testo, dell’armonia e dell’orchestrazione.

9. Strumentazione:

La musica strumentale di Bach mette in mostra il suo uso innovativo di strumenti orchestrali e a tastiera. Le sue opere orchestrali, come i Concerti brandeburghesi, evidenziano la sua abilità nello scrivere per diverse combinazioni strumentali, spesso caratterizzate da parti soliste brillanti e virtuosistiche accanto all’ensemble.
Come virtuoso della tastiera, Bach compose ampiamente sia per organo che per clavicembalo, con opere come le Variazioni Goldberg e la Toccata e fuga in re minore che rimangono iconiche nel repertorio organistico.

10. Equilibrio tra sacro e profano:

Sebbene Bach sia famoso soprattutto per la sua musica religiosa (cantate, passioni, messe), ha anche composto musica profana significativa, come i Concerti brandeburghesi, suite strumentali e opere per tastiera. In entrambi i regni, la sua musica mostra la stessa brillantezza tecnica e intensità emotiva.
La musica di Bach rimane una pietra angolare della musica classica occidentale per la sua impareggiabile raffinatezza tecnica e la sua capacità di trasmettere una profonda espressione emotiva nel contesto di strutture intricate.

Bach come clavicembalista e organista

Johann Sebastian Bach è stato uno dei più grandi virtuosi della tastiera del suo tempo, rinomato per la sua abilità sia al clavicembalo che all’organo. Le sue straordinarie capacità come esecutore, improvvisatore e compositore lo hanno consacrato come una leggenda durante la sua vita e oltre. Di seguito è riportata un’esplorazione dei suoi successi e della sua importanza come clavicembalista e organista.

1. Bach come clavicembalista

Virtuosismo e abilità

Bach era ampiamente celebrato per la sua padronanza tecnica e la sua abilità espressiva al clavicembalo.
I suoi contemporanei ammiravano la sua capacità di eseguire passaggi intricati con chiarezza e precisione, anche ad alta velocità.
Aveva una straordinaria capacità di improvvisazione, spesso sorprendendo il pubblico con la sua capacità di creare fughe complesse sul momento.

Esecuzione e repertorio

Le esecuzioni di Bach al clavicembalo comprendevano sia le sue composizioni che quelle di altri compositori, dimostrando la sua conoscenza enciclopedica della musica.

Tra le opere più note per clavicembalo ricordiamo:
Il clavicembalo ben temperato (BWV 846–893),
Variazioni Goldberg (BWV 988),
Partite (BWV 825–830),
Concerto italiano (BWV 971).

Improvvisazione e Concorsi

La reputazione di Bach come clavicembalista si consolidò attraverso concorsi pubblici. Ad esempio:
nel 1717, gareggiò contro Louis Marchand, un celebre clavicembalista francese. Secondo la leggenda, Marchand si ritirò dopo aver sentito Bach esercitarsi.
Le sue capacità di improvvisazione furono particolarmente notate durante il suo periodo a Dresda, dove stupì il pubblico creando fughe spontaneamente su temi forniti da altri.

Insegnante e innovatore

Bach era un insegnante dedicato alla tecnica del clavicembalo e molte delle sue opere pedagogiche erano progettate per sviluppare le capacità degli studenti.
Le sue innovazioni sul clavicembalo includevano un focus sulle dinamiche espressive e una profonda esplorazione delle texture contrappuntistiche.

2. Bach come organista

Padronanza precoce

La reputazione di Bach come organista iniziò all’inizio della sua carriera.
A 20 anni, camminò per oltre 250 miglia fino a Lubecca per studiare con il rinomato organista Dieterich Buxtehude, la cui influenza può essere vista nelle prime opere per organo di Bach.
I suoi incarichi come organista ad Arnstadt, Mühlhausen e Weimar affinarono ulteriormente le sue capacità.

Genio dell’improvvisazione

Le improvvisazioni organistiche di Bach erano leggendarie. Spesso veniva invitato a testare organi nuovi o ricostruiti, dove avrebbe messo in mostra le capacità dello strumento attraverso improvvisazioni virtuosistiche e fantasiose.
Le sue improvvisazioni spesso presentavano fughe intricate e ricche progressioni armoniche che lasciavano il pubblico a bocca aperta.

Ruolo liturgico

In qualità di organista, Bach svolse un ruolo fondamentale nell’accompagnamento dei servizi religiosi e nell’arricchimento della liturgia attraverso le sue composizioni e improvvisazioni.

Composizioni per organo

Bach compose alcune delle più grandi opere per organo del canone occidentale, molte delle quali mettono in mostra la sua abilità tecnica e la sua profonda comprensione dello strumento:
Toccata e fuga in re minore (BWV 565)
Passacaglia e fuga in do minore (BWV 582)
Preludio e fuga in mi bemolle maggiore (BWV 552)
Orgelbüchlein (BWV 599–644) – Una raccolta di preludi corali.
L’arte della fuga (BWV 1080) – Spesso associata all’organo, sebbene sia adattabile ad altri strumenti.

Test e consulenza sugli organi

Bach fu spesso invitato a ispezionare e inaugurare organi in tutta la Germania. La sua profonda conoscenza della costruzione di organi lo rese un consulente di fiducia per i costruttori di organi.

3. L’influenza di Bach sulla tecnica della tastiera

Innovazioni tecniche

Bach ha spinto i limiti della tecnica della tastiera, integrando elementi come:
Ampi allungamenti delle mani e rapidi passaggi delle dita.
Complesse texture contrappuntistiche che richiedono una precisa indipendenza delle dita.
Uso della pedaliera come parte integrante della tecnica dell’organo.

Contributi pedagogici

Molte delle opere di Bach, come le Invenzioni e Sinfonie (BWV 772–801), furono scritte per insegnare l’indipendenza delle dita e il contrappunto.
I suoi esercizi e le sue composizioni contribuirono a stabilire le basi tecniche e musicali per le successive tradizioni tastieristiche.

4. Riconoscimento contemporaneo

Bach era molto rispettato durante la sua vita per le sue abilità alla tastiera:
Johann Mattheson e Carl Philipp Emanuel Bach lo descrissero come ineguagliabile nell’esecuzione di organo e clavicembalo.
La sua reputazione attirò visitatori e studenti da tutta Europa.

5. L’eredità di un virtuoso della tastiera

Le opere per clavicembalo e organo di Bach rimangono centrali nel repertorio, celebrate per le loro sfide tecniche, la profondità espressiva e l’ingegnosità strutturale.
Le sue tecniche e innovazioni per tastiera hanno profondamente influenzato le generazioni successive di compositori, tra cui Mozart, Beethoven e Mendelssohn.

Riepilogo

Come suonatore di clavicembalo e organo, Johann Sebastian Bach era un vero maestro, che univa virtuosismo e profonda abilità artistica. La sua brillantezza nell’improvvisazione, le innovazioni tecniche e le opere pedagogiche non solo elevarono lo status degli strumenti a tastiera nella sua epoca, ma lasciarono anche un’eredità duratura che continua a ispirare musicisti in tutto il mondo.

Bach come cantore

Johann Sebastian Bach ricoprì il ruolo di Thomaskantor (Cantore di San Tommaso) a Lipsia dal 1723 fino alla sua morte nel 1750. Questa posizione, uno degli incarichi musicali più prestigiosi in Germania all’epoca, plasmò profondamente la sua carriera e la sua eredità. Ecco una panoramica del suo ruolo, delle sue responsabilità e dei suoi contributi durante il suo mandato di cantore.

Il ruolo del cantore

Ai tempi di Bach, un cantore non era solo un insegnante di musica, ma anche il musicista principale delle chiese di cui si prendeva cura. Il ruolo di Bach come Thomaskantor comprendeva diversi doveri:

Direzione musicale liturgica:

Compose, diresse ed eseguì musica per i servizi alla Chiesa di San Tommaso (Thomaskirche) e alla Chiesa di San Nicola (Nikolaikirche) a Lipsia.
Supervisionò la musica per i servizi della domenica e delle feste, che gli richiedevano di produrre una grande quantità di musica sacra.

Responsabilità didattiche:

Ha insegnato musica e latino alla St. Thomas School, dove i ragazzi ricevevano un’istruzione generale.
Ha formato il coro, che comprendeva studenti della scuola, e li ha preparati per le esibizioni in chiesa.

Doveri amministrativi:

Gestiva i musicisti, inclusa l’assunzione e la supervisione di strumentisti e cantanti per gli eventi della chiesa e del consiglio comunale.
Supervisionava la manutenzione e l’accordatura degli strumenti della chiesa come organi e clavicembali.

Il lavoro di Bach come cantore

Il mandato di Bach come cantore fu caratterizzato dalla sua straordinaria produzione di musica sacra, gran parte della quale fu scritta per il calendario liturgico di Lipsia.

Cantate:

Compose oltre 200 cantate per i servizi settimanali, anche se più di 100 sono andate perdute.
Queste opere spesso si allineavano ai temi delle letture delle Scritture del giorno.
Esempi: Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) e Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147).

Passioni:

La Passione secondo Matteo (BWV 244) e la Passione secondo Giovanni (BWV 245) sono opere monumentali scritte per i servizi del Venerdì Santo.
Messa in Si minore (BWV 232):

Sebbene non sia stato composto per un uso regolare in chiesa, questo lavoro riflette il suo profondo impegno con le tradizioni della musica sacra.
Oratorio di Natale (BWV 248):

Una raccolta di sei cantate per il periodo natalizio, che dimostrano l’abilità di Bach nel combinare temi festivi con una profonda espressione religiosa.

Sfide come cantore

Bach affrontò sfide significative durante i suoi anni a Lipsia:

Rapporti tesi con le autorità:

Bach si scontrò spesso con il consiglio comunale di Lipsia, che a volte limitava le risorse o interferiva con la sua libertà creativa.
Trovava gravose le loro aspettative per i suoi doveri di insegnamento e amministrativi.

Carico di lavoro impegnativo:

Il calendario liturgico gli imponeva di produrre musica di alta qualità a un ritmo quasi incessante.

Risorse limitate:

Il coro si trovò spesso in difficoltà a causa del numero inadeguato di componenti e del livello inadeguato delle competenze, il che frustrò Bach, che cercava l’eccellenza nelle sue esibizioni.

L’eredità di un cantore

Nonostante queste difficoltà, il periodo di Bach come Thomaskantor rimane uno dei più significativi nella storia della musica occidentale:

Vasto repertorio sacro:

Gli anni trascorsi a Lipsia diedero vita a un corpus di musica sacra senza pari per profondità, varietà ed espressione spirituale.

Integrazione di teologia e musica:

Le opere di Bach riflettono la sua profonda fede, con musiche concepite per illuminare ed elevare i testi biblici.

Influenza educativa:

I suoi rigorosi standard hanno influenzato generazioni di musicisti, stabilendo un punto di riferimento per la musica sacra.

Impatto del canto di Bach

Il lavoro di Bach come Thomaskantor esemplifica la fusione di genio artistico e dedizione spirituale. Sebbene possa essere stato frustrato da alcuni aspetti della posizione, i suoi successi durante questo periodo lo hanno saldamente affermato come uno dei più grandi compositori della storia occidentale.

Bach come insegnante di musica

Johann Sebastian Bach non è stato solo un compositore e un interprete di abilità senza pari, ma anche un insegnante di musica molto influente. Il suo lavoro nell’educazione musicale ha plasmato in modo significativo il futuro della musica occidentale, sia attraverso il suo insegnamento diretto che attraverso l’eredità pedagogica che ha lasciato.

Il ruolo di Bach come insegnante di musica

L’attività didattica di Bach era poliedrica e comprendeva i suoi ruoli formali nelle istituzioni, l’insegnamento privato e la creazione di opere didattiche.

1. Insegnamento alla scuola di San Tommaso a Lipsia

Come Thomaskantor dal 1723 al 1750, Bach fu responsabile dell’educazione dei ragazzi alla St. Thomas School, dove insegnò musica, canto e latino.
Addestrò gli studenti a esibirsi nei cori della chiesa di St. Thomas e St. Nicholas, preparandoli per i servizi settimanali e le occasioni speciali.
Gli elevati standard di Bach contribuirono a stabilire una cultura di eccellenza nell’esecuzione corale e strumentale.

2. Lezioni private

Bach impartiva lezioni private a giovani musicisti di talento, tra cui i suoi figli e altri aspiranti professionisti.
Molti dei suoi studenti, come Johann Ludwig Krebs e Johann Friedrich Agricola, divennero compositori e musicisti di fama a pieno titolo.
Il suo insegnamento spesso combinava rigore teorico e applicazione pratica, concentrandosi su composizione, esecuzione e improvvisazione.

3. Insegnamento domestico

I figli di Bach, in particolare i figli Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich e Johann Christian, ricevettero un’eccezionale formazione musicale.
Molti dei suoi figli divennero compositori di spicco, portando avanti e ampliando l’eredità di Bach nell’era classica.

Contributi pedagogici

L’approccio di Bach all’insegnamento non si limitava all’insegnamento orale; egli creò anche un corpus duraturo di opere pedagogiche che rimangono ancora oggi i capisaldi dell’educazione musicale.

1. Il Clavicembalo ben temperato (BWV 846–869, 870–893)

Composto come strumento didattico per dimostrare le possibilità espressive e tecniche di suonare in tutte le 24 tonalità maggiori e minori.
Progettato per sviluppare la capacità di uno studente di suonare la polifonia e di navigare complesse progressioni armoniche.

2. Le Invenzioni e Sinfonie (BWV 772–801)

Scritti per i suoi studenti, questi brevi pezzi insegnano il contrappunto a due e tre voci, l’indipendenza delle mani e l’espressione musicale.
Sono spesso usati da pianisti e tastieristi come lavori introduttivi per padroneggiare la scrittura contrappuntistica.

3. L’Orgelbüchlein (Piccolo libro d’organo, BWV 599–644)

Una raccolta di preludi corali concepiti per insegnare la tecnica dell’organo ed esplorare modi per abbellire gli inni per l’esecuzione in chiesa.
Dimostra l’integrazione di esercizi tecnici con l’espressione artistica.

4. La pratica della tastiera (Clavier-Übung)

Una serie di opere in quattro parti che comprende aspetti significativi dell’esecuzione della tastiera, tra cui:
Parte I: Sei Partite (BWV 825–830) – Suite avanzate per tastiera.
Parte II: Concerto italiano e Ouverture francese (BWV 971, 831).
Parte III: Opere per organo basate su corali luterani.
Parte IV: Variazioni Goldberg (BWV 988).

5. Opere canoniche e fugate

Opere come L’Arte della Fuga (BWV 1080) e L’Offerta Musicale (BWV 1079) costituiscono studi avanzati di contrappunto e hanno ispirato generazioni di compositori.

6. Esercizi di composizione

Bach insegnava spesso composizione facendo copiare e analizzare le sue opere, così come quelle di altri grandi compositori, ai suoi studenti. Questo metodo enfatizzava la comprensione degli aspetti strutturali ed espressivi della musica.

Filosofia dell’insegnamento

La filosofia didattica di Bach sottolineava:

Padronanza della tecnica: ci si aspettava che i suoi studenti sviluppassero impeccabili capacità tecniche sui loro strumenti, tra cui tastiera, archi e voce.
Comprensione del contrappunto: il contrappunto era centrale nell’insegnamento di Bach, poiché riteneva che fosse il fondamento della composizione musicale.
Applicazione pratica: Bach incoraggiava l’improvvisazione e l’applicazione pratica delle capacità, come la composizione per servizi religiosi o esibizioni pubbliche.
Espressione musicale: le opere di Bach non sono semplici esercizi tecnici; richiedono e insegnano profondità emotiva e interpretazione stilistica.

Influenza ed eredità

Il contributo di Bach all’educazione musicale si estese ben oltre la sua vita:

Influenza diretta: i suoi figli e studenti diffusero i suoi metodi e le sue idee in tutta Europa, influenzando il primo stile classico.
Standard pedagogici: le sue opere divennero elementi fondamentali dell’educazione musicale e rimangono centrali nel curriculum dei conservatori e delle scuole di musica in tutto il mondo.
Ispirazione per le generazioni future: compositori come Mozart, Beethoven e Brahms veneravano la musica di Bach, studiandola intensamente per affinare le proprie tecniche.

Riepilogo

Come insegnante, Bach non solo ha coltivato il talento individuale, ma ha anche creato un corpus sistematico di opere pedagogiche che hanno trasformato l’educazione musicale. La sua attenzione alla tecnica, al contrappunto e all’espressione continua a influenzare il modo in cui la musica viene insegnata e compresa, assicurandogli l’eredità di uno degli educatori più influenti nella storia della musica occidentale.

Relazioni con altri compositori

Johann Sebastian Bach ebbe vari rapporti diretti e indiretti con altri compositori, sia tramite connessioni personali che tramite la sua influenza sul mondo della musica. Sebbene Bach non avesse molti contemporanei che collaborassero direttamente con lui (dato che spesso lavorava in posizioni isolate), la sua musica lasciò un impatto duraturo su coloro che lo circondavano e i compositori successivi lo venerarono come una figura chiave nello sviluppo della musica classica occidentale. Ecco alcune relazioni degne di nota:

1. Legami familiari

Bach faceva parte di una grande famiglia di musicisti e molti dei suoi parenti erano anche compositori e musicisti:

Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784): figlio maggiore di Bach, compositore e organista di talento. Lavorò in vari incarichi ma ebbe difficoltà a trovare stabilità. La sua musica fu influenzata dallo stile del padre, sebbene sperimentasse anche forme più moderne.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Forse il più famoso dei figli di Bach, fu uno dei principali compositori del primo periodo classico. CPE Bach fu una figura chiave nella transizione dallo stile barocco a quello classico e fu profondamente influenzato dall’opera del padre, sebbene il suo stile si evolse in nuove direzioni.

Johann Christoph Friedrich Bach (1732–1795): un altro figlio di Bach, noto per il suo lavoro alla corte del Duca di Meclemburgo. Il suo stile era più in linea con le tendenze classiche emergenti, ma rifletteva comunque l’influenza del padre.

Johann Christian Bach (1735–1782): il figlio più giovane di Bach, noto come il “Bach di Londra” per il periodo trascorso in Inghilterra. Il suo stile era più in linea con l’era classica ed ebbe un’influenza significativa sullo sviluppo della forma sinfonica. La sua musica fu un ponte tra il periodo barocco e quello classico.

2. Relazione con i contemporanei

Sebbene Bach abbia vissuto gran parte della sua vita in relativa oscurità, ci furono diversi compositori chiave del suo tempo con i quali ebbe interazioni dirette o indirette:

Georg Philipp Telemann (1681–1767): Telemann e Bach erano contemporanei ed entrambi lavorarono a Lipsia (anche se Bach era in una posizione più importante). Si conoscevano e condividevano un reciproco rispetto per la musica dell’altro. Infatti, Telemann raccomandò persino Bach per la sua posizione a Lipsia. Sebbene i loro stili fossero diversi (Telemann era più sperimentale ed eclettico), erano entrambi musicisti molto stimati ai loro tempi.

Johann David Heinichen (1683–1729): contemporaneo di Bach, Heinichen fu un compositore e teorico musicale che lavorò a Dresda. Bach e Heinichen furono entrambi figure di spicco del Barocco tedesco e Bach probabilmente conosceva l’opera di Heinichen. La musica di Bach, in particolare le sue cantate, era simile nella struttura alle composizioni di Heinichen.

Dieterich Buxtehude (1637–1707): Buxtehude ebbe una grande influenza su Bach durante la sua giovinezza. Bach viaggiò da Arnstadt a Lubecca per ascoltare Buxtehude suonare l’organo e studiare la sua musica. Questo incontro ebbe un impatto duraturo sullo stile di Bach, in particolare sulle sue composizioni per organo, che mostrano elementi del contrappunto e delle armonie di Buxtehude.

3. Influenza sui compositori successivi

Sebbene la musica di Bach non fosse ampiamente celebrata durante la sua vita (al di fuori di certi circoli), la sua influenza sui compositori successivi, soprattutto nei periodi classico e romantico, fu profonda:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Mozart fu profondamente influenzato dalla musica di Bach. Ammirava l’abilità contrappuntistica di Bach e spesso studiava le fughe e altre opere di Bach. L’uso del contrappunto da parte di Mozart in opere come il suo Requiem e i suoi movimenti in stile fuga nelle sue sinfonie mostrano l’impatto duraturo di Bach.

Ludwig van Beethoven (1770–1827): Beethoven fu anche influenzato dalla musica di Bach, soprattutto nelle sue prime opere. Ammirava il rigore intellettuale e il contrappunto di Bach, spesso incorporando elementi della tecnica della fuga di Bach nella sua scrittura sinfonica. I famosi quartetti per archi tardivi di Beethoven mostrano tracce dello stile contrappuntistico di Bach.

Felix Mendelssohn (1809–1847): Mendelssohn ebbe un ruolo cruciale nel far rivivere la musica di Bach nel XIX secolo. Diresse la famosa esecuzione della Passione secondo Matteo del 1829, che contribuì a reintrodurre Bach al grande pubblico. Mendelssohn era un ammiratore della musica di Bach e spesso eseguiva le sue opere.

Johannes Brahms (1833–1897): Brahms fu un altro compositore che studiò a fondo l’opera di Bach, in particolare le sue tecniche contrappuntistiche. Le Variazioni su un tema di Haydn di Brahms e le sue fughe dimostrano l’influenza delle tecniche compositive di Bach.

Claude Debussy (1862–1918): pur provenendo da una tradizione musicale diversa, Debussy fu influenzato da Bach, in particolare nel suo approccio alla forma e all’armonia. Debussy ammirava la maestria strutturale di Bach e il suo uso del contrappunto e delle armonie modali può essere ricondotto all’influenza di Bach.

4. L’influenza di JS Bach sull’educazione musicale

La musica di Bach divenne anche uno standard nell’educazione musicale, soprattutto dopo il XIX secolo. Le sue composizioni venivano spesso studiate nei conservatori e i suoi metodi di contrappunto divennero strumenti didattici essenziali per le generazioni future di compositori. Molti compositori dal periodo classico in poi impararono le fughe, i canoni e le progressioni armoniche di Bach come parte della loro formazione formale.

5. L’eredità di Bach

Sebbene Bach non abbia avuto relazioni dirette estese con molti compositori al di fuori della sua famiglia, la sua musica ha avuto una profonda influenza sulla traiettoria della musica classica occidentale. La sua padronanza del contrappunto, dell’armonia e della forma è diventata il fondamento per generazioni di compositori che lo hanno venerato come modello di eccellenza musicale.

Compositori simili

Diversi compositori condividevano tratti stilistici con Johann Sebastian Bach, sia attraverso l’uso del contrappunto, la complessità armonica o i contributi allo stile barocco. Mentre ogni compositore aveva la sua voce unica, i seguenti sono considerati simili a Bach in termini di influenza, stile o innovazioni musicali:

1. Georg Philipp Telemann (1681–1767)

Somiglianze: Telemann e Bach erano contemporanei nel periodo barocco tedesco, ed entrambi impiegavano tecniche simili di contrappunto, armonie complesse e innovazione orchestrale. La musica di Telemann, tuttavia, era più eclettica, incorporando elementi di musica popolare e altri stili europei, ma le sue opere dimostrano comunque una padronanza del contrappunto simile a quella di Bach.
Opere principali: Tafelmusik, Concerto in D Major, Passion Oratorios.

2. Dieterich Buxtehude (1637–1707)

Somiglianza: Buxtehude ebbe una grande influenza su Bach, in particolare in termini di musica per organo. Bach studiò attentamente le opere di Buxtehude, e il ricco uso di contrappunto e armonie da parte di quest’ultimo può essere trovato nelle composizioni per organo di Bach. Entrambi i compositori usarono un contrappunto intricato e delle texture espressive nella loro musica sacra.
Opere principali: Membra Jesu Nostri, Passacaglia in re minore, Preludi per organo.

3. Antonio Vivaldi (1678–1741)

Somiglianza: Vivaldi, maestro della forma del concerto barocco, condivideva il fascino barocco per il contrasto, l’energia e l’ornamentazione. Sebbene la sua musica sia spesso più omofonica e virtuosistica della complessa polifonia di Bach, entrambi i compositori utilizzarono la spinta ritmica e l’audacia armonica nelle loro opere. Bach ammirava i concerti di Vivaldi e ne arrangiò diversi per la tastiera e altri strumenti.
Opere principali: Le quattro stagioni, Concerto per due violini, Gloria.

4. Arcangelo Corelli (1653–1713)

Somiglianza: Corelli fu una figura chiave nello sviluppo della forma barocca del concerto grosso e la sua musica influenzò fortemente i successivi compositori barocchi, tra cui Bach. Le sue opere hanno uno stile raffinato ed elegante che bilancia la chiarezza armonica con le texture polifoniche, simile all’approccio di Bach.
Opere principali: Concerto Grosso Op. 6, Sonata da chiesa.

5. Johann David Heinichen (1683–1729)

Somiglianza: Heinichen era un altro compositore barocco noto per il suo lavoro a Dresda, ed era contemporaneo di Bach. Il suo stile, specialmente nella sua musica orchestrale e nelle opere sacre, era simile a quello di Bach in termini di complessità e contrappunto. Bach e Heinichen facevano entrambi parte della tradizione barocca tedesca, e le opere orchestrali di Heinichen potrebbero aver influenzato l’orchestrazione e l’uso delle texture di Bach.

Opere principali: Concerto Grosso Op. 6, Lamentazioni.

6. François Couperin (1668–1733)

Somiglianza: Compositore barocco francese noto per le sue opere per clavicembalo, la musica di Couperin condivide con Bach l’uso dell’ornamentazione, l’esplorazione armonica e l’intricato contrappunto. Mentre lo stile di Couperin è spesso più delicato e lirico, le sue opere per tastiera rivelano una sofisticata comprensione della forma e dell’ornamentazione, molto simile alle composizioni per tastiera dello stesso Bach.
Opere principali: Pièces de Clavecin, Les Nations, L’Art de toucher le clavecin.

7. Jean-Baptiste Lully (1632–1687)

Somiglianza: Lully, il principale compositore dell’opera barocca francese, usò un contrappunto complesso e una ricca orchestrazione simili a Bach. Mentre Lully era principalmente noto per le sue opere operistiche e orchestrali, la sua influenza sulla musica barocca, specialmente nel regno della musica di corte francese, riecheggia la complessità strutturale che Bach abbracciò anche nelle sue composizioni.
Opere principali: Armide, Le Bourgeois Gentilhomme, Te Deum.

8. Carlo Filippo Emanuele Bach (1714–1788)

Somiglianza: CPE Bach, il secondo figlio maggiore di Johann Sebastian Bach, fu influenzato dallo stile del padre ma esplorò anche l’emergente stile classico. Mentre la sua musica presenta una maggiore espressività emotiva e un allontanamento da alcune convenzioni barocche, il suo uso di armonie espressive, contrasti dinamici e contrappunto riflette una discendenza diretta dalla musica del padre.
Opere principali: Sinfonie di Amburgo, Sonate per tastiera, Concerti per flauto.

9. Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736)

Somiglianza: Mentre le opere di Pergolesi tendono a essere più leggere e più melodiche di quelle di Bach, il suo uso di armonia e contrappunto nella musica operistica e sacra mostra un senso di struttura e sviluppo simile a quello di Bach. La musica sacra di Pergolesi, in particolare nello Stabat Mater, condivide la profondità emotiva con le composizioni religiose di Bach.
Opere principali: Stabat Mater, La Serva Padrona, Missa in Do minore.

10. Francesco Cavalli (1602–1676)

Somiglianza: in quanto compositore barocco veneziano e figura chiave nello sviluppo dell’opera, le opere corali e orchestrali di Cavalli mostrano un contrappunto intricato e uno sviluppo armonico simili a quelli di Bach. Sebbene l’attenzione di Cavalli fosse principalmente rivolta all’opera, la sua musica sacra esibisce elementi strutturali complessi che mostrano una comunanza con le composizioni sacre di Bach.
Opere principali: Giasone, Messa Concertata.

Sebbene nessun compositore sia esattamente come Bach, le figure sopra menzionate condividono alcuni elementi comuni nella loro musica, sia attraverso l’uso del contrappunto, la raffinatezza armonica o i loro contributi al periodo barocco. Le opere di Bach si distinguono per la loro sintesi unica di queste qualità, rendendo la sua musica senza tempo e influente.

Relazioni con persone di altri generi

Johann Sebastian Bach, sebbene più strettamente associato alla tradizione classica barocca, aveva alcuni collegamenti diretti con persone di altri generi musicali del suo tempo. Questi collegamenti, sebbene non così ben documentati o numerosi come i suoi rapporti all’interno della sfera classica, rivelano alcune interessanti interazioni tra generi. Ecco alcuni esempi degni di nota:

1. Il rapporto di Bach con i costruttori di organi

Bach aveva rapporti diretti con i costruttori di organi, poiché il suo lavoro di organista era centrale per la sua produzione. Era noto per lavorare a stretto contatto con i costruttori di organi per garantire che gli strumenti soddisfacessero le sue esigenze artistiche.

Gottfried Silbermann (1683–1753): uno dei più importanti costruttori di organi dell’epoca, Silbermann costruì diversi organi per Bach da suonare e utilizzare nelle sue composizioni. Bach ammirava gli strumenti di Silbermann e diede suggerimenti per migliorarli. Questa collaborazione tra compositore e costruttore riflette l’impegno pratico di Bach con il suono strumentale al di fuori della composizione puramente musicale.

2. Bach e i musicisti della corte di Dresda

Il periodo trascorso da Bach a Köthen (1717–1723) coincise con le attività dei musicisti della corte di Dresda, tra cui compositori impegnati in generi più profani.

Carl Heinrich Graun (1704–1759): Sebbene Graun sia principalmente noto per le sue opere, fu anche membro della corte di Dresda e contemporaneo di Bach. Bach probabilmente conosceva le composizioni operistiche di Graun, sebbene la loro relazione diretta non sia ben documentata. La consapevolezza di Bach delle tradizioni operistiche dell’epoca potrebbe aver influenzato il suo approccio alla musica vocale e corale.

Franz Benda (1709–1786): violinista e compositore associato alla corte di Dresda, Benda era noto per i suoi concerti per violino e potrebbe aver avuto un’influenza indiretta sulle opere orchestrali di Bach. Tuttavia, la relazione tra Bach e Benda non è ampiamente documentata e qualsiasi collaborazione diretta rimane poco chiara.

3. Il rapporto di Bach con i musicisti e i ballerini di corte

L’impegno di Bach con ballerini e musicisti che si esibivano in generi secolari, come l’opera e il balletto, avvenne indirettamente attraverso i suoi legami con varie corti nobiliari. Bach compose molte opere per la danza, come le Suite orchestrali, che riflettono l’influenza delle tradizioni di danza cortese dell’epoca.

Georg Philipp Telemann (1681–1767): Telemann, stretto contemporaneo di Bach, lavorò con una serie di musicisti di vari generi, tra cui opera e musica orchestrale. Fu anche compositore di danze, tra cui il balletto. Bach e Telemann non erano collaboratori diretti, ma condividevano ambienti musicali simili ed erano entrambi all’avanguardia della musica barocca in Germania. Le loro opere spesso riflettevano le tendenze musicali più ampie dell’epoca, mescolando stili sacri, strumentali e profani.

4. Bach e i primi compositori classici

Sebbene Bach non abbia lavorato direttamente con i compositori classici emergenti, la sua musica ha avuto un’influenza significativa su di loro, in particolare su coloro che cercavano di combinare elementi della complessità barocca con strutture più accessibili e guidate dalla melodia.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): il suo secondo figlio maggiore, CPE Bach, fu profondamente influenzato dalle tecniche contrappuntistiche del padre, ma cercò di sviluppare uno stile più espressivo e guidato dalle emozioni. La transizione di CPE Bach dalla musica barocca a quella classica fu un ponte diretto tra le due epoche e le sue opere mostrano l’influenza del padre attraverso l’uso della forma e dell’innovazione armonica.

Franz Joseph Haydn (1732–1809) e Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Sebbene Bach non abbia interagito personalmente con Haydn o Mozart, la sua musica ha avuto un profondo impatto sul loro sviluppo, soprattutto in termini di contrappunto e complessità strutturale. Ammiravano la maestria contrappuntistica di Bach ed entrambi i compositori incorporarono elementi della musica di Bach, in particolare le sue fughe, nelle proprie opere.

5. Bach e i teorici e gli interpreti del suo tempo

L’impegno di Bach con musicisti di altri generi implicava anche il suo contatto diretto con interpreti e teorici della musica che univano varie forme musicali.

Johann David Heinichen (1683–1729): Heinichen, compositore e teorico di Dresda, fu una figura importante nel barocco tedesco, che lavorò al di fuori del regno strettamente liturgico, inclusa l’opera. Lui e Bach erano contemporanei e il loro ambiente musicale condiviso in Germania probabilmente portò a una certa collaborazione e influenza indiretta.

Francesco Cavalli (1602–1676): importante compositore veneziano di opere, Cavalli fu una delle figure principali nello sviluppo dell’opera barocca. Sebbene non vi siano prove dirette che Bach abbia lavorato con Cavalli o che lo abbia anche incontrato, l’esplorazione personale di Bach della musica vocale e orchestrale riflette tendenze europee più ampie, tra cui lo stile operistico sperimentato da compositori come Cavalli. Gli oratori sacri di Bach, come la Passione secondo Matteo, riflettono una certa espressività operistica, fondendo tradizioni vocali barocche.

6. Bach e i musicisti “francesi”

Sebbene Bach sia principalmente associato alla musica barocca tedesca, ammirava e incorporava anche elementi stilistici di musicisti francesi, specialmente nelle sue opere strumentali. Era noto per aver copiato la musica per tastiera francese, che ebbe una profonda influenza sulla sua composizione.

Jean-Baptiste Lully (1632–1687): Lully fu un importante compositore di opera barocca francese e musica di corte. Sebbene Bach non abbia mai collaborato direttamente con Lully, fu influenzato dai ritmi e dalle forme della danza francese. Le Suites francesi di Bach e altre opere per clavicembalo mostrano il suo impegno con lo stile francese, che fuse con le sue tecniche contrappuntistiche tedesche.

7. Bach e musicisti di altri paesi europei

Antonio Vivaldi (1678–1741): Sebbene Bach e Vivaldi non fossero direttamente associati in termini di collaborazione personale, Bach fu influenzato dai concerti di Vivaldi, in particolare attraverso gli arrangiamenti di Bach delle opere di Vivaldi per organo e clavicembalo. L’uso della forma ritornello e il virtuosismo nella scrittura strumentale da parte di Vivaldi trovarono risonanza nelle composizioni di Bach.

Riepilogo delle relazioni tra generi:

Le interazioni dirette di Bach con musicisti di altri generi al di fuori delle tradizioni classiche e sacre furono limitate ma significative nel plasmare il suo lavoro e la sua eredità. Ebbe interazioni professionali con costruttori di organi, musicisti di corte e compositori contemporanei di musica operistica e orchestrale. La sua influenza, tuttavia, si diffuse molto più lontano, soprattutto perché compositori successivi di generi come il periodo classico adattarono le sue tecniche contrappuntistiche e armonie nelle proprie opere.

Relazione con Federico il Grande

Il rapporto di Johann Sebastian Bach con Federico il Grande (1712–1786), re di Prussia, è interessante e storicamente significativo, sebbene sia stato piuttosto breve e non privo di tensione. Il legame tra loro ruota principalmente attorno alla visita di Bach alla corte di Federico nel 1747 e alla conseguente composizione dell’Offerta musicale, una delle opere più famose di Bach.

L’incontro del 1747

Federico il Grande, mecenate delle arti e abile musicista (in particolare di flauto), era noto per cercare compositori e interpreti di talento per la sua corte di Berlino. Nel 1747, Bach, che all’epoca viveva a Lipsia ed era già un compositore molto rispettato, fu invitato a incontrare il re durante una visita alla capitale.

La sfida di Federico: secondo la famosa storia, Bach incontrò Federico il Grande nel giugno del 1747, quando visitò la corte reale di Potsdam, che si trovava vicino a Berlino. Si dice che Federico, che aveva una passione per la musica e suonava il flauto, abbia lanciato a Bach una sfida musicale. Suonò un tema al flauto e chiese a Bach di improvvisare una fuga basata su di esso.

Risposta di Bach: Bach, da sempre maestro del contrappunto e dell’improvvisazione, si dice abbia immediatamente creato una fuga basata sul tema di Federico, sbalordendo il re e la sua corte con il suo virtuosismo. Colpito dall’abilità di Bach, Federico gli chiese di tornare a corte per altri impegni musicali.

L’offerta musicale (1747)

Dopo questo incontro, Bach compose l’Offerta musicale (BWV 1079), una serie di composizioni basate sul tema che Federico gli aveva presentato. L’opera, una delle composizioni più intricate e intellettualmente stimolanti di Bach, consiste in un ricercare (una fuga) e diversi canoni e partite.
La composizione riflette la profonda comprensione di Bach del contrappunto e la sua capacità di lavorare con strutture musicali complesse. Fu dedicata a Federico il Grande, sebbene il re stesso non fosse profondamente coinvolto nella sua composizione. L’offerta di Bach mostra il suo rispetto per gli interessi musicali del re, ma è anche una dimostrazione della sua abilità artistica.

La natura della loro relazione

Patrocinio: Sebbene Federico il Grande fosse un mecenate delle arti, non offrì a Bach alcun incarico formale alla sua corte, come fece con altri compositori. Bach era impiegato all’epoca a Lipsia, dove aveva una posizione stabile come cantore presso la chiesa di San Tommaso. Tuttavia, la visita di Bach alla corte reale indicò un rispetto reciproco tra i due uomini, sebbene il rapporto di Bach con Federico non fosse così influente finanziariamente o politicamente come quello di altri compositori che furono invitati alla sua corte, come Carl Philipp Emanuel Bach (suo figlio) o Franz Benda.

Differenze musicali: Sebbene Frederick fosse un flautista provetto e un amante della musica, i suoi gusti erano più in linea con lo stile classico emergente, che era meno contrappuntistico e più incentrato sulla melodia e sulla semplicità rispetto allo stile barocco di Bach. Questa differenza stilistica potrebbe aver limitato la profondità del loro rapporto personale o professionale. Frederick fu anche influenzato dalle idee più recenti dell’era classica, che erano stilisticamente più moderne delle composizioni barocche mature di Bach.

Conclusione

La relazione tra Johann Sebastian Bach e Federico il Grande fu breve e in un certo senso indiretta. Si basava principalmente su un singolo incontro nel 1747, durante il quale Bach impressionò il re con la sua abilità nell’improvvisazione, che portò alla composizione dell’Offerta musicale. Mentre la corte di Federico apprezzava il genio di Bach, i due uomini alla fine furono separati da differenze stilistiche e ruoli musicali diversi. Tuttavia, questo incontro segna un momento importante nella successiva carriera di Bach, poiché dimostra sia la sua abilità nell’improvvisazione sia la sua capacità di impegnarsi con un sovrano di una significativa potenza europea, anche se non si tradusse in un mecenatismo duraturo.

La musica di Bach è antica o moderna?

A seconda della prospettiva da cui la si guarda, la musica di Johann Sebastian Bach può essere considerata sia antica che moderna durante la sua vita.

1. “Vecchio” in termini di tradizione barocca:

Conservativo nello stile: gran parte della musica di Bach aderiva allo stile barocco, che era ben consolidato all’epoca in cui Bach componeva. Ereditò le tradizioni musicali del contrappunto (in particolare la fuga), l’ornamentazione e la forma del ritornello (utilizzata nei concerti) da precedenti compositori barocchi come Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli e Dieterich Buxtehude.

Pratiche barocche: l’uso di tecniche contrappuntistiche rigorose (come fughe e canoni) da parte di Bach era considerato da alcuni antiquato, soprattutto perché il mondo della musica stava iniziando a muoversi verso forme più semplici ed espressive che avrebbero caratterizzato l’emergente stile classico. Questo cambiamento stilistico era particolarmente evidente nelle opere di compositori come Carl Philipp Emanuel Bach (suo figlio), Joseph Haydn e Wolfgang Amadeus Mozart, che cercavano chiarezza ed emozione rispetto al complesso contrappunto che definiva le composizioni di Bach.

2. “Nuovo” in termini di innovazione musicale:

Sperimentazione armonica: l’approccio di Bach all’armonia fu rivoluzionario. Ad esempio, spesso usava la modulazione (cambio di tonalità) in modi innovativi per il suo tempo, creando una tavolozza armonica più ricca e dinamica. La sua capacità di creare strutture complesse ma armoniose, come nei suoi Concerti brandeburghesi o nel Clavicembalo ben temperato, era in anticipo sui tempi.

Innovazione strutturale: le composizioni di Bach erano molto complesse e tecnicamente avanzate. Il suo contrappunto era più sviluppato di quello dei compositori precedenti, spingendo i confini della scrittura fugale e contrappuntistica. Le sue opere, come l’Arte della fuga e l’Offerta musicale, esemplificano la sua padronanza di queste tecniche, rappresentando un picco nella tradizione barocca che avrebbe influenzato le generazioni a venire.

Sviluppo tematico: in opere come la Passione secondo Matteo o la Messa in Si minore, Bach ha utilizzato lo sviluppo tematico in modi che prefiguravano le tecniche dell’era classica. Questi pezzi spesso mostravano una profondità drammatica ed emotiva che non era ancora comune nell’era barocca.

3. Accoglienza al suo tempo:

Opinioni dei contemporanei: Durante la sua vita, la musica di Bach era molto apprezzata per la sua complessità e brillantezza tecnica, specialmente da coloro che apprezzavano la profonda cultura implicita nella sua composizione, come CPE Bach, Carl Philipp Emanuel Bach (suo figlio) e alcuni dei suoi colleghi musicisti di Lipsia. Tuttavia, molti musicisti e amanti della musica dell’epoca trovarono la sua musica troppo intricata, specialmente negli ultimi anni della sua carriera, quando lo stile classico iniziò a prendere piede e l’enfasi si spostò sulla melodia e sulla semplicità.

Eredità dopo la sua morte: dopo la morte di Bach nel 1750, la sua musica cadde in relativa oscurità per diversi decenni. L’ascesa della musica classica e il rifiuto del complesso contrappunto barocco portarono le opere di Bach a essere meno eseguite e apprezzate durante la fine del XVIII e l’inizio del XIX secolo. Fu solo con il Bach Revival nel XIX secolo, guidato da personaggi come Felix Mendelssohn, che l’opera di Bach fu riesaminata e celebrata come elemento fondante della musica classica occidentale.

Conclusione:

Al tempo di Bach, la sua musica poteva essere considerata sia vecchia che nuova. Da un lato, era profondamente radicata nella tradizione barocca, aderendo a pratiche musicali consolidate. Dall’altro, l’opera di Bach ha spinto i confini dell’armonia, della struttura e del contrappunto, gettando le basi per il futuro sviluppo della musica classica occidentale. Quindi, mentre la sua musica faceva parte di una tradizione più antica, era rivoluzionaria nella sua profondità, complessità e innovazione.

Notevoli lavori solisti per clavicembalo

Johann Sebastian Bach compose un corpus significativo di opere per clavicembalo, che dimostrano la sua maestria nel contrappunto, nell’armonia e nella profondità espressiva. Molte di queste opere sono tra i pezzi più celebrati del repertorio barocco. Ecco alcune delle opere per clavicembalo solista più note di Bach:

1. Il clavicembalo ben temperato (Das Wohltemperierte Klavier), libri 1 e 2 (BWV 846–893)

Descrizione: Una monumentale raccolta di 48 preludi e fughe in tutte le tonalità maggiori e minori, scritta in due libri.
Significato: Dimostra le possibilità dell’accordatura del temperamento equabile e il genio di Bach nel contrappunto e nello sviluppo armonico.
Punti salienti: Preludio e fuga in do maggiore (Libro 1, BWV 846) e il drammatico Preludio e fuga in do minore (Libro 2, BWV 847).

2. Variazioni Goldberg (BWV 988)

Descrizione: Un set di 30 variazioni incorniciate da un’aria di apertura e di chiusura. Originariamente composto per clavicembalo a due manuali.
Significato: Un apice della forma di variazione barocca, che mostra una miscela di virtuosismo tecnico, rigore intellettuale e profondità emotiva.
Variazioni degne di nota: Canone all’ottava (Variazione 12) e la virtuosistica Variazione 29.

3. Suite inglesi (BWV 806–811)

Descrizione: Un set di sei suite, ciascuna contenente un’Allemanda, una Corrente, una Sarabanda, una Gigue e danze o movimenti aggiuntivi (come Bourrées o Gavotte).
Significato: Sono caratterizzate dalla loro grandiosità e dal loro intricato contrappunto, probabilmente scritte per un mecenate inglese o ispirate a modelli inglesi.
Suite degne di nota: Suite inglese n. 2 in La minore (BWV 807) e Suite inglese n. 3 in Sol minore (BWV 808).

4. Suite francesi (BWV 812–817)

Descrizione: Un set di sei suite più leggere e intime, ciascuna composta da movimenti di danza come Allemande, Courante, Sarabande e altri come Menuets e Gigues.
Significato: Riflette l’adattamento di Bach dello stile delle suite da danza francesi con la sua complessità contrappuntistica e il suo lirismo.
Suite degne di nota: Suite francese n. 5 in sol maggiore (BWV 816) e Suite francese n. 6 in mi maggiore (BWV 817).

5. Partite (BWV 825–830)

Descrizione: Un set di sei partite, pubblicate come Clavier-Übung I, ciascuna contenente una sequenza di danze stilizzate.
Significato: Considerate alcune delle opere per clavicembalo più impegnative dal punto di vista tecnico e artisticamente diversificate di Bach, queste composizioni sono ricche di invenzione e carattere.
Partite degne di nota: Partita n. 2 in do minore (BWV 826) e Partita n. 6 in mi minore (BWV 830).

6. Fantasia cromatica e fuga in re minore (BWV 903)

Descrizione: Una fantasia drammatica e improvvisata seguita da una fuga molto intricata.
Significato: Noto per il suo cromatismo audace, i virtuosismi e la profondità emotiva. È una delle più famose opere per tastiera solista di Bach.

7. Concerto Italiano (BWV 971)

Descrizione: Un concerto scritto per clavicembalo solista, pubblicato come parte di Clavier-Übung II.
Significato: Emula lo stile di un concerto italiano, caratterizzato da movimenti lenti e veloci contrastanti e una struttura esterna brillante.
Movimenti: Allegro – Andante – Presto.

8. Toccate (BWV 910–916)

Descrizione: Una raccolta di sette toccate, caratterizzate dal loro stile improvvisativo e virtuosistico, spesso seguite da intricate fughe.
Significato: Queste opere sono tra le prime composizioni per tastiera di Bach, che mettono in mostra il suo stile compositivo iniziale e la sua tecnica per tastiera.
Toccate degne di nota: Toccata in re minore (BWV 913).

9. Capriccio sulla partenza del fratello amato (BWV 992)

Descrizione: Un’opera programmatica scritta in diversi brevi movimenti, che raffigura la partenza di un amico o fratello.
Significato: Un raro esempio di pezzo narrativo di Bach, che fonde l’espressione emotiva con la narrazione musicale.

10. Fantasie e fughe (Vari numeri BWV)
Descrizione: Singoli brani che combinano fantasie drammatiche e improvvisate con fughe strettamente strutturate.
Significato: Queste opere mostrano l’abilità di Bach nel fondere forme musicali libere e rigorose.

Riepilogo

La musica per clavicembalo di Bach unisce brillantezza tecnica, profonda profondità emotiva e rigore intellettuale. Queste opere continuano a essere celebrate non solo come capolavori dell’era barocca, ma anche come contributi senza tempo al repertorio per tastiera.

Pianisti e Clavicembalisti Opere di Bach

Le opere per clavicembalo di Johann Sebastian Bach sono amate sia dagli esecutori di clavicembalo che di pianoforte moderno. Di seguito è riportato un elenco di alcuni dei più famosi clavicembalisti e pianisti che hanno dato vita alle opere per tastiera di Bach.

Clavicembalisti famosi:

La moglie di Wanda Landowska (1879–1959)

Contributo: una delle prime musiciste a rendere popolare il clavicembalo nel XX secolo. Le sue registrazioni di Bach, tra cui le Variazioni Goldberg e Il clavicembalo ben temperato, furono rivoluzionarie e influenti.
Eredità: suonava su un clavicembalo Pleyel, che aveva un suono più ricco, simile a quello del pianoforte, rispetto ai clavicembali storici.

Gustavo Leonhardt (1928–2012)

Contributo: Pioniere dell’esecuzione storicamente informata (HIP). Le registrazioni di Leonhardt di The Well-Tempered Clavier, Partitas e French Suites sono considerate punti di riferimento dell’interpretazione barocca.
Eredità: Noto per il suo uso di autentici strumenti barocchi e per il suo modo di suonare preciso ed espressivo.

Il dottor Scott Ross (1951–1989)

Contributo: Famoso per aver registrato le opere complete per clavicembalo di Bach, tra cui tutte le Partite, le Suite Inglesi e le Suite Francesi.
Eredità: Un virtuoso con uno stile altamente espressivo e tecnicamente brillante.

Pierre Hantaï (nato nel 1964)

Contributo: rinomato per le sue registrazioni delle Variazioni Goldberg, del Clavicembalo ben temperato e di altre opere per clavicembalo di Bach.
Eredità: le esecuzioni di Hantaï sono note per la loro vitalità ritmica e profondità interpretativa.

Trevor Pinnock (nato nel 1946)

Contributo: una figura di spicco nell’HIP. Le sue registrazioni dei concerti per clavicembalo e delle opere soliste di Bach hanno ricevuto il plauso della critica.
Eredità: il modo di suonare di Pinnock bilancia chiarezza, energia e autenticità stilistica.

Pianisti famosi che suonano le opere per clavicembalo di Bach:

Il dottor Glenn Gould (1932–1982)

Contributo: Noto per le sue iconiche registrazioni delle Variazioni Goldberg (1955 e 1981) e per le sue interpretazioni del Clavicembalo ben temperato.
Eredità: Gould ha affrontato le opere di Bach con chiarezza e precisione, spesso dividendo le opinioni a causa dei suoi tempi e fraseggi unici.

Rosalyn Tureck (1913–2003)

Contributo: Soprannominata la “Grande Sacerdotessa di Bach”, Tureck ha portato un approccio profondamente intellettuale ed espressivo alla musica per tastiera di Bach.
Eredità: Le sue esecuzioni al pianoforte del Clavicembalo ben temperato e di altre opere hanno influenzato molti pianisti, tra cui Glenn Gould.

Murray Perahia (nato nel 1947)

Contributo: Noto per le sue interpretazioni eleganti e liriche delle Variazioni Goldberg e del Clavicembalo ben temperato.
Eredità: Le registrazioni di Perahia sono elogiate per il loro equilibrio tra emozione e chiarezza strutturale.

Angela Hewitt (nata nel 1958)

Contributo: Rinomata per le sue registrazioni delle opere complete per tastiera di Bach al pianoforte, tra cui le Suites francesi, le Suites inglesi, le Partite e le Variazioni Goldberg.
Eredità: Le esecuzioni di Hewitt sono note per la loro leggerezza, precisione ed espressione poetica.

András Schiff (nato nel 1953)

Contributo: Le esecuzioni di Schiff di The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations e Partitas sono molto acclamate.
Eredità: Le sue interpretazioni combinano un profondo rispetto per il contrappunto di Bach con sfumature espressive.

Sviatoslav Richter (1915–1997)

Contributo: Noto per le sue profonde interpretazioni del Clavicembalo ben temperato, Richter ha conferito un’intensità unica alle opere per tastiera di Bach.
Eredità: Le sue registrazioni sono celebrate per la loro profondità e potenza, dimostrando come la musica di Bach trascenda gli strumenti.

Evgeny Koroliov (nato nel 1949)

Contributo: elogiato per la sua registrazione delle Variazioni Goldberg, che molti considerano tra le migliori interpretazioni pianistiche moderne.
Eredità: lo stile di Koroliov è introspettivo, e sottolinea la profondità emotiva e spirituale di Bach.

Confronto tra esecuzioni di clavicembalo e pianoforte:

Clavicembalisti: in genere puntano all’autenticità storica, concentrandosi sulla chiarezza e sugli ornamenti che si adattano al tocco più leggero del clavicembalo.

Pianisti: spesso portano una gamma dinamica più ampia e usano il pedale sustain per creare frasi legate, offrendo una prospettiva diversa e più romanticizzata sulla musica di Bach.
Entrambi gli approcci rivelano dimensioni uniche del genio di Bach, rendendo la sua musica senza tempo attraverso strumenti e generazioni.

Opere notevoli

Le opere soliste non per tastiera di Johann Sebastian Bach abbracciano un’ampia gamma di generi e dimostrano la sua padronanza della musica vocale, orchestrale e strumentale. Di seguito è riportato un elenco di opere degne di nota, organizzate per categoria.

1. Opere orchestrali

Concerti brandeburghesi (BWV 1046–1051)

Sei concerti che mettono in mostra diverse combinazioni e tessiture strumentali.
Movimenti degni di nota: Concerto n. 3 in Sol maggiore (Allegro), Concerto n. 5 in Re maggiore (famoso per la sua cadenza per clavicembalo).

Suite orchestrali (BWV 1066–1069)

Quattro suite con ouverture e danze stilizzate.
Punti salienti: L’Aria dalla Suite n. 3 in Re Maggiore (“Aria sulla corda di Sol”).

Concerti per violino

Concerto per due violini in re minore (BWV 1043) (“Concerto doppio”) – Celebre per l’interazione tra i due violini solisti.

Concerto per violino in la minore (BWV 1041) – Un capolavoro del repertorio per violino solista.
Concerti per clavicembalo (trascrizioni per altri strumenti)

Molti sono adattamenti di precedenti concerti per violino o altri strumenti.

2. Opere strumentali

Sonate e Partite per violino solo (BWV 1001–1006)

Sei opere che mettono in risalto la maestria di Bach nella polifonia su uno strumento monocorde.

Brani degni di nota: Ciaccona dalla Partita n. 2 in re minore (BWV 1004).

Suite per violoncello solo (BWV 1007–1012)

Sei suite per violoncello solo, ciascuna caratterizzata da un preludio seguito da danze stilizzate.

Punti salienti: Preludio dalla Suite n. 1 in sol maggiore (BWV 1007).

Sonate per flauto

Esempio: Sonata in si minore (BWV 1030), che fonde elementi lirici e virtuosistici.

L’offerta musicale (BWV 1079)

Una raccolta di canoni, fughe e una sonata a tre basata su un tema di Federico il Grande.

L’arte della fuga (BWV 1080)

Un’esplorazione completa delle possibilità contrappuntistiche, rimasta incompleta alla morte di Bach.

3. Opere corali e vocali

Messa in si minore (BWV 232)

Un’ambientazione monumentale della Messa latina, che fonde un contrappunto complesso e arie espressive.

Passione secondo Matteo (BWV 244)

Un’ambientazione drammatica e profondamente toccante della narrazione della Passione per doppio coro e orchestra.
Caratteristiche: Erbarme dich, mein Gott (un’aria toccante per contralto).

Passione secondo Giovanni (BWV 245)

Un’opera della Passione più breve e intensa rispetto alla Passione secondo Matteo.

Oratorio di Natale (BWV 248)

Una raccolta di sei cantate per il periodo natalizio che celebrano la Natività.

Magnificat (BWV 243)

Un’ambientazione gioiosa e virtuosistica dell’inno di lode della Vergine Maria.
Cantate

Oltre 200 cantate sacre e profane sopravvissute, composte per le funzioni religiose e le occasioni speciali.

Esempi:

Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) – “Dormienti, svegliatevi”.
Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147) – Contiene il famoso “Jesu, la gioia del desiderio dell’uomo”.

4. Opere per organo

Toccata e fuga in re minore (BWV 565)

Uno dei brani per organo più famosi, noto per la sua toccatina iniziale drammatica.

Passacaglia e fuga in do minore (BWV 582)

Un’opera monumentale basata su una linea di basso ripetuta.

Preludio e Fuga in Mi Maggiore (BWV 552)

Fa da cornice al Clavier-Übung III, che mette in risalto la maestria di Bach nell’uso dell’organo.

Preludi corali

Numerose interpretazioni di inni luterani, ciascuna delle quali riflette una profonda intuizione teologica e musicale.

5. Opere vocali profane

Cantata del caffè (BWV 211)

Una cantata umoristica sull’amore di una giovane donna per il caffè.

Cantata contadina (BWV 212)

Un’opera spensierata che celebra la vita rurale e presenta melodie in stile folk.

Riepilogo

Le opere di Bach dimostrano una maestria senza pari in ogni genere da lui esplorato. Dalle intime opere soliste ai grandi capolavori corali, la sua musica rimane una pietra angolare della tradizione classica occidentale.

Grandi registrazioni di JS Bach

Le opere di Johann Sebastian Bach hanno ispirato innumerevoli registrazioni, ognuna delle quali offre intuizioni uniche sulla sua musica. Di seguito è riportata una selezione di grandi registrazioni delle opere di Bach, che abbracciano diversi generi ed eseguite da alcuni dei migliori artisti della storia. Queste registrazioni sono ampiamente acclamate per la loro arte, profondità interpretativa e significato storico.

1. Lavori con la tastiera

Il clavicembalo ben temperato

Glenn Gould (Piano) – Un’interpretazione leggendaria e non convenzionale, piena di chiarezza ed energia.
András Schiff (Piano) – Un approccio più lirico ed espressivo, che mette in mostra la profondità emotiva dei pezzi.
Angela Hewitt (Piano) – Nota per il suo tocco leggero e il fraseggio meticoloso.
Gustav Leonhardt (Clavicembalo) – Storicamente informato e riccamente dettagliato.

Variazioni Goldberg

Glenn Gould (Piano, registrazioni del 1955 e del 1981) – Due registrazioni iconiche: la versione del 1955 è giovanile e virtuosa, mentre la versione del 1981 è introspettiva e profonda.
Murray Perahia (Piano) – Un’interpretazione raffinata ed equilibrata.
Pierre Hantaï (Clavicembalo) – Vibrante e storicamente informato.
Wanda Landowska (Clavicembalo) – Una registrazione pionieristica con un distintivo tocco romantico.

Partite e Suite Francesi

Rosalyn Tureck (Piano) – Profondamente intellettuale ed emotivamente risonante.
Trevor Pinnock (Clavicembalo) – Esecuzioni chiare e vivaci su strumenti d’epoca.

2. Opere orchestrali

Concerti brandeburghesi

Trevor Pinnock e The English Concert – Una registrazione di riferimento con strumenti d’epoca.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel – Energico e storicamente informato.
Herbert von Karajan e Berlin Philharmonic – Un’interpretazione sontuosa e romantica.
John Eliot Gardiner e English Baroque Soloists – Elegante e vibrante.

Suite orchestrali

Jordi Savall e Le Concert des Nations – Un’interpretazione vivace e storicamente informata.
Trevor Pinnock e The English Concert – Texture chiare e ritmi vivaci.

3. Opere strumentali soliste

Sonate e Partite per Violino Solo

Hilary Hahn (violino) – Tecnicamente impeccabile e profondamente espressivo.
Jascha Heifetz (violino) – Un approccio romantico e virtuoso.
Rachel Podger (violino) – Storicamente informato e pieno di calore.
Nathan Milstein (violino) – Senza tempo e profondo.

Suite per violoncello

Pablo Casals (violoncello) – La prima registrazione importante, piena di passione e carattere.
Yo-Yo Ma (violoncello) – In particolare la sua registrazione del 1998, che bilancia emozione e maestria tecnica.
Mstislav Rostropovich (violoncello) – Grandioso e profondamente personale.
Anner Bylsma (violoncello) – Storicamente informato, utilizzando strumenti d’epoca.

4. Opere corali e vocali

Messa in Si minore

John Eliot Gardiner e Monteverdi Choir – Una straordinaria registrazione con strumenti d’epoca.
Philippe Herreweghe e Collegium Vocale Gent – ​​Sublime e spiritualmente profondo.
Karl Richter e Munich Bach Choir – Un’interpretazione romantica con potenza drammatica.

Passione secondo Matteo

Otto Klemperer e Philharmonia Orchestra – Un’interpretazione romantica monumentale e profondamente toccante.
John Eliot Gardiner e English Baroque Soloists – Ritmo veloce e storicamente informato.
Nikolaus Harnoncourt e Concentus Musicus Wien – Una registrazione HIP pionieristica.
Herbert von Karajan – Intensamente drammatico e riccamente orchestrato.

Passione secondo San Giovanni

John Eliot Gardiner e English Baroque Soloists – Urgente e drammatico.
Philippe Herreweghe e Collegium Vocale Gent – ​​Intimo e riflessivo.

Cantate

Nikolaus Harnoncourt e Gustav Leonhardt (Complete Cantatas) – Un progetto storicamente informato e monumentale.
John Eliot Gardiner (Bach Cantata Pilgrimage) – Vibrante e splendidamente registrato.
Suzuki Masaaki e Bach Collegium Japan (Complete Cantatas) – Interpretazioni sublimi e spirituali.

5. Opere per organo

Marie-Claire Alain (Complete Organ Works) – Completo e splendidamente registrato.
Helmut Walcha (Complete Organ Works) – Una registrazione classica, profondamente perspicace.
Ton Koopman – Energetico e storicamente informato.
E. Power Biggs – Un approccio romantico con grandiosità.

6. L’arte della fuga (BWV 1080)

Glenn Gould (Piano) – Un’interpretazione moderna e chiara.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel – Una versione per ensemble di strumenti d’epoca.
Jordi Savall e Hespèrion XXI – Eseguiti con viole, offrendo trame uniche.

7. L’offerta musicale (BWV 1079)

Karl Richter – Un’interpretazione romantica.
Jordi Savall e Le Concert des Nations – Storicamente informato, con un bel fraseggio.
Pierre Hantaï e Friends – Chiaro e coinvolgente.

Riepilogo

Queste registrazioni rappresentano una varietà di approcci alla musica di Bach, da esecuzioni storicamente informate a interpretazioni moderne. Ogni registrazione getta luce su una diversa sfaccettatura del genio di Bach, offrendo qualcosa per ogni ascoltatore.

(Questo articolo è stato scritto da ChatGPT.)

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Apuntes sobre J. S. Bach (1685 – 1750)

Descripción general

Johann Sebastian Bach (1685-1750) fue un compositor, organista y violinista alemán, considerado uno de los más grandes compositores de la historia de la música clásica occidental. Fue una figura central de la era barroca y un maestro del contrapunto, la armonía y la forma musical. Sus obras abarcan una amplia gama de estilos y géneros y siguen influyendo en la música actual.

Vida y carrera

Primeros años de vida:

Nació el 31 de marzo de 1685 en Eisenach, Alemania, en una familia de músicos.
Quedó huérfano a los 10 años y vivió con su hermano mayor, Johann Christoph, quien lo inició en el teclado.
Estudió en la prestigiosa escuela St. Michael’s de Lüneburg.

Vida profesional:

Trabajó como músico de la corte en Weimar, Köthen y, más tarde, como director musical de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig.
Era conocido por sus habilidades como organista y compositor, especialmente en obras sacras y profanas.
Sus tareas incluían a menudo la composición de cantatas semanales para los servicios religiosos, que se convirtieron en algunas de sus obras más famosas.

Vida personal:

Se casó dos veces: primero con Maria Barbara Bach (fallecida en 1720) y después con Anna Magdalena Wilcke.
Tuvo 20 hijos, varios de los cuales, como Carl Philipp Emanuel Bach, llegaron a ser compositores notables.

Obras mayores

Música sacra:

Misa en si menor: una versión monumental de la misa latina.
Pasión según San Mateo y Pasión según San Juan: obras profundas para voces y orquesta que representan la Pasión de Cristo.
Cientos de cantatas, entre ellas Jesu, Joy of Man’s Desiring y Wachet auf.

Obras instrumentales:

El clave bien temperado: dos series de preludios y fugas en todas las tonalidades mayores y menores.
Conciertos de Brandeburgo: un conjunto de seis obras orquestales que muestran texturas instrumentales barrocas.
Variaciones Goldberg: un conjunto de variaciones para teclado reconocidas por su profundidad técnica y expresiva.
Suites para instrumentos solistas, como las Suites para violonchelo y las Partitas para violín.

Obras para teclado y órgano:

Toccata y fuga en re menor: una de sus obras para órgano más emblemáticas.
Preludios corales y fugas que definieron el repertorio para órgano barroco.

Legado

La música de Bach no fue muy apreciada después de su muerte y cayó en desgracia durante la era clásica. Sin embargo, un resurgimiento en el siglo XIX, encabezado por compositores como Felix Mendelssohn, restableció su lugar como un gigante en la historia de la música.
Su uso del contrapunto y la innovación armónica establecieron un estándar para los compositores posteriores.
Hoy, sus obras son fundamentales tanto para los intérpretes como para los estudiantes, y encarnan las alturas técnicas y espirituales de la música occidental.
¿Le gustaría profundizar en algún aspecto específico de la vida o las obras de Bach?

Historia

Johann Sebastian Bach nació el 31 de marzo de 1685 en Eisenach, Alemania, en el seno de una familia con una profunda tradición musical. La familia Bach produjo varias generaciones de músicos, y su padre, Johann Ambrosius Bach, fue músico y director de los músicos de la ciudad. Johann Sebastian fue uno de ocho hijos, y sus primeros años estuvieron marcados por la tragedia. Perdió a sus dos padres a los 10 años, lo que lo llevó a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph Bach, en la ciudad de Lüneburg. Allí, recibió educación musical formal en la Escuela de San Miguel, que le proporcionó exposición a una formación musical avanzada.

La carrera temprana de Bach estuvo marcada por los diversos cargos musicales que ocupó en Alemania. En 1703, a la edad de 18 años, comenzó a trabajar como organista en la iglesia de San Blas en Mühlhausen. Su talento como organista le valió rápidamente el reconocimiento, y fue aquí donde compuso parte de su música sacra temprana, incluida la Cantata BWV 106 y varias piezas para órgano. Sin embargo, su éxito en Mühlhausen duró poco, y en 1708 se trasladó a la corte del duque Guillermo Ernesto en Weimar, donde fue nombrado concertino y organista de la corte.

Durante su estancia en Weimar, Bach compuso muchas de sus obras para órgano más famosas, entre ellas la Toccata y fuga en re menor y los Conciertos de Brandeburgo, que demuestran su dominio de la música instrumental. Sin embargo, su papel se centró cada vez más en la música sacra, incluidas las cantatas y los oratorios, que se interpretaban regularmente en los servicios religiosos. Sus cantatas estaban compuestas con un profundo sentido de reflexión teológica y a menudo utilizaban estructuras armónicas innovadoras y contrapunto.

En 1717, Bach aceptó un puesto como maestro de capilla (director musical) en la corte del príncipe Leopoldo de Köthen. Se trataba de un puesto más secular, en el que Bach se liberaba de las exigencias de la música litúrgica, lo que le permitía concentrarse en la música instrumental. Compuso durante esta época los Conciertos de Brandeburgo, así como numerosas obras de cámara, como las Sonatas y Partitas para violín solo y las Suites para violonchelo. Sin embargo, a pesar de la libertad artística que le ofrecía Köthen, la vida personal de Bach se enfrentó a desafíos. Su primera esposa, Maria Barbara, murió en 1720, y más tarde se volvió a casar con Anna Magdalena Wilcke, una cantante de talento.

En 1723, Bach asumió el prestigioso cargo de cantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde permaneció durante el resto de su vida. Como cantor, fue responsable de supervisar la música en varias iglesias de la ciudad y de componer numerosas cantatas para los servicios dominicales. Fue durante este período que Bach produjo algunas de sus obras sacras más importantes, entre ellas la Pasión según San Mateo, la Pasión según San Juan y la Misa en si menor, así como una gran cantidad de composiciones para órgano, coros y orquesta. Su música durante este período fue profundamente expresiva y profunda, y a menudo trataba temas de fe, salvación y la condición humana.

A pesar de su prolífica producción, la música de Bach no gozó del mismo reconocimiento durante su vida que en siglos posteriores. Sus composiciones gozaron de gran prestigio en ciertos círculos, pero no alcanzaron una fama generalizada fuera de Leipzig. Era un músico respetado, pero su estilo se consideraba a menudo anticuado en comparación con los compositores clásicos emergentes como Haydn y Mozart.

La salud de Bach comenzó a deteriorarse a mediados de la década de 1740 y, en 1750, estaba casi ciego. Falleció el 28 de julio de 1750, a la edad de 65 años. En los años posteriores a su muerte, su música cayó en un relativo olvido hasta el siglo XIX, cuando fue revivida por figuras como Felix Mendelssohn. La famosa interpretación de Mendelssohn de la Pasión según San Mateo en 1829 reavivó el interés por las obras de Bach y, con el tiempo, su música llegó a ser considerada la cumbre de la composición barroca.

En la actualidad, Johann Sebastian Bach es reconocido universalmente como uno de los más grandes compositores de la historia de la música occidental. Sus obras son veneradas por su complejidad, profundidad emocional e innovación técnica. Su dominio del contrapunto, la armonía y la forma sigue influyendo en compositores y músicos de todo el mundo.

Cronología

1685: Nace el 31 de marzo en Eisenach, Alemania, en una familia de músicos.
1695: Fallece su padre, Johann Ambrosius Bach.
1702: Se convierte en organista de la iglesia de San Blas en Mühlhausen.
1703: Es nombrado organista de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig y músico de la corte en Weimar.
1708: Es nombrado concertino y organista de la corte en Weimar.
1717: Se convierte en maestro de capilla en la corte del príncipe Leopoldo en Köthen.
1720: Muere su primera esposa, Maria Barbara Bach.
1723: Es nombrado cantor de la iglesia de Santo Tomás en Leipzig, donde permanece el resto de su vida.
Década de 1730-1740: Compone importantes obras sacras como la Pasión según San Mateo, la Pasión según San Juan y la Misa en si menor.
1747: Compone La ofrenda musical y El arte de la fuga.
1750: Fallece el 28 de julio, a la edad de 65 años, en Leipzig.

Características de la música

La música de Johann Sebastian Bach es famosa por su complejidad, profundidad emocional y maestría técnica. A continuación se presentan algunas características clave de la música de Bach:

1. Contrapunto:

Bach es reconocido como un maestro del contrapunto, que consiste en entrelazar dos o más melodías independientes en armonía. Su uso del contrapunto se puede ver en obras como El clave bien temperado y El arte de la fuga. La forma de contrapunto más notable que utilizó fue la fuga, en la que se introduce un tema y luego se desarrolla a través de entradas imitativas.

2. Armonía y tonalidad:

La música de Bach es rica en progresiones armónicas, que a menudo exploran cambios de acordes complejos e inesperados. Fue pionero en el uso de la armonía funcional, en la que los acordes tienen relaciones específicas dentro de una tonalidad y a menudo modulan entre tonalidades, lo que le da a su música tensión y resolución.
Bach fue una de las figuras clave en el establecimiento de la armonía tonal, que más tarde influyó en los compositores clásicos.

3. Uso de ornamentación:

La ornamentación, como los trinos, los mordentes y las apoyaturas, era una característica típica de la música barroca. Bach empleó estas técnicas profusamente, añadiendo expresividad y virtuosismo a sus melodías.

4. Textura polifónica:

La música de Bach suele presentar una textura polifónica, en la que se escuchan simultáneamente múltiples líneas melódicas igualmente importantes. Esto es particularmente evidente en sus fugas y cánones, así como en sus obras corales y orquestales.
Su escritura a varias voces puede ser intrincada y densa, pero cada voz sigue siendo distinta, creando un sonido rico y estratificado.

5. Estructura formal:

Las composiciones de Bach suelen seguir formas barrocas, como la forma ritornello (usada en conciertos), formas binarias y ternarias (a menudo en suites de danza) y la forma de fuga (en muchas de sus obras instrumentales).
Su capacidad para adaptarse e innovar dentro de estas formas fue uno de sus puntos fuertes.

6. Melodía:

Las melodías de Bach suelen ser largas y llenas de fraseo expresivo. Si bien su música puede ser compleja, sus melodías suelen ser claras y cantables, con un fraseo natural y un equilibrio entre tensión y relajación.
A menudo utiliza la secuencia (repetición de una frase musical en un nivel de tono diferente), lo que da a sus melodías una sensación de desarrollo.

7. Ritmo:

La música de Bach emplea una variedad de patrones rítmicos, desde simples y constantes hasta complejos y sincopados. Su uso de ritmos con puntillo (comunes en las formas de danza barroca) y polirritmos añade vitalidad a su música.
A menudo incorporaba ritmos motívicos, en los que se repiten y varían patrones rítmicos breves a lo largo de una pieza.

8. Profundidad expresiva:

A pesar de la complejidad intelectual de la música de Bach, también es emotiva y expresiva. Sus obras sacras, como la Pasión según San Mateo y la Misa en si menor, transmiten una gran profundidad emocional a través del uso de la composición del texto, la armonía y la orquestación.

9. Instrumentación:

La música instrumental de Bach muestra su uso innovador de instrumentos de orquesta y de teclado. Sus obras orquestales, como los Conciertos de Brandeburgo, ponen de relieve su habilidad para escribir para diversas combinaciones instrumentales, a menudo con partes solistas brillantes y virtuosas junto con el conjunto.
Como virtuoso del teclado, Bach compuso extensamente tanto para órgano como para clavecín, con obras como las Variaciones Goldberg y la Toccata y fuga en re menor que siguen siendo icónicas en el repertorio para órgano.

10. Equilibrio entre lo sagrado y lo profano:

Aunque Bach es más famoso por su música religiosa (cantatas, pasiones, misas), también compuso música secular significativa, como los Conciertos de Brandeburgo, suites instrumentales y obras para teclado. En ambos ámbitos, su música muestra la misma brillantez técnica e intensidad emocional.
La música de Bach sigue siendo una piedra angular de la música clásica occidental por su incomparable sofisticación técnica y su capacidad para transmitir una profunda expresión emocional en el contexto de estructuras intrincadas.

Bach como clavecinista y organista

Johann Sebastian Bach fue uno de los más grandes virtuosos del teclado de su tiempo, famoso por su habilidad tanto con el clavicémbalo como con el órgano. Sus extraordinarias habilidades como intérprete, improvisador y compositor lo convirtieron en una leyenda durante su vida y más allá. A continuación, se presenta un análisis de sus logros y su importancia como clavecinista y organista.

1. Bach como clavecinista

Virtuosismo y habilidad

Bach fue ampliamente reconocido por su dominio técnico y su capacidad expresiva en el clavecín.
Sus contemporáneos admiraban su capacidad para ejecutar pasajes intrincados con claridad y precisión, incluso a gran velocidad.
Tenía una extraordinaria capacidad para la improvisación y a menudo asombraba al público con su habilidad para crear fugas complejas sobre la marcha.

Actuación y repertorio

Las interpretaciones de clave de Bach incluyeron sus propias composiciones así como las de otros compositores, mostrando su conocimiento enciclopédico de la música.

Entre las obras más destacadas para clavecín se incluyen:
El clave bien temperado (BWV 846-893),
Variaciones Goldberg (BWV 988),
Partitas (BWV 825-830) y
Concierto italiano (BWV 971).

Improvisación y Competiciones

La reputación de Bach como clavecinista se consolidó gracias a los concursos públicos que participó. Por ejemplo,
en 1717 compitió contra Louis Marchand, un célebre clavecinista francés. Según la leyenda, Marchand se retiró después de escuchar a Bach ensayar.
Sus dotes para la improvisación se hicieron especialmente patentes durante su estancia en Dresde, donde asombró al público creando fugas espontáneas sobre temas propuestos por otros.

Docente e innovador

Bach fue un profesor dedicado a la técnica del clavecín y muchas de sus obras pedagógicas estaban diseñadas para desarrollar las habilidades de los estudiantes.
Sus innovaciones en el clavecín incluían un enfoque en la dinámica expresiva y una exploración profunda de las texturas contrapuntísticas.

2. Bach como organista

Maestría temprana

La fama de Bach como organista comenzó a principios de su carrera.
A los 20 años, caminó más de 400 kilómetros hasta Lübeck para estudiar con el famoso organista Dieterich Buxtehude, cuya influencia se puede ver en las primeras obras para órgano de Bach.
Sus puestos como organista en Arnstadt, Mühlhausen y Weimar perfeccionaron aún más sus habilidades.

Genio de la improvisación

Las improvisaciones de Bach para órgano eran legendarias. A menudo lo invitaban a probar órganos nuevos o reconstruidos, donde mostraba las capacidades del instrumento a través de improvisaciones virtuosas e imaginativas.
Sus improvisaciones a menudo incluían fugas intrincadas y progresiones armónicas ricas que dejaban al público asombrado.

Papel litúrgico

Como organista, Bach jugó un papel clave al acompañar los servicios religiosos y mejorar la liturgia a través de sus composiciones e improvisaciones.

Composiciones para órgano

Bach compuso algunas de las mejores obras para órgano del canon occidental, muchas de las cuales muestran su destreza técnica y su profundo conocimiento del instrumento:
Toccata y fuga en re menor (BWV 565)
Passacaglia y fuga en do menor (BWV 582)
Preludio y fuga en mi bemol mayor (BWV 552)
Orgelbüchlein (BWV 599–644): una colección de preludios corales.
El arte de la fuga (BWV 1080): a menudo asociada con el órgano, aunque es adaptable a otros instrumentos.

Pruebas y asesoramiento sobre órganos

Bach fue invitado con frecuencia a inspeccionar e inaugurar órganos en toda Alemania. Su profundo conocimiento de la construcción de órganos lo convirtió en un asesor de confianza para los constructores de órganos.

3. La influencia de Bach en la técnica del teclado

Innovaciones técnicas

Bach llevó al límite la técnica del teclado, integrando elementos como:
estiramientos amplios de la mano y pasajes rápidos de los dedos,
texturas contrapuntísticas complejas que requieren una independencia precisa de los dedos y
el uso de la pedalera como parte integral de la técnica del órgano.

Aportes pedagógicos

Muchas de las obras de Bach, como las Invenciones y Sinfonías (BWV 772–801), fueron escritas para enseñar la independencia de los dedos y la ejecución contrapuntística.
Sus ejercicios y composiciones ayudaron a establecer las bases técnicas y musicales de las tradiciones posteriores para el teclado.

4. Reconocimiento contemporáneo

Bach fue muy respetado durante su vida por su habilidad con el teclado:
Johann Mattheson y Carl Philipp Emanuel Bach lo describieron como un músico inigualable en su interpretación del órgano y el clavecín.
Su reputación atrajo a visitantes y estudiantes de toda Europa.

5. El legado como virtuoso del teclado

Las obras para clave y órgano de Bach siguen siendo fundamentales en el repertorio, y son famosas por sus desafíos técnicos, su profundidad expresiva y su ingenio estructural.
Sus técnicas e innovaciones para el teclado influyeron profundamente en las generaciones posteriores de compositores, entre ellos Mozart, Beethoven y Mendelssohn.

Resumen

Como clavecinista y organista, Johann Sebastian Bach fue un verdadero maestro que combinaba virtuosismo con gran maestría. Su brillante improvisación, sus innovaciones técnicas y sus trabajos pedagógicos no solo elevaron el estatus de los instrumentos de teclado en su época, sino que también dejaron un legado perdurable que sigue inspirando a músicos de todo el mundo.

Bach como cantor

Johann Sebastian Bach fue Thomaskantor (cantor de Santo Tomás) en Leipzig desde 1723 hasta su muerte en 1750. Este puesto, uno de los más prestigiosos en el ámbito musical alemán en aquella época, marcó profundamente su carrera y su legado. A continuación, se ofrece un resumen de su función, sus responsabilidades y sus contribuciones durante su mandato como cantor.

El papel del cantor

En la época de Bach, un cantor no era sólo un profesor de música, sino también el músico principal de las iglesias bajo su cuidado. El papel de Bach como Thomaskantor comprendía varias funciones:

Dirección de Música Litúrgica:

Compuso, dirigió e interpretó música para los servicios de la iglesia de Santo Tomás (Thomaskirche) y la iglesia de San Nicolás (Nikolaikirche) en Leipzig.
Supervisó la música para los servicios dominicales y festivos, lo que le exigió producir una gran cantidad de música sacra.

Responsabilidades docentes:

Enseñó música y latín en la escuela de Santo Tomás, donde los niños recibían una educación general.
Entrenó al coro, que estaba formado por alumnos de la escuela, y los preparó para las representaciones en la iglesia.

Funciones administrativas:

Gestionó a los músicos, incluida la contratación y supervisión de instrumentistas y cantantes para los eventos de la iglesia y del ayuntamiento.
Supervisó el mantenimiento y la afinación de los instrumentos de la iglesia, como órganos y clavicordios.

La obra de Bach como cantor

La trayectoria de Bach como cantor estuvo marcada por su extraordinaria producción de música sacra, gran parte de la cual fue escrita para el calendario litúrgico de Leipzig.

Cantatas:

Compuso más de 200 cantatas para los servicios semanales, aunque se han perdido más de 100.
Estas obras a menudo se alineaban con los temas de las lecturas bíblicas del día.
Ejemplos: Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) y Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147).

Pasiones:

La Pasión según San Mateo (BWV 244) y la Pasión según San Juan (BWV 245) son obras monumentales escritas para los oficios del Viernes Santo.
Misa en si menor (BWV 232):

Aunque no fue compuesta para uso eclesiástico habitual, esta obra refleja su profundo compromiso con las tradiciones de la música sacra.
Oratorio de Navidad (BWV 248):

Un conjunto de seis cantatas para la temporada navideña, que muestran la habilidad de Bach para combinar temas festivos con una profunda expresión religiosa.

Desafíos como cantor

Bach afrontó importantes desafíos durante sus años en Leipzig:

Relaciones tensas con las autoridades:

Bach tuvo que enfrentarse a menudo al ayuntamiento de Leipzig, que a veces restringía sus recursos o interfería en su libertad creativa,
y consideraba que sus expectativas en cuanto a sus funciones docentes y administrativas eran una carga.

Carga de trabajo exigente:

El calendario litúrgico le exigía producir música de alta calidad a un ritmo casi incesante.

Recursos limitados:

El coro a menudo luchaba con un número insuficiente de integrantes y niveles de habilidad inadecuados, lo que frustraba a Bach, quien buscaba la excelencia en la interpretación.

El legado como cantor

A pesar de estas dificultades, el período de Bach como Thomaskantor sigue siendo uno de los más significativos en la historia de la música occidental:

Vasto repertorio sagrado:

Sus años en Leipzig produjeron un cuerpo de música sacra sin paralelo en profundidad, variedad y expresión espiritual.

Integración de Teología y Música:

Las obras de Bach reflejan su profunda fe, con música diseñada para iluminar y elevar los textos bíblicos.

Influencia educativa:

Sus rigurosos estándares influyeron en generaciones de músicos, estableciendo un punto de referencia para la música eclesiástica.

El impacto de la cantoría de Bach

El trabajo de Bach como Thomaskantor ejemplifica la fusión del genio artístico y la dedicación espiritual. Si bien puede que algunos aspectos de su puesto lo frustraran, sus logros durante este período lo consolidaron como uno de los más grandes compositores de la historia occidental.

Bach como profesor de música

Johann Sebastian Bach no sólo fue un compositor e intérprete de una habilidad sin igual, sino también un profesor de música muy influyente. Su labor en el ámbito de la educación musical influyó de manera significativa en el futuro de la música occidental, tanto a través de su enseñanza directa como del legado pedagógico que dejó.

El papel de Bach como profesor de música

La actividad docente de Bach fue multifacética y abarcó sus funciones formales en instituciones, la docencia privada y la creación de obras instructivas.

1. Enseñanza en la escuela de Santo Tomás de Leipzig

Como Thomaskantor desde 1723 hasta 1750, Bach fue responsable de la educación de los niños en la escuela de Santo Tomás, donde enseñaba música, canto y latín.
Capacitaba a los estudiantes para actuar en los coros de las iglesias de Santo Tomás y San Nicolás, preparándolos para los servicios semanales y ocasiones especiales.
Los altos estándares de Bach ayudaron a establecer una cultura de excelencia en la interpretación coral e instrumental.

2. Instrucción privada

Bach impartió clases particulares a jóvenes músicos talentosos, incluidos sus propios hijos y otros aspirantes a profesionales.
Varios de sus alumnos, como Johann Ludwig Krebs y Johann Friedrich Agricola, se convirtieron en compositores y músicos notables por derecho propio.
Su enseñanza a menudo combinaba el rigor teórico con la aplicación práctica, centrándose en la composición, la interpretación y la improvisación.

3. Enseñanza en el hogar

Los hijos de Bach, en particular sus hijos Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich y Johann Christian, recibieron una formación musical excepcional.
Muchos de sus hijos se convirtieron en compositores destacados, continuando y ampliando el legado de Bach en la era clásica.

Aportes pedagógicos

El enfoque de la enseñanza de Bach no se limitó a la instrucción oral; también creó un conjunto duradero de obras pedagógicas que siguen siendo piedras angulares de la educación musical actual.

1. El clave bien temperado (BWV 846–869, 870–893)

Compuesto como una herramienta didáctica para demostrar las posibilidades expresivas y técnicas de tocar en las 24 tonalidades mayores y menores.
Diseñado para desarrollar la capacidad del estudiante para tocar polifonía y navegar por progresiones armónicas complejas.

2. Las invenciones y sinfonías (BWV 772–801)

Escritas para sus alumnos, estas piezas breves enseñan contrapunto a dos y tres voces, independencia de las manos y expresión musical.
A menudo, pianistas y teclistas las utilizan como obras introductorias para dominar la escritura contrapuntística.

3. El Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, BWV 599–644)

Una colección de preludios corales diseñados para enseñar la técnica del órgano y explorar formas de adornar himnos para presentaciones en la iglesia.
Demuestra la integración de ejercicios técnicos con la expresión artística.

4. El Clavier-Übung (Práctica del teclado)

Serie de obras en cuatro partes que abarca aspectos importantes de la interpretación con teclado, entre ellas:
Parte I: Seis partitas (BWV 825–830): suites avanzadas para teclado.
Parte II: Concierto italiano y obertura francesa (BWV 971, 831).
Parte III: Obras para órgano basadas en corales luteranos.
Parte IV: Variaciones Goldberg (BWV 988).

5. Obras canónicas y fugaces

Obras como El arte de la fuga (BWV 1080) y La ofrenda musical (BWV 1079) sirven como estudios avanzados en contrapunto e inspiran a generaciones de compositores.

6. Ejercicios de composición

Bach enseñaba composición con frecuencia pidiendo a sus alumnos que copiaran y analizaran sus obras, así como las de otros grandes compositores. Este método hacía hincapié en la comprensión de los aspectos estructurales y expresivos de la música.

Filosofía de la enseñanza

La filosofía de enseñanza de Bach enfatizaba:

Dominio de la técnica: Se esperaba que sus alumnos desarrollaran habilidades técnicas impecables en sus instrumentos, incluidos el teclado, las cuerdas y la voz.
Comprensión del contrapunto: El contrapunto era fundamental en la enseñanza de Bach, ya que creía que era la base de la composición musical.
Aplicación práctica: Bach fomentaba la improvisación y la aplicación de habilidades en el mundo real, como la composición para servicios religiosos o representaciones públicas.
Expresión musical: Las obras de Bach no son meros ejercicios técnicos; exigen y enseñan profundidad emocional e interpretación estilística.

Influencia y legado

Las contribuciones de Bach a la educación musical se extendieron mucho más allá de su vida:

Influencia directa: Sus hijos y alumnos difundieron sus métodos e ideas por toda Europa, influyendo en el estilo clásico temprano.
Estándares pedagógicos: Sus obras se convirtieron en elementos básicos de la educación musical y siguen siendo fundamentales en el plan de estudios de conservatorios y escuelas de música de todo el mundo.
Inspiración para las generaciones futuras: Compositores como Mozart, Beethoven y Brahms veneraban la música de Bach y la estudiaban intensamente para perfeccionar sus propias técnicas.

Resumen

Como docente, Bach no solo fomentó el talento individual, sino que también creó un conjunto sistemático de obras pedagógicas que transformaron la educación musical. Su enfoque en la técnica, el contrapunto y la expresión sigue influyendo en la forma en que se enseña y se entiende la música, lo que garantiza su legado como uno de los educadores más influyentes en la historia de la música occidental.

Relaciones con otros compositores

Johann Sebastian Bach mantuvo diversas relaciones directas e indirectas con otros compositores, tanto a través de conexiones personales como de su influencia en el mundo de la música. Si bien Bach no tuvo muchos contemporáneos que colaboraran directamente con él (ya que a menudo trabajaba en puestos aislados), su música dejó un impacto duradero en quienes lo rodeaban y los compositores posteriores lo veneraron como una figura clave en el desarrollo de la música clásica occidental. A continuación, se enumeran algunas relaciones notables:

1. Conexiones familiares

Bach formaba parte de una gran familia musical, y muchos de sus parientes también eran compositores y músicos:

Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784): hijo mayor de Bach, compositor y organista de gran talento. Trabajó en diversos puestos, pero no logró encontrar la estabilidad. Su música estuvo influida por el estilo de su padre, aunque también experimentó con formas más modernas.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788): quizás el más famoso de los hijos de Bach, fue uno de los principales compositores del período clásico temprano. CPE Bach fue una figura clave en la transición del estilo barroco al clásico y recibió una profunda influencia de la obra de su padre, aunque su estilo evolucionó en nuevas direcciones.

Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795): Otro hijo de Bach, conocido por su trabajo en la corte del duque de Mecklemburgo. Su estilo estaba más en línea con las tendencias clásicas emergentes, pero aún reflejaba la influencia de su padre.

Johann Christian Bach (1735–1782): El hijo menor de Bach, conocido como el “Bach de Londres” por su estancia en Inglaterra. Su estilo estaba más en línea con la era clásica y ejerció una influencia significativa en el desarrollo de la forma sinfónica. Su música fue un puente entre los períodos barroco y clásico.

2. Relación con los contemporáneos

Aunque Bach vivió gran parte de su vida en relativa oscuridad, hubo varios compositores clave de su tiempo con quienes tuvo interacciones directas o indirectas:

Georg Philipp Telemann (1681–1767): Telemann y Bach fueron contemporáneos y ambos trabajaron en Leipzig (aunque Bach ocupaba un puesto más destacado). Se conocían y compartían un respeto mutuo por la música del otro. De hecho, Telemann incluso recomendó a Bach para su puesto en Leipzig. Si bien sus estilos eran diferentes (Telemann era más experimental y ecléctico), ambos fueron músicos muy valorados en su época.

Johann David Heinichen (1683–1729): contemporáneo de Bach, Heinichen fue un compositor y teórico musical que trabajó en Dresde. Bach y Heinichen fueron figuras destacadas del barroco alemán y es probable que Bach conociera la obra de Heinichen. La música de Bach, en particular sus cantatas, tenía una estructura similar a las composiciones de Heinichen.

Dieterich Buxtehude (1637–1707): Buxtehude ejerció una gran influencia sobre Bach durante su juventud. Bach viajó desde Arnstadt a Lübeck para escuchar a Buxtehude tocar el órgano y estudiar su música. Este encuentro tuvo un impacto duradero en el estilo de Bach, en particular en sus composiciones para órgano, que muestran elementos del contrapunto y las armonías de Buxtehude.

3. Influencia en compositores posteriores

Si bien la música de Bach no fue ampliamente celebrada durante su vida (fuera de ciertos círculos), su influencia en los compositores posteriores, especialmente en los períodos clásico y romántico, fue profunda:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Mozart estuvo profundamente influenciado por la música de Bach. Admiraba su habilidad contrapuntística y estudiaba a menudo sus fugas y otras obras. El uso que el propio Mozart hizo del contrapunto en obras como su Réquiem y los movimientos de estilo fuga en sus sinfonías muestran el impacto duradero de Bach.

Ludwig van Beethoven (1770–1827): Beethoven también estuvo influido por la música de Bach, especialmente en sus primeras obras. Admiraba el rigor intelectual y el contrapunto de Bach, y a menudo incorporaba elementos de la técnica de fuga de Bach en sus escritos sinfónicos. Los famosos cuartetos de cuerda de Beethoven muestran rastros del estilo contrapuntístico de Bach.

Felix Mendelssohn (1809–1847): Mendelssohn fue fundamental en la recuperación de la música de Bach en el siglo XIX. Dirigió la famosa interpretación de la Pasión según San Mateo en 1829, que ayudó a dar a conocer a Bach al público en general. Mendelssohn era un admirador de la música de Bach y solía interpretar sus obras.

Johannes Brahms (1833–1897): Brahms fue otro compositor que estudió profundamente la obra de Bach, especialmente sus técnicas contrapuntísticas. Las Variaciones sobre un tema de Haydn y sus fugas demuestran la influencia de las técnicas compositivas de Bach.

Claude Debussy (1862–1918): Si bien provenía de una tradición musical diferente, Debussy recibió la influencia de Bach, en particular en su enfoque de la forma y la armonía. Debussy admiraba la maestría estructural de Bach, y su uso del contrapunto y las armonías modales se remonta a la influencia de Bach.

4. La influencia de J. S. Bach en la educación musical

La música de Bach también se convirtió en un referente en la educación musical, especialmente después del siglo XIX. Sus composiciones se estudiaban a menudo en los conservatorios y sus métodos de contrapunto se convirtieron en herramientas didácticas esenciales para las futuras generaciones de compositores. A muchos compositores del período clásico en adelante se les enseñaron las fugas, los cánones y las progresiones armónicas de Bach como parte de su formación formal.

5. El legado de Bach

Aunque Bach no mantuvo una relación directa extensa con muchos compositores fuera de su familia, su música ejerció una profunda influencia en la trayectoria de la música clásica occidental. Su dominio del contrapunto, la armonía y la forma se convirtió en la base para generaciones de compositores que lo veneraron como modelo de excelencia musical.

Compositores similares

Varios compositores compartían rasgos estilísticos con Johann Sebastian Bach, ya sea por su uso del contrapunto, su complejidad armónica o sus contribuciones al estilo barroco. Si bien cada compositor tenía su voz única, se considera que los siguientes son similares a Bach en términos de influencia, estilo o innovaciones musicales:

1. Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Similitudes: Telemann y Bach fueron contemporáneos en el período barroco alemán y ambos emplearon técnicas similares de contrapunto, armonías complejas e innovación orquestal. La música de Telemann, sin embargo, era más ecléctica e incorporaba elementos de la música folclórica y otros estilos europeos, pero sus obras aún demuestran un dominio del contrapunto similar al de Bach.
Obras clave: Tafelmusik, Concierto en re mayor, Oratorios de la Pasión.

2. Dieterich Buxtehude (1637-1707)

Similitud: Buxtehude ejerció una gran influencia sobre Bach, en particular en lo que respecta a la música para órgano. Bach estudió de cerca las obras de Buxtehude, y el rico uso que este último hace del contrapunto y las armonías se puede encontrar en las propias composiciones para órgano de Bach. Ambos compositores utilizaron un contrapunto intrincado y texturas expresivas en su música sacra.
Obras clave: Membra Jesu Nostri, Passacaglia en re menor, Preludios para órgano.

3. Antonio Vivaldi (1678-1741)

Similitudes: Vivaldi, maestro de la forma concertística barroca, compartía la fascinación barroca por el contraste, la energía y la ornamentación. Aunque su música suele ser más homofónica y virtuosa que la intrincada polifonía de Bach, ambos compositores utilizaron el impulso rítmico y la audacia armónica en sus obras. Bach admiraba los conciertos de Vivaldi y arregló varios de ellos para teclado y otros instrumentos.
Obras clave: Las cuatro estaciones, Concierto para dos violines, Gloria.

4. Arcángel Corelli (1653-1713)

Similitud: Corelli fue una figura clave en el desarrollo de la forma barroca del concerto grosso, y su música influyó fuertemente en compositores barrocos posteriores, incluido Bach. Sus obras tienen un estilo refinado y elegante que equilibra la claridad armónica con texturas polifónicas, similar al enfoque de Bach.
Obras clave: Concerto Grosso Op. 6, Sonata da chiesa.

5. Johann David Heinichen (1683-1729)

Similitud: Heinichen fue otro compositor barroco conocido por su obra en Dresde y fue contemporáneo de Bach. Su estilo, especialmente en su música orquestal y sus obras sacras, era similar al de Bach en términos de complejidad y contrapunto. Bach y Heinichen formaban parte de la tradición barroca alemana y las obras orquestales de Heinichen podrían haber influido en la orquestación y el uso de texturas de Bach.

Obras clave: Concierto Grosso Op. 6, Lamentaciones.

6. François Couperin (1668-1733)

Similitud: Couperin, compositor barroco francés conocido por sus obras para clave, comparte con Bach el uso de la ornamentación, la exploración armónica y el intrincado contrapunto. Si bien el estilo de Couperin suele ser más delicado y lírico, sus obras para teclado revelan una comprensión sofisticada de la forma y la ornamentación, muy similar a las composiciones para teclado del propio Bach.
Obras clave: Pièces de Clavecin, Les Nations, L’Art de toucher le clavecin.

7. Jean-Baptiste Lully (1632-1687)

Similitud: Lully, el compositor más importante de la ópera barroca francesa, utilizó un contrapunto complejo y una rica orquestación similar a la de Bach. Si bien Lully era conocido principalmente por sus obras operísticas y orquestales, su influencia en la música barroca, especialmente en el ámbito de la música de la corte francesa, refleja la complejidad estructural que Bach también adoptó en sus propias composiciones.
Obras clave: Armide, Le Bourgeois Gentilhomme, Te Deum.

8. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

Similitudes: CPE Bach, el segundo hijo mayor de Johann Sebastian Bach, recibió la influencia del estilo de su padre, pero también exploró el estilo clásico emergente. Si bien su música presenta una mayor expresividad emocional y se aleja de algunas convenciones barrocas, su uso de armonías expresivas, contrastes dinámicos y contrapuntos refleja un linaje directo con la música de su padre.
Obras clave: Sinfonías de Hamburgo, Sonatas para teclado, Conciertos para flauta.

9. Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)

Similitudes: Si bien las obras de Pergolesi tienden a ser más ligeras y melódicas que las de Bach, su uso de la armonía y el contrapunto en la música operística y sacra muestra un sentido de estructura y desarrollo similar al de Bach. La música sacra de Pergolesi, en particular el Stabat Mater, comparte la profundidad emocional con las composiciones religiosas de Bach.
Obras clave: Stabat Mater, La Serva Padrona, Misa en do menor.

10. Francesco Cavalli (1602-1676)

Similitudes: Como compositor barroco veneciano y figura clave en el desarrollo de la ópera, las obras corales y orquestales de Cavalli muestran un contrapunto intrincado y un desarrollo armónico similar al de Bach. Aunque Cavalli se centró principalmente en la ópera, su música sacra exhibe elementos estructurales complejos que muestran un punto en común con las composiciones sacras de Bach.
Obras clave: Giasone, Messa Concertata.

Si bien ningún compositor es exactamente igual a Bach, las figuras mencionadas anteriormente comparten algunos elementos comunes en su música, ya sea por su uso del contrapunto, la sofisticación armónica o sus contribuciones al período barroco. Las obras de Bach se destacan por su síntesis única de estas cualidades, lo que hace que su música sea atemporal e influyente.

Relaciones con personas de otros géneros

Johann Sebastian Bach, aunque se le asocia más estrechamente con la tradición clásica barroca, mantuvo algunas conexiones directas con personas de otros géneros musicales de su época. Estas conexiones, aunque no están tan documentadas ni son tan numerosas como sus relaciones dentro de la esfera clásica, revelan algunas interacciones interesantes entre géneros. A continuación se presentan algunos ejemplos notables:

1. La relación de Bach con los constructores de órganos

Bach tenía relaciones directas con los organeros, ya que su trabajo como organista era fundamental para su producción. Era conocido por trabajar en estrecha colaboración con los organeros para garantizar que los instrumentos satisficieran sus necesidades artísticas.

Gottfried Silbermann (1683–1753): uno de los constructores de órganos más importantes de la época, Silbermann construyó varios órganos para que Bach los tocara y los utilizara en sus composiciones. Bach admiraba los instrumentos de Silbermann y hacía sugerencias para mejorarlos. Esta colaboración entre el compositor y el constructor refleja el compromiso práctico de Bach con el sonido instrumental más allá de la composición puramente musical.

2. Bach y los músicos de la corte de Dresde

La estancia de Bach en Köthen (1717-1723) coincidió con las actividades de los músicos de la corte de Dresde, incluidos compositores que trabajaban en géneros más seculares.

Carl Heinrich Graun (1704-1759): aunque Graun es conocido principalmente por sus óperas, también fue miembro de la corte de Dresde y contemporáneo de Bach. Es probable que Bach estuviera familiarizado con las composiciones operísticas de Graun, aunque su relación directa no está bien documentada. El conocimiento que tenía Bach de las tradiciones operísticas de la época puede haber influido en su enfoque de la música vocal y coral.

Franz Benda (1709–1786): violinista y compositor asociado con la corte de Dresde, Benda era conocido por sus conciertos para violín y es posible que haya tenido alguna influencia indirecta en las obras orquestales de Bach. Sin embargo, la relación entre Bach y Benda no está documentada en profundidad y no está clara ninguna colaboración directa.

3. La relación de Bach con los músicos y bailarines de la corte

El contacto de Bach con bailarines y músicos que interpretaban géneros profanos, como la ópera y el ballet, se produjo indirectamente a través de sus conexiones con diversas cortes nobles. Bach compuso muchas obras para danza, como las Suites para orquesta, que reflejan la influencia de las tradiciones de danza cortesana de la época.

Georg Philipp Telemann (1681–1767): Telemann, contemporáneo cercano de Bach, trabajó con una variedad de músicos en varios géneros, incluida la ópera y la música orquestal. También fue compositor de danzas, incluido el ballet. Bach y Telemann no fueron colaboradores directos, pero compartieron entornos musicales similares y ambos estuvieron a la vanguardia de la música barroca en Alemania. Sus obras a menudo reflejaban las tendencias musicales más amplias de la época, mezclando estilos sacros, instrumentales y seculares.

4. Bach y los primeros compositores clásicos

Aunque Bach no trabajó directamente con los compositores clásicos emergentes, su música tuvo una influencia significativa en ellos, especialmente en aquellos que buscaban combinar elementos de la complejidad barroca con estructuras más accesibles e impulsadas por la melodía.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788): Su segundo hijo mayor, CPE Bach, estuvo profundamente influenciado por las técnicas contrapuntísticas de su padre, pero buscó desarrollar un estilo más expresivo y emocional. La transición de CPE Bach del barroco a la música clásica fue un puente directo entre las dos eras, y sus obras muestran la influencia de su padre a través de su uso de la forma y la innovación armónica.

Franz Joseph Haydn (1732-1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): si bien Bach no interactuó personalmente con Haydn ni con Mozart, su música tuvo un profundo impacto en su desarrollo, especialmente en términos de contrapunto y complejidad estructural. Admiraban la maestría contrapuntística de Bach, y ambos compositores incorporaron elementos de la música de Bach, especialmente sus fugas, en sus propias obras.

5. Bach y los teóricos e intérpretes de su tiempo

El compromiso de Bach con músicos de otros géneros también implicó su conexión directa con intérpretes y teóricos de la música que unieron varias formas musicales.

Johann David Heinichen (1683-1729): compositor y teórico de Dresde, Heinichen fue una figura importante del barroco alemán, que trabajó fuera del ámbito estrictamente litúrgico, incluso en la ópera. Él y Bach fueron contemporáneos, y su entorno musical compartido en Alemania probablemente dio lugar a cierta colaboración e influencia indirectas.

Francesco Cavalli (1602–1676): destacado compositor veneciano de ópera, Cavalli fue una de las figuras más importantes en el desarrollo de la ópera barroca. Si bien no hay evidencia directa de que Bach haya trabajado con Cavalli o incluso lo haya conocido, la exploración que hizo de la música vocal y orquestal refleja tendencias europeas más amplias, incluido el estilo operístico iniciado por compositores como Cavalli. Los oratorios sacros de Bach, como la Pasión según San Mateo, reflejan cierta expresividad operística, que combina las tradiciones vocales barrocas.

6. Bach y los músicos “franceses”

Aunque Bach se asocia principalmente con la música barroca alemana, también admiraba e incorporaba elementos estilísticos de músicos franceses, especialmente en sus obras instrumentales. Se sabe que copió música francesa para teclado, lo que ejerció una profunda influencia en su propia composición.

Jean-Baptiste Lully (1632–1687): Lully fue un destacado compositor de ópera barroca francesa y música de la corte. Aunque Bach nunca colaboró ​​directamente con Lully, recibió la influencia de los ritmos y las formas de danza francesas. Las Suites francesas de Bach y otras obras para clave muestran su compromiso con el estilo francés, que fusionó con sus técnicas contrapuntísticas alemanas.

7. Bach y músicos de otros países europeos

Antonio Vivaldi (1678–1741): Si bien Bach y Vivaldi no estuvieron asociados directamente en términos de colaboración personal, Bach recibió la influencia de los conciertos de Vivaldi, en particular a través de los arreglos que hizo de las obras de Vivaldi para órgano y clavecín. El uso que hizo Vivaldi de la forma ritornello y el virtuosismo en la escritura instrumental encontraron resonancia en las propias composiciones de Bach.

Resumen de las relaciones entre géneros:

Las interacciones directas de Bach con músicos de otros géneros ajenos a las tradiciones clásica y sagrada fueron limitadas, pero significativas para dar forma a su obra y su legado. Mantuvo interacciones profesionales con constructores de órganos, músicos de la corte y compositores contemporáneos de música operística y orquestal. Sin embargo, su influencia se extendió mucho más allá, especialmente cuando compositores posteriores de géneros como el período clásico adaptaron sus técnicas contrapuntísticas y armonías a sus propias obras.

Relación con Federico el Grande

La relación de Johann Sebastian Bach con Federico el Grande (1712-1786), rey de Prusia, es interesante y significativa desde el punto de vista histórico, aunque fue breve y no estuvo exenta de tensiones. La conexión entre ellos gira principalmente en torno a la visita de Bach a la corte de Federico en 1747 y la composición resultante de la Ofrenda musical, una de las obras más famosas de Bach.

La reunión de 1747

Federico el Grande, mecenas de las artes y músico experto (sobre todo en flauta), era conocido por buscar compositores e intérpretes talentosos para su corte en Berlín. En 1747, Bach, que vivía en Leipzig y ya era un compositor muy respetado, fue invitado a reunirse con el rey durante una visita a la capital.

El desafío de Federico: Según la famosa historia, Bach conoció a Federico el Grande en junio de 1747, cuando visitó la corte real en Potsdam, que estaba cerca de Berlín. Federico, que era un apasionado de la música y tocaba la flauta, se dice que le planteó a Bach un desafío musical. Tocó un tema con la flauta y le pidió a Bach que improvisara una fuga basada en él.

Respuesta de Bach: Se dice que Bach, maestro del contrapunto y la improvisación, creó inmediatamente una fuga basada en el tema de Federico, asombrando al rey y a su corte con su virtuosismo. Impresionado por la habilidad de Bach, Federico le pidió que regresara a la corte para realizar más compromisos musicales.

La ofrenda musical (1747)

Después de este encuentro, Bach compuso la Ofrenda musical (BWV 1079), un conjunto de composiciones que se basaban en el tema que Federico le había presentado. La obra, una de las composiciones más intrincadas e intelectualmente desafiantes de Bach, consta de un ricercar (una fuga) y varios cánones y partitas.
La composición refleja el profundo conocimiento que tenía Bach del contrapunto y su capacidad para trabajar con estructuras musicales complejas. Fue dedicada a Federico el Grande, aunque el propio rey no participó demasiado en su composición. La ofrenda de Bach muestra su respeto por los intereses musicales del rey, pero también es una demostración de su propia destreza artística.

La naturaleza de su relación

Mecenazgo: Aunque Federico el Grande fue un mecenas de las artes, no ofreció a Bach ningún puesto formal en su corte, como hizo con otros compositores. Bach trabajaba en ese momento en Leipzig, donde tenía un puesto estable como cantor en la iglesia de Santo Tomás. Sin embargo, la visita de Bach a la corte real indicó un respeto mutuo entre los dos hombres, aunque la relación de Bach con Federico no fue tan influyente financiera o políticamente como la de otros compositores que fueron invitados a su corte, como Carl Philipp Emanuel Bach (su hijo) o Franz Benda.

Diferencias musicales: Si bien Federico era un flautista consumado y un amante de la música, sus gustos se alineaban más con el estilo clásico emergente, que era menos contrapuntístico y se centraba más en la melodía y la simplicidad en comparación con el estilo barroco de Bach. Esta diferencia estilística puede haber limitado la profundidad de su relación personal o profesional. Federico también estuvo influenciado por las ideas más nuevas de la era clásica, que eran estilísticamente más modernas que las composiciones barrocas maduras de Bach.

Conclusión

La relación entre Johann Sebastian Bach y Federico el Grande fue breve y algo indirecta. Se basó principalmente en un único encuentro en 1747, durante el cual Bach impresionó al rey con su habilidad para la improvisación, lo que llevó a la composición de la Ofrenda musical. Si bien la corte de Federico apreciaba el genio de Bach, los dos hombres finalmente se separaron por diferencias estilísticas y diferentes roles musicales. No obstante, este encuentro marca un momento importante en la carrera posterior de Bach, ya que demuestra tanto su habilidad para la improvisación como su capacidad para relacionarse con un gobernante de una importante potencia europea, aunque no resultó en un mecenazgo duradero.

La música de Bach: ¿antigua o nueva?

La música de Johann Sebastian Bach puede considerarse tanto antigua como nueva durante su vida, dependiendo de la perspectiva desde la que se mire.

1. “Viejo” en términos de la tradición barroca:

Conservador en su estilo: Gran parte de la música de Bach se adhirió al estilo barroco, que ya estaba bien establecido en la época en que Bach componía. Heredó las tradiciones musicales del contrapunto (en particular la fuga), la ornamentación y la forma ritornello (usada en los conciertos) de compositores barrocos anteriores como Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli y Dieterich Buxtehude.

Prácticas barrocas: El uso que hacía Bach de técnicas contrapuntísticas estrictas (como fugas y cánones) era considerado por algunos como algo anticuado, especialmente cuando el mundo de la música comenzaba a orientarse hacia formas más simples y expresivas que caracterizarían el estilo clásico emergente. Este cambio estilístico fue especialmente notorio en las obras de compositores como Carl Philipp Emanuel Bach (su hijo), Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, que buscaban claridad y emoción por sobre el complejo contrapunto que definía las composiciones de Bach.

2. “Nuevo” en términos de innovación musical:

Experimentación armónica: El enfoque de Bach hacia la armonía fue innovador. Por ejemplo, a menudo utilizó la modulación (cambio de tonalidades) de maneras que eran innovadoras para su época, creando una paleta armónica más rica y dinámica. Su capacidad para crear estructuras complejas pero armoniosas, como en sus Conciertos de Brandeburgo o en El clave bien temperado, se adelantó a su tiempo.

Innovación estructural: Las composiciones de Bach eran sumamente intrincadas y técnicamente avanzadas. Su contrapunto estaba más desarrollado que el de los compositores anteriores, ampliando los límites de la escritura fugal y contrapuntística. Sus obras, como El arte de la fuga y Ofrenda musical, ejemplifican su dominio de estas técnicas, lo que representa un punto culminante en la tradición barroca que influiría en las generaciones venideras.

Desarrollo temático: En obras como la Pasión según San Mateo o la Misa en si menor, Bach utilizó el desarrollo temático de maneras que prefiguraban las técnicas de la era clásica. Estas piezas a menudo mostraban una profundidad dramática y emocional que aún no era común en la era barroca.

3. Recepción durante su tiempo:

Opiniones de los contemporáneos: Durante su vida, la música de Bach fue muy apreciada por su complejidad y brillantez técnica, especialmente por aquellos que apreciaban el profundo conocimiento que implicaba su composición, como CPE Bach, Carl Philipp Emanuel Bach (su hijo) y algunos de sus compañeros músicos en Leipzig. Sin embargo, muchos músicos y amantes de la música de la época encontraron su música demasiado intrincada, especialmente en los últimos años de su carrera, cuando el estilo clásico comenzó a afianzarse y el énfasis se desplazó hacia la melodía y la simplicidad.

Legado después de su muerte: Tras la muerte de Bach en 1750, su música cayó en un relativo olvido durante varias décadas. El auge de la música clásica y el rechazo del contrapunto barroco complejo hicieron que las obras de Bach fueran menos interpretadas y apreciadas a finales del siglo XVIII y principios del XIX. No fue hasta el resurgimiento de Bach en el siglo XIX, encabezado por figuras como Felix Mendelssohn, que la obra de Bach fue reexaminada y celebrada como un elemento fundamental de la música clásica occidental.

Conclusión:

En la época de Bach, su música podía considerarse antigua y nueva a la vez. Por un lado, estaba profundamente arraigada en la tradición barroca y se adhería a las prácticas musicales establecidas. Por otro lado, la obra de Bach traspasó los límites de la armonía, la estructura y el contrapunto, sentando las bases para el desarrollo futuro de la música clásica occidental. Por lo tanto, si bien su música formaba parte de una tradición más antigua, era revolucionaria en su profundidad, complejidad e innovación.

Obras destacadas para solo de clave

Johann Sebastian Bach compuso una importante cantidad de obras para clave, en las que demostró su dominio del contrapunto, la armonía y la profundidad expresiva. Muchas de estas obras se encuentran entre las más célebres del repertorio barroco. A continuación, se presentan algunas de las obras para clave solista más destacadas de Bach:

1. El clave bien temperado (Das Wohltemperierte Klavier), libros 1 y 2 (BWV 846–893)

Descripción: Una colección monumental de 48 preludios y fugas en todas las tonalidades mayores y menores, escrita en dos libros.
Importancia: Demuestra las posibilidades de la afinación en temperamento igual y el genio de Bach en el contrapunto y el desarrollo armónico.
Destacados: Preludio y fuga en do mayor (libro 1, BWV 846) y el dramático Preludio y fuga en do menor (libro 2, BWV 847).

2. Variaciones Goldberg (BWV 988)

Descripción: Un conjunto de 30 variaciones enmarcadas por un aria de apertura y otro de cierre. Compuesta originalmente para clavecín con dos teclados.
Importancia: Un pináculo de la forma de variación barroca, que muestra una combinación de virtuosismo técnico, rigor intelectual y profundidad emocional.
Variaciones notables: Canon en la octava (variación 12) y la virtuosa Variación 29.

3. Suites inglesas (BWV 806–811)

Descripción: Conjunto de seis suites, cada una de las cuales contiene una Allemande, Courante, Sarabande, Gigue y danzas o movimientos adicionales (como Bourrées o Gavottes).
Importancia: Se caracterizan por su grandiosidad y su intrincado contrapunto, probablemente escritas para un mecenas inglés o inspiradas en modelos ingleses.
Suites notables: Suite inglesa n.º 2 en la menor (BWV 807) y Suite inglesa n.º 3 en sol menor (BWV 808).

4. Suites francesas (BWV 812–817)

Descripción: Un conjunto de seis suites más ligeras e íntimas, cada una de ellas compuesta por movimientos de danza como Allemande, Courante, Sarabande y otros como Menuets y Gigues.
Significado: Refleja la adaptación de Bach del estilo de la suite de danza francesa con su propia complejidad contrapuntística y lirismo.
Suites notables: Suite francesa n.º 5 en sol mayor (BWV 816) y Suite francesa n.º 6 en mi mayor (BWV 817).

5. Partitas (BWV 825–830)

Descripción: Un conjunto de seis partitas, publicadas como Clavier-Übung I, cada una de las cuales contiene una secuencia de danzas estilizadas.
Importancia: Consideradas como algunas de las obras para clave de Bach más desafiantes técnicamente y artísticamente diversas, estas piezas son ricas en invención y carácter.
Partitas notables: Partita n.º 2 en do menor (BWV 826) y Partita n.º 6 en mi menor (BWV 830).

6. Fantasía cromática y fuga en re menor (BWV 903)

Descripción: Fantasía dramática e improvisada seguida de una fuga sumamente intrincada.
Significado: Conocida por su cromatismo audaz, sus florituras virtuosas y su profundidad emocional, es una de las obras para teclado solista más famosas de Bach.

7. Concierto italiano (BWV 971)

Descripción: Concierto escrito para clave solista, publicado como parte de Clavier-Übung II.
Significado: Emula el estilo de un concierto italiano, con movimientos rápidos y lentos contrastantes y una estructura externa brillante.
Movimientos: Allegro – Andante – Presto.

8. Tocatas (BWV 910–916)

Descripción: Una colección de siete toccatas, caracterizadas por su estilo improvisado y virtuoso, a menudo seguidas de intrincadas fugas.
Importancia: Estas obras se encuentran entre las primeras composiciones para teclado de Bach, y muestran su estilo compositivo y técnica de teclado tempranos.
Toccatas notables: Toccata en re menor (BWV 913).

9. Capricho sobre la partida de un hermano amado (BWV 992)

Descripción: Obra programática escrita en varios movimientos breves que describe la partida de un amigo o un hermano.
Significado: Un ejemplo poco común de una pieza narrativa de Bach que combina la expresión emocional con la narración musical.

10. Fantasías y fugas (varios números de BWV)
Descripción: Piezas individuales que combinan fantasías dramáticas e improvisadas con fugas de estructura estricta.
Significado: Estas obras muestran la habilidad de Bach para fusionar formas musicales libres y estrictas.

Resumen

La música para clave de Bach combina brillantez técnica, gran profundidad emocional y rigor intelectual. Estas obras siguen siendo celebradas no solo como obras maestras de la era barroca, sino también como contribuciones atemporales al repertorio para teclado.

Obras de Bach para pianistas y clavecinistas

Las obras para clave de Johann Sebastian Bach son muy apreciadas tanto por los intérpretes de clave como de piano moderno. A continuación, se incluye una lista de algunos de los clavecinistas y pianistas más famosos que han dado vida a las obras para teclado de Bach.

Clavecinistas famosos:

Wanda Landowska (1879-1959)

Contribución: Fue una de las primeras músicos en popularizar el clavicémbalo en el siglo XX. Sus grabaciones de Bach, incluidas las Variaciones Goldberg y El clave bien temperado, fueron revolucionarias e influyentes.
Legado: Tocaba con un clavicémbalo Pleyel, que tenía un sonido más rico, parecido al del piano, en comparación con los clavicémbalos históricos.

Gustav Leonhardt (1928-2012)

Contribución: Pionero de la interpretación históricamente informada (HIP). Las grabaciones de Leonhardt de El clave bien temperado, Partitas y Suites francesas se consideran puntos de referencia de la interpretación barroca.
Legado: Conocido por su uso de instrumentos barrocos auténticos y su interpretación precisa y expresiva.

Scott Ross (1951-1989)

Contribución: Famoso por grabar las obras completas para clave de Bach, incluidas todas las Partitas, Suites inglesas y Suites francesas.
Legado: Virtuoso con un estilo sumamente expresivo y técnicamente brillante.

Pierre Hantaï (nacido en 1964)

Contribución: Famoso por sus grabaciones de las Variaciones Goldberg, El clave bien temperado y otras obras para clave de Bach.
Legado: Las interpretaciones de Hantaï se destacan por su vitalidad rítmica y profundidad interpretativa.

Trevor Pinnock (nacido en 1946)

Contribución: Figura destacada del HIP. Sus grabaciones de los conciertos para clave y las obras solistas de Bach han recibido elogios de la crítica.
Legado: La interpretación de Pinnock equilibra claridad, energía y autenticidad estilística.

Pianistas famosos que interpretan obras para clave de Bach:

Glenn Gould (1932-1982)

Contribución: Conocido por sus icónicas grabaciones de las Variaciones Goldberg (1955 y 1981) y sus interpretaciones de El clave bien temperado.
Legado: Gould abordó las obras de Bach con claridad y precisión, y a menudo dividió opiniones debido a sus tempos y fraseos únicos.

Rosalyn Tureck (1913-2003)

Contribución: Conocida como la “Sacerdotisa Mayor de Bach”, Tureck aportó un enfoque profundamente intelectual y expresivo a la música para teclado de Bach.
Legado: Sus interpretaciones al piano de El clave bien temperado y otras obras influyeron en muchos pianistas, entre ellos Glenn Gould.

Murray Perahia (nacido en 1947)

Contribución: Conocido por sus interpretaciones elegantes y líricas de Las variaciones Goldberg y El clave bien temperado.
Legado: Las grabaciones de Perahia son elogiadas por su equilibrio de emoción y claridad estructural.

Angela Hewitt (nacida en 1958)

Contribución: Famosa por sus grabaciones de las obras completas para teclado de Bach, incluidas las Suites francesas, las Suites inglesas, las Partitas y las Variaciones Goldberg.
Legado: Las interpretaciones de Hewitt se destacan por su ligereza, precisión y expresión poética.

András Schiff (nacido en 1953)

Contribución: Las interpretaciones de Schiff de El clave bien temperado, Variaciones Goldberg y Partitas han sido muy aclamadas.
Legado: Sus interpretaciones combinan un profundo respeto por el contrapunto de Bach con matices expresivos.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Contribución: Richter, conocido por sus profundas interpretaciones de El clave bien temperado, aportó una intensidad única a las obras para teclado de Bach.
Legado: Sus grabaciones son famosas por su profundidad y potencia, y muestran cómo la música de Bach trasciende los instrumentos.

Evgeny Koroliov (nacido en 1949)

Contribución: Elogiado por su grabación de Las variaciones Goldberg, que muchos consideran una de las mejores interpretaciones modernas para piano.
Legado: El estilo de Koroliov es introspectivo y enfatiza la profundidad emocional y espiritual de Bach.

Comparación de interpretaciones de clavecín y piano:

Clavecinistas: Generalmente buscan la autenticidad histórica, concentrándose en la claridad y ornamentación que se adapta al toque más ligero del clavecín.

Pianistas: A menudo, utilizan un rango dinámico más amplio y el pedal de sustain para crear frases legato, lo que ofrece una perspectiva diferente y más romántica de la música de Bach.
Ambos enfoques revelan dimensiones únicas del genio de Bach, lo que hace que su música sea atemporal en todos los instrumentos y generaciones.

Obras notables

Las obras solistas sin teclado de Johann Sebastian Bach abarcan una amplia gama de géneros y demuestran su dominio de la música vocal, orquestal e instrumental. A continuación, se incluye una lista de obras destacadas, organizadas por categoría.

1. Obras orquestales

Conciertos de Brandeburgo (BWV 1046-1051)

Seis conciertos que muestran diversas combinaciones y texturas instrumentales.
Movimientos notables: Concierto n.º 3 en sol mayor (Allegro), Concierto n.º 5 en re mayor (famoso por su cadencia para clave).

Suites orquestales (BWV 1066–1069)

Cuatro suites con oberturas y danzas estilizadas.
Destacados: El ario de la Suite n.º 3 en re mayor (“Ario en la cuerda sol”).

Conciertos para violín

Concierto para dos violines en re menor (BWV 1043) (“Concierto doble”) – Célebre por su interacción entre los dos violines solistas.

Concierto para violín en la menor (BWV 1041): una obra maestra del repertorio para violín solo.
Conciertos para clavecín (transcripciones para otros instrumentos)

Muchos fueron adaptados de conciertos anteriores para violín u otros instrumentos.

2. Obras instrumentales

Sonatas y partitas para violín solo (BWV 1001–1006)

Seis obras que muestran la maestría de Bach en la polifonía en un instrumento de una sola línea.

Piezas notables: Chacona de la Partita No. 2 en re menor (BWV 1004).

Suites para violonchelo solo (BWV 1007–1012)

Seis suites para violonchelo solo, cada una con un preludio seguido de danzas estilizadas.

Aspectos destacados: Preludio de la Suite n.º 1 en sol mayor (BWV 1007).

Sonatas para flauta

Ejemplo: Sonata en si menor (BWV 1030), que combina elementos líricos y virtuosos.

La ofrenda musical (BWV 1079)

Una colección de cánones, fugas y una sonata en trío basada en un tema de Federico el Grande.

El arte de la fuga (BWV 1080)

Una exploración exhaustiva de las posibilidades contrapuntísticas, que quedó incompleta tras la muerte de Bach.

3. Obras corales y vocales

Misa en si menor (BWV 232)

Una ambientación monumental de la misa latina, que combina un contrapunto intrincado y arias expresivas.

Pasión según San Mateo (BWV 244)

Una puesta en escena dramática y profundamente conmovedora de la narración de la Pasión para coro doble y orquesta.
Características: Erbarme dich, mein Gott (una conmovedora aria para contralto).

Pasión según San Juan (BWV 245)

Una ambientación más breve e intensa que la Pasión según San Mateo.

Oratorio de Navidad (BWV 248)

Un conjunto de seis cantatas para la época navideña, celebrando la Natividad.

Magníficat (BWV 243)

Una alegre y virtuosa interpretación del himno de alabanza a la Virgen María.
Cantatas

Más de 200 cantatas sagradas y profanas conservadas, compuestas para servicios religiosos y ocasiones especiales.

Ejemplos:

Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) – “Durmientes, despierten”.
Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147) – Presenta el famoso “Jesús, la alegría del deseo del hombre”.

4. Obras para órgano

Tocata y fuga en re menor (BWV 565)

Una de las piezas para órgano más famosas, conocida por su dramática toccata inicial.

Pasacalle y fuga en do menor (BWV 582)

Una obra monumental basada en una línea de bajo repetitiva.

Preludio y fuga en mi mayor (BWV 552)

Enmarca el Clavier-Übung III, mostrando la maestría de Bach al órgano.

Preludios corales

Numerosas versiones de himnos luteranos, cada una de las cuales refleja una profunda comprensión teológica y musical.

5. Obras vocales profanas

Cantata del café (BWV 211)

Una cantata humorística sobre el amor de una joven por el café.

Cantata campesina (BWV 212)

Una obra alegre que celebra la vida rural y presenta melodías de estilo folclórico.

Resumen

Las obras de Bach demuestran una maestría sin igual en todos los géneros que exploró. Desde íntimas obras solistas hasta grandes obras maestras corales, su música sigue siendo una piedra angular de la tradición clásica occidental.

Grandes grabaciones de JS Bach

Las obras de Johann Sebastian Bach han inspirado innumerables grabaciones, cada una de las cuales ofrece una visión única de su música. A continuación, se incluye una selección de excelentes grabaciones de las obras de Bach, que abarcan diferentes géneros e interpretadas por algunos de los mejores artistas de la historia. Estas grabaciones son ampliamente aclamadas por su maestría, profundidad interpretativa y significado histórico.

1. Trabajos con teclado

El clave bien temperado

Glenn Gould (Piano): una interpretación legendaria y poco convencional, llena de claridad y energía.
András Schiff (Piano): un enfoque más lírico y expresivo, que muestra la profundidad emocional de las piezas.
Angela Hewitt (Piano): conocida por su toque ligero y fraseo meticuloso.
Gustav Leonhardt (Clavicín): históricamente informado y rico en detalles.

Variaciones Goldberg

Glenn Gould (piano, grabaciones de 1955 y 1981): dos grabaciones emblemáticas: la versión de 1955 es juvenil y virtuosa, mientras que la de 1981 es introspectiva y profunda.
Murray Perahia (piano): una interpretación refinada y equilibrada.
Pierre Hantaï (clavecín): vibrante e históricamente informada.
Wanda Landowska (clavecín): una grabación pionera con un estilo romántico distintivo.

Partitas y Suites Francesas

Rosalyn Tureck (piano): profundamente intelectual y emotiva.
Trevor Pinnock (clavecín): interpretaciones claras y vivaces con instrumentos de época.

2. Obras orquestales

Conciertos de Brandeburgo

Trevor Pinnock y The English Concert: una grabación de referencia con instrumentos de época.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel: enérgica e históricamente informada.
Herbert von Karajan y la Filarmónica de Berlín: una interpretación exuberante y romántica.
John Eliot Gardiner y los solistas barrocos ingleses: elegantes y vibrantes.

Suites orquestales

Jordi Savall y Le Concert des Nations: una interpretación vivaz e históricamente informada.
Trevor Pinnock y The English Concert: texturas claras y ritmos alegres.

3. Obras instrumentales solistas

Sonatas y Partitas para Violín Solo

Hilary Hahn (violín): técnicamente impecable y profundamente expresiva.
Jascha Heifetz (violín): un enfoque romántico y virtuoso.
Rachel Podger (violín): históricamente informado y lleno de calidez.
Nathan Milstein (violín): atemporal y profundo.

Suites para violonchelo

Pablo Casals (violonchelo): su primera grabación importante, llena de pasión y personalidad.
Yo-Yo Ma (violonchelo): en particular, su grabación de 1998, que equilibra emoción y maestría técnica.
Mstislav Rostropovich (violonchelo): grandiosa y profundamente personal.
Anner Bylsma (violonchelo): históricamente informada, con instrumentos de época.

4. Obras corales y vocales

Misa en si menor

John Eliot Gardiner y Monteverdi Choir: una sorprendente grabación con instrumentos de época.
Philippe Herreweghe y Collegium Vocale Gent: sublime y espiritualmente profunda.
Karl Richter y Munich Bach Choir: una interpretación romántica con poder dramático.

Pasión según San Mateo

Otto Klemperer y la Orquesta Filarmónica: una interpretación romántica monumental y profundamente conmovedora.
John Eliot Gardiner y los solistas barrocos ingleses: ritmo rápido e información histórica.
Nikolaus Harnoncourt y Concentus Musicus Wien: una grabación pionera de HIP.
Herbert von Karajan: intensamente dramática y ricamente orquestada.

Pasión según San Juan

John Eliot Gardiner y los solistas barrocos ingleses: urgente y dramático.
Philippe Herreweghe y Collegium Vocale Gent: íntimo y reflexivo.

Cantatas

Nikolaus Harnoncourt y Gustav Leonhardt (Cantatas completas): un proyecto monumental y con una base histórica.
John Eliot Gardiner (Bach Cantata Pilgrimage): vibrante y hermosamente grabada.
Suzuki Masaaki y Bach Collegium Japan (Cantatas completas): interpretaciones sublimes y espirituales.

5. Obras para órgano

Marie-Claire Alain (Obras completas para órgano): una grabación completa y hermosa.
Helmut Walcha (Obras completas para órgano): una grabación clásica, profundamente reveladora.
Ton Koopman: enérgica e históricamente informada.
E. Power Biggs: un enfoque romántico con grandiosidad.

6. El arte de la fuga (BWV 1080)

Glenn Gould (Piano) – Una interpretación clara y moderna.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel – Una versión conjunto con instrumentos de época.
Jordi Savall y Hespèrion XXI – Interpretadas con violas, ofreciendo texturas únicas.

7. La ofrenda musical (BWV 1079)

Karl Richter – Una interpretación romántica.
Jordi Savall y Le Concert des Nations – Una obra con una base histórica y un fraseo hermoso.
Pierre Hantaï y amigos – Una obra clara y cautivadora.

Resumen

Estas grabaciones representan una variedad de enfoques de la música de Bach, desde interpretaciones con fundamento histórico hasta interpretaciones modernas. Cada grabación arroja luz sobre una faceta diferente del genio de Bach y ofrece algo para cada oyente.

(Este artículo ha sido escrito por ChatGPT.)

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Mémorudom sur J. S. Bach (1685 – 1750)

Aperçu

Johann Sebastian Bach (1685–1750) était un compositeur, organiste et violoniste allemand, largement considéré comme l’un des plus grands compositeurs de l’histoire de la musique classique occidentale. Il était une figure centrale de l’époque baroque et un maître du contrepoint, de l’harmonie et de la forme musicale. Ses œuvres englobent une vaste gamme de styles et de genres, et continuent d’influencer la musique d’aujourd’hui.

Vie et carrière

Début de la vie:

Né le 31 mars 1685 à Eisenach, en Allemagne, dans une famille de musiciens.
Orphelin à l’âge de 10 ans, il vit avec son frère aîné, Johann Christoph, qui l’initie au clavier.
Il étudie à la prestigieuse école Saint-Michel de Lunebourg.

Vie professionnelle:

Il fut musicien à la cour de Weimar, de Köthen, puis directeur musical à l’église Saint-Thomas de Leipzig.
Il était connu pour ses talents d’organiste et de compositeur, notamment dans les œuvres sacrées et profanes.
Ses fonctions l’amenaient souvent à composer des cantates hebdomadaires pour les services religieux, qui devinrent certaines de ses œuvres les plus célèbres.

Vie personnelle :

Marié deux fois : d’abord avec Maria Barbara Bach (morte en 1720), puis avec Anna Magdalena Wilcke.
Père de 20 enfants, dont plusieurs, comme Carl Philipp Emanuel Bach, devinrent des compositeurs célèbres.

Travaux majeurs

Musique sacrée :

Messe en si mineur : une mise en musique monumentale de la messe latine.
Passion selon saint Matthieu et Passion selon saint Jean : œuvres profondes pour voix et orchestre illustrant la Passion du Christ.
Des centaines de cantates, dont Jesu, Joy of Man’s Desiring et Wachet auf.

Œuvres instrumentales :

Le Clavier bien tempéré : deux séries de préludes et de fugues dans toutes les tonalités majeures et mineures.
Les Concertos brandebourgeois : un ensemble de six œuvres orchestrales mettant en valeur les textures instrumentales baroques.
Les Variations Goldberg : un ensemble de variations pour clavier réputé pour leur profondeur technique et expressive.
Des suites pour instruments solistes, telles que les Suites pour violoncelle et les Partitas pour violon.

Œuvres pour clavier et orgue :

Toccata et fugue en ré mineur : l’une de ses œuvres pour orgue les plus emblématiques.
Préludes et fugues de choral qui ont défini le répertoire baroque pour orgue.

Héritage

La musique de Bach n’a pas été appréciée par le grand public après sa mort, tombant en disgrâce à l’époque classique. Cependant, un renouveau au XIXe siècle, mené par des compositeurs comme Felix Mendelssohn, a rétabli sa place de géant dans l’histoire de la musique.
Son utilisation du contrepoint et de l’innovation harmonique a établi une norme pour les compositeurs ultérieurs.
Aujourd’hui, ses œuvres sont fondamentales pour les interprètes et les étudiants, incarnant les sommets techniques et spirituels de la musique occidentale.
Souhaitez-vous approfondir un aspect spécifique de la vie ou des œuvres de Bach ?

Histoire

Johann Sebastian Bach est né le 31 mars 1685 à Eisenach, en Allemagne, dans une famille ayant une profonde tradition musicale. La famille Bach a produit plusieurs générations de musiciens, et son père, Johann Ambrosius Bach, était musicien et directeur des musiciens de la ville. Johann Sebastian était l’un des huit enfants, et ses premières années ont été marquées par la tragédie. Il a perdu ses deux parents à l’âge de 10 ans, ce qui l’a conduit à vivre avec son frère aîné, Johann Christoph Bach, dans la ville de Lunebourg. Là, il a reçu une éducation musicale formelle à l’école Saint-Michel, qui lui a permis d’accéder à une formation musicale avancée.

La carrière musicale de Bach débute par de nombreux postes qu’il occupe dans toute l’Allemagne. En 1703, à l’âge de 18 ans, il commence à travailler comme organiste à l’église Saint-Blaise de Mühlhausen. Ses talents d’organiste lui valent rapidement d’être reconnu et c’est là qu’il compose certaines de ses premières œuvres sacrées, notamment la cantate BWV 106 et plusieurs pièces pour orgue. Son succès à Mühlhausen est cependant de courte durée et, en 1708, il s’installe à la cour du duc Guillaume Ernst à Weimar, où il est nommé premier violon et organiste de la cour.

Durant son séjour à Weimar, Bach composa nombre de ses œuvres pour orgue les plus célèbres, notamment la Toccata et Fugue en ré mineur et les Concertos brandebourgeois, qui témoignent de sa maîtrise de la musique instrumentale. Cependant, son rôle se concentra de plus en plus sur la musique sacrée, notamment les cantates et les oratorios, qui étaient régulièrement interprétés lors des offices religieux. Ses cantates étaient composées avec un profond sens de la réflexion théologique et utilisaient souvent des structures harmoniques et un contrepoint innovants.

En 1717, Bach accepta le poste de Kapellmeister (directeur musical) à la cour du prince Léopold de Köthen. Il s’agissait d’une fonction plus laïque, où Bach était libéré des exigences de la musique liturgique, ce qui lui permettait de se concentrer sur la musique instrumentale. Il composa les Concertos brandebourgeois à cette époque, ainsi que de nombreuses œuvres de chambre, telles que les Sonates et Partitas pour violon seul et les Suites pour violoncelle. Cependant, malgré la liberté artistique que lui offrait Köthen, la vie personnelle de Bach se heurta à des difficultés. Sa première femme, Maria Barbara, mourut en 1720, et il se remaria plus tard avec Anna Magdalena Wilcke, une chanteuse talentueuse.

En 1723, Bach occupe le poste prestigieux de cantor à l’église Saint-Thomas de Leipzig, poste qu’il occupera jusqu’à la fin de sa vie. En tant que cantor, il est chargé de superviser la musique dans plusieurs églises de la ville et de composer de nombreuses cantates pour les offices du dimanche. C’est à cette époque que Bach produit certaines de ses œuvres sacrées les plus importantes, notamment la Passion selon saint Matthieu, la Passion selon saint Jean et la Messe en si mineur, ainsi qu’une multitude de compositions pour orgue, chœur et orchestre. Sa musique de cette période est profondément expressive et profonde, traitant souvent de thèmes tels que la foi, le salut et la condition humaine.

Malgré sa prolifique production, la musique de Bach n’a pas bénéficié de son vivant de la même reconnaissance qu’elle le sera au cours des siècles suivants. Ses compositions étaient très appréciées dans certains cercles mais n’ont pas atteint une renommée considérable en dehors de Leipzig. Il était un musicien respecté, mais son style était souvent considéré comme démodé par rapport aux compositeurs classiques émergents comme Haydn et Mozart.

La santé de Bach commença à se détériorer au milieu des années 1740 et, en 1750, il était devenu presque aveugle. Il mourut le 28 juillet 1750, à l’âge de 65 ans. Dans les années qui suivirent sa mort, sa musique tomba dans un relatif oubli jusqu’au XIXe siècle, où elle fut relancée par des personnalités telles que Felix Mendelssohn. La célèbre interprétation de la Passion selon saint Matthieu par Mendelssohn en 1829 raviva l’intérêt pour les œuvres de Bach et, au fil du temps, sa musique fut considérée comme le summum de la composition baroque.

Aujourd’hui, Johann Sebastian Bach est universellement reconnu comme l’un des plus grands compositeurs de l’histoire de la musique occidentale. Ses œuvres sont vénérées pour leur complexité, leur profondeur émotionnelle et leur innovation technique. Sa maîtrise du contrepoint, de l’harmonie et de la forme continue d’influencer les compositeurs et les musiciens du monde entier.

Chronologie

1685 : Naissance le 31 mars à Eisenach, en Allemagne, dans une famille de musiciens.
1695 : Décès de son père, Johann Ambrosius Bach.
1702 : Devient organiste à l’église Saint-Blaise de Mühlhausen.
1703 : Nommé organiste à l’église Saint-Thomas de Leipzig et musicien à la cour de Weimar.
1708 : Nommé premier violon et organiste à la cour de Weimar.
1717 : Devient maître de chapelle à la cour du prince Léopold à Köthen.
1720 : Décès de sa première femme, Maria Barbara Bach.
1723 : Nommé cantor à l’église Saint-Thomas de Leipzig, où il restera jusqu’à la fin de sa vie.
Années 1730-1740 : Compose d’importantes œuvres sacrées comme la Passion selon saint Matthieu, la Passion selon saint Jean et la Messe en si mineur.
1747 : Compose L’Offrande musicale et L’Art de la fugue.
1750 : Décès le 28 juillet, à l’âge de 65 ans, à Leipzig.

Caractéristiques de la musique

La musique de Jean-Sébastien Bach est réputée pour sa complexité, sa profondeur émotionnelle et sa maîtrise technique. Voici quelques caractéristiques clés de la musique de Bach :

1. Contrepoint :

Bach est considéré comme un maître du contrepoint, qui consiste à entrelacer harmonieusement deux ou plusieurs mélodies indépendantes. Son utilisation du contrepoint est visible dans des œuvres comme Le Clavier bien tempéré et L’Art de la fugue. La forme de contrepoint la plus remarquable qu’il utilisait était la fugue, où un thème est introduit puis développé par des entrées imitatives.

2. Harmonie et tonalité :

La musique de Bach est riche en progressions harmoniques, explorant souvent des changements d’accords complexes et inattendus. Il fut un pionnier dans l’utilisation de l’harmonie fonctionnelle, où les accords ont des relations spécifiques dans une tonalité, et modulent souvent entre les tonalités, donnant à sa musique à la fois tension et résolution.
Bach fut l’une des figures clés de l’établissement de l’harmonie tonale, qui a influencé plus tard les compositeurs classiques.

3. Utilisation de l’ornementation :

L’ornementation, comme les trilles, les mordants et les appoggiatures, était une caractéristique typique de la musique baroque. Bach a largement utilisé ces techniques, ajoutant de l’expressivité et de la virtuosité à ses mélodies.

4. Texture polyphonique :

La musique de Bach présente souvent une texture polyphonique, où plusieurs lignes mélodiques d’égale importance sont entendues simultanément. Cela est particulièrement évident dans ses fugues et ses canons, ainsi que dans ses œuvres chorales et orchestrales.
Son écriture à plusieurs voix peut être complexe et dense, mais chaque voix reste distincte, créant un son riche et stratifié.

5. Structure formelle :

Les compositions de Bach suivent généralement des formes baroques, comme la forme ritournelle (utilisée dans les concertos), les formes binaires et ternaires (souvent dans les suites de danse) et la forme fugue (dans nombre de ses œuvres instrumentales).
Sa capacité à s’adapter et à innover dans ces formes était l’une de ses forces.

6. Mélodie :

Les mélodies de Bach sont souvent longues et pleines de phrasés expressifs. Bien que sa musique puisse être complexe, ses mélodies sont généralement claires et chantables, avec un phrasé naturel et un équilibre entre tension et relâchement.
Il utilise souvent la séquence (répéter une phrase musicale à un niveau de hauteur différent), ce qui donne à ses mélodies un sentiment de développement.

7. Rythme :

La musique de Bach emploie une grande variété de motifs rythmiques, du plus simple et régulier au plus complexe et syncopé. Son utilisation de rythmes pointés (courants dans les formes de danse baroques) et de polyrythmies ajoute à la vitalité de sa musique.
Il incorpore souvent des rythmes motiviques, où de courts motifs rythmiques sont répétés et variés tout au long d’une pièce.

8. Profondeur expressive :

Malgré sa complexité intellectuelle, la musique de Bach est également très expressive sur le plan émotionnel. Ses œuvres sacrées, comme la Passion selon saint Matthieu et la Messe en si mineur, transmettent une grande profondeur émotionnelle par leur utilisation de la mise en musique, de l’harmonie et de l’orchestration.

9. Instrumentation :

La musique instrumentale de Bach met en valeur son utilisation innovante des instruments d’orchestre et à clavier. Ses œuvres orchestrales, comme les Concertos brandebourgeois, mettent en valeur son talent d’écriture pour diverses combinaisons instrumentales, avec souvent des parties solistes brillantes et virtuoses aux côtés de l’ensemble.
En tant que virtuose du clavier, Bach a beaucoup composé pour orgue et clavecin, avec des œuvres comme les Variations Goldberg et la Toccata et Fugue en ré mineur qui restent emblématiques du répertoire pour orgue.

10. Équilibre sacré et profane :

Si Bach est surtout connu pour sa musique religieuse (cantates, passions, messes), il a également composé d’importantes œuvres profanes, comme les Concertos brandebourgeois, des suites instrumentales et des œuvres pour clavier. Dans les deux domaines, sa musique affiche la même brillance technique et la même intensité émotionnelle.
La musique de Bach reste une pierre angulaire de la musique classique occidentale pour sa sophistication technique inégalée et sa capacité à transmettre une expression émotionnelle profonde dans le contexte de structures complexes.

Bach en tant que claveciniste et organiste

Johann Sebastian Bach était l’un des plus grands virtuoses du clavier de son temps, réputé pour son talent au clavecin et à l’orgue. Ses capacités extraordinaires en tant qu’interprète, improvisateur et compositeur l’ont établi comme une légende de son vivant et au-delà. Vous trouverez ci-dessous une exploration de ses réalisations et de son importance en tant que claveciniste et organiste.

1. Bach en tant que claveciniste

Virtuosité et compétence

Bach était largement reconnu pour sa maîtrise technique et son art expressif au clavecin.
Ses contemporains admiraient sa capacité à exécuter des passages complexes avec clarté et précision, même à grande vitesse.
Il avait une capacité d’improvisation extraordinaire, surprenant souvent le public par sa capacité à créer des fugues complexes sur-le-champ.

Interprétation et répertoire

Les interprétations de Bach au clavecin comprenaient ses propres compositions ainsi que celles d’autres compositeurs, mettant en valeur sa connaissance encyclopédique de la musique.

Les œuvres notables pour clavecin comprennent :
Le Clavier bien tempéré (BWV 846–893)
Variations Goldberg (BWV 988)
Partitas (BWV 825–830)
Concerto italien (BWV 971)

Improvisation et Compétitions

La réputation de Bach en tant que claveciniste s’est consolidée grâce à des concours publics. Par exemple,
en 1717, il concourut contre Louis Marchand, un célèbre claveciniste français. Selon la légende, Marchand se retira après avoir entendu Bach s’entraîner.
Ses talents d’improvisateur furent particulièrement remarqués lors de son séjour à Dresde, où il étonna le public en créant spontanément des fugues sur des thèmes donnés par d’autres.

Enseignant et innovateur

Bach était un professeur passionné de technique du clavecin et nombre de ses œuvres pédagogiques étaient conçues pour développer les compétences des élèves.
Ses innovations au clavecin comprenaient une attention particulière portée à la dynamique expressive et une exploration approfondie des textures contrapuntiques.

2. Bach comme organiste

Maîtrise précoce

Bach s’est fait connaître très tôt comme organiste.
À 20 ans, il a parcouru plus de 400 kilomètres à pied jusqu’à Lübeck pour étudier avec le célèbre organiste Dieterich Buxtehude, dont l’influence se reflète dans les premières œuvres pour orgue de Bach.
Ses postes d’organiste à Arnstadt, Mühlhausen et Weimar ont encore affiné ses compétences.

Génie de l’improvisation

Les improvisations à l’orgue de Bach étaient légendaires. Il était souvent invité à tester des orgues neufs ou reconstruits, où il mettait en valeur les capacités de l’instrument à travers des improvisations virtuoses et imaginatives.
Ses improvisations comprenaient souvent des fugues complexes et de riches progressions harmoniques qui laissaient le public bouche bée.

Rôle liturgique

En tant qu’organiste, Bach a joué un rôle clé dans l’accompagnement des services religieux et dans l’amélioration de la liturgie à travers ses compositions et ses improvisations.

Compositions pour orgue

Bach a composé certaines des plus grandes œuvres pour orgue du canon occidental, dont beaucoup témoignent de ses prouesses techniques et de sa profonde compréhension de l’instrument :
Toccata et fugue en ré mineur (BWV 565)
Passacaille et fugue en ut mineur (BWV 582)
Prélude et fugue en mi bémol majeur (BWV 552)
Orgelbüchlein (BWV 599-644) – Un recueil de préludes de chorals.
L’Art de la fugue (BWV 1080) – Souvent associé à l’orgue, bien qu’il soit adaptable à d’autres instruments.

Tests et conseils sur les organes

Bach était souvent invité à inspecter et à inaugurer des orgues dans toute l’Allemagne. Sa connaissance approfondie de la construction d’orgues faisait de lui un conseiller de confiance pour les facteurs d’orgues.

3. L’influence de Bach sur la technique du clavier

Innovations techniques

Bach a repoussé les limites de la technique du clavier en intégrant des éléments tels que :
des étirements larges des mains et des passages rapides des doigts.
Des textures contrapuntiques complexes qui nécessitent une indépendance précise des doigts.
L’utilisation du pédalier comme partie intégrante de la technique de l’orgue.

Contributions pédagogiques

De nombreuses œuvres de Bach, comme les Inventions et les Sinfonias (BWV 772–801), ont été écrites pour enseigner l’indépendance des doigts et le jeu contrapuntique.
Ses exercices et compositions ont contribué à établir les bases techniques et musicales des traditions ultérieures du clavier.

4. Reconnaissance contemporaine

Bach était très apprécié de son vivant pour ses talents de pianiste :
Johann Mattheson et Carl Philipp Emanuel Bach le considéraient comme un interprète hors pair de l’orgue et du clavecin.
Sa réputation attirait des visiteurs et des étudiants de toute l’Europe.

5. Legacy en tant que virtuose du clavier

Les œuvres pour clavecin et pour orgue de Bach demeurent au cœur du répertoire, célébrées pour leurs défis techniques, leur profondeur expressive et leur ingéniosité structurelle.
Ses techniques de clavier et ses innovations ont profondément influencé les générations suivantes de compositeurs, dont Mozart, Beethoven et Mendelssohn.

Résumé

En tant que claveciniste et organiste, Johann Sebastian Bach était un véritable maître, alliant virtuosité et art profond. Son talent d’improvisateur, ses innovations techniques et ses œuvres pédagogiques ont non seulement élevé le statut des instruments à clavier de son époque, mais ont également laissé un héritage durable qui continue d’inspirer les musiciens du monde entier.

Bach en tant que chantre

Jean-Sébastien Bach a été cantor de Saint-Thomas à Leipzig de 1723 jusqu’à sa mort en 1750. Ce poste, l’un des plus prestigieux de l’époque en Allemagne, a profondément marqué sa carrière et son héritage. Voici un aperçu de son rôle, de ses responsabilités et de ses contributions pendant son mandat de cantor.

Le rôle d’un chantre

À l’époque de Bach, un cantor n’était pas seulement un professeur de musique, mais aussi le principal musicien des églises dont il avait la charge. Le rôle de Thomaskantor de Bach comprenait plusieurs tâches :

Direction musicale liturgique :

Il a composé, dirigé et interprété des œuvres pour les offices de l’église Saint-Thomas (Thomaskirche) et de l’église Saint-Nicolas (Nikolaikirche) de Leipzig.
Il a supervisé la musique des offices du dimanche et des fêtes, ce qui l’a obligé à produire une grande quantité de musique sacrée.

Responsabilités d’enseignement :

Il a enseigné la musique et le latin à l’école Saint-Thomas, où les garçons recevaient une éducation générale.
Il a formé la chorale, composée d’élèves de l’école, et les a préparés aux représentations religieuses.

Fonctions administratives :

Gérer les musiciens, notamment embaucher et superviser les instrumentistes et les chanteurs pour les événements de l’église et du conseil municipal.
Superviser l’entretien et l’accordage des instruments de l’église comme les orgues et les clavecins.

L’œuvre de Bach en tant que chantre

Le mandat de Bach en tant que cantor fut marqué par son extraordinaire production de musique sacrée, dont une grande partie fut écrite pour le calendrier liturgique de Leipzig.

Cantates :

Il a composé plus de 200 cantates pour les offices hebdomadaires, dont plus de 100 ont été perdues.
Ces œuvres s’inscrivaient souvent dans le thème des lectures bibliques du jour.
Exemples : Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) et Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147).

Passions:

La Passion selon saint Matthieu (BWV 244) et la Passion selon saint Jean (BWV 245) sont des œuvres monumentales écrites pour les offices du Vendredi Saint.
Messe en si mineur (BWV 232) :

Bien qu’elle ne soit pas composée pour un usage religieux régulier, cette œuvre reflète son profond engagement envers les traditions de la musique sacrée.
Oratorio de Noël (BWV 248) :

Un ensemble de six cantates pour la période de Noël, mettant en valeur l’habileté de Bach à combiner des thèmes festifs avec une profonde expression religieuse.

Les défis en tant que chantre

Bach a dû faire face à des défis importants au cours de ses années à Leipzig :

Relations tendues avec les autorités :

Bach se heurtait souvent au conseil municipal de Leipzig, qui limitait parfois ses ressources ou interférait avec sa liberté de création.
Il trouvait que leurs attentes en matière d’enseignement et de tâches administratives étaient trop lourdes.

Charge de travail exigeante :

Le calendrier liturgique lui imposait de produire une musique de haute qualité à un rythme presque incessant.

Ressources limitées :

La chorale était souvent confrontée à un nombre insuffisant de membres et à un niveau de compétence insuffisant, ce qui frustrait Bach, qui recherchait l’excellence dans son interprétation.

L’héritage en tant que chantre

Malgré ces difficultés, la période de Bach en tant que Thomaskantor reste l’une des plus importantes de l’histoire de la musique occidentale :

Vaste répertoire sacré :

Ses années à Leipzig ont produit un corpus de musique sacrée sans égal en termes de profondeur, de variété et d’expression spirituelle.

Intégration de la théologie et de la musique :

Les œuvres de Bach reflètent sa foi profonde, avec une musique conçue pour éclairer et élever les textes bibliques.

Influence éducative :

Ses normes rigoureuses ont influencé des générations de musiciens, établissant une référence pour la musique d’église.

L’impact de la fonction de cantor de Bach

L’œuvre de Bach en tant que cantor de Saint Thomas illustre la fusion entre le génie artistique et le dévouement spirituel. Bien qu’il ait pu être frustré par certains aspects de sa fonction, ses réalisations au cours de cette période l’ont fermement établi comme l’un des plus grands compositeurs de l’histoire occidentale.

Bach comme professeur de musique

Johann Sebastian Bach n’était pas seulement un compositeur et un interprète d’une habileté sans pareille, mais aussi un professeur de musique très influent. Son travail dans le domaine de l’éducation musicale a considérablement façonné l’avenir de la musique occidentale, à la fois par son enseignement direct et par l’héritage pédagogique qu’il a laissé derrière lui.

Le rôle de Bach en tant que professeur de musique

Les activités d’enseignement de Bach étaient multiples, englobant ses rôles formels dans des institutions, ses cours particuliers et la création d’ouvrages pédagogiques.

1. Enseignement à l’école Saint-Thomas de Leipzig

En tant que Thomaskantor de 1723 à 1750, Bach était responsable de l’éducation des garçons à l’école Saint-Thomas, où il enseignait la musique, le chant et le latin.
Il formait les élèves à se produire dans les chœurs des églises Saint-Thomas et Saint-Nicolas, les préparant aux services hebdomadaires et aux occasions spéciales.
Les normes élevées de Bach ont contribué à établir une culture d’excellence dans l’interprétation chorale et instrumentale.

2. Cours particuliers

Bach provided private lessons to talented young musicians, including his own children and other aspiring professionals.
Several of his students, such as Johann Ludwig Krebs and Johann Friedrich Agricola, became notable composers and musicians in their own right.
His teaching often combined theoretical rigor with practical application, focusing on composition, performance, and improvisation.

3. Household Teaching

Bach’s children, particularly his sons Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich, and Johann Christian, received exceptional musical training.
Many of his sons became prominent composers, carrying forward and expanding upon Bach’s legacy in the Classical era.

Pedagogical Contributions

Bach’s approach to teaching was not limited to oral instruction; he also created an enduring body of pedagogical works that remain cornerstones of music education today.

1. The Well-Tempered Clavier (BWV 846–869, 870–893)

Composed as a teaching tool to demonstrate the expressive and technical possibilities of playing in all 24 major and minor keys.
Designed to develop a student’s ability to play polyphony and navigate complex harmonic progressions.

2. The Inventions and Sinfonias (BWV 772–801)

Written for his students, these short pieces teach two- and three-part counterpoint, hand independence, and musical expression.
They are often used by pianists and keyboard players as introductory works for mastering contrapuntal writing.

3. The Orgelbüchlein (Little Organ Book, BWV 599–644)

A collection of chorale preludes designed to teach organ technique and explore ways to ornament hymns for church performance.
Demonstrates the integration of technical exercises with artistic expression.

4. The Clavier-Übung (Keyboard Practice)

A four-part series of works that encompasses significant aspects of keyboard playing, including:
Part I: Six Partitas (BWV 825–830) – Advanced keyboard suites.
Part II: Italian Concerto and French Overture (BWV 971, 831).
Part III: Organ works based on Lutheran chorales.
Part IV: Goldberg Variations (BWV 988).

5. Canonic and Fugal Works

Works like The Art of Fugue (BWV 1080) and The Musical Offering (BWV 1079) serve as advanced studies in counterpoint, inspiring generations of composers.

6. Exercises in Composition

Bach frequently taught composition by having his students copy and analyze his works, as well as those of other great composers. This method emphasized understanding the structural and expressive aspects of music.

Teaching Philosophy

Bach’s teaching philosophy emphasized:

Mastery of Technique: His students were expected to develop impeccable technical skills on their instruments, including keyboard, strings, and voice.
Understanding of Counterpoint: Counterpoint was central to Bach’s teaching, as he believed it was the foundation of musical composition.
Practical Application: Bach encouraged improvisation and real-world application of skills, such as composing for church services or public performances.
Musical Expression: Bach’s works are not merely technical exercises; they demand and teach emotional depth and stylistic interpretation.

Influence and Legacy

Bach’s contributions to music education extended far beyond his lifetime:

Direct Influence: His sons and students spread his methods and ideas across Europe, influencing the early Classical style.
Pedagogical Standards: His works became staples of music education and remain central to the curriculum of conservatories and music schools worldwide.
Inspiration to Future Generations: Composers like Mozart, Beethoven, and Brahms revered Bach’s music, studying it intensely to refine their own techniques.

Summary

As a teacher, Bach not only nurtured individual talent but also created a systematic body of pedagogical works that transformed music education. His focus on technique, counterpoint, and expression continues to influence the way music is taught and understood, ensuring his legacy as one of the most impactful educators in the history of Western music.

Relations to Other Composers

Johann Sebastian Bach had various direct and indirect relationships with other composers, both through personal connections and through his influence on the music world. While Bach did not have many contemporaries who directly collaborated with him (as he often worked in isolated positions), his music left a lasting impact on those around him, and later composers revered him as a key figure in the development of Western classical music. Here are some notable relationships:

1. Family Connections

Bach was part of a large musical family, and many of his relatives were also composers and musicians:

Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784): Bach’s eldest son, who was a talented composer and organist. He worked in various positions but struggled with stability. His music was influenced by his father’s style, though he also experimented with more modern forms.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Perhaps the most famous of Bach’s sons, he was one of the leading composers of the early Classical period. C.P.E. Bach was a key figure in the transition from the Baroque to the Classical style and was deeply influenced by his father’s work, though his style evolved in new directions.

Johann Christoph Friedrich Bach (1732–1795) : autre fils de Bach, connu pour son travail à la cour du duc de Mecklembourg. Son style s’inscrit davantage dans la lignée des tendances classiques émergentes, tout en reflétant l’influence de son père.

Johann Christian Bach (1735–1782) : fils cadet de Bach, surnommé le « Bach de Londres » en raison de son séjour en Angleterre. Son style s’inscrit davantage dans la lignée de l’époque classique et il a eu une influence significative sur le développement de la forme symphonique. Sa musique a constitué un pont entre les périodes baroque et classique.

2. Relation avec les contemporains

Bien que Bach ait vécu une grande partie de sa vie dans une relative obscurité, il a eu des interactions directes ou indirectes avec plusieurs compositeurs clés de son époque :

Georg Philipp Telemann (1681–1767) : Telemann et Bach étaient contemporains et travaillaient tous deux à Leipzig (bien que Bach ait occupé une position plus importante). Ils se connaissaient et partageaient un respect mutuel pour la musique de l’autre. En fait, Telemann a même recommandé Bach pour son poste à Leipzig. Bien que leurs styles soient différents (Telemann était plus expérimental et éclectique), ils étaient tous deux des musiciens très appréciés à leur époque.

Johann David Heinichen (1683–1729) : contemporain de Bach, Heinichen était un compositeur et théoricien de la musique qui travaillait à Dresde. Bach et Heinichen étaient tous deux des figures marquantes du baroque allemand, et Bach connaissait probablement l’œuvre de Heinichen. La musique de Bach, en particulier ses cantates, avait une structure similaire à celle des compositions de Heinichen.

Dieterich Buxtehude (1637–1707) : Buxtehude a eu une influence majeure sur Bach durant sa jeunesse. Bach a voyagé d’Arnstadt à Lübeck pour entendre Buxtehude jouer de l’orgue et étudier sa musique. Cette rencontre a eu un impact durable sur le style de Bach, en particulier sur ses compositions pour orgue, qui présentent des éléments du contrepoint et des harmonies de Buxtehude.

3. Influence sur les compositeurs ultérieurs

Bien que la musique de Bach n’ait pas été largement célébrée de son vivant (en dehors de certains cercles), son influence sur les compositeurs ultérieurs, en particulier dans les périodes classique et romantique, a été profonde :

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) : Mozart fut profondément influencé par la musique de Bach. Il admirait son talent contrapuntique et étudiait souvent ses fugues et d’autres œuvres. L’utilisation du contrepoint par Mozart lui-même dans des œuvres comme son Requiem et ses mouvements de style fugue dans ses symphonies témoignent de l’influence durable de Bach.

Ludwig van Beethoven (1770–1827) : Beethoven a également été influencé par la musique de Bach, en particulier dans ses premières œuvres. Il admirait la rigueur intellectuelle et le contrepoint de Bach, incorporant souvent des éléments de la technique de fugue de Bach dans ses écrits symphoniques. Les célèbres quatuors à cordes tardifs de Beethoven présentent des traces du style contrapuntique de Bach.

Felix Mendelssohn (1809–1847) : Mendelssohn a joué un rôle essentiel dans la renaissance de la musique de Bach au XIXe siècle. Il a dirigé la célèbre représentation de la Passion selon saint Matthieu en 1829, qui a contribué à faire redécouvrir Bach au grand public. Mendelssohn était un admirateur de la musique de Bach et interprétait souvent ses œuvres.

Johannes Brahms (1833–1897) : Brahms est un autre compositeur qui a étudié en profondeur l’œuvre de Bach, en particulier ses techniques contrapuntiques. Les Variations sur un thème de Haydn et les fugues de Brahms témoignent de l’influence des techniques de composition de Bach.

Claude Debussy (1862–1918) : Bien qu’issu d’une tradition musicale différente, Debussy a été influencé par Bach, notamment dans son approche de la forme et de l’harmonie. Debussy admirait la maîtrise structurelle de Bach, et son utilisation du contrepoint et des harmonies modales peut être attribuée à l’influence de Bach.

4. L’influence de J.S. Bach sur l’éducation musicale

La musique de Bach est également devenue une référence dans l’enseignement musical, surtout après le XIXe siècle. Ses compositions étaient souvent étudiées dans les conservatoires et ses méthodes de contrepoint sont devenues des outils pédagogiques essentiels pour les générations futures de compositeurs. De nombreux compositeurs de la période classique ont appris les fugues, les canons et les progressions harmoniques de Bach dans le cadre de leur formation formelle.

5. L’héritage de Bach

Bien que Bach n’ait pas eu de relations directes avec de nombreux compositeurs extérieurs à sa famille, sa musique a eu une profonde influence sur la trajectoire de la musique classique occidentale. Sa maîtrise du contrepoint, de l’harmonie et de la forme est devenue le fondement de générations de compositeurs qui l’ont vénéré comme un modèle d’excellence musicale.

Compositeurs similaires

Plusieurs compositeurs partageaient des traits stylistiques avec Johann Sebastian Bach, que ce soit par leur utilisation du contrepoint, leur complexité harmonique ou leurs contributions au style baroque. Bien que chaque compositeur ait eu sa propre voix, les compositeurs suivants sont considérés comme similaires à Bach en termes d’influence, de style ou d’innovations musicales :

1. Georg Philipp Telemann (1681-1767)

Similarité : Telemann et Bach étaient contemporains de la période baroque allemande et tous deux employaient des techniques similaires de contrepoint, d’harmonies complexes et d’innovation orchestrale. La musique de Telemann était cependant plus éclectique, incorporant des éléments de musique folklorique et d’autres styles européens, mais ses œuvres démontrent toujours une maîtrise du contrepoint proche de celle de Bach.
Œuvres clés : Tafelmusik, Concerto en ré majeur, Oratorios de la Passion.

2. Dieterich Buxtehude (1637-1707)

Similitudes : Buxtehude a eu une influence majeure sur Bach, notamment en ce qui concerne la musique d’orgue. Bach a étudié de près les œuvres de Buxtehude, et l’utilisation abondante du contrepoint et des harmonies par ce dernier se retrouve dans ses propres compositions pour orgue. Les deux compositeurs ont utilisé un contrepoint complexe et des textures expressives dans leur musique sacrée.
Œuvres clés : Membra Jesu Nostri, Passacaille en ré mineur, Préludes pour orgue.

3.Antonio Vivaldi (1678-1741)

Similarité : Vivaldi, maître de la forme baroque du concerto, partageait la fascination baroque pour le contraste, l’énergie et l’ornementation. Bien que sa musique soit souvent plus homophonique et virtuose que la polyphonie complexe de Bach, les deux compositeurs ont utilisé la dynamique rythmique et l’audace harmonique dans leurs œuvres. Bach admirait les concertos de Vivaldi et en arrangé plusieurs pour le clavier et d’autres instruments.
Œuvres clés : Les Quatre Saisons, Concerto pour deux violons, Gloria.

4. Arcangelo Corelli (1653-1713)

Similarité : Corelli fut une figure clé dans le développement de la forme baroque du concerto grosso, et sa musique a fortement influencé les compositeurs baroques ultérieurs, dont Bach. Ses œuvres ont un style raffiné et élégant qui équilibre la clarté harmonique avec les textures polyphoniques, similaire à l’approche de Bach.
Œuvres clés : Concerto Grosso Op. 6, Sonata da chiesa.

5. Johann David Heinichen (1683-1729)

Similitudes : Heinichen était un autre compositeur baroque connu pour son travail à Dresde, et il était contemporain de Bach. Son style, en particulier dans sa musique orchestrale et ses œuvres sacrées, était similaire à celui de Bach en termes de complexité et de contrepoint. Bach et Heinichen faisaient tous deux partie de la tradition baroque allemande, et les œuvres orchestrales de Heinichen ont peut-être influencé l’orchestration et l’utilisation des textures de Bach.

Œuvres clés : Concerto Grosso Op. 6, Lamentations.

6. François Couperin (1668–1733)

Similitudes : Compositeur baroque français connu pour ses œuvres pour clavecin, la musique de Couperin partage l’utilisation de l’ornementation, de l’exploration harmonique et du contrepoint complexe de Bach. Alors que le style de Couperin est souvent plus délicat et lyrique, ses œuvres pour clavier révèlent une compréhension sophistiquée de la forme et de l’ornementation, tout comme les propres compositions pour clavier de Bach.
Œuvres clés : Pièces de Clavecin, Les Nations, L’Art de toucher le clavecin.

7. Jean-Baptiste Lully (1632–1687)

Similitude : Lully, le principal compositeur de l’opéra baroque français, utilisait un contrepoint complexe et une orchestration riche, à l’instar de Bach. Bien que Lully soit principalement connu pour ses œuvres lyriques et orchestrales, son influence sur la musique baroque, en particulier dans le domaine de la musique de cour française, fait écho à la complexité structurelle que Bach a également adoptée dans ses propres compositions.
Œuvres clés : Armide, Le Bourgeois Gentilhomme, Te Deum.

8. Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788)

Similitudes : CPE Bach, deuxième fils aîné de Johann Sebastian Bach, a été influencé par le style de son père mais a également exploré le style classique émergent. Bien que sa musique soit plus expressive sur le plan émotionnel et s’éloigne de certaines conventions baroques, son utilisation d’harmonies expressives, de contrastes dynamiques et de contrepoint reflète une filiation directe avec la musique de son père.
Œuvres clés : Symphonies de Hambourg, Sonates pour clavier, Concertos pour flûte.

9. Giovanni Battista Pergolèse (1710-1736)

Similarité : Si les œuvres de Pergolèse ont tendance à être plus légères et plus mélodiques que celles de Bach, son utilisation de l’harmonie et du contrepoint dans l’opéra et la musique sacrée montre un sens de la structure et du développement proche de celui de Bach. La musique sacrée de Pergolèse, en particulier dans le Stabat Mater, partage une profondeur émotionnelle avec les compositions religieuses de Bach.
Œuvres clés : Stabat Mater, La Serva Padrona, Missa en ut mineur.

10. Francesco Cavalli (1602-1676)

Similitudes : Compositeur baroque vénitien et figure clé du développement de l’opéra, les œuvres chorales et orchestrales de Cavalli présentent un contrepoint complexe et un développement harmonique similaire à celui de Bach. Bien que Cavalli se soit principalement concentré sur l’opéra, sa musique sacrée présente des éléments structurels complexes qui présentent un point commun avec les compositions sacrées de Bach.
Œuvres clés : Giasone, Messa Concertata.

Bien qu’aucun compositeur ne ressemble exactement à Bach, les figures citées ci-dessus partagent certains éléments communs dans leur musique, que ce soit par leur utilisation du contrepoint, leur sophistication harmonique ou leurs contributions à la période baroque. Les œuvres de Bach se distinguent par leur synthèse unique de ces qualités, ce qui rend sa musique intemporelle et influente.

Relations avec des personnes appartenant à d’autres genres

Bien que étroitement associé à la tradition classique baroque, Johann Sebastian Bach avait quelques liens directs avec des musiciens d’autres genres musicaux de son époque. Ces liens, bien que moins bien documentés ou aussi nombreux que ses relations avec la sphère classique, révèlent des interactions intéressantes entre les genres. En voici quelques exemples notables :

1. La relation de Bach avec les facteurs d’orgues

Bach entretenait des relations directes avec les facteurs d’orgues, car son travail d’organiste était au cœur de sa production. Il était connu pour travailler en étroite collaboration avec les facteurs d’orgues afin de s’assurer que les instruments répondaient à ses besoins artistiques.

Gottfried Silbermann (1683–1753) : l’un des plus importants facteurs d’orgues de l’époque, Silbermann a construit plusieurs orgues pour que Bach puisse jouer et les utiliser dans ses compositions. Bach admirait les instruments de Silbermann et proposait des améliorations. Cette collaboration entre compositeur et facteur reflète l’engagement pratique de Bach envers le son instrumental en dehors de la composition purement musicale.

2. Bach et les musiciens de la cour de Dresde

Le séjour de Bach à Köthen (1717-1723) coïncide avec les activités des musiciens de la cour de Dresde, notamment des compositeurs travaillant dans des genres plus profanes.

Carl Heinrich Graun (1704–1759) : Bien que Graun soit principalement connu pour ses opéras, il était également membre de la cour de Dresde et contemporain de Bach. Bach connaissait probablement les compositions lyriques de Graun, bien que leur lien direct ne soit pas bien documenté. La connaissance par Bach des traditions lyriques de l’époque a peut-être influencé son approche de la musique vocale et chorale.

Franz Benda (1709–1786) : violoniste et compositeur associé à la cour de Dresde, Benda était connu pour ses concertos pour violon et il a peut-être eu une influence indirecte sur les œuvres orchestrales de Bach. Cependant, la relation entre Bach et Benda n’est pas documentée en profondeur et toute collaboration directe reste incertaine.

3. La relation de Bach avec les musiciens et danseurs de la cour

L’engagement de Bach auprès des danseurs et des musiciens évoluant dans des genres profanes, tels que l’opéra et le ballet, s’est fait indirectement par le biais de ses relations avec diverses cours nobles. Bach a composé de nombreuses œuvres pour la danse, telles que les Suites orchestrales, qui reflètent l’influence des traditions de danse courtoise de l’époque.

Georg Philipp Telemann (1681–1767) : Telemann, un contemporain proche de Bach, a travaillé avec de nombreux musiciens dans des genres variés, notamment l’opéra et la musique orchestrale. Il a également composé des danses, notamment des ballets. Bach et Telemann n’étaient pas des collaborateurs directs, mais partageaient des environnements musicaux similaires et étaient tous deux à l’avant-garde de la musique baroque en Allemagne. Leurs œuvres reflétaient souvent les tendances musicales plus larges de l’époque, mélangeant les styles sacrés, instrumentaux et profanes.

4. Bach et les premiers compositeurs classiques

Bien que Bach n’ait pas travaillé directement avec les compositeurs classiques émergents, sa musique a eu une influence significative sur eux, en particulier sur ceux qui cherchaient à combiner des éléments de complexité baroque avec des structures plus accessibles et axées sur la mélodie.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788) : Son deuxième fils aîné, CPE Bach, fut profondément influencé par les techniques contrapuntiques de son père, mais chercha à développer un style plus expressif et plus émotionnel. La transition de CPE Bach de la musique baroque à la musique classique fut un pont direct entre les deux époques, et ses œuvres témoignent de l’influence de son père à travers leur utilisation de la forme et de l’innovation harmonique.

Franz Joseph Haydn (1732–1809) et Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) : Bien que Bach n’ait pas eu d’interaction personnelle avec Haydn ou Mozart, sa musique a eu une profonde influence sur leur développement, notamment en termes de contrepoint et de complexité structurelle. Ils admiraient la maîtrise contrapuntique de Bach, et les deux compositeurs ont incorporé des éléments de la musique de Bach, en particulier ses fugues, dans leurs propres œuvres.

5. Bach et les théoriciens et interprètes de son temps

L’engagement de Bach auprès de musiciens d’autres genres impliquait également sa connexion directe avec des interprètes et des théoriciens de la musique qui jetaient des ponts entre différentes formes musicales.

Johann David Heinichen (1683–1729) : compositeur et théoricien de Dresde, Heinichen fut une figure importante du baroque allemand, qui travailla en dehors du domaine strictement liturgique, notamment dans l’opéra. Bach et lui étaient contemporains, et leur environnement musical commun en Allemagne a probablement donné lieu à une collaboration et une influence indirectes.

Francesco Cavalli (1602–1676) : éminent compositeur d’opéra vénitien, Cavalli fut l’une des figures majeures du développement de l’opéra baroque. Bien qu’il n’existe aucune preuve directe que Bach ait travaillé avec Cavalli ou même l’ait rencontré, l’exploration personnelle de Bach de la musique vocale et orchestrale reflète des tendances européennes plus larges, notamment le style opératique lancé par des compositeurs comme Cavalli. Les oratorios sacrés de Bach, comme la Passion selon saint Matthieu, reflètent une certaine expressivité opératique, mêlant les traditions vocales baroques.

6. Bach et les musiciens « français »

Bien que Bach soit principalement associé à la musique baroque allemande, il admirait et incorporait également des éléments stylistiques des musiciens français, en particulier dans ses œuvres instrumentales. Il était connu pour avoir copié la musique pour clavier française, ce qui a eu une profonde influence sur sa propre composition.

Jean-Baptiste Lully (1632–1687) : Lully est un compositeur majeur de l’opéra baroque français et de la musique de cour. Bien que Bach n’ait jamais collaboré directement avec Lully, il a été influencé par les rythmes et les formes de danse françaises. Les Suites françaises de Bach et d’autres œuvres pour clavecin montrent son engagement envers le style français, qu’il a fusionné avec ses techniques contrapuntiques allemandes.

7. Bach et les musiciens d’autres pays européens

Antonio Vivaldi (1678–1741) : Bien que Bach et Vivaldi n’aient pas été directement associés en termes de collaboration personnelle, Bach a été influencé par les concertos de Vivaldi, en particulier par les arrangements de ses œuvres pour orgue et clavecin. L’utilisation par Vivaldi de la forme de ritournelle et de la virtuosité dans l’écriture instrumentale a trouvé une résonance dans les propres compositions de Bach.

Résumé des relations entre les genres :

Les interactions directes de Bach avec des musiciens d’autres genres que ceux de la tradition classique et sacrée furent limitées mais significatives dans la formation de son œuvre et de son héritage. Il eut des interactions professionnelles avec des facteurs d’orgues, des musiciens de cour et des compositeurs contemporains de musique lyrique et orchestrale. Son influence s’étendit cependant beaucoup plus loin, d’autant plus que des compositeurs ultérieurs de tous genres, comme ceux de la période classique, adaptèrent ses techniques contrapuntiques et ses harmonies à leurs propres œuvres.

Relation avec Frédéric le Grand

La relation de Jean-Sébastien Bach avec Frédéric le Grand (1712-1786), roi de Prusse, est intéressante et historiquement significative, bien qu’elle ait été assez brève et non dénuée de tensions. Le lien entre eux tourne principalement autour de la visite de Bach à la cour de Frédéric en 1747 et de la composition qui en résulta, l’Offrande musicale, l’une des œuvres les plus célèbres de Bach.

La rencontre de 1747

Frédéric le Grand, mécène des arts et musicien talentueux (notamment à la flûte), était connu pour rechercher des compositeurs et des interprètes talentueux pour sa cour à Berlin. En 1747, Bach, qui vivait à Leipzig à l’époque et était déjà un compositeur très respecté, fut invité à rencontrer le roi lors d’une visite dans la capitale.

Le défi de Frédéric : Selon la célèbre histoire, Bach rencontra Frédéric le Grand en juin 1747, alors qu’il visitait la cour royale de Potsdam, près de Berlin. Frédéric, qui était passionné de musique et jouait de la flûte, aurait lancé à Bach un défi musical. Il joua un thème à la flûte et demanda à Bach d’improviser une fugue basée sur ce thème.

Réponse de Bach : Bach, maître du contrepoint et de l’improvisation, aurait immédiatement créé une fugue basée sur le thème de Frédéric, étonnant le roi et sa cour par sa virtuosité. Impressionné par le talent de Bach, Frédéric lui demanda de revenir à la cour pour de nouveaux engagements musicaux.

L’Offrande Musicale (1747)

Après cette rencontre, Bach composa l’Offrande musicale (BWV 1079), un ensemble de compositions basées sur le thème que Frédéric lui avait présenté. L’œuvre, l’une des compositions les plus complexes et intellectuellement stimulantes de Bach, se compose d’un ricercar (une fugue) et de plusieurs canons et partitas.
La composition reflète la profonde compréhension de Bach du contrepoint et sa capacité à travailler avec des structures musicales complexes. Elle fut dédiée à Frédéric le Grand, bien que le roi lui-même n’ait pas été profondément impliqué dans sa composition. L’offrande de Bach montre son respect pour les intérêts musicaux du roi, mais elle est également une démonstration de ses propres prouesses artistiques.

La nature de leur relation

Mécénat : Bien que Frédéric le Grand fût un mécène des arts, il n’offrit pas à Bach de poste officiel à sa cour, comme il l’avait fait avec d’autres compositeurs. Bach était alors employé à Leipzig, où il occupait un poste stable de cantor à l’église Saint-Thomas. Cependant, la visite de Bach à la cour royale indiquait un respect mutuel entre les deux hommes, bien que la relation de Bach avec Frédéric n’ait pas été aussi influente financièrement ou politiquement que celles d’autres compositeurs invités à sa cour, comme Carl Philipp Emanuel Bach (son fils) ou Franz Benda.

Différences musicales : Bien que Frederick était un flûtiste accompli et un amoureux de la musique, ses goûts étaient plus en phase avec le style classique émergent, qui était moins contrapuntique et plus axé sur la mélodie et la simplicité par rapport au style baroque de Bach. Cette différence stylistique a peut-être limité la profondeur de leur relation personnelle ou professionnelle. Frederick a également été influencé par les idées plus récentes de l’ère classique, qui étaient plus modernes stylistiquement que les compositions baroques de maturité de Bach.

Conclusion

La relation entre Johann Sebastian Bach et Frédéric le Grand fut brève et quelque peu indirecte. Elle reposait principalement sur une seule rencontre en 1747, au cours de laquelle Bach impressionna le roi par son talent d’improvisateur, ce qui conduisit à la composition de l’Offrande musicale. Si la cour de Frédéric appréciait le génie de Bach, les deux hommes furent finalement séparés par des différences de style et des rôles musicaux différents. Néanmoins, cette rencontre marque un moment important dans la carrière ultérieure de Bach, car elle démontre à la fois son talent d’improvisateur et sa capacité à dialoguer avec le dirigeant d’une puissance européenne importante, même si elle n’a pas abouti à un mécénat durable.

La musique de Bach est-elle ancienne ou nouvelle ?

La musique de Jean-Sébastien Bach peut être considérée à la fois comme ancienne et nouvelle de son vivant, selon la perspective sous laquelle on l’envisage.

1. « Ancien » selon la tradition baroque :

Style conservateur : la plupart des œuvres de Bach sont de style baroque, qui était déjà bien établi à l’époque où Bach composait. Il a hérité des traditions musicales du contrepoint (en particulier la fugue), de l’ornementation et de la forme ritournelle (utilisée dans les concertos) de compositeurs baroques antérieurs comme Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli et Dieterich Buxtehude.

Pratiques baroques : L’utilisation par Bach de techniques contrapuntiques strictes (comme les fugues et les canons) était considérée par certains comme démodée, d’autant plus que le monde de la musique commençait à évoluer vers des formes plus simples et plus expressives qui caractériseraient le style classique émergent. Ce changement de style était particulièrement perceptible dans les œuvres de compositeurs comme Carl Philipp Emanuel Bach (son fils), Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart, qui recherchaient la clarté et l’émotion plutôt que le contrepoint complexe qui définissait les compositions de Bach.

2. « Nouveau » en termes d’innovation musicale :

Expérimentation harmonique : L’approche de Bach en matière d’harmonie était révolutionnaire. Par exemple, il utilisait souvent la modulation (changement de tonalité) de manière innovante pour son époque, créant une palette harmonique plus riche et plus dynamique. Sa capacité à créer des structures complexes mais harmonieuses, comme dans ses Concertos brandebourgeois ou Le Clavier bien tempéré, était en avance sur son temps.

Innovation structurelle : Les compositions de Bach étaient très complexes et techniquement avancées. Son contrepoint était plus développé que celui des compositeurs précédents, repoussant les limites de l’écriture fuguée et contrapuntique. Ses œuvres, telles que l’Art de la fugue et l’Offrande musicale, illustrent sa maîtrise de ces techniques, représentant un sommet dans la tradition baroque qui allait influencer les générations à venir.

Développement thématique : Dans des œuvres comme la Passion selon saint Matthieu ou la Messe en si mineur, Bach a utilisé le développement thématique d’une manière qui préfigurait les techniques de l’ère classique. Ces pièces montraient souvent une profondeur dramatique et émotionnelle qui n’était pas encore courante à l’époque baroque.

3. Réception pendant son temps :

Avis des contemporains : De son vivant, la musique de Bach était très appréciée pour sa complexité et sa brillance technique, en particulier par ceux qui appréciaient l’apprentissage approfondi impliqué dans sa composition, comme CPE Bach, Carl Philipp Emanuel Bach (son fils) et certains de ses collègues musiciens de Leipzig. Cependant, de nombreux musiciens et mélomanes de l’époque trouvaient sa musique trop complexe, surtout dans les dernières années de sa carrière, lorsque le style classique commença à s’imposer et que l’accent se déplaça vers la mélodie et la simplicité.

Héritage après sa mort : Après la mort de Bach en 1750, sa musique est tombée dans un relatif oubli pendant plusieurs décennies. L’essor de la musique classique et le rejet du contrepoint baroque complexe ont conduit à ce que les œuvres de Bach soient moins jouées et appréciées à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle. Ce n’est qu’avec le renouveau de Bach au XIXe siècle, mené par des personnalités comme Felix Mendelssohn, que l’œuvre de Bach a été réexaminée et célébrée comme un élément fondateur de la musique classique occidentale.

Conclusion:

À l’époque de Bach, sa musique pouvait être considérée à la fois comme ancienne et nouvelle. D’un côté, elle était profondément enracinée dans la tradition baroque et adhérant aux pratiques musicales établies. De l’autre, l’œuvre de Bach repoussait les limites de l’harmonie, de la structure et du contrepoint, jetant les bases du développement futur de la musique classique occidentale. Ainsi, bien que sa musique fasse partie d’une tradition plus ancienne, elle était révolutionnaire par sa profondeur, sa complexité et son innovation.

Œuvres remarquables pour clavecin solo

Johann Sebastian Bach a composé un nombre considérable d’œuvres pour clavecin, mettant en valeur sa maîtrise du contrepoint, de l’harmonie et de la profondeur expressive. Nombre de ces œuvres comptent parmi les pièces les plus célèbres du répertoire baroque. Voici quelques-unes des œuvres pour clavecin solo les plus remarquables de Bach :

1. Le Clavier bien tempéré, livres 1 et 2 (BWV 846-893)

Description : Recueil monumental de 48 préludes et fugues dans toutes les tonalités majeures et mineures, écrit en deux livres.
Importance : Il démontre les possibilités de l’accordage en tempérament égal et le génie de Bach dans le contrepoint et le développement harmonique.
Points forts : Prélude et fugue en ut majeur (Livre 1, BWV 846) et le dramatique Prélude et fugue en ut mineur (Livre 2, BWV 847).

2. Variations Goldberg (BWV 988)

Description : Un ensemble de 30 variations encadrées par un air d’ouverture et de clôture. Composé à l’origine pour clavecin à deux claviers.
Importance : Un sommet de la forme de variation baroque, présentant un mélange de virtuosité technique, de rigueur intellectuelle et de profondeur émotionnelle.
Variations notables : Canon à l’octave (Variation 12) et la virtuose Variation 29.

3. Suites anglaises (BWV 806–811)

Description : Suite de six suites, chacune contenant une Allemande, une Courante, une Sarabande, une Gigue et des danses ou mouvements supplémentaires (comme des Bourrées ou des Gavottes).
Importance : Elles se caractérisent par leur grandeur et leur contrepoint complexe, probablement écrites pour un mécène anglais ou inspirées de modèles anglais.
Suites remarquables : Suite anglaise n° 2 en la mineur (BWV 807) et Suite anglaise n° 3 en sol mineur (BWV 808).

4. Suites françaises (BWV 812–817)

Description : Un ensemble de six suites plus légères et plus intimes, chacune composée de mouvements de danse tels que l’Allemande, la Courante, la Sarabande et d’autres comme les Menuets et les Gigues.
Importance : Reflète l’adaptation par Bach du style de la suite de danse française avec sa propre complexité contrapuntique et son lyrisme.
Suites remarquables : Suite française n° 5 en sol majeur (BWV 816) et Suite française n° 6 en mi majeur (BWV 817).

5. Partitas (BWV 825-830)

Description : Un recueil de six partitas, publié sous le titre Clavier-Übung I, contenant chacune une séquence de danses stylisées.
Importance : Considérées comme l’une des œuvres pour clavecin les plus exigeantes techniquement et les plus diversifiées artistiquement de Bach, ces pièces sont riches en invention et en caractère.
Partitas remarquables : Partita n° 2 en ut mineur (BWV 826) et Partita n° 6 en mi mineur (BWV 830).

6. Fantaisie chromatique et fugue en ré mineur (BWV 903)

Description : Fantaisie dramatique et improvisée suivie d’une fugue très complexe.
Importance : Connue pour son chromatisme audacieux, ses fioritures virtuoses et sa profondeur émotionnelle. C’est l’une des œuvres pour clavier solo les plus célèbres de Bach.

7. Concerto italien (BWV 971)

Description : Concerto écrit pour clavecin solo, publié dans le cadre de Clavier-Übung II.
Signification : Imite le style d’un concerto italien, avec des mouvements rapides et lents contrastés et une structure extérieure brillante.
Mouvements : Allegro – Andante – Presto.

8. Toccatas (BWV 910-916)

Description : Recueil de sept toccatas, caractérisées par leur style improvisé et virtuose, souvent suivies de fugues complexes.
Importance : Ces œuvres comptent parmi les premières compositions pour clavier de Bach, mettant en valeur son style de composition et sa technique de clavier précoces.
Toccatas remarquables : Toccata en ré mineur (BWV 913).

9. Capriccio sur le départ d’un frère bien-aimé (BWV 992)

Description : Œuvre programmatique écrite en plusieurs courts mouvements, illustrant le départ d’un ami ou d’un frère.
Importance : Un exemple rare d’œuvre narrative de Bach, mêlant expression émotionnelle et narration musicale.

10. Fantaisies et fugues (divers numéros BWV)
Description : Pièces individuelles qui combinent des fantaisies dramatiques et improvisées avec des fugues à la structure serrée.
Signification : Ces œuvres témoignent de l’habileté de Bach à fusionner des formes musicales libres et strictes.

Résumé

La musique pour clavecin de Bach allie brio technique, profondeur émotionnelle et rigueur intellectuelle. Ces œuvres continuent d’être célébrées non seulement comme des chefs-d’œuvre de l’époque baroque, mais aussi comme des contributions intemporelles au répertoire pour clavier.

Pianistes et clavecinistes Œuvres de Bach

Les œuvres pour clavecin de Johann Sebastian Bach sont appréciées des interprètes au clavecin comme au piano moderne. Vous trouverez ci-dessous une liste de quelques-uns des clavecinistes et pianistes les plus célèbres qui ont donné vie aux œuvres pour clavier de Bach.

Clavecinistes célèbres :

Wanda Landowska (1879-1959)

Contribution : Elle est l’une des premières musiciennes à populariser le clavecin au XXe siècle. Ses enregistrements de Bach, notamment les Variations Goldberg et Le Clavier bien tempéré, ont été révolutionnaires et influents.
Héritage : Elle jouait sur un clavecin Pleyel, qui avait un son plus riche, semblable à celui d’un piano, par rapport aux clavecins historiques.

Gustav Leonhardt (1928–2012)

Contribution : Pionnier de l’interprétation historiquement informée (HIP). Les enregistrements de Leonhardt du Clavier bien tempéré, des Partitas et des Suites françaises sont considérés comme des références de l’interprétation baroque.
Héritage : Connu pour son utilisation d’instruments baroques authentiques et son jeu précis et expressif.

Scott Ross (1951–1989)

Contribution : Célèbre pour avoir enregistré l’intégrale des œuvres pour clavecin de Bach, y compris toutes les Partitas, les Suites anglaises et les Suites françaises.
Héritage : Un virtuose au style très expressif et techniquement brillant.

Pierre Hantaï (b. 1964)

Contribution : Connu pour ses enregistrements des Variations Goldberg, du Clavier bien tempéré et d’autres œuvres pour clavecin de Bach.
Héritage : Les performances de Hantaï sont reconnues pour leur vitalité rythmique et leur profondeur interprétative.

Trevor Pinnock (né en 1946)

Contribution : Une figure de proue du HIP. Ses enregistrements des concertos pour clavecin et des œuvres solo de Bach ont été salués par la critique.
Héritage : Le jeu de Pinnock allie clarté, énergie et authenticité stylistique.

Pianistes célèbres jouant les œuvres pour clavecin de Bach :

Glenn Gould (1932–1982)

Contribution : Connu pour ses enregistrements emblématiques des Variations Goldberg (1955 et 1981) et ses interprétations du Clavier bien tempéré.
Héritage : Gould a abordé les œuvres de Bach avec clarté et précision, créant souvent des opinions divergentes en raison de ses tempos et de son phrasé uniques.

Rosalyn Tureck (1913–2003)

Contribution: Dubbed the “High Priestess of Bach,” Tureck brought a deeply intellectual and expressive approach to Bach’s keyboard music.
Legacy: Her performances on the piano of The Well-Tempered Clavier and other works influenced many pianists, including Glenn Gould.

Murray Perahia (b. 1947)

Contribution: Known for his elegant and lyrical interpretations of The Goldberg Variations and The Well-Tempered Clavier.
Legacy: Perahia’s recordings are praised for their balance of emotion and structural clarity.

Angela Hewitt (b. 1958)

Contribution: Renowned for her recordings of Bach’s complete keyboard works on the piano, including the French Suites, English Suites, Partitas, and Goldberg Variations.
Legacy: Hewitt’s performances are noted for their lightness, precision, and poetic expression.

András Schiff (b. 1953)

Contribution: Schiff’s performances of The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations, and Partitas are highly acclaimed.
Legacy: His interpretations combine deep respect for Bach’s counterpoint with expressive nuance.

Sviatoslav Richter (1915–1997)

Contribution: Known for his profound interpretations of The Well-Tempered Clavier, Richter brought a unique intensity to Bach’s keyboard works.
Legacy: His recordings are celebrated for their depth and power, showing how Bach’s music transcends instruments.

Evgeny Koroliov (b. 1949)

Contribution: Praised for his recording of The Goldberg Variations, which many consider among the finest modern piano interpretations.
Legacy: Koroliov’s style is introspective, emphasizing Bach’s emotional and spiritual depth.

Comparing Harpsichord and Piano Performances:

Harpsichordists: Typically aim for historical authenticity, focusing on the clarity and ornamentation that suits the lighter touch of the harpsichord.

Pianists: Often bring a broader dynamic range and use the sustain pedal to create legato phrases, offering a different, more romanticized perspective on Bach’s music.
Both approaches reveal unique dimensions of Bach’s genius, making his music timeless across instruments and generations.

Notable Works

Johann Sebastian Bach’s non-keyboard solo works span a wide range of genres and demonstrate his mastery of vocal, orchestral, and instrumental music. Below is a list of notable works, organized by category.

1. Orchestral Works

Brandenburg Concertos (BWV 1046–1051)

Six concertos showcasing diverse instrumental combinations and textures.
Notable movements: Concerto No. 3 in G Major (Allegro), Concerto No. 5 in D Major (famous for its harpsichord cadenza).

Orchestral Suites (BWV 1066–1069)

Four suites featuring overtures and stylized dances.
Highlights: The Air from Suite No. 3 in D Major (“Air on the G String”).

Concertos pour violon

Concerto pour deux violons en ré mineur (BWV 1043) (« Double Concerto ») – Célèbre pour son interaction entre les deux violons solistes.

Concerto pour violon en la mineur (BWV 1041) – Un chef-d’œuvre du répertoire pour violon seul.
Concertos pour clavecin (transcriptions pour autres instruments)

Beaucoup d’entre eux ont été adaptés de concertos antérieurs pour violon ou autres instruments.

2. Œuvres instrumentales

Sonates et partitas pour violon seul (BWV 1001–1006)

Six œuvres mettant en valeur la maîtrise de la polyphonie de Bach sur un instrument à une seule ligne.

Pièces remarquables : Chaconne de la Partita n° 2 en ré mineur (BWV 1004).

Suites pour violoncelle seul (BWV 1007–1012)

Six suites pour violoncelle a cappella, chacune comportant un prélude suivi de danses stylisées.

Points forts : Prélude de la Suite n° 1 en sol majeur (BWV 1007).

Sonates pour flûte

Exemple : Sonate en si mineur (BWV 1030), mêlant éléments lyriques et virtuoses.

L’Offrande Musicale (BWV 1079)

Un recueil de canons, de fugues et d’une sonate en trio basé sur un thème de Frédéric le Grand.

L’Art de la Fugue (BWV 1080)

Une exploration complète des possibilités contrapuntiques, restée incomplète à la mort de Bach.

3. Œuvres chorales et vocales

Messe en si mineur (BWV 232)

Une mise en musique monumentale de la messe latine, mêlant contrepoint complexe et airs expressifs.

Passion selon saint Matthieu (BWV 244)

Une mise en musique dramatique et profondément émouvante du récit de la Passion pour double chœur et orchestre.
Comprend : Erbarme dich, mein Gott (une aria d’alto poignante).

Passion selon saint Jean (BWV 245)

Une Passion plus courte et plus intense que la Passion selon saint Matthieu.

Oratorio de Noël (BWV 248)

Un ensemble de six cantates pour la période de Noël, célébrant la Nativité.

Magnificat (BWV 243)

Un arrangement joyeux et virtuose de l’hymne de louange à la Vierge Marie.
Cantates

Plus de 200 cantates sacrées et profanes, composées pour des services religieux et des occasions spéciales.

Exemples :

Réveillez-vous, la voix nous appelle (BWV 140) – « Dormeurs, réveillez-vous ».
Cœur et bouche et Action et vie (BWV 147) – Présente le célèbre « Jésus, la joie du désir de l’homme ».

4. Œuvres pour orgue

Toccata et fugue en ré mineur (BWV 565)

L’une des pièces d’orgue les plus célèbres, connue pour sa toccata d’ouverture dramatique.

Passacaille et Fugue en do mineur (BWV 582)

Une œuvre monumentale basée sur une ligne de basse répétitive.

Prélude et fugue en mi majeur (BWV 552)

Le Clavier-Übung III se termine par un livret qui met en valeur la maîtrise de l’orgue par Bach.

Préludes de choral

De nombreux arrangements d’hymnes luthériens, chacun reflétant une profonde perspicacité théologique et musicale.

5. Œuvres vocales profanes

Cantate du café (BWV 211)

Une cantate humoristique sur l’amour d’une jeune femme pour le café.

Cantate paysanne (BWV 212)

Une œuvre légère célébrant la vie rurale et mettant en vedette des mélodies de style folklorique.

Résumé

Les œuvres de Bach témoignent d’une maîtrise inégalée dans tous les genres qu’il a explorés. Des œuvres solos intimistes aux grands chefs-d’œuvre choraux, sa musique reste une pierre angulaire de la tradition classique occidentale.

Les meilleurs enregistrements de JS Bach

Les œuvres de Johann Sebastian Bach ont inspiré d’innombrables enregistrements, chacun offrant un aperçu unique de sa musique. Vous trouverez ci-dessous une sélection de superbes enregistrements des œuvres de Bach, couvrant différents genres et interprétés par certains des plus grands artistes de l’histoire. Ces enregistrements sont largement acclamés pour leur talent artistique, leur profondeur d’interprétation et leur importance historique.

1. Œuvres pour clavier

Le Clavier bien tempéré

Glenn Gould (piano) – Une interprétation légendaire et non conventionnelle, pleine de clarté et d’énergie.
András Schiff (piano) – Une approche plus lyrique et expressive, mettant en valeur la profondeur émotionnelle des pièces.
Angela Hewitt (piano) – Connue pour son toucher léger et son phrasé méticuleux.
Gustav Leonhardt (clavecin) – Historiquement informé et richement détaillé.

Variations Goldberg

Glenn Gould (piano, enregistrements de 1955 et 1981) – Deux enregistrements emblématiques : la version de 1955 est jeune et virtuose, tandis que celle de 1981 est introspective et profonde.
Murray Perahia (piano) – Une interprétation raffinée et équilibrée.
Pierre Hantaï (clavecin) – Dynamique et historiquement informée.
Wanda Landowska (clavecin) – Un enregistrement pionnier avec une touche romantique distinctive.

Partitas et Suites Françaises

Rosalyn Tureck (piano) – Profondément intellectuelle et pleine d’émotions.
Trevor Pinnock (clavecin) – Interprétation claire et vivante sur instruments d’époque.

2. Œuvres orchestrales

Concertos brandebourgeois

Trevor Pinnock et The English Concert – Un enregistrement de référence avec instruments d’époque.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel – Énergique et historiquement informé.
Herbert von Karajan et l’Orchestre philharmonique de Berlin – Une interprétation luxuriante et romantique.
John Eliot Gardiner et les solistes baroques anglais – Élégant et dynamique.

Suites orchestrales

Jordi Savall et Le Concert des Nations – Une interprétation vivante et historiquement informée.
Trevor Pinnock et The English Concert – Des textures claires et des rythmes enjoués.

3. Œuvres instrumentales solo

Sonates et Partitas pour violon seul

Hilary Hahn (Violon) – Techniquement impeccable et profondément expressif.
Jascha Heifetz (Violon) – Une approche romantique et virtuose.
Rachel Podger (Violon) – Historiquement informée et pleine de chaleur.
Nathan Milstein (Violon) – Intemporel et profond.

Suites pour violoncelle

Pablo Casals (violoncelle) – Le premier enregistrement majeur, plein de passion et de caractère.
Yo-Yo Ma (violoncelle) – En particulier son enregistrement de 1998, qui équilibre émotion et maîtrise technique.
Mstislav Rostropovitch (violoncelle) – Grandiose et profondément personnel.
Anner Bylsma (violoncelle) – Historiquement informé, utilisant des instruments d’époque.

4. Œuvres chorales et vocales

Messe en si mineur

John Eliot Gardiner et le chœur Monteverdi – Un enregistrement époustouflant sur instruments d’époque.
Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale Gent – ​​Sublime et spirituellement profond.
Karl Richter et le chœur Bach de Munich – Une interprétation romantique d’une puissance dramatique.

Passion selon saint Matthieu

Otto Klemperer et le Philharmonia Orchestra – Une interprétation romantique monumentale et profondément émouvante.
John Eliot Gardiner et les solistes baroques anglais – Un enregistrement rapide et historiquement informé.
Nikolaus Harnoncourt et le Concentus Musicus Wien – Un enregistrement pionnier du HIP.
Herbert von Karajan – Intensément dramatique et richement orchestré.

Passion selon saint Jean

John Eliot Gardiner et les solistes baroques anglais – Urgent et dramatique.
Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale Gent – ​​Intime et réfléchi.

Cantates

Nikolaus Harnoncourt et Gustav Leonhardt (Intégrale des cantates) – Un projet monumental et historiquement informé.
John Eliot Gardiner (Pèlerinage des cantates de Bach) – Dynamique et magnifiquement enregistré.
Suzuki Masaaki et Bach Collegium Japan (Intégrale des cantates) – Interprétations sublimes et spirituelles.

5. Œuvres pour orgue

Marie-Claire Alain (Complete Organ Works) – Un enregistrement complet et magnifiquement réalisé.
Helmut Walcha (Complete Organ Works) – Un enregistrement classique, profondément perspicace.
Ton Koopman – Énergique et historiquement informé.
E. Power Biggs – Une approche romantique avec grandeur.

6. L’Art de la fugue (BWV 1080)

Glenn Gould (Piano) – Une interprétation moderne et claire.
Musica Antiqua Köln / Reinhard Goebel – Une version pour ensemble d’instruments d’époque.
Jordi Savall et Hespèrion XXI – Interprétés avec des violes, offrant des textures uniques.

7. L’Offrande Musicale (BWV 1079)

Karl Richter – Une interprétation romantique.
Jordi Savall et Le Concert des Nations – Historiquement informé, avec un beau phrasé.
Pierre Hantaï et ses amis – Clair et engageant.

Résumé

Ces enregistrements représentent une variété d’approches de la musique de Bach, allant des interprétations historiquement informées aux interprétations modernes. Chaque enregistrement met en lumière une facette différente du génie de Bach, offrant quelque chose à chaque auditeur.

(Cet article a été écrit par ChatGPT.)

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